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Agostino Lacurci - Cuento Graffiti de colores naif que recupera el paisaje humano


El patio de una cárcel, el recreo de un colegio, el recinto de una plaza. En los murales del artista italiano tan Agostino Lacurci tan importante es el tema sobre el que desarrolla la obra, como el concepto espacial donde las ubica. 


Esta relación entre el espacio y su consecución tiene que ver con el movimiento de lo que sucede en cada uno de los fragmentos que compone un todo narrativo formado por viñetas en las que cuenta una historia. Donde el trazo plano con los que están dibujados los personajes y elementos que los protagonizan.


A través de la aplicación de una escala cromática de colores lisos no muy extensa, rojo, negro, verde, naranja, casi siempre las mismas tonalidades. Criterios con los que consigue un estilo reconocible y único, con el que se ha hecho una identidad creativa muy reconocible. 

Nacido en la localidad italiana de Foggia, en 1986, vive y trabaja actualmente en Berlín, previamente estudió Ilustración y Taller de Animación en la Academia de Ilustración y Grabado en la Academia de Bellas Artes, de la capital italiana. Su obra es variada, desde la ilustración hasta los murales, pasando por el grabado a la escenografía. 



Las intervenciones en el espacio publico de Lacurci poseen una dimensión ludica y un sentido vibrante, en cuyas composiciones formadas por objetos realizados a partir de geometrías planas y rellenos de colores naif establecen un dialogo vernáculo con el lugar.


Como ilustrador colabora con los editores locales e internacionales, agencias de publicidad, compañías, revistas y estudios de animación. Desde 2008, ha hecho enormes murales en espacios públicos, con los que ha conseguido participar en múltiples encuentros y certámenes. 





Mark Reigelman y Jenny Chapman - Manifest destiny!, habitats a pequeña escala para una ciudad masificada


Con sede en Brooklyn el artista Mark Reigelman, en colaboración con la arquitecta Jenny Chapman y el ingeniero Paul Endres, han concebido "Manifiest destiny!". 

Una instalación que experimenta con zonas habitables en el territorio arquitectónico. Reclamando para su practica el establecimiento de un frente en los huecos restantes de una ciudad tan militante y pionera en el reconocimiento de derechos a minorías y en el desarrollo de espacios de convivencia inclusivos y diversos como San Francisco, California donde se ha realizado.

La pequeña cabaña está fijada a un lado del Hotel des Arts, flotando por encima del Central  Restaurant  como una consecuencia anómala del paisaje urbano contemporáneo. El uso de un estilo arquitectónico del siglo 19 y los materiales de época de construcción, la estructura es a la vez un homenaje al espíritu romántico del mito occidental y un comentario sobre la arrogancia de la expansión hacia el oeste. 




El espacio interior de la casa pequeña puede ser visto de día y de noche a través de la cortina que cubre las ventanas, una luz solitaria en el paisaje denso de la ciudad, y una visión incongruente, inquietante desde abajo. La instalación permanecerá en su lugar a lo largo de octubre de 2012.



Reigelman es una referencia emergente en la nueva escena de arte arte público.   Práctica aspectos creativos comunes en el espacio publico, ofreciendo interpretaciones alternativas de la historia y la identidad locales. Su trabajo es impulsado por temas y siempre hay una fuerte correlación entre la inspiración y la producción formal. 


Cada proyecto es un sitio específico que favorece el proceso de investigación, exploración y el descubrimiento sobre la promoción de agendas personales artísticas. Esto conduce a un conjunto variado de trabajo en equilibrio entre la abstracción y la representación literal, pero siempre guiado por una base conceptual clara. 

El trabajo de Mark está influenciado por su experiencia en historia del arte y su formación como arquitecto. Está interesado en los límites superpuestos entre el arte, la arquitectura, el paisaje y el espacio público y cree que todos los objetos diseñados existen a lo largo de un espacio polivalente. 

Encuentra felicidad e inspiración en el minucioso análisis del mundo creado por el hombre, desde el clip de papel más pequeño hasta los sistemas de infraestructura más sofisticado. Sus proyectos reflejan esta diversidad adoptando un enfoque riguroso y sistemático para diseñar ya sea un espacio, un objeto o una instalación.

Fotografía de: Cesar Rubio



Danny Quirk - Self- Dissections, una mirada al interior del cuerpo humano como nunca antes se había visto

Mirando los primeros trabajos que forman parte de la Self- Dissections. Un proyecto anatómico-artístico con el que según su autor el artista Danny Quirk. 


Aspira a convertirse en ilustrador medico, o eso es al menos lo que deduce de las laminas tan delicadas como frágiles, a la vez dramáticas. Ya no sólo por la fuerza expresiva de como interpreta las diferentes partes de un cuerpo humano.


Sino por la expresividad que consigue a través del que articula un lenguaje corporal, en el cual lo más intimo e inaccesible de nosotros mismos. Aflora, en este caso de forma fluida y natural. 

Trabajos que recuerdan a los antiguos modelos de plástico que había en los colegios. Esqueletos en los que se mostraban diferentes órganos de la anatomía humana y que en rara ocasión se utilizaban.


Porque causaban aprensión en aquel que por primera vez tenía la oportunidad de contemplarlos. Sin embargo en las ilustraciones de Danny, los torsos parcialmente descubiertos nos muestran las "supuestas" vísceras de lo voluntarios. 


Que de forma altruista adoptan una posición posando durante jornadas como musas para su autor. Las sensaciones que transmiten son de naturalidad pese a lo violento que en principio puede resultar, sus gestos son serenos pese a la tensión de la situación. 




LuminAID Solar Light


La idea de la luz solar LuminAID se originó en un estudio de diseño en la escuela de arquitectura de la Universidad de Columbia. El estudio se centró en el desarrollo de una solución autónoma que proporcionara luz, en casos de desastre, siendo el precedente el terremoto acaecido ende Haití. La luz solar LuminAID se infla cono la luz solar, produciéndose una  calidad de luz similar a una linterna. Su duración ronda las 5 horas de luz y se puede cargar completamente en 6 horas. 
La lámpara en sí es muy simple, La bolsa se infla conforme se carga un sensor indica cuando el volumen esta completo,  la difusión de la luz intensa del interior LED. Una vez cargado por la luz solar, la puede durar con una emisión de 35 lúmenes de luz (alto) durante cuatro horas y 20 lúmenes  seis horas. La batería esta garantizada por 800 ciclos útiles, lo que le confiere una larga durabilidad.

La bolsa puede ser plegada y transportada de manera que un pequeño paquete, de hasta 50 unidades ocupan el mismo espacio que alrededor de ocho linternas. La bolsa inflable distribuye la luz del LED y reduce el deslumbramiento. Debido a que es resistente al agua, puede ser utilizado en condiciones meteorológicas adversas. Patrocinado por Indiegogo, una web de patrocinio de ideas y proyectos en la que ya se han recaudado casi 40.000 dólares (de los 15.000 necesarios). ¿El precio de LuminAID? 25 dólares que servirán para enviar una a tu casa (gastos de envío de 15 dólares adicionales para pedidos internacionales.

Cuppetelli and Mendoza - Nervous Structure, creando una identidad desde tu interior

Realizadas entre 2.010 y 2.011 las vídeo instalaciones interactivas que forman Nervous Structure (estructura nerviosa). Giran en torno a la idea de la interfaz construyendo narrativas visuales que establecen el punto de contacto entre dos entidades diferentes a través de la imagen. 


Creadas por los artistas Cuppetelli and Mendoza. Las obras constan de varias interfaces que convierten al espectador en un creador en el contexto de una interfaz humano/computadora, entre lo real y lo virtual (la estructura física y su relación con la estructura proyectada).


La intervención de carácter inmersiva se desarrolla entre el primer plano y el fondo (interfiriendo con la proyección de su sombra). Las piezas con las que se interactúa están fabricadas con una estructura blanda hecha de elástico o spandex y un proyector que ilumina con gráficos generados por ordenador. 

Los espectadores interactuan con la pieza al moverse en el campo de visión de una cámara que está conectada al ordenador; este movimiento es transformado por el software en estímulos nerviosos.


Sus instalaciones combinan la artesanía tradicional y los materiales comunes con proyecciones de vídeo interactivos y procesos computacionales de diseño. 


Annica Cuppetelli (EE.UU.) y  Cristóbal Mendoza (Venezuela) son dos artistas centrados en la creación de sitios específicos. Instalaciones multimedia que abordan cuestiones de espacio, la interacción y la materialidad. 


Sus performances se centran en el análisis de las cualidades formales de un sitio determinado. Cuppetelli obtuvo su MFA de la Cranbrook Academy of Art en 2008, y Mendoza en la Rhode Island School of Design en 2007. 



Daniel Brunet & Douste Nicolás - Bad Toys II


Bad Toy II, tiene titulo de secuela, que enseguida aocias con producciones no muy lejanas de acción, donde como en este corto de animación firmado Daniel Brunet y Douste Nicolás, (El primero estreno en 2.011 la comedia francesa Lose Actually) las persecuciones de coches es un ingrediente en la trama. En estos casos el guión es lo de menos, no te cuentan una historia con moraleja, pero si resulta interesante por el enfoque que le han dado sus creadores. Combinando elementos del comic, animación e imagenes reales han conseguido realizar una excelente animación en  stop motion, y post-producción interpretada por una suerte de juguetes que en su huida se enfrentaran a múltiples obstáculos. 

Studio Aisslinger - FineCube, un refugio con vistas 360 construidos en los Dolomitas


El FinCube es una  vivienda modular, sostenible y multifuncional que ofrece alojamiento de carácter paramente aunque este construida aplicando métodos y materiales prefabricados. 

El edificio encaja en el paisaje rural y alpino, sin perder el diseño moderno y contemporáneo. Diseñada por el estudio con sede en Berlín Aisslinger, esta casa modular de diseño atractivo se ha construido casi 4.000 metros sobre el nivel del mar. 

Situado cerca de Bolzano en el norte de Italia, que cuenta con unas magníficas vistas de las montañas Dolomitas. El aspecto modular de Fincube le permite ser emplazada en una variedad de paisajes como bosques, prados y laderas de montañas. La combinación de larga duración  del diseño y la opción de cambiar su ubicación hace de ella un  opción flexible adaptandose a multitud de situaciones.


La casa está hecha de madera local suponiendo un coste mínimo. Un triple acristalamiento de 360 ​​grados permite una orientación total, dándole al edificio un aspecto muy elegante,  proporcionando unas vistas únicas a sus residentes.


El edificio dispone de casi 50 metros cuadrados de espacio habitable con una huella mínima de CO2. Las principales prioridades en la planificación y realización del interior son principalmente la sencillez y la funcionalidad. 


El espacio de gracias a sus tres metros de altura se percibe diafani, estando organizado en una estructura helicoidal: la zona de entrada se mezcla con una cocina abierta con un espacio generoso, a la vuelta se entra en el dormitorio y más abajo se encuentra el cuarto de baño espacioso.





Emilio Ballesteros "Destellos"


Qué difícil es ver
a humanos caminando satisfechos;
casi tanto como es
alcanzar con palabras el silencio.

Tocó con sus palabras
los hilos de otros mundos.
El tiempo y el olvido
ya lo han dejado mudo.

Palabras como gotas
de lluvia en la laguna
que se juntan por miles
y no encuentras ninguna.

Cuando el silencio toma
de repente el asiento
es como si callaran
los motores del tiempo.

Stefano Bonazzi - Smoke, cuerpos inspirados por el humo


El lenguaje corporal ofrece un componente visual y estético que se caracteriza por su plasticidad y belleza, aparte de poseer una capacidad de comunicación innata. Puede ser un inspirador creativo. 

La serie de fotografías titulad Smoke firmadas por artista digital  Stefano Bonazzi, están realizadas bajo este prisma en el que el lenguaje corporal, inspira todas y cada una de las formas que las volutas de humo expresan de forma arbitraria.

Las cuales por otra parte podrían formar parte de una campaña para la concienciación de los efectos del tabaco sobre la salud. Estos retratos etéreos, llenos de humo, utilizando una combinación de la fotografía digital, edición fotografica y dibujo al carboncillo. 


Nos muestran cuerpos disolviéndose mientras interactúan con un medio hostil que les envuelve en una cortina de humo. La imagen engañosa de una falsa realidad cargada de "colores" artificiales, que su autor prefiere observar como una sucesión de imágenes caprichosas productos del azar. 



Seth Wulsin - 16 Tons, caras desaparecidas de la dictadura argentina en Caseros


En la arquitectura contemporánea aparte de su diseño, de la estética que presenta y de la función para la que es destinada,  es concebida para ser habitadas por personas.

Representado esa humanidad una parte importante de la identidad del edificio y en muchos casos su historia. La cárcel de Caseros en Buenos Aires, fue un edificio que como su propio nombre indica, durante la dictadura Argentina.

Sus instalaciones albergaron a los presos políticos encarcelados por el régimen del general Videla. Sus siniestros muros son testigos de algunas de las paginas mas sórdida de aquella época. 


Los presos se comunicaban con el mundo exterior a través de agujeros que hacían en las paredes de la cárcel.


Para evitar que fuera demolida por las autoridades en 2.010, el artista Seth Wulsin utilizo los orificios circulares que componen las vidrieras en los extremos de las fachadas, para "dibujar" cuarenta ocho retratos pixelados que simbolizan la barbarie y la sin razón de la dictadura. 


Los rostros que aparecían y desaparecían en función de la posición del sol y su incidencia sobre las vridriera, fueron realizados primero sobre una plantilla, que después fue ejecutada eliminando parcialmente las teselas circulares. Logrando un efecto sobrecogedor con el que se homenajeaba a los miles de personas presas que pasaron con diferente suerte por sus instalaciones. 


En un nivel básico del relato esta la demolición de la prisión, contratada por el gobierno de la ciudad de Buenos Aires a los militares argentinos. El edificio estaba previsto para su demolición en 2001, pero el proceso ha estado sujeto a varios obstáculos legales, ambientales y burocráticos. 

El plan original era implosionar el edificio en tres pasos. Pero la implosión fue detenida en el último minuto por un grupo de vecinos preocupados por la posibilidad de efectos perjudiciales para el medio ambiente, incluyendo el envenenamiento por asbesto y la posibilidad de expulsar a millones de ratas de los túneles que ocupan debajo de la prisión. En cambio, Caseros fue demolido por medios mecánicos, piso por piso, de arriba hacia abajo. 






Excalibur - La pared de escalada artificial mas alta del mundo desafia a los más consumados escaladores


Hace escasas fechas nos hacíamos eco del proyecto The Stone ejecutada por el estudio Råk-Arkitektur, el cual consistio en construir un edificio de carácter sacro que representará la espiritualidad global, diseño que se inspiro en la leyenda del reino de Camelot. 

Aplicando el mismo patrón conceptual, desde 2.010 los escaladores urbanos pueden escalar Excalibur una pared de escalada cuyo diseño se basa en la misma cosmologia del Rey Arturo. Pero en este caso sus diseñadores se inspiraron para construir la pared vertical en la que supuestamente yace clavada en una roca ubicada en las verdes y exuberantes llanuras de Groningen, en los Países Bajos. 

Este muro ondulante como una espiga de trigo alcanza una altura de 121 metros, presentando diferentes tipos de dificultad. Aunque esta recomendado su uso para escaladores experimentados, forma parte del centro educativo de Bjoeks de escalada. 



Su grado de dificultad se debe al trazado ondulado del rocodromo que posibilita que se pueda completar se ascensión a través de una diversidad de vias. Cada una de estas vías representa un desafío diferente y por lo tanto estimulante desde el punto de vista del escalador. 


El rocodromo Excalibur presenta una gran variedad de recorridos para escalar, entre ellos uno diseñado para principiantes y otro que está en un ángulo de 45 grados. El recorrido dual interior y exterior cuenta con un total de 117 presas 

La pared de escaladas Excalibur supone un desafió para los mas osados escaladores. Desde la base a la cima el paisaje permite obtener una panorámica de la mayor parte de Holanda, un país que apenas posee depresiones en su terreno y que por lo tanto ofrece una vista única. Diseñada por Gert Van Veen y su compañero infatigable de escalada Pols Alco, dos emprendedores que materializaron este proyecto en 1996. Desde entonces el Centro Bjoeks no ha parado de innovar al servicio de los amantes de esta disciplina deportiva.






LuzInterruptus, Agua potable corriendo por las calles, activismo en el espacio publico


En su ultima intervención el colectivo LuzInterruptus ha seleccionado uno de los elementos mas característicos del inmobiliario urbano, de la ciudad donde residen Madrid.

Como son las fuentes publicas, que distribuidas por diferentes puntos de la ciudad, han servido para ahuyentar la sed de sus ciudadanos. Una sana costumbre que según sus componentes se esta perdiendo.

Debido a su eliminación paulatina, siendo sustituidas por puestos de venta de refrescos. Con su ultima instalación callejera titulada Agua potable corriendo por las calles, quieren reinvidicar el uso del agua en el espacio publico.

Como un elemento destinado al consumo de sus ciudadanos, mas allá de convertirse en un mero reclamo ornamental que engalane sus calles.


Para eso seleccionaron cuatro fuentes de uso publico, que debido a su deterioro y abandono, están inoperativas. Engarzadolas una ristras realizadas con frascos ensartados, simulando el cauce de agua.

En el interior de cada envase una luz LED, logrando un impacto visual inmediato, con el que se pretende conciencia y dejar constancia de esta situación de escasez de fuentes destinadas al  uso publico y de lo importante de su presencia en las grandes ciudades, como símbolo de vida y convivencia. 



Esculturas de animales realizadas con relojes que simboliza la memoria

El reloj con sus manillas o con su interfaz digital, quizás sea el objeto que mejor simboliza el paso del tiempo. Representando en síntesis todos y cada uno de esos momentos que en mayor o menor medida podemos conservar en nuestra memoria.


Las monturas de los artefactos temporales, sustituyen a las arrujas, a los pliegues de piel, a las escamas del caparazón de la tortuga y al pelaje del conejo, en dos esculturas huecas que actúan como metáfora del tiempo. Las ingeniosas creaciones son una amalgama de objetos poco convencionales encontrados en la calle que han sido reutilizados.


Y por lo tanto, dado una nueva vida. El artista piensa que cada una de estas cosas, que solemos usar todos los días, una vez tuvieron una historia, hasta que fueron tiradas. Hay bicicletas que alguna vez fueron montadas, recogedores rotos, letreros de comerciales, paraguas perdidos....


Cada objeto tenía propósito y significado antes de ser arrojado. Tomando estas cosas que colecciona las conecta y crea piezas que tienen su origen en un mecanismo poetico, por el que un objeto inerte acaba adoptando una forma organica, en este caso la de animales.


El artista Natsumi Honda de la Tama Art University, creo en 2.010 dos piezas de orfebreria en las que empleando piezas de relojes antiguos obtenidas en bazares, modelo la fisonomía de dos animales una tortuga y un conejo.


Cada pieza empleada en el diseño de este particular zoo metafora del transcurrir del tiempo, posee un valor sentimental que lo vincula directamente con algun episodio vivido por el donante. Por lo que ese reloj se convierte en una semilla que germina a traves de una pieza la cual nos guia a traves de las experiencias vividas por sus donantes.



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