Mostrando entradas con la etiqueta street art. Mostrar todas las entradas

Gaza, arte frente al horror y lo irracional de la guerra


Desde que recientemente se anunció el acuerdo por el que se restablecia, al menos parcialmente unas relaciones a nivel diplomático entre las delegaciones de Israel y Arabia Saudi. Un hecho que en principio se podría calificar de acontecimiento sino historico, si de una transcendencia política y estratégica que podría suponer un punto de inflexion.

En la larga sucesión de eventos trágicos acaecidos en un conflicto étnico-religioso y geografico que ya dura demasiadas decadas, y cuyas principales y nefastas consecuencias han sufrido principalmente los miembros de la población civil. Una ciudadanía que tras una sucesión de años.

En cuyo transcurso parecía que se recuperaba en alguna medida la calma suficiente, como para poder garantizar cierto grado de prosperidad. Contempla ahora como en el momento más inesperado ese débil y precario hilillo presidido por una paz muy custionada. Que aunque tensa y pese a todos y casi innumerables episodios que se han sufrido tanto en la comunidad judía como de forma mas acusada en los territorios donde residen la población palestina.


Conatos de violencia activa que han producido un constante goteo de victimas, como de violencia de baja intensidad que han sufrido todos aquellos ciudadanos que residían en las proximidades del llamado "muro de la verguenza". Que finalmente se impuso en un paisaje humano que tan sólo aspira a vivir en paz.

Y que constatan incrédulos y llenos de estupor como ese período de precaria convivencia se ha dinamitado con nocturnidad y alevosia. Declarándose una guerra en la que la practica totalidad de las víctimas pertenecen a aquellos colectivos más vulnerables y por lo tanto más desprotegidos frente a cualquier de violencia, como son los niños y las personas mayores.
Que aunque siempre han vivido instalados en una situación estresante caracterizada por la incertidumbre y la desconfianza hacia el que se considera diferente y ajeno, percibiendose su presencia como un acto de intrusismo que había que evitar. Si habían de alguna forma "normalizar" sus vidas al menos en el terreno de lo cotidiano. Crónica de una muerte anunciada que desde NQ se ha seguido a lo largo de los últimos años.

Haciéndonos eco de algunos proyectos que realizados desde diferentes ámbitos creativos, nos han hecho partícipes de la diversidad de realidades que se viven en ambas comunidades. Propuestas que abarcan una variedad de contextos que tanto desde una perspectiva negativa como positiva afectaba a los miembros de ambas comunidades.


Empezaremos por el proyecto del artista Mohamed Abusal que en 2012 se desplazaba a una estación de servicio de la franja, en cuyo exterior instalaba una marquesina que anunciaba la parada de una  estación de metro por supuesto ficticia. Titulada Metro in Gaza 2012 y de la que podéis ver una muestra AQUI publicada en NQ en 2014. Tuvo una continuación titulada Shambar 2013.

Ambas realizadas aplicando un enfoque similar y que forman parte de una misma narrativa visual y conceptual. Instalaciones, diseños y fotografías, cuyas propuestas fueron elaboradas bajo una ambientación que discurre entre lo distopico, el urbanismo creativo y el deseo de un futuro donde concretar proyectos sobre el terreno que aborden la realidad de una Gaza asediada, que sin embargo sueña con lograr un mínimo desarrollo.


En 2015 publicábamos el fruto de un viaje realizado por el mediático Banksy a la franja de Gaza, un recorrido in-situ sobre el terreno que le permitió ser testigo de los devastadores efectos de la última campaña militar llevada a cabo por efectivos del ejercito israeli un año antes en diferentes localidades autónomas palestina. 

Y que supuso un duro golpe para decenas de familias palestinas que tuvieron que huir precipitadamente de sus hogares, dejando en muchos casos todas sus pertenencias. Además de las decenas de víctimas y de los cuantiosos daños materiales que se valoraron en decenas de millones de dolares.


El artista urbano fue testigo de los daños morales sufridos por el conjunto de sus ciudadanos. Impresiones que reflejo en una serie de intervenciones que podéis ver AQUI, y que se completaron ya de regreso en su estudio, con el montaje de un corto documental titulado Palestina Graffiti Free. Que filmado de forma furtiva registraba algunos de los lugares donde el horror de la guerra convivia con actos más cotidianos que desprendían humanidad.     


Realizado años despues de impartir un cursillo en Israel, el trabajo titulado Holy Land es fruto de la colaboración del celebre director de fotografía Josep Koudeika y uno de sus alumnos. Que tras invitarle a pasar unos días en su casa se embarcan en un proyecto multimedia, en cuyo transcurso realizan un retrato de  lo que se conoce como el "Muro de la verguenza".

Una herida de hormigón construida a lo largo mas de una década por las autoridades israilis. Y que a día de hoy sólo ha servido para aislar a los ciudadanos de las dos comunidades que mayoritariamente ocupan los territorios de Israel y Palestina, alterando aún más si cabe su frágil convivencia.

Un muro de varios metros altura coranado con alambre de espino, cuya opacidad y grosor no solamente no impide que se tenue la violencia y represión en la que viven el conjunto de ciudadanos a la que afecta. Sino que acentúa las diferencias a ambos lados de la verja. El trabajo de un alto contenido emocional supuso cinco años de arduo trabajo que podéis recuperar desde AQUI.


En cuarto y último lugar invitaros a visitar el trabajo que bajo el título de Points of View realizó la artista Zohar Kfir por encargo de la organización no gubernamental BTSELEM, que se dedica prioritariamente a defender y denunciar la violacion de los derechos humanos.

Que sufre de forma cotidiana y administrativa los ciudadanos que viven en los territorios ocupados. Haciendo una labor a través de la que documenta en imágenes el conflicto haciendo especial énfasis en el impacto social que tiene sobre la poblacion en su entorno domestico.

Publicado en NQ en 2014 se trata de un mapa interactivo que todavía está vigente y que podréis consultar a través del siguiente enlace AQUI. Se trata de una experiencia que te permite localizar el lugar concreto en el que se ha producido el incidente y la denuncia. Pudiendo poner nombres y apellidos a un drama que en su ultima version se ha dilatado durante ya demasiado tiempo causando demasiado dolor a unas víctimas que en su inmensa mayoría son inocentes.


Urban Nation, exposiciónes de arte urbano en un edificio berlines del siglo XIX



Los usos que puede recibir un mismo espacio pueden variar mucho en función de la época y el contexto en el que nos encontramos. De hecho en NQ ya hemos ofrecido unos cuantos ejemplos, de cómo un mismo edificio puede a lo largo de un intervalo de tiempo, de por ejemplo siglos.


De pasar de albergar el mobiliario propio de un templo leturgico, ha convertirse en una biblioteca, o de convertirse en una tranquila residencia familiar o incluso en un lugar recuperado donde cientos de jóvenes pasan sus momentos de ocio y tiempo libre practicando deportes urbanos como el Skateboard. Sólo por citar tres ejemplos, de los muchos que relacionados con el aprovechamiento y reciclaje de arquitecturas en desuso o directamente abandonadas se pueden encontrar entre nuestras paginas.


Pero si me llama algo poderosamente del edificio que alberga desde mediados de la década pasada las instalaciones y actividades de la institución Urban Nation en Berlin. Un museo destinado principalmente a organizar y programar actividades dedicadas al arte urbano, además de contemplar y tocar una diversidad de temas sociales, mostrando especial atención a todo aquello que tiene que ver con las nuevas formas de interacción social en el espacio publico.

Un conjunto de propuestas que han ido evolucionando incorporando las más ariesgadas tendencias y vanguardias expresivas. Lo que demuestra que los espacios a pesar de lo se pudiera pensar, muestran una gran versatilidad pudiendo evoluciónar y adaptarse a una gran variedad de escenarios posibles, modificando el fondo y la forma el predicado y el significado simbólico del mismo.

No solamente de la función para el que en principio fue construido, sino incluso su valor, status y percepción social. Sin ir mas lejos las cuatro alturas este edificio esquinado que los responsables de la Foundation Berliner Leben, transformaron tras un arduo trabajo de reforma en las salas de uno de los lugares más dinámicos en términos culturales que ha alumbrado la capital berlinesa en lo que llevamos de milenio.


Situado entre los números 7 y 10 de la calle Bülowstrasse. Era cuando se construyó a lo largo del siglo XIX, uno de los palacetes más obstentosos de la gran capital Berlinesa, la cual vivía instalada en uno de sus periodos más boyantes y prósperos de su historiaa. Perteneciente como muchos otros casos al catálogo inmobiliario protegido elaborado por la capital, por lo que ha recibido la consideración de monumento protegido.

En The Urban Nation la fachada exterior también forma parte del espacio expositivo

Una de las propiedades por lo tanto más codiciadas y deseadas por los berlineses de la epoca, los cuales gozaban de unos cuantiosos ingresos con los adquirían hermosos edificios con magníficas fachadas. Mansiones que pertenecían a una corriente conocida como Gründerzeit, un sub-estilo arquitectónico que abarcó buena parte del periodo Wilhelminiano el cual comprendio el último cuarto del siglo XIX.

Siendo el estilo que predomino entre la acaudalada clase alta que protagonizó el resurgimiento del Imperio alemán, periodo que se inicia en 1871, conocido también con la denominación de Wilhelminiano . El cual se alarga hasta entrado 1914, año fatídico en el que se inició la Primera Guerra Mundial. Periodo que se caracteriza por un aguge de la industrialización en Alemania lo que produce unos elevados ingresos economicos, sobretodo entre sus elites.



Incremento en la riqueza que rápidamente se materializa en la construcción de obstentosas villas que como ya hemos dicho reciben el nombre de Gründerzeit (cuya traducción literal seria, construcción exhuberante). Edificaciones que destacan por sus lujosas decoraciones de estuco en la fachada, siendo otro de los rasgos que la definen los típicos ventanales, propiedades estéticas que siempre se pueden encontrar en casas del período guillerminiano.


Situado en las proximidades del centro de Berlin, desde que se abrió a mediados de la década pasada The Museum Nation se ha convertido en el altavoz creativo desde el cual las más vanguardistas expresiones urbanas se han proyectado al resto de la ciudad.


Y que en el edificio de la Museum Urban se han conservado proporcionando luz a obras de artistas iconicas comó Obey, Axel Void, Borondo o Faith 47. Una pequeña muestra de los cientos de artistas que forman parte de su nutrida colección, compartiendo el espacio con adornos geométricos o florales situados en los marcos de la ventana, y que adquieren numerosas formas, combinación que lejos de producir un contraste exagerado realza una colección donde el Arte Urbano más cosmopolita de los últimos treinta años.  Asi como las impresionantes columnas, que se pueden admirar a la derecha e izquierda de las ventanas, indicando inmediatamente que la casa fue construida durante la epoca Wilhelminiana, enfatizando particularmente las ventanas que parece formar parte de la colección.


Hay frontones puntiagudos para admirar en el piso inferior, donde se pueden ver arcos de medio punto, que maravillosamente ornamentados subrayan la belleza de este singular edificio. Que en total cuenta con una superficie de alrededor de mil quinientos metros cuadrados, la mayoría de los que desde 2013, se han dedicado principalmente a acercar al público en general a numerosos artistas urbano, que han sido invitados a Berlín para diseñar murales en diferentes lugares y así hacer que el arte en el espacio urbano sea accesible para el gran publico.



Uno de las primeras iniciativas fue el programa ONE WALL que en sus inicios se convirtió en una excelente plataforma para mostrar a toda una selección de autores que pertenecientes a una excitante escena local. Habian heredado lo mejor de una tradición como la pintura mural o el muralismo que ya estaba presente en toda la ciudad, creando un relato común que había servido para hermanar las dos partes en las que tradicionalmente la ciudad había estado dividida hasta su reunificacion tras la caída del muro de Ḅerlin.

Una de las salas destinadas a la colección permanente del museo

Como durante la época que se construyó originalmente el edificio, aunque teniendo en cuenta las circunstancias y contextos de los 150 años transcurridos desde que se finalizo. Las cuestiones sociales siempre fueron un argumento, a la hora de selecciónar tanto la decoración como las características de los artistas que en principio pasarian a engrosar el calendario de actividades de la institución. Al igual que en el período Wilhelminiano, no se concibió un nuevo estilo arquitectónico, sino que los arquitectos miraron en su entorno y tras nutrirse de muchas de las ideas que a lo largo de los siglos precedentes habian generado otros estilos arquitectónicos.



En vez de relegarlas, dejándolas a un lado, las incorporaron fusionandolas con su percepción de lo que debía ser la práctica arquitectonica en un momento donde las pautas de conducta sociales respecto al tratamiento y el uso del espacio. Asi cómo la aparición de innovadoras herramientas digitales han producido cambios en como se percibe la práctica arquitectonica actualmente, provocando que el público y los consumidores demanden un tipo de arquitectura que desarrollara todo ese potencial creativo. Ofreciendoles edificios que se alejaran de la ortodoxia oficial que se habia impuesto hasta entonces.



The Museum Urban es un espacio donde la creatividad no se limita a lo que solamente se expone en sus salas, sino que es un lugar inspirador en sí mismo que atesora una larga historia.


En este sentido el museo que abrió sus puertas en septiembre de 2017 fue precedido por un año de remodelacion y tres años de planificación. Conservando buena parte de su estructura original, ejecutada con extrema delicadeza por la firma de arquitectura berlinesa GRAFT. Las salas de exposición del museo se encuentran en los dos pisos inferiores del edificio. Aquí se eliminó el techo entre la planta baja y el primer piso, esto creó un espacio abierto, un inmenso hall de reunión y exhibicion. 

 
Los visitantes de esta forma pueden moverse en un sala de más de 500 metros cuadrados entre los pisos a través de pasarelas interiores. Estas escaleras ascienden paralelas a la calle, estando situadas sobre la línea de metro sobre que corre a lo largo de la fachada del museo. Además, esta peculiaridad arquitectónica ofrece la posibilidad de ver las obras individuales tanto desde cierta distancia como aproximarse a ellas obteniendo una perspectiva diferente. El uso del revestimiento de suelo crea una conexión adicional entre el interior y la calle.





Aunque al visitante neófito en arquitectura seguramente no perciba el denodado esfuerzo por conservar las señas que se pueden considerar como la génesis del edificio. No obstante si podrá percibir aún sin identificarlos que en ese espacio donde está contemplando una exhibición de arte  contemporaneo, se concentran una variedad de estilos arquitectónicos heredados de siglos pasados como el Neobarroco, el Neorrenacentista o el Neogótico.

Estilos que tradicionalmente se habian aplicado hasta ese momento en encargos realizados a nivel institucional de pronto se "democratizaban" pasando a ser demandados por clientes particulares. Esto sucedía por el abaratamiento de costes propiciado por las mejoras efectuadas en la eficiencia en el modelo productivo. Poco más o menos algo similar se puede afirmar del espacio y su tratamiento habiendo evolucionado de un estándar por el que tan solo se podía usar bajo un enfoque residencial, a transformarse en un lugar de encuentro creativo donde la expresividad se democratiza revalorizandolo en términos sociales y artisticos.


S.C. Mero, arte urbano y activismo en el corazón de L.A. de Barbie al hongo nuclear de Oppenheimer



No hay casi nada, ya sea un evento artistico, el estreno de la última gran y rutilante supreproduccion cinematografica, un mega concierto en cuyo cartel este anunciado la reaparición de una gran estrella del Pop, o por supuesto la programación de una exposición de arte.


En la que por ejemplo se anuncie, que se exhibirá una pieza hasta ahora desconocida perteneciente a uno de los máximos exponentes de la historia de arte, que pueda acaparar la atención del gran público que reside en la ciudad de Los Angeles. Es muy difícil que en la mundialmente conocida por sus siglas L.A. algo o alguien pueda suscitar más allá de lo razonable entre sus millones de habitantes que realmente les llame la atención.


Ciudadano que viven instalados en la ficcion, que a diario, en jornadas muchas veces maratonianas recorren sus interminables calles, casi siempre bajo un Sol de justicia buscando una oportunidad. Un contacto que quizás les permita tener alguna opción de alcanzar su sueño, fenómeno que rara vez sucede. Por lo que te puedes encontrar con relativa facilidad a la sombra palmera o cuando el ocaso precede al anochecer, a decenas de candidatos, los que vagando de aquí para alla.

En el mejor de los casos les queda el consuelo de volverlo a intentar cuando al dia siguiente despunten los primeros rayos en la madrugada todavía perezosa y de nuevo tentados y seducidos salgan a comerse el mundo, aún a riesgo de que haya muchas posibilidades de que acaben siendo literalmente devorados por una máquina de oropel y luces de neón hasta que sus nombres practicamente desaparecen sin dejar apenas rastro alguno.

Historias que quedan varadas en el anonimato y que sin embargo sirven de inspiración a artistas locales como S.C. Mero, de inspiración recurriendo a altas dosis de ingenio, creatividad y porque no un sentido del humor que navega entre lo mordaz y lo creepy. Construir una narrativa visual con una vocación procaz a la vez que comprometida con una realidad que no por ser asumida como un hecho probable este "normalizada".


Siendo consecuente con esta postura sus intervenciones se pueden encontrar en distritos de la ciudad como el casi mítico Skid Row, un barrio que ella conoce bien por lo que se ha convertido en su terreno creativo en el que desarrollar buena parte de sus intervenciones. Un territorio que comparte protagonismo con otras zonas de la ciudad cuyo rendimiento y opulencia economica contrasta con los excedentes de humanidad.

Fiesta de Barbies en un charco sobre una acera que bien podría parecer una piscina

Que según la artista ha podido encontrar en las personas que lo habitan, reúniendo los ingredientes a partir de iniciar alguno de sus proyectos. Propuestas que se nutren de su entorno, ya sea empleando materiales de reciclaje o recurriendo al mobiliario disponible en el espacio publico creando piezas en tres dimensiones. A través de las que muestra sus grandes habilidades para desarrollar propuestas mas alla de lo estetico, algo que por otra parte suele ser más que habitual.


En su caso aunque su mensaje no es explicito en todas y cada una de sus apariciones, como cuando enfunda unos pares de calcetines de tenis y unas zapatillas que imitan a las clásicas Converse en las barras de un parking de bicis. Una actuación no premeditada y que no deja de ser una muestra lúdica e inocente a la que se le puede dar la interpretacion que uno quiera.

Experiencia que ha tenido sucesivas réplicas en las que ha empleado un tipo de calzado más sofisticado, como unos botines de charol de tacon alto con los crea composiciones más bizarras. Tendencia pulp o friki en la que tampoco se distingue por profundizar excesivamente. Prefiriendo aplicar argumentos más reflexivos donde las noticias, o la crónica social domine el mensaje.  


El mayor desafío para ella es seguir manteniéndose fiel a sí misma en términos artisticos. La mejor obra de arte no está motivada por el dinero, simple y llanamente se necesita mucho sacrificio y confianza en algo más allá que el "pequeño inquisidor" que hay en tu interior para seguir adelante. 



No dejan de representar una excepción en una trayectoria muy fucunda que ya abarca más de una década, pudiendose considerar bastante regular en sus planteamientos e inquietudes sociales mostrando incluso un activismo politico. Que se materializa en propuestas como la titulada Vote by Mail (voto por correo), en la que Mero deja en evidencia las fisuras y deficiencias del servicio de correos durante las últimas elecciones legislativas celebradas en 2020.


Donde la emisión del voto realizada a través de los servicios de correos de ámbito estatal fueron altamente cuestionables según diferentes organizaciones de electores. Situación Kafkiana que la artista represento creando un buzón de correos en tono azul que situó en una de las principales avenidas de la ciudad. El buzón presentaba la peculiaridad de que era bastante más alto de lo habitual.


Trasladando una imagen de lo farragoso que podría llegar a ser el ejercer el derecho constitucional de depositar la papeleta en la urna (en este caso el depósito del buzón). Crítica alusiva que no deja de esbozar una sonrisa cómplice en aquel que lo ve, pero que se torna feroz a la vez que conmovedora en una escultura aterradora por sus connotaciones en el actual contexto socio-politico, y que podría ser alegórica en un futuro no muy lejano.

Cualquier elemento que forma parte del espacio público posee potencial expresivo

Aunque visualmente la reproducción del momento en el que una cabeza nuclear colisiona cumpliendo con su objetivo no deja de ser estremecedora por todo lo que implica. La versión que planto sobre un cubo de basura en el Downtown si poseía cierta virtud estetica. Elaborada con materiales de deshecho, Mero pretendía reflejar el estado de alerta  sobre la amenaza de que se pueda volver a un escenario pre-nuclear.



Otras actuaciones constatan lo mas mundano y superficial del ser humano. Como las cinturas perfectas de una muñecas Barbie que pueden formar parte de un set de rodaje a través del que se muestra a un tipo de sociedad, que se encuentra en una situalicion limite. Caracterizada por un alto grado de decrepitud y de deterioro, a la vez que su desmesurada obstentacion.


Uno do los temas centrales sobre los que trabaja más a menudo tiende a centrarse en el cambio y la transformación que ocurre tanto en la comunidad donde trabaja como en los individuos que la componen.


Práctica artística que tiene como principal escenario el espacio público. Paisaje urbano con el que mantiene un idilio que prácticamente se inicia coincidiendo con la finalizacion de su formación en el ámbito academico. Un entorno en el que ha mostrado su solvencia creativa a lo largo de todos años, convirtiéndola en una de las principales referencias del arte urbano más conceptual en la actualidad.


Trabajos que compatibiliza con sus obras de interior en su taller labor, con la que no ha querido perder el contacto en ningún momento. Siendo quizás su obra más significativa su colección de mosaicos cuyo valor excede lo puramente artistico. Realizados a partir de monedas de centavo de dollar. Se trata de rosetones de tamaño medio a través de los que representa escenas de índole cotidiana.


Al ser intervenciones que son realizadas en lugares de ámbito público donde la densidad y afluencia de gente es muy elevada, su vigencia tanto estética como conceptual tiende a ser relativamente muy limitada o efimera acabando desapareciendo o sufriendo graves desperfectos en uno pocos días o semanas. Lo que provoca que haya que hacer una planificación sobre el terreno que de alguna forma evite o demore, que el mensaje original se disvirtue o se tergiverse debido a la interacción con el público. Por lo Mero suele seleccionar lugares que de alguna forma le garantice que el mensaje de su interacción permanezca en el tiempo lo máximo posible.

Brandalism hackea 500 vallas publicitarias de aerolíneas para denunciar el cambio climatico


Con el levantamiento o derogacion de las medidas adoptadas por las autoridades sanitarias, para paliar los efectos del Covid-19 y la aparición de nuevas variantes producto de su gran versatilidad mutacional. Y reemprender nuestra cotidianidad en un escenario socio-politico presidido por múltiples incertidumbres.


Bajo el leo-motiv de eso que se ha dado en llamar nueva normalidad. Una de las primeras actividades a las que como consumidores deseosos de vivir nuevas y sugerentes experiencias, ha sido contratar algún paquete de viajes que nos ofreciera la posibilidad de embarcarnos en algún viaje. Cuyo destino en mayor o medida nos trasladara a nuestro destino preferido de vacaciones.


O en todo caso y en el peor de los casos nos permitiera cambiar nuestro paisaje habitual cambiando así por unos días. O en el caso de los más afortunados alargar unas semanas de cambio de aires y de una rutina, ya de si adversa y desalentadora para una mayoría de ciudadan@s. Siendo una de las primeras opciones de transporte a la hora de contratar un tour o simplemente adquirir unos billetes el avion.

Que lejos de modificar en alguna medida su modelo de negocios y de trato al cliente mantenido desde que se libero el espacio aereo. Consistente en una constante reducción de los precios en la contracción de vuelos, lo cual ha traído grandes beneficios, sobre todo de cara al mercado. Ya que ha permitido "democratizar" el hábito de poder volar a precios realmente competitivos.


Fenómeno que por otra parte ha provocado que haya un repunte en el incremento del tráfico aereo. En un sector que ya mostraba preocupantes índices de saturación antes del Covid-19, y que debido principalmente a la reducción de los gastos destinados a la adquisición de ingentes cantidades de combustible por parte de los grandes operadores aereos, la mayoría pertenecientes a oligopolios de petroleras.

Está situación se agudizara teniendo como principal perjuicio la elevación de los índices de contaminacion, algo que en plena emergencia climatica. No ha supuesto sin embargo que el sector aeronáutico tome conciencia medio-ambiental, no adoptando medida alguna que permita albergar esperanzas sobre que en un futuro más o menos cercano está situación se pueda llegar a revertir.

Momento en el que dos activistas urbanos hackean un soporte publicitario de una marquesina


Eso pese a las campañas convocadas por una diversidad de entidades comprometidas con la conservación de la naturaleza. Que en un denodado esfuerzo y despliegue de medios viene denunciando desde hace decadas. Como los consejos de administradores de estas compañías aereas, emiten informes tergiversado o directamente maquillando los datos que indican los graves prejuicios e impacto medidio-ambiental.


Que supone no haber renovado su obsoleta flota de aviones, sustituyendolos por prototipos más eficientes desde el punto de vista energetico. Renovación que de llevarse a cabo supondría una reducción sobresaliente y una mejora sustancial en los ratios relacionado con la huella ecológica que generan en la actualidad, valoradas como una de las más notables generadas por cualquier tipo de industria.

Con el enfoque de hacer pedagogía social y al menos poder suscitar en el cliente en particular y en el público en general algún tipo de reflexion en el sentido, de que de alguna forma modifique sus hábitos relacionados con la organización de sus viajes. Optando por alternativas más respetuosas con su entorno natural como la que representan el turismo local.


Con más de 500 intervenciones realizadas en apenas tres meses, el colectivo Brandalism, ha demostrado la capacidad de movilización global que posee el arte urbano en el espacio publico.


El colectivo arte y activismo urbano Brandalism anuncio la presentacion a finales del mes de Septiembre de 2022 de un calendario de intervenciones que ejecutadas en terminos globales comprendió los meses de Verano. Tendría por principal objetivo demandar a las principales tur-operadoras, la modificación de sus politicas de responsabilidad corporativa en relación al medio-ambiental. Lanzando un grito contra los que los miembros de esta propuesta arte urbano de carácter activista.


Una actitud incivica e insolidaria respecto a nuestro patrimonio natural. Con este enfoque dual compuesto por una parte de tratar de poner en práctica los puntos que se recogen en su manifiesto. Que consisten en utilizar el espacio público como medio expresivo y altavoz a través del que manifestar su preocupación por una serie de temas y problemáticas de carácter social.

Y por otra parte llevar estas acciones expresivas aplicando una perspectiva y visión lo más global posible. La columna de artistas urbanos seleccionaron algunos de los aeropuertos más representativos por tráfico de vuelos y  flujos de viajeros. Donde en ocasiones y utilizando una narrativa más directa y mordaz, como en el caso de la valla customizada realizada por el artista Hogre que se pudo ver en los aeropuertos de Brighton y Roma.

El mobiliario publicitario es un altavoz a través del que plantear debates en el espacio publico.

Donde su autor transformó uno de los logos más fáciles de identificar por parte del gran público relacionados con las compañías de bajo coste como es el de Rainair, sustituyéndolo por Ruinair. Situado a los pies de dos entusiastas azafatas que adoptando una pose de lealtad saludan a los potenciales clientes con una máscara lacrimogena puesta.


Por su parte en el cartel hackeado por Matt Bonner en una marquesina de una  línea de autobús que tiene conexión directa con el aeropuerto, el mensaje adopta una narrativa grandilocuente y tintes dramáticos. Transmitiendo la idea de que la proliferación de vuelos baratos son la causa principal del calentamiento global.


La campaña de carácter global gestionada por el colectivo de arte urbano Brandalism, se enmarca en un escenario de emergencia climática global.


En el caso de la propuesta firmada por Michelle Tylicki y que decoraban tanto marquesinas instaladas en las ciudades de Utrech como de la ciudad francés  de Nantes. La compañía objeto de su denuncia era KLM, utilizando un tono más liviano y tenue, su mensaje iba dirigido directamente a los usuarios recordándoles que fueran lo más responsables posible a la hora de escoger un vuelo.

En total se intervenieron alrededor de 500 expositores publicitarios, suma muy estimable y que indica la gran embergadura y la gran transcendencia que ha tenido entre la opinión publica.  Compuestos por todo tipo de formatos y soportes publicitarios, la campaña que se ha completado a lo largo de los tres meses de Verano, buscaban el máximo grado de impacto entre los clientes de las aerolineas.


Expuestas en los principales aeropuertos europeos, la mayoría combinan en su concepción la sátira y altas dosis ingenio, enfoque con que el equipo compuesto por nueve autores Hogre, Lindsay Grime, Matt Bonner, Michelle Tylicki, Darren Cullen, Street Market Subverttiser, Soofiya, BWA Design, and Roelof Boss. Pretendían resaltar el papel del marketing de las aerolíneas en el aumento de las emisiones de gases de efecto invernadero. Los activistas están pidiendo a la Comisión de la UE que introduzca medidas en el ambito publicitario al estilo del tabaco para frenar la demanda de vuelos y evitar que las emisiones aumenten aún más. 




Para eso y paralelamente han habilitado  un canal por el que demandan la colaboración ciudadana bajo el nombre de los #BanFossil. Los paneles publicitarios seleccionados tanto en las inmediaciones de los aeropuertos como en el centro de ciudades como París, Ámsterdam, Barcelona, Bruselas, Lieja, Lisboa, Roma, Nantes, Londres, Bristol, Norwich y otras ciudades europeas con carteles que destacaban la falta de acción significativa de la industria de la aviación sobre el cambio climático. 



SETH convierte al Distrito 13 de París en un espacio de arte urbano crítico



La mayoría de los turistas que deciden dirigirse hacia los distritos situados en el margen izquierdo del río Senna, suelen tener meridianmente claro que su destino final esta en las proximidades del Distrito 14.


Donde se encuentra Montparnasse, el que quizás sea considerado el barrio más bohemio de la capital francesa. Un lugar donde los noctámbulos y los peregrinos de la noche suelen frecuentar hasta altas e intempestivas horas de la madrugada, cuando los primeros rayos del Sol despuntan al alba y el aroma de los tradicionales y numerosos cafés que hay en la zona abren sus puertas.


Para que tanto los residentes habituales, como los primeros turistas que se dejan ver por sus sinuosas calles, puedan cumplir con el ritual de tomarse el desayuno acompañado de un croissant recién horneado. Por lo que suelen ser el conjunto de calles que conforman el palaciego Distrito 13. Cuyo punto neuralgico lo podríamos situar en la Plaza de Italia, obviado por defecto de casi todas las agendas turisticas.

Algo que a mí juicio supone un craso error, pues aparte de la citada plaza, nos podríamos acercar a visitar el edificio que alberga la biblioteca Francois Miterrand, un majestuoso equipamiento, considerado el mayor del país en su ambito. Donde se podrá consultar el más amplio registro bibliofilo de toda Francia.

O los restos del cauce del Bièvre, uno de los ríos que cruzaban esta zona cuando todavía no se había anexionado añadiéndose como distrito de París, y cuyo cauce fue finalmente cubierto a comienzos del siglo XX. Aunque para dejar constancia de que por allí transcurrió un pequeño afluente. Todavía se conservan una serie de medallones que situados a ras suelo, te permiten seguir parte de su trazado original.

Entre otros muchos alicientes que se encuentran repartidos por aquí y por allá que te permitirán disfrutar de una agradable tarde paseando por sus calles. Podríamos citar que desde unos años a esta parte se han ido incorporado de forma regular una diversidad de muestras relacionadas con el arte urbano y el street art, que estan convirtiendo al distrito 13 en un museo al aire libre.

Una ciudadana de París trata de emular el gesto que observa en el grafitti de SETH

Intervenciones entre las que destaca por su cantidad, su calidad y sobretodo por su característico estilo a las que ha ido realizando de forma más o menos constante el artista conceptual SETH. De cuya obra ya os hemos hablado en NQ, en alguna ocasion y de su manera de percibir y trasladar la inocencia infantil, a un lenguaje y una narrativa netamente urbana utilizando formas muy suaves e incluso naif.

Hasta convertirle en uno de los mayores referentes del arte urbano de la capital parisina, siendo quizás la otra pata de este tamden el mismísimo JR. Autores que curiosamente comparten algunas similitudes en su práctica expresiva, como por ejemplo que los dos muestran una tendencia a  crear retratos a gran escala, donde en mayor o menor medida destaca la expresión humana en su manifestación más natural.

Aunque cabe recordar que Julien Malland tiene sus primeros antecedentes dentro del mundo del arte urbano, no muy lejos de allí en el Distrito 20. Cuyo entorno urbano utilizo como laboratorio en el que poder explorar aquellos parámetros que tras madurar con el paso del tiempo, pasaron a formar de su ideario y praxis urbana. Elementos por otra parte de muy fácil compresión por parte del gran publico.

Los ultimos proyectos de SETH en la capital parisina refuerzan su compromiso con la infancia a través de hacerse eco de los últimos dramas a los que se debe enfrentar.


Y con los que ha desarrollado la habilidad de representar una gran variedad de temas de más o menos calado social, a través de cuyo discurso SETH ha demostrado su compromiso y preocupacion con todo aquello que tenga que ver con la infancia, y todas aquellas vulnerabilidades e indefensiones a las que se enfrentan los niños a lo largo de esta fase de su vida.

Siendo en estas primeras etapas en las que más traumas infantiles se producen. Siendo un tema recurrente y sobre el que gira buena parte de las actuaciones firmadas por SETH. Aunque en el Distrito 13 también se pueden contemplar obras de auténticos iconos del arte urbano como Shepard Fairey (Obey) de la que se puede ver la intervencion, Liberté, égalité, fraternite, situada en 141 boulevard Vincent-Auriol.


O de nuestro admirado D*Face del que se puede ver a la altura del número 155, boulevard Vincent Auriol, un retrato femenino que realizado bajo claras influencias del Pop Art lleva por título Turncoat. Cerca de allí se encuentra la intervención titulada El Castor de artista urbano portugués Bordalo II, que como su nombre indica reproduce la figura de un castor, en homenaje a la gran colonia que hubo en su momento en la zona.

Otra de las versiones de SETH perteneciente a la serie dedicada al Covid-19

Volviendo a las aportaciones realizadas por el artista parisino SETH en el distrito, y como no podía ser de otra forma, se muestra recurrente a tratar de nuevo los problemas que atañen a la infancia conformandose como el tema central de las propuestas. Que se pueden ver en las proximidades de las instalaciones del expacio expositivo de la galería Lavo//matik, cuya programación está dedicada en exclusiva a mostrar artistas de Arte Urbano.

Entre estas voy a comentar dos ellas, las cuales por su significado y sensibilidad merecen especial atencion, la primera que a pesar de que ya la conocía cuando fue realizada por el artista como reaccion al anuncio por parte de las autoridades de confinar a la totalidad de la poblacion. Debido al avance inexorable provocado por el patógeno Sars-Cov2 Covid-19.


Aunque las ideas relacionadas con la infancia plasmadas por SETH en sus murales por defecto suelen presentar un aire optimista, en las últimas realizadas en París aunque trata de reducir su carga dramática no puede abstraerse de la gravedad de los últimos episodios a los que estamos asistiendo.


En realidad se trata de una serie de pequeños murales en los que aparecen sus características figuras infantiles, pero con un matiz todas las representaciones están parcialmente cubiertas con un casco, con el que los niños pretenden protegerse de este enemigo invisible, que es el virus. Y cuyo detonante fue la intervencion del presidente de la República Francesa, por aquella epoca Macron ese mismo Marzo, cuando equiparo la lucha contra el virus con un conflicto bélico cuando afirmó categóricamente "Estamos en gurra".


En la segunda intervencion aún más reciente en este calendario tumultuoso plagado de acontecimientos poco predicibles y hasta cierto punto inesperados. En este caso el tema al que alude SETH, no es otro que la invasión por parte del gobierno de la Federación Rusa, de parte del territorio Ucraniano. Incursiones en la región del Donbass que se produjeron a comienzos del Marzo del año pasado, provocando como primera y más trágica consecuencia la muerte de miles de personas a la vez que el desplazamiento de cientos de miles de ellas. 

Entre los cuales la población infantil sufrió el shock más notable, cuya estimación y consecuencias están aún a día de hoy por valorar. Pero que en sus primeros capítulos supuso el desarraigo desde su lugar de origen, además de estar expuestos a constantes peligros debido a la aparición de mafias, y la ineficaz actuación de las diferentes autoridades involucradas en su vigilancia y proteccion. 

El mural de escuetas dimensiones y desplegando cierto aire patriotico, represententa sobre el lienzo de una tapia blanca situada a la altura de la Rue Buot, a una niña que ondea alegremente una bandera de Ucrania. Con la cara girada hacia el interior la niña en su grácil caminar parece ajena a la verdadera transcendencia de los acontecimentos a los que estamos asistiendo. Peinada con una coleta lleva adherida a la cabeza una diadema de flores que atenúa los simbólico de la razón de la representacion. Dramatismo que sin embargo se simboliza muy bien en la parte inferior del mural, donde los zapatos de la niña de forma marcial y contundente aplasta los tanques enemigos.