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Klaus Littmann - For Forest, la infinito tensión entre la naturaleza y el ser humano representada en un campo de futbol




Instalados en plena controversia por la irrupción y proliferación de las denominadas herramientas realizadas a partir de inteligencia artificial. Una realidad que representa un paso evolutivo dentro de la cronología de la era digital.


Y cuya extension e incorporación de forma masiva y hasta cierta forma caotica esta afectando a una diversidad de ambitos productivos. Siendo quizas aquellas actividades que forman parte de las areas creativas, las que primero y de forma mas notable estan siendo metabolizadas por este ecosistema.


Cuyas consecuencias todavia resultan a dia de hoy imprevisibles, aunque mucho me temo que no pasara de ser una herramienta preformativa. Cuyo empleo se limitara, mas bien a un recurso, que pese a que pueda parecer mas sofisticada que las ya de si por abundantes bateria de aplicaciones existentes.


No supondrá mas que un atajo para agilizar la tarea que en una diversidad de ambitos (ya sean creativos o de otra indole). Contribuyendo a mejorar aquellos aspectos del proyecto en curso y su resultado final. No sirvan (casi en ningun caso para sustituir la presencia y actividad de un profesional).


Tengo la oportunidad de maravillarme con una de las mas representativas intervenciones del artista suizo Klaus Littmann. Una actuación que por su envergadura pueda parecer ser el resultado de emplear en su realización herramientas de naturaleza digital.

Con apenas diez años de uso el estadio Wörthersee Stadion se transformo en un bosque efimero

Pero cuyo planteamieto se remonta a treinta años atras, cuando Klaus descubrió un dibujo titulado "La atracción infinita de la naturaleza". Un boceto que a su vez esta datado de 1971 y en cuya lamina el artista y arquitecto austriaco Max Peintner.

Trasladaba un paisaje natural a un escenario en el que las gradas de un estadio de futbol a rebosar de publico, asistia a un "espectaculo" en el que el patrimonio medio-ambiental se muestra encapsulado. Dejando de representar una amenaza para las decenas de miles de espectadores que atonitos asisten a la subliminacion del lugar en el que se se reunen para apoyar a su equipo.


Ilustrando una extraña escena distópica en la que la naturaleza solo existirá como objeto de exposición. Mostrando hasta ultimas consecuencias un proceso de domesticación de la naturaleza.



Mezcla de Land Art e instalacion a gran escala, For Forest The Unending Attraction of Marine  profana lo que se puede contemplar como el maximo exponente de lo que se puede considerar hoy un dia un "templo" en el que se veneran a poco mas o menos que semi-dioses.


De hecho a pesar de ser ejecutada en pre-pandemia, su planteamiento no estuvo exento de polemica. Pues el partido nacionalista FPÖ (Partido de la Libertad de Austria) criticó el transporte de los árboles al estadio. Se suponía que los árboles provenían de viveros austriacos, pero no se podían encontrar árboles apropiados allí, lo que significaba que tenían que ser transportados desde Italia, Bélgica y Alemania.  En otro sentido una minima parte de la opinión publica se manifesto en contra argumentando que el proyecto estaba bloqueando injustamente el estadio durante la Europa League, lo que impidió que el equipo anfitrión Wolfsberg AC pudiera completar un tercio de la temporada.



En este contexto la intervención de Klaus se convierte en un foro a traves del que se denuncia el deterioro de la diversidad de ecosistemas que constituyen nuestro entorno natural. Realizada en 2019 tuvo como escenario Wörthersee Stadion que esta ubicado en la ciudad austriaca de Klagenfurt y cuyas instalaciones se construyeron para la celebración de la Eurocopa de 2008.


Dado que actualmente estamos perdiendo alrededor de setenta y cinco mil kilómetros cuadrados de bosque cada año, el dibujo de Max Peintner era profético. Y cuya contemplación provoco un efecto  inmediato en Klaus Littmann.



Arriba dibujo original de Max Peintner, abajo el mismo dibujo parcialmente coloreado


Lo que le atrajo a Klaus del dibujo de Max fue que en su concepción trazaba un alegato o ficción, que estaba muy adelantada a su epoca. Ya que el problema de la perdida de extensas areas de bosque no se denuncio ampliamente hasta la década de 1980. Con los años, su dibujo se ha convertido en un icono desde el punto de vista de los activistas medio-ambientales.


Por ejemplo, su trabajo se puede encontrar en más de una veintena dd libros, así como en diversas publicaciones internacionales. Mientras tanto, la expresividad visionaria de la imagen ha sido citada en textos relacionados con para la filosofía, la biología, la ecología, la antropología y la literatura. 


Con alrededor de 300 árboles, algunos de los cuales pesan hasta seis toneladas, el arquitecto paisajista Enzo Enea fue el encargado de diseñar un bosque mixto centroeuropeo en todo el campo de juego. Para abordar este colosal proyecto (el mas grande de Austria hasta la fecha) Enzo instalo paneles de distribución de carga cubriendo toda la superficie para proteger el césped del estadio. 


RELACIÓN DE ESPECIES INCLUIDAS

Abeto blanco (Abies alba)

Acer campestre

Acer platanoide

Acer pseudoplatanus

Aliso de hojas de corazón (Alnus cordata)

Abedul colgante (Betula pendula)

Carpinus betulus

Fagus sylvatica

Fresno comun

Alerce (Larix kaempferi)

Pino negro (Pinus nigra)

Pino rojo (Pinus sylvestris)

Populus tremula

Roble pedunculado (Quercus robur)

Sauce de plata (Salix alba)

Silberlinde (Tilia tomentosa)


Klaus Littmann vive y trabaja en Basilea. estudió en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, entre otros con Joseph Beuys y se estableció como creador concentrandose en la planificación y realización de exposiciones de arte temáticas, así como intervenciones artísticas en el espacio público. Cada uno de sus proyectos se basa en una tensión dicótica que resalta el compromiso del artista con la cultura cotidiana y la relación entre el arte contemporáneo y los espacios urbanos. Proyectos muchos de ellos producto de la colaboración con otros artistas como Christo y Jeanne-ClaudeTony Cragg,  Peter Kogler o Subodh Gupta. Todos ellos ya mencionados en NQ a traves de sus respectivas entradas.



Cada arbol que formo parte de la muestra se obtuvo mediante una campaña de patrocinio, los participante recibieronn una copia del dibujo de Max Peintner The Unbroken Attractiveness of Nature coloreado a mano por Klaus Littmann, es decir, una pieza única firmada.



For Forest es una experiencia inmersiva del cual podeis ver un documental AQUI, editado por Ars Electronica, una pieza en la que su autor parece que nos invita a hacer un ejercicio de meditación que nos permite entrar en comunión con una naturaleza en este caso parasitaria.


Por ultimo mencionar que tras los dos meses que duro la muestra, el conjunto forestal se traslado a un terreno que reunía las condiciones óptimas y ubicado en las afueras de la ciudad.





Heather Benning - Dollhouse, el paisaje y su memoria después del incendio



La memoria cuando es nutrida por los caminos de la nostalgia, en buena parte de las ocasiones está detonada por recuerdos vividos. Los cuales recrean momentos felices, o en sentido contrario esta alimentada por recuerdos que se convierten en válvulas de escape "emocionales", y que sirven para enmascarar situaciones cuando menos incómodas o desagradables.


Ese tipo de memoria suele provocar que nos instalemos en una especie de limbo que se retroalimenta una y otra vez de los mismos pasajes que creemos ciegamente que nos han colmado de múltiples satisfacciones. Generendo cantidades ingentes de dopamina, inundando de esta molécula nuestras la principales areas de nuestro cerebro. Algo que provoca un efecto instantáneo en nuestra conducta hacia los demas.

Con los que nos mostrámos mucho más afables y cercanos, así como proclives hacer actividades juntos. Conductas empatica que en otros tipos de contextos ni nos planteariamos. Este específico tipo de recuerdo puede aflorar en las situaciones más inesperadas, pasando en la mayoría de las ocasiones desapercibidos, por lo que en rara vez deja en nuestro interior un sustrato.


Lo suficientemente apreciable como para poder conciencia del mismo, estado que impide que el sujeto establezca una causa del porqué esa sensación de felicidad y bienestar. Esos recuerdos por lo general nos suelen remitir a momentos únicos e irrepetibles que pueden evocar eventos puntuales como pueden ser por ejemplo un viaje, un encuentro especial, un concierto muy esperado episodios que en todo se desarrollaron según lo deseado.

O cosas que aparentemente son mucho más triviales como un desayuno por la mañana, o compartir tus pequeños momentos de tiempo y ocio con tu mascota. Sirviéndose de los mismos parámetros la arquitectura puede contribuir a que en un momento determinado de tu vida, en el que por la razón que sea te encuentras animicamente en horas bajas.

Provoque una reacción dentro de ti que suponga todo un revulsivo desde un punto de vista emocional y personal. Y si ese encuentro con la práctica arquitectonica, te permite retrotaerte y reconocer de alguna forma aquel espacio que compartistes con alguno de tus allegados más cercanos o amigos más intimos.

La fachada de flexiglas ofrecía protección a la vez que establecía un diálogo visual con su interior

Producirá emociones que suelen estar fuertemente vinculadas a tus primeros años y aquellos lugares que te vieron crecer y madurar como persona. Como demuestra la artista Heather Benning y quizás la que se pueda considerar su intervención más notable, a la par de que la de mayor embergadura. Pero comencemos con el detonante que se tiene que producir para que la artista comience a pergueñar un primer esbozo de Dollhouse (o casa de muñecas).

Hecho que habría que situar coincidiendo cuando se encuentra de visita en la localidad de Sinclair, perteneciente a Manitoba. Un enclave eminentemente rural situado en las llanuras del centro de Canada, Ella se encontraba residiendo en esos momentos en el estado contiguo de Alberta, más concretamente en Saskatchewan, donde estaba realizando una residencia gracias a una beca.

Cuando se topo por casualidad con la historia de una saga familiar, de la cual contaban los lugareños que había sido abandonada a principios de la década de los años 60´s del siglo pasado. Pese a que había permanecido casi cincuenta años sin habitar, aún conservaba en lo esencial las remiscencias que permitían al visitante hacerse una idea pormenorizada de los usos y costumbres con las que convivían sus antiguos residentes.


En esencia el proyecto cuya duración abarcó poco más de seis años se propuso explorar los fuertes efectos emocionales de los vínculos que desarrollamos con el entorno.


Lo que propicio que Heather tras restaurar algunas piezas del mobiliario original y recuperar algunas otras en alguno de los muchos colmados que hay en los alrededores, restaurar las diferentes estancias del edificio principal. Curiosamente el preambulo consistió en dejar al descubierto tanto los dormitorios como los lugares comunes situados en la plaza inferior de la vivienda.


Para eso tuvo que derribar la fachada principal de la vivienda, con eso la artista pretendía establecer una comunicación con todo lo había dentro y el público que se acercara a mirar en su interior. Información con la que podrían crearse una imagen más o menos detallada de las condiciones en las que sus legitimos moradores vivian. Y lo que era lo más importante para la artista.

El documental registra en siete minutos la pérdida de una vivienda que se mantuvo en pie durante casi cinco decadas

Cuyo deseo era que el espectador tuviera la capacidad para crear su propia narrativa, y su particular versión de los hechos sobre la pautas cotidianas de convivencia que podían suceder en aquel entorno y sus alrededores antaño. Pero sobre todo en el interior de la vivienda. Por eso la arista por una parte sustituye la pared y su puerta principal, por un gran ventanal que abarca todo el perímetro de la viviendad.


Para que puedas imaginar todas y cada una de las escenas domésticas a través de los que su moradores se relacionan de forma cotidiana. En el fondo daba una segunda oportunidad a la casa a través de las miradas y congeturas de sus visitantes casuales. Convirtiendo los restos de aquel hogar habitado antaño en un set cinematográfico improvisado. En el que tras desvelarse lo que sucede en el interior, gracias a que la barrera opaca de la pared se vuelve traslúcida permitiendo acceder de forma deliberada a lo que podía estar sucediendo dentro.


Dollhouse reune en sus diferentes fases creativas, un proceso que representa una experiencia en la que un prematuro abandono, y una efímera rehabilitación, se consuman en un final  epico y dramtico, por el que finalmente se rompe el vínculo entre el objeto y el paisaje y su memoria. 
  


Permitiendo al intruso penetrar en la intimidad de la casa y elaborar su propia versión de los hechos, en lo que podría ser el arranque, a partir del que elaborar su propio guión, cuya "redacción" reflejara lo que allí, entre esas cuatro paredes podría estar sucediendo. Creando un relato más o menos fiel y cómplice en todo caso, el cual independientemente de su motivación y desenlace pudiera ser finalmente compartido con el resto de los visitantes a través de capítulos encadenados.

Los cuales en un momento determinado arderian entre el pasto de las llamas, en en ritual donde el fuego haría de todas esas historias imaginadas un acto de purificación comunitario. Suceso que de alguna forma se produjo cuando en 2013  Heather se puso en contacto con el documentalista Chad Galloway para sacar adelante un proyecto que en imágenes consistiría en filmar como se consumiría la casa pasto de las llamas, 

Una propiedad que había soportado todos los avatares y rigores climatologicos, y que por razones que hasta hoy presente se desconocen fue precipitadamente dejada atrás por sus legítimos inquilinos. Y por lo tanto despojada de su propia historia y memoria, dejando un espacio familiar acogedor hasta ese preciso instante, en uno huérfano y que tras esperar largo tiempo no tuvo más remedio que sucumbir ante el fuego.



Grabado con un formato accesible, el realizador mantiene el pulso y la habilidad en todo el rodaje. Pues debido a que contaba con un plazo de tiempo muy limitado, condicionado por lo que durará en consumirse la casa pasto de las llamas. A lo que haya que que se rueda en su mayor parte a lo largo de una sola noche. Por lo que el enfoque principal era, darle más énfasis al hecho dramatico que estaba sucediendo frente a la camara.

Cuyo emplazamiento se fija con el único propósito de documentar lo más fiel un episodio que por mucho que haya sido planificado con anterioridad, no deja de ser por eso dramático e imprevisible. El incendio a medida que envuelve la casa por completo, refleja una pérdida irreparable, lo que lleva al espectador a considerar el dolor único de perder algo con tanto arraigo como puede ser tu hogar. Esto es quizás particularmente conmovedor en un momento en que estamos perdiendo cada vez más nuestros lugares de origen debido a fenómeno políticos-sociales consecuencia de la globalizacion y los efectos del cambio climático. Que está propiciando el desplazamiento de decenas de millones de personas en todo el mundo.


Stinkfish, retratos de una diversidad global


En el primer corto documental editado por la marca de sprays Auster titulado Latinoamerica tenemos la oportunidad de conocer la trayectoria y obra del artista mexicano Stinkfish aunque habría que decir que desde que era un niño de corta edad lleva residiendo en Colombia, donde emigro con su familia afincándose finalmente en Bogota.


Una trayectoria breve pero intensa por momentos furtiva que comenzó como la de otros muchos artistas urbanos, realizando pintadas urgentes y clandestinas a comienzos de la primera década de este siglo hasta que alrededor de 2005 ofrece su primera muestra de que el lo que en un futuro seria su principal vocación pintar retratos, en este inesperado bautizo eligiría la figura de uno de los estadistas mas iconicos del Siglo XX.

Ni mas ni menos que John Fitgerald Kenedy con cuya efigie empapelo buena parte de la ciudad incluyendo marquesinas y algún que otro baño publico donde se tuve que esconder de las fuerzas del orden, los tiempos por fortuna han cambiado y le ha sonreído, en la actualidad se pueden  contemplar retratos suyos por medio mundo como New York o en Ho Chi Minh capital de Vietnam y donde recalo por iniciativa propia.
 

Vista general de Porcida y su puerto a media tarde

Tras finalizar una intervención en la vecina Camboya para un certamen, allí como siempre con su cámara de fotos entre la muchedumbre Stinkfish trataba de capturar esa imagen que a su juicio representaría la esencia del lugar que esta visitando, podría ser un edificio o cualquier escena cotidiana de las muchas que sucede a nuestro alrededor y en las que apenas reparamos.

Pero como en muchas otras ocasiones Stinkfish capturo una serie de rostros todos ellos pertenecientes a gente anónima entre los que finalmente selecciono el de una niña que formaba parte de una clase cuya escuela había salido de excursión, la cual acabo retratando fielmente en uno de los muchos muros de una de las muchas calles de su ciudad, convirtiéndose finalmente en la carta de presentación del artista y por la que se ha hecho mundialmente conocido.

 
 

Con casi veinte años de trayectoria como artista urbano Stinkfish ha desarrollado una identidad propia como retratista de una sociedad en constante movimiento, capturando la diversidad que le rodea que recicla nutriendo su propia óptica de un mundo cada vez mas fluido y menos inocente.     



Según la filosofía de Stinkfish, el lo que hace es reutilizar una imagen extrapolando de su paisaje original para integrarla en un contexto social en el que en principio supone la antítesis del original, para darle contenido también recicla muchos de los materiales que emplea en la reutilizaron de sus obras, cuyo proceso comienza con una aplicación de tratamientos de imágenes. 

Los retratos Stinkfish reflejan el lado humano de los lugares que visita

Con la que selecciona un fragmento de la fotografía realizada sobre el terreno, cuyo detalle en la mayoría de las ocasiones se recortara como motivo principal sobre una plantilla de stencil, a través de la Stinkfish trata de atenuar lo que el considera las diferencias que existen entre individuos en un mundo fruto del postmodernismo en la que estamos embarcados.

Y que Stinkfish retrata de forma tan acertada tratando de conectar a través de la expresión contenida en una mirada las diversidad de un mundo cada vez mas fluido y poroso, retratos ejecutados en una miríada de colores luminosos entre los que destaca el amarillo con el que rellena la mayoría de los contornos faciales.
 

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Obedecen a una concepción del mundo netamente optimista. visión positiva del ser humano que el artista traslada al espectador en murales que situados en las mas inverosimiles sitios te asaltan transmitiéndote un mensaje positivo y con los que trata de alejarse de los estereotipos con los que habitualmente identificamos el lugar de procedencia de las personas con la que tratamos.


Josef Koudeika fotografia en Shooting Holy Land el aislamiento y la violencia que produce el muro israel-palestino


Aunque ya se conocían de un encuentro de fotógrafos que tuvo lugar en Israel en 2008 cuando el ahora director especializado en cine documental Gila Baram completaba su formación audiovisual en Israel. Cuando tuvo la oportunidad de tener como profesor al fotografo Josef Koudeika, según el una de sus principales influencias. 


No fue hasta años después cuando logro convencerle para que participara en el proyecto titulado Shooting Holy Land. Un documental realizado a pesar de todas los imprevistos que dilataban la filmación del mismo y que podeis ver íntegramente AQUI

Cuyo eje narrativo se centraría en describir en imágenes. La actividad que se produce alrededor de los diferentes puestos fronterizos que separan Israel de la Franja de Gaza y el resto de los territorios autónomos Palestinos. Comenzando por paso de Al 'Eizariya (Bethany), puesto por cuyos torniquetes circulan a diario miles de persona.

OTRA VEZ FRENTE AL MURO Y SUS DIVISIONES TERRITORIALES EN NOMBRE DE DIOS


Haciendo de separación entre la segunda ciudad mas poblada de Palestina y Jerusalem, también conocido popularmente como El Muro. Sobrenombre otorgado por haberse empleado en su construcción grandes secciones de cemento. Siendo el lugar donde Josef cámara en mano decide involucrarse en la producción de este documental.

Por presentar un paisaje que le evocaba al que contemplo cuando vio por primera el Telon de Acero en Berlin. U
na visión que le produjo un gran impacto en Koudeika, y cuyo dilema político y social vuelve a plantear años despues en un documental que aunque estrenado en 2015 principalmente en festivales de exhibición.

No ha sido hasta el año pasado cuando ha sido liberado distribuyéndose en diferentes plataformas de contenidos principalmente en Internet y en alguna operadora de televisión por cable. Y donde se nos pone en contexto respecto a la evolución de un conflicto político y religioso que dura décadas.



LOS ANTECEDENTES DE UNA HISTORIA QUE SE REPITE

Conflicto socio-politico cuyas consecuencias sufre una población que reside en ghettos masificados y con un deficit elevado de servicios y equipamientos. Viendose obligados a cruzar los conocidos como puntos calientes, los innumerables checkpoints que hay repartidos a lo largo de toda la frontera entre Israel y Palestina. Como el de Qalandiya en el área de Ramallah o el que hay situado en el campamento de refugiados de Shu'fat.

No es la primera vez que Koudelka aborda este problema en este formato. En sus libros de fotos Chaos y Triángulo Negro, el fotógrafo utiliza una cámara panorámica para ilustrar la violencia que la humanidad inflinge al medio ambiente.
 

Rodado durante cinco años en diferentes puntos a lo largo de la frontera que separa Israel de los territorios de la autoridad Palestina, Holy Land es un documental en el que Josef Koudeika traza en imagenes paralelismos entre el presente y el pasado


Sin embargo Wall otro de sus volúmenes que trata sobre el drama palestino se asemeja mas al Triángulo Negro en su tratamiento de un tema desde un contexto local. En este caso se centra en las minas que hay en el este de la República Checa, un territorio transformado por la minería de carbón y su escasa regulación administrativa.


No obstante si comparas las imágenes de Wall y Shooting Holy Land con las que te muestran en Chaos y Black Triangle. Te definen escenarios donde los elementos más destacados son aquellos con los que se ejerce la violencia y la represión, en alguna de sus muchas manifestaciones. Guardando paralelismos entre sí, y cuyo análisis arroja un resultado similar en términos socio-políticos. Definiendos por la exclusion y la intolerancia que se retroalimenta, reflejando como el aislamiento que se padece a ambos lados de la frontera deteriora su cotidianidad, tanto en términos como colectivos como a nivel individual.
 

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Jessica Kingdon - Commodity City, es un documental grabado en el centro de distribución al por mayor mas grande del mundo


Yiwu seria una de las muchas ciudades Chinas que debido a los flujos migratorios producto de las políticas aplicadas por las autoridades del gigante Asiático, han experimentado un crecimiento demográfico espectacular.

Sino fuera por que cuenta con la que se considera la mayor superficie destinada a comercio minorista del mundo, y es que cuando nos ceñimos a las cifras, todas y cada una de ellas desbordan las mas optimistas expectativas.

Comenzando por las que delimitan físicamente las miles de galerías que ocupan una superficie de 4.000.000 metros cuadrados, en los que cada día operan 75.000 comercios, en los operan cerca de 100.000 empleados y representantes de pequeñas compañias realizando cientos de miles de transacciones comerciales.

Datos  tentadores que por ellos solos bastarían para rellenar un reportaje bien documentado, siendo el argumento perfecto a partir del que realizar un análisis mas o menos objetivo de cuales son aquellos parámetros que describen la China actual, ya sea en términos sociales, culturales o económicos.


ESTANTERÍAS LLENAS DE OBJETOS SIN COMPRADOR
 
Pero para  los que sin embargo han sido secundarios en el trabajo de la joven realizadora Jessica Kindom, que ha enfocado todas y cada una de las tomas que forman parte de Commodity City a retratar a los trabajadores en su cotidianidad.

Aplicando una forma de filmar aséptica y por momentos minmalista en recursos técnicos, cuya distancia en lo asertivo recuerda por momentos a Obreros Saliendo de Trabajar de Lumiere. por lo que la mirada de esta productora y directora vocacional nacida de una pareja formada por una madre de origen chino, y un padre judeo-americano que le inculco desde niña su amor por el cine.



El documental Commodity City de Jessica Kingdon que se puede ver AQUI esta filmado bajo un prisma donde la critica se convierte en lírica, debido a la sensibilidad y habilidad con la que rueda una jornada de trabajo en el mayor centro comercial al por mayor del mundo.



Se limita a colocar la cámara de forma anónima como si su presencia no fuera un acto excepcional, y dejar que transcurran los acontecimientos, actos en su totalidad casuales, como atender a un cliente, tomar un refrigerio, reponer un producto o simplemente esperar detrás del mostrador a que alguien se interese por su gama de articulos.


UN REGRESO A LA INFANCIA DESDE UNA ÓPTICA ACTUAL

Es sin embargo esta carencia de guión y dialogos, el mejor hilo narrativo de todas y cada una de las facetas que toca el documental, un distancimiento necesario según Jessica para conseguir transmitir al espectador a través de una observación poco contaminada por los personalismos y sus expectativas, los cambios vertiginoso que ha experimentado la sociedad China en un breve plazo de tiempo.

Peaje que ha tenido que pagar a cambio de subirse al tren del progreso Occidental asumiendo buena parte de sus roles, donde el consumo representa el eje principal de sus relaciones cotidianas, desplazando las tradiciones que Jessica durante su infancia conocio en el transcurso de sus viajes esporádicos al lugar donde había nacido su madre.

Una transformación brutal de la que Jessica realiza una critica feroz, y que pese a no ser explicita subyace de forma sutil, como una sombra que se va extendiendo según avanza el metraje creando una atmósfera donde los comerciantes pierden su humanidad y su identidad mimetizandose con los expositores de productos que tienen a sus espaldas se exhiben colmados de baratijas de todo tipo.
  
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