Mostrando entradas con la etiqueta animación. Mostrar todas las entradas

Walt Disney, y la ciudad distopia que no logró construir

 

Cuando iniciado el siglo XX un jovencicimo Walt Disney desembarcaba con sus sueños de convertirse en un gran realizador precursor de la animación, por las calles de un incipiente Hollywood circulaban escasos vehículos motorizados, por no decir ninguno. 


De hecho los primeros planes urbanísticos desarrollados en la ciudad no contemplaban la presencia del vehículo motorizado, al contrario de lo que se cree popularmente. El condado de Los Angeles fue concebida como una mega urbe, donde sus residentes se desplazarián utilizando principalmente el transporte público. 


Que en aquella época se reduciría principal a los tiros de caballos colectivos y a una precaria red de tranvías que circulaban propulsada por catanerias. Una imagen la de aquellas primeras décadas muy alejada de la que ofrece esta fran ciudad Californiana con tantos vehículos privados, como los casi veinte millones de habitantes que residen en su término municipal. 


Y que por supuesto tiene muy poco tenia que ver con los proyectos urbanísticos en los que participó Disney, porque a más de uno Walt, aparte de revolucionar la industria del cine de animacion, incorporando las producciones realizadas a partir de dibujos cuyo se realizaba poco más o menos de forma tradicional. Ya fuera adoptando una figura más activa como promotor involucrado en desarrollos urbanísticos. 


O involucradose en proyectos de terceros le sorprenderá la perpizcaz visión de Walt Disney en el ambito de la planificación urbanistica. Labor que sin embargo dio como resultado algunas propuestas realmente interesantes. Aunque la mayoría de ellas no llegarían a materializarse, no pasando del boceto. 

La esfera geodésica de Buckminster ideada para que se convirtiera en icono de la ciudad


Si hubo otras que de forma más o menos íntegras han llegado hasta nuestros dias. Mostrándonos a un emprendedor cuya cosmovisión sobre la que el estimaba que eran los elementos sobre los que se tenían que levantar los cimientos de cualquier ciudad. Se basaban básicamente en una eficiente utilizacion de los recursos disponibles. 


Y sobre todo en el interés ya en aquella época, estamos hablando para situarnos en contexto de las décadas de los 50's y los 60's del siglo pasado. De acomodar la presencia del vehículo privado (presencia que cada vez cobraba más relevancia en las calles), sobre todo aquellas que destacaban por su incremento considerable de población. 


Donde en relativamente poco tiempo se había convertido en el objeto más codiciado de deseo entre una multitud de consumidores, que anhelaba poseer y utilizar sus prestaciones, para conseguir unos estándares de autonomía más amplios. Y sobre todo para elevar su estatus social como individuo. 


Propósito que logro de forma más o menos afortunada a través de planteamientos como el que desplegó, en la ordenación del territorio que realizó para el plan primerizo «Prototipo Experimental de Ciudad del Mañana» EPCOT.

Maqueta tridimensional de un área de la ciudad ideada por Disney


Embrion sobre el que en 1965 se comenzó el desarrollo de un segundo parque temático, Disney World, que tuvo finalmente su emplazamiento en Florida. Cuyo concepto básico se inspiraba en el patrón de ciudad concéntrica recogida en EPCOT


Cuyo corazón neuralgico iba a constiur un nuevo tipo de ciudad,  a través de la que se crearía una constelación urbanistica totalmente desconocido hasta entoces, donde la tecnología sería el eje principal sobre el que se vascularia prácticamente la totalidad de la vida cotidiana de la ciudad. 


Desde el mismo centro donde comenzaria, hasta el extraradio de la ciudad abarcando la completamente, plan urbanístico para cuya realización se precisaría alrededor de ciento diez hectáreas de terreno. En el que destacaría un enorme cinturón verde que proporcionaria a la ciudad un elevado coeficiente de oxigenación y aire puro. 


Aunque nunca llegó a construirse a grandes rasgos las virtudes de la ciudad diseñada por Disney, se han reflejado en el diseño de los parque temáticos que se construyeron a lo largo de las décadas posteriores.


Finalmente este proyecto de Ciudad utópico en el que convivirán en una primera fase alrededor de veinte mil personas no cuajó quedando postergado por tiempo ilimitado. Debido fundamentalmente a la repentina muerte de su mentor y alma mater del proyecto. 


En todo caso de haber cristalizado los planes de Disney. Los habitantes de la ciudad habrían vivido en una ciudad bastante autarquica, pues habrían carecido de capacidad de decidir sobre el funcionamiento de la misma, estando condicionados por las decisiones de un consejo de administración. 


Existe un documental que filmó paralelamente a la gestación de los planes de la ciudad, que te muestra con todo lujo de detalles. Todas y cada una de las vicisitudes que se tuvieron que sortear para que el proyecto, obtuviera la financiación con la que prosperar. 

Vista general de los planos de la ciudad en que trabajo Disney durante buena parte de sus vida


Walt Disney nunca llegó a construir su ciudad, pero la Corporación Disney que fundó se ha visto implicada en la planificación y construcción, introduciendo algunas de sus propuestas en ciudades reales (si la palabra «real» tiene algún sentido en este contexto) desde que abrió la el primer parque de Disneylandia


Los centros comerciales de Los Ángeles, la revitalización del mercado Quincy de Boston, y los complejos de oficinas de Silicon Valley, tienen todos una deuda con la experiencia y capacidad visionaria de Disney, e incluso la ciudad de Las Vegas se inspiró en parte en los planos de la ciudad alumbrada por Disney. 


RELACIONADO: Las escaleras automaticas de La Comuna 13 de Medellin, movilidad e identidad integradas en el paisaje urbano


Otra curiosidad alrededor de la concepción de la ciudad distopica de Disney, es que según diferentes fuentes fue Inspirada por un libro titulado titulado Operando Manual para la nave espacial Tierra, el cual fue publicado en 1966 por ni más ni menos Fuller Buckminster, el creador de la cúpula geodésica. 


Aunque murió prematuramente como consecuencia de un cáncer de pulmón, para Walt Disney supuso un mazazo no poder ver cumplido su anhelo de construir su versión de ciudad distópica. 



Esta asociación me parece altamente interesante y sugestiva, porque supuestamente el trabajo de Fuller según relata las algunas crónicas fueron el detonante en la trayectoria de un Disney que hasta ese instante no se había planteado cultivar otra faceta más, que no estuviera vinculada a la creación cinematográfica. 


Pero que vio en las teselas triangulares a partir de las se forman las cúpulas geodésica de Fuller. Un icono fuente de inspiración para el parque que necesitaba una gran esfera para que se convirtiera en el emblema del proyecto inconcluso de EPCOT. 



My Boyfriend Died of COVID-19 es un corto de animación sobre como superar la perdida de un ser querido


En un año dominado en todos los aspectos por el Covid-19, un microorganismo patogeno que perteneciente a la familia de los coronavirus, cuyo aspecto amorfo apenas es perceptible para el ojo humano, a no ser que armandonos de paciencia lo observemos a traves de la lente de un microscopio electronico.


Pocas cosas reseñables se salvan de proyectar una connotación tan negativa, ha sido tal el grado de acaparación informativa que sin querer parecer que subestimo las cualidades viricas innatas del adversario, ni que le trato de restar merito a su capacidad para cuando menos hacernos dudar de los fragiles e insignificantes que somos tanto fisicamente como moralmente.

Si pienso sin embargo que el ruido mediatico en ocasiones ha derivado hacia posiciones que se podrian calificar cuando menos de sensacionalistas. Lo que como en otras ocasiones recientes parecia que quedaria en un conato epidemico de ambito local a cuyos efectos el resto de la humanidad permaneceria ajena. 

Corto de poco mas de seis minutos publicado por The Atlantic


De repente se extendio anunciandose focos aqui y alla a la par que se acrecentaba la sensación de temor frente a un fenomeno de caracter estacional como es el de las infecciones respiratorias. Provocando en los casos mas graves un debilitamiento acelerado de la funcion respiratoria y finalmente el fallecimiento del paciente. 

Cuyo nombre pasaba inmediatamente a engrosar un registro estadístico, y en un alarmante titular que en la mayoria de los casos acaba reduciendose a un numero que añade cifras engrosando la lista de defunciones, cuyos cuerpos segun se suceden los dias, las semanas y meses pasan de recibir sepultura a ser incinerados sin siquiera haber sido velados.



El corto de animación titulado My Boyfriend Died of COVID-19, nos habla del duelo de una mujer residente en Wuhan llamada   Niunlu que lamenta la perdida de su prometido a causa del Covid-19, cuando estaban a punto de celebrar su boda.     



Diluyendose las identidades de las victimas y con ellas sus proyectos, sus deseos, sus aspiraciones... Coincidiendo con los episodios mas virulentos de la pandemia la publicación digital The Atlantic empezo a publicar una serie de trabajos, de pequeñas filmaciones relacionadas con los estragos que estaba produciendo el coronavirus en diferentes lugares del mundo.

Editados y publicados bajo diferentes formatos y tratando las consecuencias del drama que estabamos viviendo desde perspectivas, puntos de vista y sensibilidades muy diversas, nos brindaba la oportunidad de construirnos una imagen de los hechos a los que estamos asistiendo a traves de miradas y testimonios.

Portada original de la animación titulada My Boyfriend Died of COVID-19

Que sin efectismos, demagogias ni relatos pretenciosos hacian una aproximación que se caracterizaba por su calidez y humanidad de una catastrofe de cuyo shock apenas podiamos tomar conciencia, poniendo nombres y apellidos a las victimas que hasta hace relativamente poco no podrian vislumbrar que su existencia finalizaria de forma casi anonima.

Una de estas pildoras visuales breves pero intensas era la que estaba firmada por el realizador desconocido llamado Olmo Parenti,  que contribuyo con una animación  titulada My Boyfriend Died of COVID-19. El corto ambientado en la ciudad de Wuhan poco antes de que se declarase la pandemia.


RELACIONADO: El artista Pejac lanza STAY ArT HOME, arte interactivo en tiempos de cuarentena



Nos ofrece el retrato de Niunlu, una mujer joven y afligida que pierde a su pareja poco antes de contraer matrimonio, adoptando una mirada cargada de emotividad pero sosegada el director trata de forma pausada y secuencial, trasladando toda la consternación y emotividad de una mujer destrozada animicamente pero que es capaz de conservar la entereza para transmitirnos un mensaje donde prevalece la esperanza.

Universal Play Machines, es una instalación surrealista que utiliza mobiliario publicitario como medio de expresión natural


Anidadas en diferentes lugares del frondoso bosque que se encuentra en las afueras de la localidad de Strafford perteneciente al estado Americano de New Hampshire, los soportes publicitarios que de forma cotidiana actúan como reclamos al consumo desde las marquesinas que se pueden encontrar habitualmente en una parada del autobús o en los aeropuertos.

En este paisaje bucolico adoptan sin embarjo un rol totalmente diferente, convirtiéndose en una extensión del mismo paisaje proyectando una versión animada de cada emplazamiento, con la que el sorprendido visitante puede interactuar pudiendo observar su entorno circundantes desde diferentes ópticas y franjas horarias. 

Creada por el estudio de arquitectura Mobile Studio con base en Londres, la instalación titulada Universal Play Machines. Tenia como objetivo principal provocar la curiosidad por el entorno del visitante, para conseguir este efecto MS utilizo una estrategia pro-activa que combinaba procesos creativos y lúdicos.

DESCUBRIENDO EL BOSQUE A TRAVÉS DEL MOBILIARIO DE LA CIUDAD

Siendo la mas idónea para los centenares de niños que acuden cada Verano a las actividades organizadas por Beam Camp, un espacio creado en un entorno natural que combina programas relacionadas con actividades al aire libre con las artes plásticas.

Además de ofrecer interesante programa de becas, exposiciones, o talleres y que tiene como marco principal sus instalaciones desarrollandose en un medio donde el contacto con la naturaleza es el principal aliciente.

Relacionado: Matej Andraz Vogrinčič, tranformación y paisaje


Cada cabina que forma la instalación Universal Play Machines reproduce una película en formato animado compuesta por 50 dibujos, donde se nos describe la historia natural del paisaje y de su valor medio ambiental.


Universal Play Machine for BEAM Camp - July 2016 from MobileStudioArchitects on Vimeo.


Gilli Zama - Palm Rot, una historia multi-premiada que se inicia con un hecho inesperado


Ya se disponía a regresar a casa con su embarcación tras un intenso día recorriendo los meandros que forman las extensas áreas pantanosas situadas en el sur del estado norteamericano de Florida.

Visitando un paisaje tan sugestivo como inquietante como son los pantanos y humedales que dominan un paisaje habitado por miles de caimanes y de otras especies, como decenas de variedades de batracios y serpientes.

Un paraje singular formado por un accidente geografico conocido como everglades, cuando el protagonista del corto de animación titulado Palm Rot, vuelve la mirada hacia el horizonte alertado por una columna de humo que se eleva. Guiado por la alerta y la curiosidad.


Decide, entonces, aproximarse, no sin cierta dosis de precaucion descubriendo flotando en el agua una caja de madera que contiene una mercancía, cuyo contenido supondrá, aparte de algo inesperado un desafió para sus sentidos.

Galardonado con numerosos premios a lo largo del año pasado, la ultima producción del estudio Gilli Zama, nos muestra los efectos de encuentros entre entes desconocidos

Dirigido por Ryan Gillis el corto de animación titulado Palm Rot y el que podéis ver AQUI, es un trabajo iniciatico firmado por uno de los miembros de Cargo Collective. Trabajo modesto en términos de presupuesto pero en el que muestra el mucho talento que atesora como narrador de historias en la que sus personajes tienen que abordar eso que le provoca recelo.

Vadim Draempaehl - Osmo, el nuevo huésped y sus rarezas



Osmo es un inquilino un tanto peculiar, recién llegado a una comunidad de vecinos de renta antigua, su aspecto desaliñado y taciturno parece estar a la altura de su apartamento que se dispone a habitar.

Apenas un habitáculo de cuya decoración solo cabria destacar un aparato de televisión, que yace en el centro de la instancia y que desconociendo sus efectos ejerce una fuerte atracción sobre todos y cada uno los residentes que con anterioridad han sido su huésped.

Realizado y dirigido por Vadim Draempaehl un animador freelance que pese a su juventud cuenta una dilatada experiencia como creativo, habiendo realizado encargos para una diversidad de ambitos. 


En Osmo el cual podéis integramente en el siguiente enlace AQUI. Nos muestra su gran capacidad técnica además de su talento narrativo, Contándonos una historia en la que nos retrata a través de la utilización de elementos surrealistas.

Las consecuencias de determinados habitos y de la adicción a la tecnologías y aquellos contenidos para cuya selección se han recurrido, a criterios de dudoso gusto. En una filmacion que destaca por presentar una atmósfera tan surrealista como siniestra, y que nos logra transmitir el aislamiento de su protagonista.


Greenfields


A pesar de estar ambientada en un futuro hipotético, el planteamiento del que parte la animación titulada Greenfields recurre a un contexto social y político. Donde debido a la opresión ejercida por el estado y sus mecanismos de represión provoca en sus ciudadanos anhelos de libertad, evocan tanto estéticamente como por el ejemplo en la arquitectura taciturna y monumental seleccionada para configurar los escenarios dondes se desarrolla la trama, a épocas pretéritas y regímenes cuya dialéctica planificada y decadente les hizo caer como un muro.

Producida en 2.013,  estamos ante un trabajo de graduación y que por lo tanto sirve para completa un periodo de formación. En cuya realización participaron los estudiantes Luis Betancourt, Benjamin Vedrenne, Joseph Coury, Michel Durin y Charly Nzekwu. Y que nos cuenta en clave de psicodrama político, la trama protagonizada por un padre y un hijo, y el proceso por el que conciben huir en globo de un entorno deprimente, en busca de una vida en libertad representada por una vieja fotografía que les traslada a un lugar de cartón piedra y que en su diáspora logra alcanzar el único de ellos.


Fuga, la luz de la música como fin


FUGA from Juan Antonio Espigares on Vimeo.

Recientemente licenciado para su exhibición online el cortometraje animado titulado de forma lacónica y escueta Fuga. Es tanto por las técnicas  empleadas en su realización como por las connotaciones humanas y sociales que narra uno de los mejores trabajos producidos en las ultimas temporadas.

Así lo atestigua los numerosos galardones y reconocimientos acumulados desde su estreno en otros tantos festivales donde ha participado. Dirigida con sobresaliente por el desconocido director  Juan Antonio Espigares. En esta su tercera incursión cinematográfica que igual que las dos anteriores, La escalera de Escher de 2.001 y Sere Eretit producida en 2.006. Vuelve a utilizar el mundo de la infancia y la adolescencia para utilizarlo como analogía de una sociedad opresora y lacerante.

La cinta se caracteriza por su ausencia de diálogos y silencios implícitos, de una institución educativa de carácter religioso donde ingresa Sara. Mutismo que tan solo es roto por la excelente banda sonora seleccionada por el director de orquesta Arturo Diez Boscovich. 


Piezas que son interpretadas por una consumada interprete de violín que en su aprendizaje se embarcara en un viaje iniciatico que le mostrara el lado mas mezquino de la vida. Apoyada en una sucesión de imagenes que evoca un lirismo conmovedor, donde su autor combina imagenes reales con técnicas de animación donde el acertado tratamiento de la luz destaca en un excelente trabajo.




Rino Stefano Tagliafierro - Beauty, el arte del Renacimiento en movimiento


Cuando los grandes maestros de la pintura universal en sus diferentes estilos crearon sus grandes obras. No existía la tecnología por la que dotarlas de una acción continuada.

Lenguajes narrativos como el cine que artistas como Botticelli, Rubens, Vermeer o Caravaggio les hubiera gustado tener oportunidad de emplear para poder precisar mas si cabe, el mensaje que pretendían transmitir con la exposición de su obra.

El artista Rino Stefano Tagliafierro, aplicando metodologías digitales ha seleccionado una serie de obras clásicas que por sus caracteristicas narrativas y fuerza visual ofrecían un rendimiento óptimo. Adaptandose a los requisitos de la aplicación de un sencillo efecto de fading entre dos imágenes, con el que acababa obteniendo un archivo en formato gif.


El experimento que ha bautizado como Beauty. Nos ofrece una perspectiva actualizada y dotada de continuidad en la acción, obteniendo como resultado creativo una obra cuya narrativa dota de movimiento y acción a unas obras de corte clasico.

Que  de haber sido realizado en otro contexto histórico o aplicando otras ténicas de expresión artística. El resultado son fragmentos de películas animadas que desbordan la imaginación del quien las contempla. 


The Animation Workshop - Once Upon a Candle


Once Upon a Candle from The Animation Workshop on Vimeo.

Para redactar muchas de las obras maestras de la literatura universal, sus autores no disponían de la tecnología que existe hoy en día. Teniendo que recurrir a medios mas rudimentarios.

Protagonizada por una vela de cera y por un tintero con su correspondiente pluma. Once Upon a Candle, es una divertida animación sobre los últimos estadios de un libreto de teatro y su autor. Un viejo dramaturgo que a la luz de un candil escribe escenas hasta horas de la noche.

Producida por el estudio danés The Animation Workshop. Se trata de una historia conmovedora, donde se debate la utilidad de sacrificarse para un tercero aflore su talento, en este caso utilizando como medio de manifestación la literatura.


Robert Löbel - Wind



Utilizando un lenguaje que evoca los antiguos cortometrajes de cine mudo Wind, nos describe un mundo en el que sus habitantes viven condicionados por el factor climatológico del viento. Este elemento omnipresente provoca situaciones donde lo cómico vertebra una animación cuyos efectos técnicos son relegados a un segundo plano, en una historia conmovedora plagada de gag que provocan la carcajada fácil en el espectador.

Escrita y dirigida por Robert Löbel como proyecto de graduación mientras cursaba el ultimo año en la Universidad de Ciencias Aplicadas de la ciudad alemana de Hamburgo. Con apenas un metraje de poco mas de dos minutos de duración, Wind nos introduce en un entorno donde sus habitantes tintados con colores naif se adaptan armados con mucho sentido del humor a un entorno adverso.

Estrenada a lo largo de 2.013, se trata de un cortometraje de animación que ha pesar de su simplicidad en cuanto a medios, ha sido objeto de numerosos galardones concedidos en los diferentes festivales que ha participado.



Jeff Le Bars - Carn


Carn - Jeff Le Bars from Jeff Le Bars on Vimeo.

Formado en la escuela de dibujo y animación Ecole Emile Cohl de Lyon en Francia, el sugestivo debut en formato corto de Jeff Le Bar. Recupera el viejo mito del licántropo, para dándole una vuelta de tuerca contarnos una historia intensa donde una amistad circunstancial que desemboca en un final inesperado.

En Carn se nos narra el encuentro de un niño y una loba herida. El niño que vaga desorientado por el bosque en el que se ha perdido sucumbe al frió del invierno. Yaciendo en la helada nieve es localizado por una loba que esta de batida buscando alguna presa con la que alimentar a sus lobeznos.

Producida a la limón con con Sylvain Livenais, con la que ya trabajo en un proyecto experimental titulado Coquino. En el transcurso de los pocos mas de cinco minutos de metraje, donde la escala cromática empleada en el tintado de los paisajes, con los que ambienta una atmósfera densa y visualmente estremecedora. Carn supone una muestra inteligente donde la naturaleza y la lucha por la supervivencia origina alianzas singulares.  

Realizada en 2.012 Carn ha sido premiada en festivales como el Festival Internacional de Cine de Animación de Puchon (Corea PISAF),- mención Especial del Jurado en el Festival de Cortometrajes de Villeurbanne o al mejor trabajo de animación Festival de Cine Estudiantil en San Petersburgo, entre otros.


El artista Quayola se inspira en los clásicos del arte para reinterpretarlos en clave digital


El artista con sede en Londres Quayola fusiona lenguajes narrativos como la videoinstalación, las geometrías o la música electrónica, con artistas flamencos como Rubens o del renacimiento como Caravaggio

Con otros mas recientes en el tiempo y contemporáneos entre los que se  podría citar a Kandinsky, Paul Klee o Oscar Fischinger. Produciendo artefactos audiovisuales donde el color producto de la mezcla de pigmentos con las que se crearon algunas de las obras, mas la historia del arte. 

Se pixelan adoptando un formato gráfico donde se incorpora el sonido realizados con programas de edición digital como banda sonora. La materia en su obra se reinventa como  escultura digital a través del tiempo. Dando como resultado una celebración de la materia misma. 


La sustancia de todas las cosas físicas describe una articulación dinámica, continuación de un bloque sólido basada en formas primitivas. Una obra maestra que nació como el avant-garde que se ha convertido en un icono clásico universal y ahora se considera el puente desde lo clásico a lo moderno. 

Esto provoca sucesos multimodales en la percepción de una obra ya conocida por el publico, que hace una relectura donde la obra se contextualiza como un fenómeno donde el sonido y el movimiento se añaden a lo estético, en una experiencia enriquecedora de una referencia artística conocida.

Las imágenes producidas ceden parte de su exclusividad relacionandose con la acción de la accionn que transcurre al dictado de la melodía interpretada a  partir de una partitura digital. El software ofrece un control con más de quinientos parámetros visuales diferentes, así como algoritmos para la creación de cientos de tonalidades diferentes complementando la paleta de colores como herramienta de trabajo.
  

Willie Witte - Screengrab

Cineasta y documentalista Willie Witte, como complemento a su trabajo y entre documental y documental, realiza pequeñas piezas audiovisuales en las que usando un lenguaje visual donde el ilusionismo y la transición de imagenes  fotografiadas previamente se mezclan obteniendo un collage animado. Grabado en blanco y negro Screengrab, se trata de una pieza experimental que se inspira en los juegos de manos clásicos.