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Jon Foreman convierte el paisaje en un mensaje zen


La forma de la espiral en la práctica artistica ha sido un elemento que se ha representado desde tiempos remotos, pudiéndose incluso encontrar muestras en algunas de los primeros antecedentes de arte rupestre. 


Un símbolo realizado con pigmentos naturales. Cuyos trazos más o menos perceptibles han llegado hasta nuestros dias, y culturalmente tenían una interpretación relacionada con la infinitud del ciclo de la vida. Se ha descubierto restos de espirales en el arte megalítico, que formaban parte de lo que parecían ceremonias de duelo.

Con las que sus participantes invocaban el deseo del que difunto completara el ciclo de nacimiento-muerte-enacimiento. Además la presencia del símbolo de la espiral se ha vinculado con el Sol, como principal y casi único creador de vida al cual se le demandaba que fuera generoso con las cosechas. 

Un símbolo cargado de misticismo que ha superado la prueba del tiempo perdurando a lo largo de la historia en sus diferentes versiones representadas en función de las características de la comunidad o clan que lo acogía como parte de su iconografia. Manifestación primigenia que fue evolucionando a lo largo de todo tiempo hasta llegar prácticamente hasta nuestros dias.

Quizás sea por su seductora e hipnótica forma que guarda una proporcion simétrica la cual llega a reflejar rasgos de la personalidad de aquel que la incorpora como motivo. Uno de los ejemplos más notables es el iconico pintor impresionista Vincent Van Gogh. Quien más o menos recurrente  la incorpora dentro de sus cuadros. 

Que abordo el concepto de espiral desde diferentes perspectivas, pudiéndose observar a pocos que te fijes en varias de sus obras. Quizás el ejemplo más notable sea el que se puede contemplar producto de las pinceladas que dan forma a los diferentes elementos narrativos de la composición titulada La Noche Estrellada.

En Fluidus su autor crea una Medusa con piedras en una playa de Gales

Ejecutado a partir de pinceladas violentas a la vez que luminosas que expresan a través de las sinuosas curvas espirales la transparencia espiritual de su autor. Formas ondulantes que crean una sensación de movimiento y misterio casi mágico que parece arrastrarte al interior del cuadro trasladandote a otra dimensión. 

Pero aquí no es la intención profundizar en cómo abordo el genio holandés esta técnica y como la aplico a lo largo de su intensa y en ocasiones dramática trayactoria. Sino de comprobar cómo paradojicamente este símbolo aparentemente  sencillo y curvo se ha convertido en una de las formas más recurrentes en una corriente relativamente reciente como es la del Land Art.

Y más concretamente como la ha contemplado y aplicado uno de los últimos referentes de este joven movimiento artistico. Una figura la del creador galés Jon Foreman. Que a pesar de no superar el par de décadas de trabajo ya ha dejado constancia, de que su estilo aunque se puede considerar ortodoxo dentro de las fronteras estéticas y conceptuales.


Jon Foreman, un artista galés que crea obras de Land Art en paisajes inesperados y casuales. Su técnica se basa en la creatividad que busca en elementos naturales que encuentra en su entorno y su rendimiento. 


De lo que se podría valorar (salvo matices), como el Land Art más militante. Pudiendo recordar la mayor parte de sus obras, tanto las efimeras como aquellas que han perdurado hasta nuestros dias. A autores que mencionados o no como influencias por el propio Jon.

Si mantiene una constante en su diseño y materialización que de alguna manera las hace deudora de la espiral, como uno de los mecanismos espresivos y notorios en sus actuaciones. Actuando como detonante e inspiración en la consecución de sus intervenciones.

La mayoría teniendo por escenarios espacios abiertos localizados en paisajes naturales, como las que ha ejecutado en los alrededores de la localidad de Pembroke cuya herencia marínera sin duda ha moldeado la obra de Jon. El nombre de la ciudad, al igual que el del condado (Haverfordwest), proviene del Cantref de Penfro, que significa Fin de la Tierra o cabeza de tierra en galés.  

Una de las versiones de Expedituo Dúo realizada en el borde de la playa parcialmente sumergida 


Términos grandilocuentes que también son del gusto Foreman que los aplica en esculturas cuyas formas caprichosas y simétricas, estructuras de patrones minuciosamente elaborados que podrian haber sido diseñadas por la inteligencia mas sofisticada y refinada producto de la evolución natural.

Obras como Expletio Duo o Lúmenes que datan ambas del cercano de 2021 y que tuvieron como entorno propicio las playas de la cercana Freshwater West. Se trata de piezas que visualmente presentan características singulares, si en el primer caso la estructura consiste en un conjunto que se compone de tres partes que dibuja sobre la arena una sola espiral seleccionando piedras cuya paleta de colores se traducen en un fractal. 


En la segunda versión unos pocos más allá, en otro punto de la misma playa presenta un patrón y escala muy similar, la única diferencia es que las piedras estaban previamente colocadas planas. Creando la sensación de movimiento proyectandose en el espacio hacia el exterior a medida que se dispersan.


Las esculturas espirales de Jon Foreman transmiten y crean un atmósfera contemplativa actuando sobre el territorio elaborando una narrativa en la que el paisaje recupera su aspecto mistico.



Hace un año nos anuncia el cierre de la trilogía con una pieza titulada Espiral Druida, la cual se creó en una de las playas de Druidston. Composición más austera que fue realizada con piezas de pizarra, siendo la que más similitudes guarda con una obra totemica y pionera en los inicios del Land Art. 


Inspirada por la pieza titulada Spiral Jetty, de 1970, estamos por lo tanto ante una obra precursora y por lo tanto experimental firmada por Robert Smithson. Se trata de una espiral de grandes dimensiones en la que emplearon materiales encontrados en su entorno como rocas, grandes cantidades de tierra además de las algas que se encuentra en el fondo del Gran Lago Salado de Utah, siendo una pieza totemica que trasciende más allá de lo natural simbolizando la idea de infinito una del piedras angulares sobre la que se creó el movimiento.




Admirador de creadores contemporáneos como James Brunt, Michael Grab, Richard Long, and Andy Goldsworthy. Cuya influencia podemos ver en trabajos de lo que se podría considerar su segunda época, en este contexto de madurez intelectual creativa se podrían mencionar obras más elaboradas.


Como las tituladas Creciente en la que el objeto de su inspiración es una de las fases de la Luna, que extendida sobre la arena cobra otro sentido cuando las aguas del mar inundan los recovecos entre las piedras. O Dissicio Quadratum escultura en la que rompe momentáneamente con la curva para tratar una figura geométrica cuyos lados rectos un rombo casi perfecto.

Ya en Fluidus de 2022 Jon se atreve a perfilar una figura en este caso de una especie marina. Empleando piedras de diferentes tamaños a las que tras pintarlas parcialmente, las transformo en los tentáculos de una juguetona medusa de las muchas que durante los días de calurosos de verano se que se acercan a la costa en busca de alguna presa incauta.


CargoCollective - Blossom Design/Build

Aplicando soluciones colaborativas el proyecto Blossom Design/Build, comprendio una serie de actuaciones cuyo objetivo consistió en construir una serie de equipamientos. Cuya utilización por los miembros de la comunidades beneficiadas.

Sirvieran para recuperar diferentes tramos del cauce del rió Blackstone a su paso por la localidad de Pawtucket cuyo termino municipal esta dividido entre los estados de Rhode Island y Massachusetts,  y que se encontraban muy deteriorados debido a la actividad industrial que se había ejercido en la zona y que habían finalizado poco tiempo atrás.

Asesorados por el colectivo de arquitectos Cargo, el proyecto se ejecuto a lo largo del año 2.012 diviéndose en diferentes fases. Que comenzo con la construcción de un pabellón en madera aprovechando la protección que le brindaba los restos de un muro de una construcción anterior.

En una segunda fase se completo un acceso directo al rió y una canalización con la que suministrar el agua necesaria, con la que regar el huerto urbano que se había empezado a cultivar situado adyacente al volumen principal en el corredor verde. Las partes del mobiliario así como el pabellón fueron construidos integramente en madera utilizando los cantos rodados sobrantes del rio para diseñar los escalones de acceso al mismo.


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EL drenado y limpiado del lecho del rió han permitido que las nuevas generaciones puedan revivir y disfrutar de un entorno natural que había sido desplazado del centro de sus vidas, siendo sustituido por un  paisaje urbano que le desvinculaban de sus raíces



Gabriele Meneguzzi - Materia viva en un paisaje de Land Art


En las intervenciones del artista italiano Gabriele Meneguzzi, las composiciones formadas por lineas y puntos realizan una interpretación de la naturaleza basada en patrones matemáticos.

Donde la esencia de la materia se convierte en algo accesorio y funcional, pasando a ser una pieza mas que conforma la obra. Fragmento de la naturaleza aumentado a una escala abordable para la percepción humana, recreando un fresco uniformado de los engranajes que intervienen en el funcionamiento de cualquier organismo. 

Como una madeja, las obras de Gabriele nos revelan los mecanismos y elementos que componen cualquier ser vivo de los millones que estructuran un ecosistema. Siendo necesarios para que la cadena trofica no se altere, permitiendo la continuidad de la totalidad de los seres que habitan y comparten los recursos de ese ecosistema.


Aunque principalmente se pueden visitar en regiones pertenecientes al Norte de Italia. Donde los tupidos bosques que bordean las estribaciones de los Alpes reunen los elementos inspiradores, que guian la obra de Gabriele.

Fundador del proyecto Vivo Verde el artista Gabriele Meneguzzi, crea de forma poética mensajes ecologistas donde la materia organizada nos muestra fenómenos naturales reconocibles por todos.

Es habitual en su ultima etapa como artista que participe en muestras colectivas, mediante las que ha conseguido proyectar su obra definiendo una identidad como artista en el circuito siempre reducido de Land Art.

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Ugo Rondinone - Human Nature, totems gigantes de piedra en mitad de Manhattan


Las figuras totemicas casi amorficas del escultor suizo Ugo Rondinone, nos trasladan al origen de la civilización. En una manifestación donde se pueden percibir los ecos de ritos ancestrales por los que nuestros antepasados transmitían sus experiencias a sus herederos.

Con estudio en New York, para su ultima exhibición titulada Human Nature organizada por Public Art Fund. El artista escogió una selección de obras donde lo atavico y lo étnico se combinan a través de su significado.

Un simbolismo a través del que analizaba etimologías urbanas como relación de la materia y su evolución técnica. Figuras formadas por bloques de piedras apiladas, se levantan en un entorno compuesto por rascacielos y las sombras que proyectan.


Volúmenes enormes de roca extraídos en bloques apenas tratados, se disponen ocupando el espacio publico como un elemento mas. A pesar de que su presencia contundente son facilmente reconocibles por el peatón, que los percibe como un objeto neutro donde el componente estético es secundario.

El conjunto compuesto por nueve estatuas, hechas a partir de bloques de piedra azul, que fueron trasladadas de una cantera situada en el norte del estado de Penssylvania. Ubicadas en diferentes puntos  en los alrededores del Rockefeller Plaza


Como un bosque de gigantes, las figuras de Human Nature forman puertas de entrada a través de las cuales los visitantes pueden pasar permitiéndonos descubrir nuestro lado más primitivo.


Cada uno de los totem con una media de altura que oscilaba entre los dieciséis y los veinte metros de alto. Se comporta de forma intimidatoria, aunque en otro sentido su actitud contemplativa transmite cierto grado de sosiego. En un es torno dominado por el estres

Lizzie Buckmaster - Dove, piedras de mar moldeadas por el tiempo


Las piedras con las que se han elaborado las series que forman Pool, al que su creado le añadido el subtitulo The alchemy of blue. Han sido previamente moldeadas por el mar y pulidas por el transcurso del tiempo.

Una combinación de factores que le resultó lo suficiente a Lizzie Buckmaster Dove, asidua a las playas que a lo largo de la costa que baña la población pesquera de Coledale en Nueva Gales del Sur en Australia. Para tras observar como el movimiento cíclico del oleaje.

De alguna forma tallaba la materia pétrea de los cantos rodados hasta reducirlos a fina arena. Una oda oceánica cuya experiencia se completaba cuando percibía su aroma a sal y el azul del mar.


Vestigios de un pasado más o menos que tras recogidas y lavadas ya en el estudio de su casa, aún conservaban parte de sus propiedades. Algo que inspiraba y guio a Lizzie para seleccionar las que reunía las más idóneas de ellas.

Para convertirse en las cuentas con las que posteriormente colgarían de hilos casi invisibles reproduciendo el oleaje que durante millones de años las depositaron en las orillas. Las obras se ofrecen como una especie de homenaje a los ciclos lunares y el poder de la luna para crear las mareas. 

La alquimia azul (como la llama ella), no trata de la ruina. Sino de la transformación de la materia y por lo tanto de la energia. Conceptos cientificos que aplicados a la práctica artística adoptan un rol que le aproxima a la abstracción.

Y que en las piezas de representan un material concreto que se convierte en luz y forma. Parece flotar en una atmósfera casi surreal y magica. Producto de esta simbiosis, lo imposible se hace posible y la intimidad de las piezas individuales parecen desbordar la inmensidad del mar y el vasto cielo.