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Alexander Jansson - Circo surrealista con influencias Punk


En la obra del artista con sede en Gotemburgo en Suecia Alexander Jansson, se observa la influencia de una diversidad de géneros en principio tan distantes como la literatura, el cine o la propia pintura.

Animador ocasional (recomiendo ver The Curious Kind pulsando AQUI), y que estéticamente recuerda a Tim Burton. Como este corto de animacio, en su obra digital se observan ciertos paralelismos.

Se trata de trabajos que se caracterizan por estar protagonizados por seres desubicados y un tanto desconcertantes. Que sin embargo reúnen las habilidades para finalmente acabar encotrandose, coincidiendo en el espacio tiempo en lugares afines.


En universos nebulosos, en los que después de superar mil avatares consiguen sentirse comodos en la presencia de los otros. Que en ocasiones son visibles y otras no, tejiendo con sueños su propio destino. 

Los elementos carnavelescos que emplea con frecuencia, contribuyen a crear una atmósfera circense, en los que la gama de colores taciturnos y bohemios contribuyen a crear composiciones a través de los traslada una sensación de intensidad. Hipnotizando al observador, el cual es seducido invitándole a explorar cada obra con detalle. 


Aunque es conocido principalmente por sus encargos para portadas e ilustración de ediciones especiales. Trabajos que con el tiempo además ha creado su propia identidad creativa además de un estilo propio que denominó con la Greenpunk. 


La que consiste en aplicar una técnica mixta formada por un collage a la que incorpora elementos de sus fotos, modelos, dibujos y pinturas que mezcla en la misma ilustración. Trabajos casi artesanales con los que consigue imágenes digitales que destacan por resultar muy naturales, trabajos que requieren una inversión de tiempo considerable. Completandolos  agregando arañazos, polvo y pinceladas con las realza su acabado formal en términos plasticos.


Fundandor de su propio estudio bautizado con el nombre de Sleeping House. Entre sus muchos trabajos destacar la ilustración de una antología de obras de Robert L. Stevenson, o la nueva edición de Anne E. Libro de un volumen biográfico sobre La vida de JRR Tolkien.

Cardno s.p.l.a.t. & Arkhefield - River Quay, el viejo río incorporado al paisaje urbano de Brisbane



Bordeando la ribera del rió Brisbane, accidente geográfico que vertebra la ciudad a la que da nombre, en el estado de Queensland en Australia, el apéndice River Quay. 

Es una franja verde que forma parte de South Park, el pulmón de la ciudad, un enorme parque que ha recuperado para la ciudad de Brisbane parte de su flora y fauna local, y que no ha parado de crecer al igual que el entramado urbano.

Suponiendo un equilibrio en los desarrollos urbanísticos de la ciudad. Diseñado y ejecutado por el estudio de arquitectura e ingeniería urbana Cardno s.p.l.a.t. & Arkhefield. La ampliación se ha compuesto de dos actuaciones. 

Una de acondicionamiento en la orilla del rio, y otra de reordenación del territorio muy deteriorado, debido a un urbanismo salvaje. Lo que ha supuesto la demolición de numerosas edificaciones y naves industriales, realizadas estas tareas de acondicionamiento, se procedió a la reforestación de la superficie del futuro parque.


Conservando el simbolismo del río Brisbane se realizo un trabajo de documentación para recuperar el antiguo trazado de rio, generando una unificación horizontal de las parcelas que lo componen. la orilla del río es un lugar en el que los movimientos de desplazamiento, los flujos y los remolinos que lo forman dibujan las trayectorias. 

Con las que se han trazado las pistas y los pasos peatonales, añadiendo un carril bici que recorre la totalidad de sus instalaciones, y conectando con  diferentes accesos a la ciudad.  Con lo que se ofrece un marco sólido en el que una variedad de actividades sociales y culturales  se programan destinadas a los lugareños y turistas por igual.


Una variedad de tipologías vegetales proporcionan un nuevo paisaje a la ciudad, convirtiéndose en su extensión. Lo que constituye la pieza central y el enfoque de este proyecto.

Los restaurantes ofrecen un telón de fondo relativamente tranquilo, en este sentido los edificios se conciben como una extensión de los gestos más amplio del paisaje. Una jerarquía y la progresión de la abstracción vernácula proporciona refugio a lo largo del paseo marítimo, a partir de una escala más pequeña.


Ian Ruther - Silver and Light, América, fotografía con camara húmeda para eternizar el momento


Silver & Light según palabras de sus propios creadores, es un proyecto que pretende reivindicar, el espíritu fundacional de América. 


A través de la lente de una cámara y utilizando como vaso comunicante las redes sociales. Los fotografían envían las diferentes aportaciones fotográficas mientras viajan, creando un álbum, un collage que supone un retrato de las gentes y costumbres de un país que se ha convertido en la principal referencia en un mundo globalizado. 


Las fotografías realizadas en blanco y negro, registran paisajes y escenas cotidianas, en la que el componente humano es el principal propósito del proyecto, que se acompaña de diferentes cortos documentales, donde los responsables, explican el proceso y las motivaciones en que consisten Silver and Light.


Dentro de 100 años, es muy probable que otra persona sea dueña de esta fotografía. Es interesante pensar que sabrán que la imagen real fue creada y está presente en el lugar representado en el negativo original. Eso es lo que hace tan interesante el proceso de placa húmeda. Por ejemplo, si pudieras sostener una placa original de Abraham Lincoln, sabrías que estaba en la misma habitación que él en el momento y lugar exactos en que fue creada.


Creado por el fotografo Ian Ruther, el cual tras finalizar su formación se especializa en la tecnica de la placa humeda. Con la que emprende el proyecto Silver & Ligth, con el que no solamente tiene la oportunidad de recorrer los Estados Unido capturando su paisaje natural, social y humano. Sino que le sirve para encontrarse asi mismo.

Utilizando la fotografía de placas húmeda o colodión. El método consiste en cubrir superficies de cristal con colodión líquido que se deja en reposo para luego bañar en nitrato de plata, tras el baño, se deja grabar la captura unos segundos y se pasa la superficie de cristal en un baño de potasio de cianuro con el que finalizar el revelado. Para la realización de estas fotografías de gran formato, Ian transformó un camión convirtiendolo en laboratorio. 



Hayseed’s Big City Farm Supply, abre el primer comercio de cultivo urbano en New York


Utilizando como local comercial y centro de formación, un viejo garaje en Brooklyn, que ha sido reformado para, que acoja el primer establecimiento dedicado a la apicultura y a la agricultura urbana, que se abre en New York. Hayseed’s Big City Farm Supply,  es un proyecto comercial y divulgativo fruto de la colaboracion de tres entidades Brooklyn Grange, Domestic Construction and Brooklyn Homesteader.


Dedicadas a la plantificación y mantenimiento de huertos urbanos en la ciudad de New York, actividad que ha experimentado que en la ultima década ha experimentado un ascenso vertiginoso en la gran manzana, teniendo cada vez mas adeptos entre sus ciudadanos.


Más allá de la venta de suministros agrícolas de todo tipo, cuenta con talleres de fin de semana, clases y eventos desde ahora hasta junio relacionados la apicultura el compostaje, y la plantificación del jardín. La idea parte de la iniciativa y experiencias previas en la gestión de huertos urbano Meg Paska, activista ecológica, que comenzo en 2.004 comenzó elaborando cerveza casera y jardinería en Baltimore. 


Actividades que tomaron cuerpo con la creación de Brooklyn Grange, embrión de lo que acabaria siendo Hayseed’s Big City Farm Supply.Al enterarse de que la suerte estaba a punto de ser alquilado a un mecánico que quería utilizarla para guardar los coches, el grupo lanzó una campaña  en la comunidad, proponiendo al propietario alquilar el espacio y ponerlo a buen uso.



En el colmado granjero pop-up de estilo rustico, el cliente puede encontrar todo tipo de productos e información, para construir y mantener un cultivo urbano. Se trata de un espacio amenizado con cajas de madera reutilizadas, iluminación creativa y todo tipo de suministros agrícolas. 


Las paredes de ladrillo antiguo están pintadas de blanco, tragaluces ofrecen una gran fuente de luz natural y el trabajo de artistas locales adorna la pared, además de contar con una pequeña biblioteca, en la que el cliente podrá consultar diferentes temáticas relacionadas con la agricultura urbana. Aunque la mayoría de los talleres de fin de semana se dirigen a los adultos, el ambiente es amigable para los niños y acogedor. Un cobertizo construido a partir de restos de madera y estanterías fabricadas con palets. Los miembros de la comunidad tienen la oportunidad de participar activamente cultivando en un huerto situado en la parte trasera del antiguo garaje.



Axalko - Bat, innovación y artesanía en una misma bicicleta



Axalko es una pequeña empresa que se localiza en el Pais Vasco (España), que se dedica fabricar bicicletas por encargo, empleando métodos tradicionales. Sus cuadros fabricados con madera de fresno, es el producto de un proyecto i+d aplicado al diseño de prototipos resistentes. Creada por los hermanos Andoitz y Aitzol Tellería, comenzaron experimentando con madera de fresno poniendo a prueba su durabilidad y robustez. Lo peculiar de este cuadro es que se hace a mano utilizando un diseño especial basado en las cuatro articulaciones de los dedos que sujetan el marco intacto. Este mecanismo permite mantener el peso de la bicicleta restringido a 6.5kgs, sin comprometer la rigidez cuando pedaleó alrededor.

Bautizada como Bat, se trata de una bicicleta de carreras equipada con las medidas exactas de los clientes, todo el proceso tarda 3 meses desde la consulta inicial hasta la entrega. Al igual que un traje hecho a mano de la Bat es  la creación de la bicicleta que esperamos legar a la próxima generación. La bicicleta es una pieza realmente hermosa de artesanía, con un precio muy ajustado, a partir de los 4.220 Euros o 5.577 Dolares, que teniendo en cuenta, los métodos artesanales y el trato personalizado, es una bicicleta con una estética impactante y muy cómoda en su conducción.

Olga Ziemska - Stillness in Motion, la mujer árbol y su totem como mensaje medio-ambiental


Stillness in Motion (Quietud en movimiento), es una escultura de apariencia totemica realizada con material orgánico y por lo tanto hasta cierto grado efímera y perecedera. Firmada por la artista con sede en Cleveland en el estado americano de Ohio Olga Ziemska. 


Para su elaboración empleo ramas de sauce que tras ser seleccionadas sirvieron para dar forma y crear los contornos de figuras de complexión  humana más o menos complejas, que encarnan a las criaturas y los espíritus del bosque y su mitologia. 


Sus obras exploran conceptualmente y se nutren de referencias más o menos complejas que se inspirán de ámbitos como la escultura, la filosofía y la ciencia y su interés en las bases místicas de la existencia. Olga trata de hacer visibles los conceptos o propiedades que son imperceptibles a simple vista.


Tales como las células que constituyen de cualquier organismo vivo o las particulas a escala atómica que forman de los campos magnéticos. Elementos con los que establece asociaciones visuales entre lo visible y lo invisible o microscópico.


Asociaciones que ella traslada de forma poética en términos artistico poniendo de relieve la interrelación simbiotica que existe entre todas las cosas. Stillness in Motion se instaló en 2003 en el Centro de Escultura de en Oronsko en Polonia. 



Segun palabras de Olga la actividad creativa nos permite percibir e interpretar la realidad con la que nos relacionamos desde una posición subjetiva. Además de cuestionar y analizar una diversidad de conductas desde un enfoque ético que empleamos en un contexto cotidiano.


Provocando que nos comprometamonos con nuestra comunidad. El arte tanto en términos odontologicos como estéticos nos proporciona la experiencia y las herramientas que nos ayudan a entender y ver más lejos en la naturaleza del mundo que nos alberga.


La piezas de Olga Ziemska que se circunscriben entre la escultura y su rendimiento en términos de expresión corporal y tendencias más vanguardistas y comprometidas como las del Land Art, tienen como propósito tender puentes entre nosotros y nuestro entorno natural, provocando una epifanía en nuestra conciencia más allá de la imagen que refleja el espejo de nosotros mismos abriendo la puerta al infinito. 


En este sentido utilizamos la ciencia para explicar nuestro mundo físico, pero el arte puede dar volumen y contexto con lo mas profundo y desconocido de nuestra humanidad. Revelandonos arista de una realidad poliédrica cuyo tejido es etéreo y volatil.    

Por ejemplo responden a una imagen romántica por la que creemos que las estrellas están hechas de  polvo interestelar en vez de campos de fuerza a escala atómica. Una posición que es producto de la idealización que reproduce una y otra vez el pequeño inquisidor que llevamos todos dentro y que se niega a reconocer los efectos de sus acciones y el paso del tiempo.



Simone Decker - Chewing in Venice 1 + 2, describe la plasticidad del paisaje


En la serie de instalaciones realizadas por el artista Luxemburgués Simone Decker, con motivo de la Biennale de Venecia de 1.999. La creatividad de un material cotidiano acaba modelando el paisaje urbano. 

Formada por una selección de actuaciones discretas, que presentan una serie de matices, tanto en términos técnicos como creativos. Que por sus resultados visuales como plásticos merecen la pena destacar.

Y no sólo por lo evidente, estamos ante una propuesta inusual. Y no sólo porque en vez de utilizar para su elaboracion los materiales tradicionales, como el marmol, el yeso o el acero.


Sino porque las intervenciones hechas por Simone Decker, en las que ha empleado toneladas de chicle. Ofrece elementos arquitectónicos a partir de los que realizar una lectura.

En la que la plasticidad de la materia se adapta a todo tipo de espacios, mostrando una coherencia entre el material y su expresión artística. Resultado que funciona con un rendimiento notable en el paisaje donde actua.


Estas obras son, como subraya el artista, "realizado en el lugar, pero sobre todo, con el lugar" . Mediante intervenciones a veces discretas, a veces más explícitas, invitan al espectador a renovar su percepción del entorno.


En este contexto los elementos del mobiliario que forman parte del espacio publico interactúan con las instalaciones. Las que de forma arbitraria se han distribuido en diferentes emplazamiento de la serenisima.

Ofreciendo una perspectiva de las obras y una presencia visual en una dimensión que relaciona el entorno urbano y arquitectónico concebido por el artista. Con la percepción del espectador cuya primera impresión es de asombro, pero que enseguida reconoce como algo próximo reconocible y cotidiano. 


VEO Electric Car, coche eléctrico ultra compacto


VEO coche eléctrico es un proyecto de colaboración de diseño de ingeniería enfocada en el diseño de un prototipo híbrido de desplazamiento. Este coche eléctrico compacto esta construido para un solo ciclista y está diseñado para desplazamientos en entornos urbanos.  Aparte de la batería eléctrica, el VEO esta diseñado con un sistema por pedaleo para que el conductor utilizarlo, en caso de agotarsele la  batería. Su diseño aerodinámico, junto con el aspecto sofisticado de su chasis fabricado con un material ultraligero, le proporciona al VEO de las características para convertirse en un vehículo especialmente atractivo para un publico joven.

       Al cargo de la elaboración y ejecución del proyecto han estado un grupo de estudiantes de la  Aachen RWTH University en Alemania y la Hongik University en Korea. El VEO presenta un interior parecido a un  triciclo, en el que esta integrado  un sistema de pedal aussi que facilita el cambio en el método de conducción y la posición del usuario dentro de la cabina, que en su primera version fabricada de manera casi artesanal, presenta los intrumentos de tripulación en una matriz digital, que incorpora GPS, Wifi, indicadores de consumo,  distancia recorrida y estado del vehículo. 



Kagoshima, Japón apuesta por la energía solar, en instalaciones ganadas al mar


Situada en el extremo sur de Japón la isla Kyushu, fue una de las zonas menos afectadas por el desastre nuclear de Fukushima.


Lo que no ha sido óbice para que sus autoridades tomen conciencia y adopten medidas para tratar de evitar,  estar expuestos a los peligros que supone vivir próximo a una central nuclear. 


En colaboración con un consorcio encabezado la compañía Kyocera, han presentado las lineas maestras del proyecto, por el que se construirá la instalación solar mas grande del mundo sobre el mar.


El parque fotovoltaico Kagoshima se edificara sobre terrenos ganados al mar, localizados en una parcela adyacente a la dársena del puerto, un lugar idóneo debido a que reune las infraestructuras idóneas, para tratar y distribuir la energía producida.


La planta que contara con  70 megavatios de energía solar es un primer paso para explorar los esfuerzos con el fin de integrar Oportunidades solares Dentro de Red Eléctrica de Japón. Kyocera estima que el costo del proyecto en aproximadamente $ 309 millones (¥ 25,000,000,000,000).


La finca ganada al mar con 2.000 paneles solares en 314 hectáreas de tierra recuperada. De acuerdo con las primeras estimaciones realizadas por Kyocera, el solar de Kagoshima generara suficiente energía para cubrir las necesidades de 22.000 hogares de electricidad y reducir las emisiones de gases de efecto invernadero en 25.000 toneladas anuales.

G40, la muestra mas grande que se celebra en la costa este de los Estados Unidos


En estos días se esta celebrando la tercera de la muestra de street art y practica urbana G40, que tiene como escenario las calles de la ciudad de Richmond, perteneciente al estado de Virginia (USA). 


Se trata de un encuentro organizado por Art Whino, lo que empezó siendo una iniciativa local, se esta convirtiendo en un encuentro, que cuenta con grande nombres del arte callejero como Pixel Pancho, La Pandilla, Angry Woebots, 2501, Roa, Jaz, Gaia, Aryz, Lelo o Scribe (entre otros).


Esto es debido al convencimiento de sus organizadores, respecto al que graffiti se ha convertido en una manifestación del arte popular contemporáneo. Aunque la actual muestra esta aun dando sus primeros paso, ya hemos tenido la oportunidad algunas intervenciones realmente interesantes, que la disfrutéis.    

Mapa de localizaciones en las que se pueden visitar los morales

Los festivales de arte tienen por objetivo principal llevar la expresión creativa directamente al espacio publico acercando la expresión urbana a un publico cada vez mas amplio y exigente.


A pesar de su corta trayectoria el festival de arte y expresión urbana G40 ha logrado posicionarse como una de las exhibiciones en su ambito mas esperadas de cada temporada.


Cuando hablas de graffiti y Street Art, normalmente te centras en el artista callejero singular que selecciona su ubicación y forma de exhibición en el entorno urbano. Pero a veces la exhibición es colectiva y la planificación y ejecución es en realidad un ejercicio curatorial con líderes de las artes comunitarias.





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