Nomada Q : LED

LED

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Diseñada a partir e un eje central que conserva el equilibrio respecto a su extremos, diseño estructural que permite a sus visitantes que lo recorren obtener dos perspectivas de un mismo lugar.

La esperiencia titulada Smile contempla el espacio como un lugar versatil en funcion de una diversidad de comportamientos. Realizada para la ultima edición del London Design Festival celebrada a lo largo del mes de Septiembre del año pasado.

Se trata de una instalación cuyo diseño curvilíneo ha sido firmada por el estudio de arquitectura de Alison Brooks, fabricada con laminas de madera el arco conserva la tensión en relación al espacio. Gracias a uno soportes que actúan como contrapeso impidiendo que se balancee hacia los lados.

Titulada Smile (sonrisa), el arco presenta un largo de 34 metros de longitud por 4.5 de ancho tiene un acceso único en el centro de la pasarela que esta flanqueada por una secuencia de diodos led, que les proporciona al conjunta una atmósfera surrealista.

Perforada en los paneles laterales estos orificios permiten la circulación de aire en el interior de la estructura, Smile cuyas formas pulidas suponen el contrapunto y un contraste con el paisaje arquitectónico donde actúa, es un proyecto que explora los rendimientos del espacio y sus efectos sensoriales.

The Smile es un pabellón público que formó la pieza central del Festival de Diseño de Londres 2016. Ubicado en el Chelsea College of Art (UAL) Parade Ground junto a la Tate Britain. Se trataba de una experiencia arquitectónica inmersiva. Elconcepto surgió de la necesidad de crear una instalación pública utilizando solo setenta metros cúbicos de material de desecho quese obtuvo de bosques de frondosas de bosques caducifolios mixtos del este de los EE.UU.

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Quizas pueda parecer un poco temerario informarse sobre el estado de mar y la climatología mientras estas tratando de surfear la ola perfecta, pero por otra parte puede resultar realmente practico conocer cualquier incidencia que pueda influir en un determinado punto de la costa.

Y que a ti te pueda beneficiar como practicante de surf. Diseñada por la multinacional Samsung y el prestigioso diseñador de tablas de surf Johnny Cabianca. Cuando recibió el encargo de crear un modelo para la fabricación del prototipo de la futura Samsung Galaxy Surfboard, se tuvo que enfrentar al desafió que suponía seleccionar un material lo suficiente resistente y ligero.

Que hiciera compatible la integración de soluciones tecnologicas y las características de un medio cuyas especiales condiciones suponen un grado de exigencia y de especialización. Ciñéndose a las propiedades y medidas que tiene que presentar toda buena tabla de surf que se precie Cabianca diseño una tabla que garantizara la seguridad al sumergirse en el agua y unas buenas condiciones de visibilidad que permitiera su consulta en tiempo real y en casi cualquier tipo e situación.

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Testada por el campeón y surfista profesional Gabriel Medina, la Samsung Galaxy Surfboard permite la conectividad a través del smartphone GalaxiS7. Enviando la información relativa a diferentes parámetros relacionados con la climatologia y el estado de las olas, a través de la pantalla LED de la tabla

Las caprichosas formas que presenta la célula de la Amoeba han servido al artista Thomas Medicus, para rendir un emotivo homenaje al entorno con el que habitualmente se relaciona.

Replicados a partir de los fragmentos de una vidriera, los organulos de estos protistas cuya flexible morfología se debe a que carece de pared celular. Propiedad que les permite desplazarse en su microscopico ecosistema, nutriéndose de los microorganismos con los que comparte su hábitat.

La intervención está hecha en el contexto de una fascinación de Thomas por la vida como un fenómeno difícil de capturar en una situación no casual. Teniendo que recurrir a herramientas opticas muy sofisticadas.

Debido a las propiedades con las que se ha diseñado la escultura, brilla despertando la curiosidad de los espectadores que se aproximan tratando de averiguar a qué objeto u organismo obedecen las formas de la pieza.

Matices que sólo percibes si te aproximas a la instalación pudiendo ver sus detallados patrones. Con este propósito el contorno de la obra esstá iluminada con diodos LED integrados en el marco blanco.

Fascinado por la cualidad de la fluorescencia de la amoeba, un fenómeno muy raro en la naturaleza y que debido a su escala resulta imperceptible al ojo humano. Thomas reproduce desde la abstracción visual su funcionamiento mostrándonos su mecanismo utilizando un lenguaje artístico.

Thomas Medicus nacido en 1988, es un artista visual con sede en la ciudad austriaca de Innsbruck. La trayectoria de Thomas comenzó a ser conocida por sus cubos anamórficos. Exploración de las geometrías desde un enfoque artístico que ha combinado, enriqueciendo con otros campos como la ilustración, la animación, el arte digital, las vidrieras, la restauración y la conservación, así como el arte público. Aunque su vínculo con el arte se produjo cuando finalizo su formación como trabajador social. Trabajo que no ejerció incribiendose en la Glasfachschule Kramsach, una escuela de arte en vidrio, donde obtuvo un título de maestro vidriero.

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Creada para el programa de arte publico Watershed que se convoco a lo largo de 2.015, teniendo como marco la ciudad canadiense de Calgary.

La instalación titulada Forest Lawn Lift Station utiliza como medio narrativo la tecnología como materia prima, con la que crea paisajes artificiales. En los que la luz emitida desde el interior de un edificio es la gran protagonista.

Rayos de luz que utiliza como vínculo entre el pasado y futuro de un determinado objeto. En este sentido Sans customiza una vieja estación de bombeo de aguas residuales añadiéndoles diodos Led. Argumento creativo que reactualiza el uso del un espacio.

Destinado hasta hace unos añosa funciones hidraulicas, haciendo referencia a la relación y su uso anterior. Además de generar memoria colectiva que obedece a la necesidad derecuperar un paisaje que ha sido domesticado a marchas agigantadas con la construcción de carreteras que han sustituido a los viejos caminos.

Producto de la colaboración del Sans con un equipo interdisciplinar formado por ingenieros y arquitectos. La superficie de la fachada modifica su patrón de colores reflejando el estado de los recursos hidricos con los que cuenta la ciudad.

Firmada por el artista local Sans Façon, la instalación híbrida ha sido merecedora del premio del certamen por representar los valores y principios de la ciudad. Simbolizando la esencia de los orígenes sobre los que asento y desarrollolo. A partir de una concepción poética donde la luz representa como metáfora orgánica los cientos de afluentes que todavía se pueden encontrar en los alrededores de la ciudad.

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Aprovechando como soporte uno de los muchos esqueletos desnudos, de los edificios que se han quedado a medio- construir. Producto de la especulación que esta experimentando la ciudad principal de la isla malaya de Penang.

El artista local Jun Hao Ong los ha utilizado como huéspedes casuales, que han albergado cuerpos extraños luminosos. Estableciendo una relación simbiotica en la que el parásito se benéficia del desuso de un edificio en construccion.

El objeto geométrico con forma de estrella está iluminado a lo largo de sus aristas y puntas por cientos de diodos led. The Star se comporta como un faro que ilumina la ciudad.

Para su ejecución la instalación de carácter especifico, hubo que perforar parcialmente algunos pisos entre, permitiendo crear el contraste de geometrías que se observa.

Trabajando con narrativas oníricas Jun, nos propone recetas cono argumentos, en los que la iluminación nos sumerge en un estado que induce al sueño

Realizada para la ultima edición del festival de arte urbano Xchange Urban. Cuya organización invito a Jun a participar en la muestra. Por su constante exploracion en las posibilidades de rendimiento del paisaje. A través de la introducción de elementos ajenos al espacio donde interviene.

La actuación es una muestra del compromiso y sensibilización del artista con su país, respecto a la degradación de su clima político y cultural. Tensión que ha dinamitado proyectos como el del futuro un puerto industrial, que serviría para unir a la isla con el continente.

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Instaladas bordeando un lago a los pies de la principal biblioteca de la localidad de Paloalto en el estado de California, cada una de las seis esculturas que componen el conjunto llamado Words Of Steel.

Estan troqueladas con algunos de los abecedarios mas utilizados en el mundo. Letras con las que se articulan las centenares de miles de millones de palabras. Que cada día se transmiten, ya sea de forma oral o escrita

Realizadas en acero cada pieza tiene instalado en su interior un equipo de luces led, que al anochecer permiten a sus usuarios modificar el patrón de colores que se proyecta sobre las aguas serenas del estanque.

Creando un sin fin de espectaculares combinaciones que deforman la superficie del lago. Trazando las letras que se fusionan dependiendo de la orientación y del punto a donde se dirija el haz de luz.

Creadas por los artistas Joe O'Connell y Blessing Hancock bajo el titulo Words of Steel, el conjunto escultural simboliza la mezcla de culturas y lenguas a través de las que nos manifestamos y comunicamos, convirtiendo nuestras diferencias en oportunidades en un mundo globalizado.

Inspiradas por las interacciones cada vez más complejas que se observan en el contexto de las sociedades contemporáneas occidentales. En las que el modelo estándar y las herramientas de comunicación y sus secuencias se modifican a cada instante cambian la naturaleza y significado de lo que se expresa no siendo siempre comprensible para muchos.

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Formado por cientos de diodos LED cada matriz que forma parte de la instalación Free Pixel. Se comporta como el entorno digital de cualquier aplicación de tratamientos de imagenes.

Realizada por el artista Carlo Ratti y presentada en la sección Artemide de la ultima edición de la feria de diseño de Milan. Sobre la matriz trabaja un brazo robótica que ejecuta patrones preconfigurados, que obedecen a criterios de intensidad lumínica, color o flujo, reproduciendo diferentes enunciados.

Los LEDs crean un ecosistema dinámico y vivo, independiente y móvil. Un robot cuenta es alimentado continuamente de contenido mediante la colocación de 1.000 píxeles en un panel que asume configuraciones arbitrarías. La infraestructura digital nos permite recopilar grandes cantidades de datos sobre la ciudad a través de los que interpretar diferentes baremos de su funcionamiento.

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Free Pixel explora las posibilidades de interacción de la tecnología y la la capacidad de usarla, como medio de expresión del entorno donde opera

El árbol de Myrtle es una especie ornamental cuyos tonos morados, forman parte de muchos jardines en Asia principalmente en China. De aspecto delicado se trata de un arbusto que por sus características, su adaptación al clima es la mas idónea.

Inspirado en una variedad muy concreta que crece en Beijing, el estudio Panda con sede Viena ha diseñado un jardín compuesto por filamentos de acero que reproducen diferentes patrones sonoros. Registrado a diferentes frecuencias se correlacionan con una diversidad de tipologías urbanísticas.

Perforadas con muescas cada columna del bosque es fruto de la tradición y las prácticas tecnologicas, el visitante tiene la oportunidad de acceder a una experiencia inmersiva donde lo artificial se concreta en una propuesta multimodal que te traslada a un entorno natural.

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Recortados sobre el horizonte el bosque de Soundwave Plaza reproduce sonidos de la cultura local, siendo un espacio de transición entre la ciudad y el campo

Diseñado en 2.011 la pasarela peatonal Shapeshifting Helix, fue un proyecto premiado y no realizado hasta la fecha. Presentaba una serie de particularidades en su diseño, que se han replicado en otros proyectos similares.

De forma helicoidal la pasarela firmada por el estudio mexicano Sanzpont, unía dos edificios en la ciudad canadiense de Montreal. El puente estaba dotado de un mecanismo de tracción flexible, con el que se podía inclinar en diferentes puntos obteniendo vistas que diferían unas de otras, en función del lugar donde te situaras.

Incorporados como soluciones fotovoltaicas a la estructura acristalada, las células capturaban energía solar. Que se destinaba a la red de iluminación y de gestión de la pasarela, que al anochecer presentaba un patrón de color cuyo gradiente variaba ofrecían un espectáculo único.

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Shapeshifting Helix es un puente que a su funcionalidad como elemento cohesionador, supone un espectáculo visual

Vortex es un instalación que combina la materia orgánica, la iluminación artificial y tecnología. En una propuesta multimodal con entidad y autonomía propia cuyo comportamiento obedece a las condiciones de su entorno.

Creada por el estudio de diseño e iluminación 1024 architecture. La escultura de grandes dimensiones instalada dentro del recinto de Darwin Ecosystem Project se puede visitar en la ciudad de Burdeos.

Representa un enorme vórtice que cobra vida al atardecer coincidiendo con la entrada de la noche. Apoyado en una estructura compuesta por andamios, Vortex entra en estado de letargo al amanecer cumpliendo con el mismo ciclo "vital" una y otra vez.

Una estructura que evoluciona como un organismo vivo; respira, se dilata y contrae, emitiendo pulsos de luz que se han creado previamente utilizando el software MadMapper creado por ellos mismos.

Vortex es una instalación hecha con laminas de madera bañada por los impulsos de la luz de decenas de diodos LED, que se alían para interactúar de forma inteligente y creativa con el espacio donde actua.

Una estructura que evoluciona como un organismo vivo; respira, se dilata y contrae, emitiendo pulsos de luz que se han creado previamente utilizando el software MadMapper de 1024.

Controlado manualmente mediante una palanca de mano, la estructura se puede sincronizar con la música y también muestra el consumo de energía gracias a unos sensores cuyos datos son registrados.

Reduciendo la huella e impacto ecológico producto del consumo de energía del edificio. Datos que tras ser procesados en imágenes se proyectan en tiempo real, a través de un haz de luz que traza figuras abstractas.

1024 Architecture es un estudio creativo fundado en 2007 por Muelle de Schneider y François Wunschel. Cuyos proyectos exploran la frontera tenues que existe entre diferentes ámbitos expresivos. Sus intervenciones se enfocan en sacar el máximo rendimiento creativo del espacio y sus propiedades sensitivas.

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El diseñador Kouichi Okamotor perteneciente al estudio de diseño creativo, fotografía y arte luz Kyouei Design representa el cerebro. Ese órgano interconectado por mas de 100.000 millones de neuronas y mediante las que el yo percibe la realidad del mundo que le rodea limitada por sus caracterices biológicas y evolutivas.

Como un objeto de decoración donde lo estético de unas formas y minimalistas y lo poético de su mensaje y laborioso de una estructura tan compleja como el cerebro. Titulada Light of thought (la luz del pensamiento) la instalación reproduce las estrías cerebrales mediante miles de puntos de luz LED soldados sobre una plancha de vidrio. Los filamentos apenas perceptibles se iluminan alternativamente ambos hemisferios. Asignando el lado derecho una carga negativa y al lado izquierdo una carga positiva.

Antes de que el maíz se introdujera como cultivo en Europa añadiéndose como ingrediente a innumerables platos. Hacia ya miles de años que las diferentes culturas meso americanas lo habían convertido en una piedra angular de su agricultura.

Destinando extensas áreas del actual Mexico, espacio geografico donde la civilización Azteca desarrollo toda una cultura alrededor de su cultivo. Logrando una selección de variedades compuestas por semillas mediante las que conseguían su adaptación a los terrenos mas desfavorables.

Superando los patrones climáticos mas exigentes, lo que les permitía sintetizar poderosas soluciones virales con las que combatir repeler los efectos de algunas plagas de insectos.

En la actualidad todo este conocimiento y bagaje que pertenece a la cultura popular heradado de forma generacional se encuentra en peligro de extinción. No tanto debido a la introducción por razones puramente mercantilistas de variedades de maíz modificadas genéticamente.

Sino por que se estan eliminando de forma deliverada el resto de las variedades, las cuales son producto de infinidad de mutaciones genéticas producidas a lo largo de miles de años siguiendo un patrón natural. La consecuencia directa es la desaparición de este legado biológico.

Pérdida que tiene un efecto empobrecedor sobre la agricultura que se trabaja en explotaciones cuya escala es más reducida y local. Actividad en proximidad cuya dinámica de trabajo es más elaborada, la cual está siendo sustituida por un modelo de carácter industrial implantado a escala global, cuyo principal objetivo es maximizar sus beneficios económicos.

Para denunciar esta situación el proyecto artístico-cívico Maíz Visual, utiliza elementos que hacen referencia a las raíces culturales y místicas del pueblo Azteca. Representandolo a través de la utilización de técnicas digitales. Combinación con las que articulan un lenguaje accesible por una mayoría de ciudadanos con el que transmiten un mensaje, que expresa lo lúdico a la vez que conciencia sobre esta problematica agro-alimentaria de primera magnitud.

Titulada Dioses de Maíz, se trata de una serie de proyecciones que utiliza como superficie el espacio publico, donde se reproduce efigies de dioses aztecas. Estas holografias de grandes dimensiones en 3D se complentan con rótulos y ducumentación alusiva a la iniciativa, con la que se pretende poner al publico en antecedentes sobre los organismos modificados genéticamente (OMG) y de como nos afecta.

Instalada en la entrada del Centro de Coordinación de Emergencias de la ciudad norteamericana de Portland. La presencia de Heart Beacon carece de función medica alguna.

Sin embargo los usuarios del recinto hospitalario se acercan a esta enorme reproducción de principal musculo humano. Atraídos por el deseo de saber como suena su ritmo cardiaco o que color se enciende cuando se toman el pulso.

La instalaccion que posee un fuerte componente ludico, ha sido creada por el estudio Creative Machines. Tratándose de una propuesta interactiva donde mediante un sistema compuesto por diodos y efectos de sonido.

Se reproducen las constantes vitales registradas por los sensores adosados a su estructura. Concebido como un artefacto lúdico los datos recogidos se traducen en un patrón único y vinculado a las constantes vitales de cada sujeto que se acerca a este enorme corazón.

Compuesta por dos velas cubiertas con laminas de acrílico, en el habitáculo de Heart Beacon, esta alojada una ojiva encapsulada que funciona como una plataforma autónoma e inmersiva.

Desde la que transmitir un mensaje de esperanza a los habitantes de la ciudad de Portland. Elaborado con la aportación realizada por los miembros de la comunidad. Heart Beacon es una experiencia colectiva que combina el arte y la participación activa, utilizando un lenguaje accesible y creativo.

Protegidos por lunas de vidrio, cientos de diodos LED, se distribuyen ambos lados de un pasillo que el visitante recorre en silencio y rodeado por una atmósfera que se caracteriza por los tonos oscuros.

Las parcelas que se dividen siguiendo un patrón cuadricular representan un bosque de bambú de los que se pueden encontrar en los alrededores de Daiwa House en la localidad china de Wuxi. Donde de forma permanente se exhibe la instalación de efecto masivo Infinity bamboo forest (bosque infinito de bambú).

Creada por el estudio de diseño Prism Design. Estéticamente te evoca pasajes que parecen extraídos de la ciencia ficción, donde la tecnología se yuxtapone a contexto natural transformándolo en un paisaje donde lo digital modifica la identidad orgánica de sus elementos así como sus procesos de expresión.

Donde las vainas de bambú y sus tonalidades son sustituidas por un paisaje artificial caracterizado por la racionabilidad de sus formas y efectos reflectantes. La disposición de cada tubo Infinity bamboo forest crea la sensación de infinito abarcando la totalidad del espacio, reflexionando sobre los efectos de la era digital y su colonización del entorno natural.

En el transcurso de los últimos cien años debido a la presión ejercida por el conjunto de la humanidad sobre su entorno. Se ha producido un desequilibrio en la naturaleza.

Esto antecedente cultural producto de una visión antropomórfica de la vida, ha propiciado la mayor extinción de seres vivos que haya conocido el planeta tierra. Esta situación desconocida ha implicado entre otras muchas causas. La expulsión de la mayoría de las especies animales del hábitat del ser humano, rompiendo un vinculo que había permitido la cohabitación entre el ser humano y el resto de las especies que lo pueblan, suponiendo un beneficio recíproco.

El proyecto Theater of lost species, desarrollado por el estudio de arquitectura y urbanismo avanzado Future Cities Lab. Pretende ser un laboratorio donde experimentar las consecuencias y fenómenos que se producen debido a este distanciamiento entre el ser humano y el resto de las especies.

La estructura concebida como un ente desconocido se presenta como una forma de vida desconocida para el ser humano. Fabricada con membranas porosas hechas con carbono ligero reforzado y resina el ente establece un compromiso ecológico con el publico curioso que se acerca.

Equipado con un sistema compuesto por sensores y diodos LED que cubren su superficie. Esta pensada para permitir la interacción en un supuesto escenario donde el desconocimiento mutuo, se propicia a partir de un primer encuentro entre seres que han vivido permaneciendo en planos diferentes.

Expuesta en el centro de arte moderno YBCA de la ciudad de San Francisco en California. Theater of lost species es una proyecto que combina el arte digital y la ciencia ficción desde una óptica conservacionista. Que forma parte de la agenda de actividades de la exposición colectiva Dissident Futures.

Situado en el centro de un plaza céntrica de Milan, la instalación e-QBO es a ojos del espectador que se aproxima ella. Ya sea de forma deliberada o en otro sentido de forma casual.

Una instalación de arte moderno con la que interactuar en el primer caso, o una atracción puesta en el espacio espacio con un propósito ludico. Diseñada y ejecutada por el artista Remolo Stanco, cuya práctica le podría situar en la vanguardia del arte contemporaneo.

Es cuando te aproximas a una de las caras digitalizada de este cubo monolítico. Cuando comienzas a comprender su naturaleza y función. Te percatas de que de su aparente aspecto sólido formado por sus planchas de acero, emergen diferentes proyecciones digitalidas.

Imágenes que comparten espacio con células fotovoltaicas, a partir de las que la energía con la que se cubre las necesidades de este. Creada por el diseñador en colaboración con la compañía de telecomunicaciones TRED.

El cubo aparte de su valor estético es un centro de comunicaciones integrado en sus tripas. Cuyo elevado consumo de energía es cubierto de forma autónoma por las placas solares con las que esta envuelto.

Aparte del acumulador fotovoltaico diseñado e integrado en una forma geométrica cubica. La instalacion acaba capturando toda la atención de su entorno. Creando un diálogo con los edificios históricos de la ciudad y su memoria.

El cubo e-QBO cuenta con una instalación compuesta por diodos LED, que dibujan visuales patrones de luz con los que iluminan el espacio publico creando divertidos mapeados de su entorno. En un sentido poético el cubo e-QBO, se comporta como una isla urbana de acumulación de energía de origen renovable.

Su constitución solida cobra vía saliendo de su letargo, a través de la actividad interactiva con la que atiende las necesidades de comunicación de sus usuarios, a la vez que contribuye a la riqueza estética de donde esta ubicado.