All post

Giuseppe Licari - Humus, las raices como muestra de un paisaje cada vez mas ajeno


Según la wikipedia el humus es la materia orgánica resultado de la descomposición de organismos principalmente de origen vegetal, pasando a formar parte de los nutrientes de los que se alimenta otras especies arboleas.


Inspirándose en este ciclo simbiotico. El artista siciliano con sede en la ciudad holandesa de Rotterdam Giuseppe Licari presenta una red de raíces de árboles que cuelgan del techo como lámparas. Creada para la exposición Jardines secretos organizada por Galería Ten de Rotterdam.


Su instalación de ubicación específica titulada Humus,  interroga la relación entre la naturaleza y el entorno construido. En esta obra, que ocupa el cuarto centro de toda la galería, una red de raíces de los parecen crecer del techo. Iluminada por reflectores tenues, el espacio se transforma mágicamente en un inframundo misterioso.


Convirtiendo la sala en una especie de guarida subterránea. la obra articula un mundo donde los visitantes pueden obtener un vistazo exclusivo de la materia organico, algo que normalmente es invisible a nuestros ojos. Las raíces de los árboles muertos representan la condición de la tierra en la que han crecido en su entorno natural. la relación entre la humanidad y la naturaleza, el crecimiento y la decadencia son temas centrales en la obra de Licari.



Utilizando materiales extraídos de la naturaleza y en relación con el entorno construido. El público es invitado a participar, compartir, experimentar e interactuar, creando una memoria colectiva, siendo el punto central de su obra.


En su práctica se centra en los procesos metabólicos antropológicos que diseñan el paisaje contemporáneo. Le interesa especialmente cómo se ha transformado nuestro medio ambiente en el último siglo a través de la revolución industrial y la gran aceleración. Desde la revolución neolítica, a través de la religión y particularmente con la modernidad, la humanidad se ha alejado constantemente y en contraste del mundo natural. La naturaleza se convirtió en un concepto para ser explotado en lugar de un lugar para vivir en armonía. 

 

 



Mobile Garden Project, huertos urbanos modulares en Sao Paulo


Mobile Garden Project es una iniciativa de agricultura urbana que tiene como escenario la ciudad brasileña de Sao Paulo, desarrollada por el ingeniero agrónomo Marcos Victorino, la idea consiste en disponer de instalaciones moviles de cultivo con las que poder cubrir la demanda de hortalizas y verduras de pequeñas comunidades y en zonas que por sus características son de difícil acceso. 

El proyecto cuenta con diez modelos diferentes diseñados en función de las necesidades que plantean los miembros de las comunidades, con las que trabaja el equipo de Marcos Victorino, instalándose en cubiertas, corralas, solares y patios de colegio entre otros.

Con el aumento de la población en las zonas urbanas,  hay una necesidad de crear nuevas tecnologías que se adaptan a las estructuras urbanas. Debido a la poca superficie existente en las grandes ciudades, hay que adaptar las técnicas de cultivo optimizando los escasos recursos existentes, con el objetivo de producir alimentos ecológicos en las mejores condiciones posibles.

Los proyectos de huertos educativos desarrollados por el equipo agrícola de Marcos Victorino tienen como estrategia crear conciencia sobre el origen de los alimentos y sus cualidades nutritivas. Como complemento de la actividad en el aula, la mejora del conocimiento, la interacción con el medio ambiente y ayudar a los estudiantes en su comprensión de los diversos factores relacionados con el crecimiento de las plantas suponen un paso fundamental en su adquisición de valores ecológicos. 

Un ejemplo de la aplicación de esta metodología colaborativa, es el huerto urbano fruto de la colaboración de la Escuela Municipal de Educación Infantil "Guia Lopes", ubicada en el barrio de Limao en São Paulo. Junto con la labor educativa, se esta trabajando a partir de actividades relacionadas con la alimentación sana, en la que  incorporar el consumo de vegetales a la dieta de los niños  y las ventajas que representan. 

En cuanto al diseño de las instalaciones del huerto, los cultivos se realizan en tanques de madera modulares colocados en filas, un circuito de microriego conectan las diferentes secciones que forman el invernadero. Este modelo permite su traslado y montaje en otro lugar, evitando las perdida de genero y la producción de residuos.

Para este año 2013 tienen como prioridad trabajar el tema de la sostenibilidad, con la elaboración de su propio compost, la captura de agua de lluvia y la reutilización de desechos para montar invernaderos, lo que les permitirá un alto grado de autonomía en la gestión de futuros proyectos. 

Un laberinto de 7 años de trabajo que se ha resuelto 30 años después



Hace casi treinta años un custodio japonés se sentó frente a un pliego de papel de grandes dimensiones A1, sacó un lápiz y comenzó a dibujar los inicios de un laberinto diabólicamente complejo, cada trazo surgía espontáneamente de su cerebro volcándose sobre el blanco del folio.

Cuando lo finalizo siete años después las miles de posibilidades que ofrecía al que se embarcaba en el dédalo eran asombrosas, los trazados cuyas huellas podías seguir eran exponencial mente casi infinitas. Obviamente en casi ningún el destino y finalization del itinerario escogido solía coincidir con el deseo del aspirante cuya meta era encontrar una salida del dedalo.

Como el mapa de un tesoro, el pergamino permanecio guardado treinta años hasta que el hijo del autor lo desplegó sobre una mesa y comprendio su significado, tratando de encontarle el sentido al trabajo de su padre. El hijo escaneo el dibujo del mapa por fragmentos y los colgó en su cuenta de Twitter @ Kya7, retando a todo aquel osad@ que quisiera resolverlo.

DESCUBIERTO COMO UN TESORO, EL LABERINTO ENSEGUIDA SE HIZO VIRAL 
La respuesta fue todo un éxito, a pesar de que el desafío era cuando menos herculeo, un nudo georgiano de magnitudes raramente vistas hasta ese preciso instante. Razones a tener en consideracion, que se tenía que tener muy en cuenta por todo aquel que de verdad tras conocer todas y cada una de las dificultades a sortear.

De verdad y a pesar de todas las adversidades y posibles efectos que pudiera provocar, quisiera seguir participar en su eludizacion. La respuesta no se hizo esperar recibiendo miles de peticiones de usuarios que querían acceder a una copia integra del laberinto que su padre le había legado por casualidad para tratar de resolverlo. 

Aquí se pueden ver algunos detalles de tan laborioso trabajo en el que para realizarlo no empleo mas que su ingenio, sin trucos ni segundas versiones. Además de algunos de los muchos resultados enviados por los participantes, no cabe mencionar que la practica totalidad infructuosos y vanos intentos por resolverlo con exito. 


A labyrinth of 7 years of work that has been solved 30 years later



Almost thirty years ago, a Japanese custodian sat down in front of a large sheet of A1 paper, took out a pencil and began to draw the beginnings of a diabolically complex labyrinth, each trace emerging spontaneously from his brain and spilling over the white of the paper.


When he finished it seven years later, the thousands of possibilities it offered to those who embarked on the maze were astonishing, the paths whose traces you could follow were exponentially almost infinite. Obviously, in almost no case did the destination and finalization of the chosen itinerary coincide with the desire of the aspirant whose goal was to find a way out of the Daedalus.


Like a treasure map, the parchment remained in storage for thirty years until the author's son unfolded it on a table and understood its meaning, trying to make sense of his father's work. The son scanned the drawing of the map in fragments and posted them on his Twitter account @ Kya7, challenging anyone who dared to solve it.

DISCOVERED AS A TREASURE, THE LABYRINTH QUICKLY WENT VIRAL. 


The response was a success, despite the fact that the challenge was at the very least herculean, a Georgian knot of a magnitude rarely seen until that very moment. Reasons to take into consideration, which had to be taken into account by anyone who really wanted to know each and every one of the difficulties to overcome.


Truly and in spite of all the adversities and possible effects that it could cause, wanted to continue participating in its avoidance. The response was not long in coming, receiving thousands of requests from users who wanted access to a complete copy of the labyrinth that his father had bequeathed him by chance to try to solve it. 


READ IT IN SPANISH: Un laberinto de 7 años de trabajo que se ha resuelto 30 años 


Here you can see some details of such a laborious work in which he only used his ingenuity to do it, without tricks or second versions. In addition to some of the many results sent by the participants, it is worth mentioning that practically all of them were unsuccessful and vain attempts to solve it successfully. 



Entra en funcionamiento la primera turbina eólica de madera del mundo


Construidas en la mitad de tiempo y empleando mucha menos energía la primera turbina que empela  madera ha entrado en funcionamiento, emplazada en un páramo situado en las afueras de la ciudad alemana, el aerogenerador patentado por la compañía TimberTower tiene 100 metros de altura el equivalente a un edificio de 28 plantas. 

Las turbinas de viento se fabrican generalmente de acero u hormigón pero sus materias primas hay que importarlas, además su proceso de tratamiento exige una inversión en maquinaria muy importante, causas que encarecen el producto final. 

Las paredes exteriores de la TimberTower están protegidas por una lámina de plástico blanco. Se compone de grandes paneles de madera que se llevan a cabo dentro de una construcción de entramado de madera y numerosas plataformas intermedias octogonales. 

Para su contrucción se han talado arboles de explotaciones próximas a la turbina, en concreto de bosques de abeto cultivado en bajo principios ecológicos, este modelo de gestión contribuye a la prosperidad de los agentes locales, suponiendo un medio que facilita el desarrollo económico en el entorno rural.

Los segmentos individuales son más fáciles de transportar. La producción de acero consume mucha energía y por lo tanto libera CO2, según fuente de la compañía estiman que la duración de una turbina de madera ronda los cuarenta años de vida, tras los que se puede desmontar y sus residuos ser destinados a reciclaje reduciendo al mínimo su huella ecológica.

El presupuesto destinado al diseño, fabricación, traslado y montaje de la turbina ha sido de cinco millones de euros. Aunque su producción en masa reduciría sustancialmente este presupuesto. La TimberTower esta equipada con una  turbina Vensys  que produce de 1,5 MW. La compañía está en conversaciones con los desarrolladores de parques eólicos sobre la venta de torres que se pueden construir tan alto como unos 200 metros


Victoria Campillo - Jardines, el mito del arte contemporáneo y un paisaje ajeno


La artista conceptual Victoria Campillo vincula la identidad de reconocidos artistas plásticos con elementos arquitectónicos. La serie titulada Jardines comienza con su traslado a una zona de payeses en el Baix Llobregat en Cataluña (España).

Una comarca dominada por huertos y explotaciones agricolas, cultivadas con esmero por familias de hortelanos que cosechan sus pequeñas parcelas desde hace años, construyendo sus propias cabañas donde guardan los aperos de labranza. 

Estas tipologías arquitectónicas muy rudimentarias se construyen con materiales de deshecho, manteniendo un nexo común con los parajes del territorio pero difiriendo estéticamente. Por lo que la autora en su recorrido lo asocia a la iconografía de diferentes artistas todos ellos nacidos en el siglo XX. 


Las fotografías asignadas por un epigrafe a un autor determinado adquieren de esta forma una identidad iconica. La serie la compone un centenar de fotografías donde se conjuga las especificaciones propias de la arquitectura local, con la firma de grandes creadores plásticos.


Victoria Campillo nació en Barcelona en 1957 donde todavía trabaja y vive. Empezó a dibujar desde una edad temprana y descubriendo sus habilidades obvias una maestra aconsejó a sus padres promover sus inclinaciones artísticas. 


Durante los últimos veinte años ha estado trabajando sin parar en su proyecto fotográfico, basado en la identidad que viene con los objetos de la cotidianidad y su relación con el Arte. En su trabajo, hablo de arte, citando a otros artistas y es.tableciendo pautas con otros ambitos creativos.




Malka Architecture participa en Burning Man con Loopcamp, que pronostica el clima a través del sonido



Con una asistencia de mas de 52.000 personas el encuentro nómada de Burning Man, representa el evento contracultural y creativo mas singular y provocador que se celebra en la actualidad dentro de la cultura Pop.

Organizado en una reserva india antigua ubicada en el Lago Lohontan, ahora seco, a más de dos mil metros de altitud en el estado de Nevada. La ciudad semicircular de Black Rock City acoge la mayoría de las actividades que se celebran a lo largo de siete días.

En cuyo transcurso se pueden ver todo tipo de propuestas artes alternativas y mutantes. Vehículos visionarios, cúpulas geodésicas, robots, y multitud  de manifestaciones creativas acompañadas por oleadas de música electronica.

Instalada sobre un duna de arena la propuesta del estudio de arquitectura Malka Architecture. Una instalación realizada a partir de enormes tubos cilíndricos adosados. Titulada Loopcamp, la escultura sonora se recorta en un cielo azul intenso como si de un órgano musical se tratase.

Elaborados con papel reciclado, orientados hacia el mar los tubos de diferentes longitudes y diámetros producen rangos diferentes de sonidos, graves cuando el tubo es largo y agudo cuando es más corto.

La instalación emite una acústica de sonido envolvente que se proyecta sobre la superficie a su alrededor. Cumpliendo una función de predictor climatológico, vinculando el estado del tiempo con la amplitud del sonido.



Julie de Waroquier - Mujer surrealista esperando el instante del sueño


La  fotógrafa francésa Julie de Waroquier seduce con su lírica estética captando la figura femenina con su cámara y sobretodo con la sutileza de la perpizcacia de su mirada, cultivada con los muchos años de experiencia profesional. 

En este sentido sus fotografias exploran las aspiraciones y frustraciones  del soñador moderno  fundiendo la realidad con una suerte de psicoanálisis fotográfico. Con este enfoque selecciona lugares comunes donde se producen encuentros fortuitos que tienen como escenarios paisajes humanos volátiles y liquidos.

Ráfagas de imagenes registradas en entornos polivalentes y que se nutren de la ficción, donde el anonimato se convierte en una forma de camuflaje que permite la deshibicion no solamente corpora.  Sino aquello que de forma latente subyace debajo de las sucesivas capas y pliegues que forman el órgano más extenso del cuerpo humano.


Cada imagen está construida alrededor de un símbolo y cada imagen cuenta una historia. Julie también trabaja estos conceptos estructurándolos en conjunto de imagenes como las tituladas Inner worlds (Mundos Internos) o Surreal streets (Calles Surrealistas).


Julie estudio filosofía por la Ecole Normale Supérieure Université Lyon. A los 23 años se enamora de la fotografía por azar, de formación autodidacta desde entonces desarrollada un estilo propio, que le ha permitido publicar en numerosas publicaciones.



En las que se centra de forma esmerada en describir personajes atrapados en una fase del sueño, en estado de sonambulismo o simplemente despertando de una pesadilla. Tomás en las que se percibe un lenguaje visual que por momentos te causan la impresión de que estás viendo el avance en imágenes del próximo estreno de una pelicula. Esto sucede porque cada fotografía cuenta con sus propios elementos y motivos rítmicos que le proporcionan esa sensación de movimiento. artística. Según su sitio web, se inspira en cuentos de hadas, mitos, escritos psicoanalíticos y otros artistas y escritores como Perrault, Magritte y Diderot


Arquitectos WOW - Wonder | Wall, un muro vegetal con fines creativos


Cada año se celebra en la Singapur el festival de arquitectura y urbanismo Archifest, un evento abierto, donde mediante un programa de actividades tanto profesionales como   publico en general participan en debates, talleres, excursiones urbanas, actividades culturales... 


Un foro donde se intercambian ideas y donde se presentan  algunos de los proyectos que tendrán como objeto la bulliciosa capital del sureste asiático.

Para desarrollar las actividades y ofrecer un lugar de encuentro a los asistentes se precisa de unas instalaciones que cumplan con unas condiciones idóneas. En vez de alquilar un edificio los organizadores del festival convocan con antelación un concurso de ideas, con el objetivo de construir un pabellón al que se presentan numerosos estudios.


En la ultima edición celebrada entre el seis y treinta y uno de Octubre de 2.012, se selecciono el proyecto de la oficina de arquitectura local WOW Architects. Instalado dentro del perímetro de uno de los espacios verdes mas concurridos de la ciudad, el conocido como  Fort Canning Park.

La estructura ondulante del pabellón temporal  Wonder Wall fue construida con cientos de andamios recuperados, en las numerosas obras que operan en la ciudad y que la están convirtiendo en una de las urbes mas pobladas del mundo.

El pabellón pop-up también cuenta con una fachada reciclable en las de que  jardineras y tanques cuelgan con plantas autoctonas con las que consigue regular la temperatura en el interior de la estructura, creando una atmósfera acogedora y distendida.

El tranquilo parque se refleja en el volumen íntimo, mientras que es accesible a través de la membrana permeable del pabellón. cuenta con dos espacios para eventos: un área de visualización completamente cerrada para las ocasiones íntimas y una sección semi-cerrada, que cuenta con una pantalla al aire libre para las noches de cine.



El estudio de paisajismo Ambius crea un muro vegetal que reproduce la doble hélice de ADN


Cuando Francis Crick y James Dawson con la ayuda inestimable de Rosalind Franklin describieron por primera vez la estructura helicoidal de ADN en 1.953. Descubrimiento por el que finalmente (a los dos primeros), le otorgaron el premio Nobel.

Toda la comunidad científica se maravillo de cómo las siluetas helicoidales que se mostraban en las placas realizadas por Rosalind, eran ni más ni menos que las bases nitrogenadas a partir de las que se ensamblaba la doble cadena de nucleotides de ADN.

Hélice, a  partir de las que se plegaban las proteínas y enzimas que compone los organismos eucariotas. Este hallazgo revolucionario ha supuesto desde entonces, que el cuerpo  humano y la practica médica se contemple desde una perspectiva, que permite un abordaje de la diversidad de enfermedades y dolencias que le afecta. Facilitando el desarrollo de las técnicas por las que se secuenciaria el primer genoma humano.


Con motivo de la inauguración del nuevo edificio destinado albergar las instalaciones de la facultad de Ciencia Medica Roger, perteneciente al campus de la Universidad de Charlotte. Su rectorado encargo al estudio de paisajismo Ambius un muro vegetal que reflejara el espíritu de la institución académica.


Con una superficie de poco mas de doscientos veinticinco metros cuadrados, la alfombra vegetal abarca una altura de tres alturas, ocupando la totalidad de la fachada oriental del edificio. 

Siendo una replica de aquella primera muestra de ADN, en la que se puede apreciar los pares de bases que albergan la información contenida en el genoma. La cual adquieren tendida sobre la fachada la apariencia de hojas de diferentes especies con los que se crea los puentes que forman las cuatro letras AT y GC del abecedario de los cromosomas.



El bosque de esculturas de las brujas de Pendle y sus oscuros misterios


Hace poco mas de cuatrocientos años en el bosque de Pendle, el cual se encuentra en una región boscosa localizada en el noroeste de Inglaterra y perteneciente al condado de Lanchashire. 

Se ejecutaron a diez personas por brujería, acusadas de asesinato nunca se encontró evidencia alguna de los supuestos horrendos asesinatos cometidos por estas impias y pecadora alcahuetas.

 En el mismo sendero donde las crónicas sitúan estos desagradables acontecimientos, en un claro del bosque. El escultor y paisajista Philippe Hardford con el propósito de conmemorar su adniversario creo una serie de esculturas inspiradas en seres exotéricos y en animales mitológicos endemicos del lugar.


Lo que comenzo siendo un homenaje tres años después se ha convertido en un espacio expositivo. En el que cada temporada se añaden nuevas esculturas, que empleando materiales orgánicos. 

Principalmente madera extraída de los ricas reservas de acebo que son operadas por una notable industria maderera que hay en la región desde hace siglos, suponiendo la principal actividad económica de la comarca.

El recorrido propiamente dicho se divide en diferentes secciones que acogen obras de una variedad de artistas que como Philippe se expresan artísticamente mediante intervenciones de Land Art.

Actividad creativa con la que se está logrando revitalizar la actividad económica de las numerosas pedánias locales. Recibiendo cada temporada  decenas de miles de turistas, que atraídos por las numerosas leyendas.

Se acercan a visitar las instalaciones en su mayoría de carácter permanente. Entre las piezas más destacables de la colección que el visitante puede encontrarse entre arbustos, setos y pequeños arboles frutales como los arándanos.

Están las dos versiones de Reconnected, estas esculturas elaboradas con cuentas de madera. Estan formadas por dos grandes arcos que serpentean en el aire. La instalación, construida evoca una sensación de movimiento perpetuo capturando el espíritu del bosque adormecido.



Abierto al publico durante todo el año se recomienda su visita durante la primavera o los meses de verano, pudiendo asistir a los actos que se organizan en homenaje a las brujas de Pendle.


Una de las ultimas incorporaciones es la realizada por la artista Sarah McDade, que ha diseñado diez mosaicos de cerámica, a través de los que se homenajea a todas y cada una de las personas condenadas como brujas. 

Cada mosaico está colocado sobre un tocón de madera el cual esta adornado con una muestra de las hierbas y plantas utilizadas en 1612. El artista  Steve Blaylock por su parte, ha creado varias criaturas del bosque en acero inoxidable, incluyendo murciélagos, un búho y una araña que espera pacientemente posada en su telaraña a que caiga su presa.



Hiesl Angie - X-times people chair, sillas que dialogan con su entorno desde las alturas


Representada en veintiocho ciudades de los cinco continentes a lo largo de los últimos quince años. La perfomance X-times people chair visibiliza aquellos colectivos de población que debido a su avanzada edad quedan relegados a un plano secundario socialmente.

O directamente son miembros que pese a su experiencia y utilidad social son invisibilizados. Realizadas por la artista Hiesl Angie y el coreógrafo aleman Roland Kaiser, las intervenciones actúan sobre el espacio publico como estas estatuas vivientes.

Que recuerdan estéticamente a las esculturas del artista español Juan Muñoz. Salvo en el matiz relativo a tratamiento de los volúmenes y su concepto expresivo. En el primer caso el contexto se modifica pues se trata de una performance.


Que en su narrativa hay una dimensión socio-politica a través de las que sus autores muestran su compromiso social. Con una propuesta interactiva estableciendo un dialogo a través de unas estatuas que cobran vida para asombro de los viandantes, que alzan la vista entre estupefactos y desconcertados ante lo que ven.


Encaramados en cornisas los testigos sentados a sillas blancas atornilladas a las fachadas de los edificios. Se comportan como personas anónimas realizando tareas cotidianas, como leer el periódico, hacer punto, doblar ropa. 


La experiencia pretende analizar los cambios y comportamientos de una sociedad donde el sentido de lo colectivo esta siendo sustituido por las necesidades del individuo y su aislamiento del resto de los ciudadanos con los que apenas se comunica.

Se trata de intervenciones que poseen un fuerte componente casual, cuyo enfoque está orientado a dinamizar el entorno urbano utilizando herramientas creativas, como vehículo a partir del que crear un sustrato reflexivo y crítico en el sujeto.

Que ya sea motivado por la curiosidad o por qué siente identificado con el discurso al que asiste se aproxima, con espíritu empatico y se pone por un instante en el lugar del otro. Reflejándose a través de una óptica que no carece de cierta cadencia poetica 

En realidades que aunque puedan tener peculiaridades locales le sitúan en un escenario producto de un entorno, donde la globalización tiende a diluir diferencias independientemente de los fenómeno sociales que se describan. 

Temáticamente, sus coordenadas se encuentran en la relación entre el lenguaje corporal y el espacio en el que se expresa. Así como en la relación entre los individuos y su respectivo entorno cultural, social, político volátil y refractario. 

 

Wandel Hoefer Lorch + Hirsch - The Hinzert Museum and Document Center, un memorial para recordar a las victimas de los campos de concentración de la WWII


Nada en el lugar ni indicio ni rastro indica o hace pensar, que donde ahora se levanta The Hinzert Museum and Document Center, en el periodo que va desde 1.939 a 1.945 hubiera un campo de concentración donde hubo miles de presos políticos pertenecientes a veinte nacionalidades diferentes.


Situado en las afueras de la localidad alemana de Hinzert la estructura del edificio hace referencia a la estética de los barracones donde se hacinaban los refugiados. Diseñado por el estudio local Wandel Hoefer Lorch + Hirsch la construcción de aspecto austero esta compuesta por secciones de acero ensambladas en un único bloque.

La uniformidad de su superficie exterior compuesto por tres mil placas triangulares de acero soldadas en crudo, contrasta el paisaje donde esta asentado caracterizado por una vegetación exhuberante y numerosos cursos de agua, creando una identidad única sobre el terreno.


Con cuarenta y tres metros de largo el pabellón situado en una leve pendiente, cuenta con dos aberturas laterales que son las que les proporciona la mayor parte de la iluminación que se complementa con pequeñas claraboyas exteriores insertadas a lo largo de la cubierta exterior.


El volumen con su color rojizo simboliza la opresión y la intolerancia de una época, se transforma en un interior diáfano exento de obstáculos, permite al visitante un contacto visual con las diferentes instalaciones, formadas por una sala de exposiciones, un archivo y departamento de documentación, una biblioteca, se  completa con salas de investigación.


Nominado su diseño a los premios de arquitectura europeo Mies Arch. La exposición permanente se contextualiza a través de contenidos digitales en formato de vídeo, sonido, imágenes y textos integrados en las paredes. Explorando las deformaciones políticas y territoriales de la arquitectura y de como afecta al territorio y a las comunidades que los habitan.



Suscribirse a: Comentarios (Atom)