Nomada Q : installation performance

installation performance

Mostrando entradas con la etiqueta installation performance. Mostrar todas las entradas

Empleando como único material expresivo cinta adhesiva (casi siempre en tono negro), la artista con sede en New York Sun K Kwak, describe sobre las paredes emociones cuyo lenguaje se proyecta a partir de sus gestos corporales. Como medio, la cinta adhesiva negro se desplaza libremente entre dos y tres planos dimensionales. A través de la flexibilidad y la accesibilidad de la cinta ordinaria designa los trazos como una extensión de su cuerpo.

El proceso representa su esfuerzo por unirme con el medio, ya que se abre paso sin obstáculos a través de diversos espacios visuales y ambientales. Transferido a las líneas negras el dinamismo de múltiples energías generadas entre la idiosincrasia de la arquitectura y su entorno.

Nacido en Korea, Kwak fue educada formalmente como pintora. Durante su curso de estudios en Nueva York, desarrollo su técnica única de trabajar a mano alzada con cinta adhesiva, dibujando directamente sobre las superficies de los espacios arquitectónicos como escaleras, vestíbulos de los edificios públicos, pequeñas galerías de arte, y las fachadas de los museos donde expone. Sus instalaciones crean espacios y experiencias que se encuentran a medio camino entre el dibujo y la escultura.

Ecce Homo I forma parte de una serie compuesta por tres instalaciones, a través de las que el artista chino Tsang Kin-Wah realiza algo tan inusual como un análisis de los elementos implicados en un proceso judicial.

Utilizando como medio de expresión diferentes tipografías que se cruzan sobre el plano blanco de unas paredes que dan forma a unas habitaciones desnudas de mobiliario, en las que únicamente hay varios espejos. Los cuales reflejan los conjuntos de letras desordenadas.

Los cuales representan conceptualmente una metáfora de la confusión que a veces tiende a provocar la prensa tanto la tradicional, como la que se ha incorporado debido a los nuevos nichos informativo que ha supuesto la irrupción de la era digital. Suceso que paradojicamente lejos de pluralizar el acceso a los flujos de información enriqueciendo el contexto que se ofrece de la misma, la ha empobrecido.

Realizadas a lo largo de 2011, Tang reflexiona sobre el papel de los entes mediaticos y su influencia en el desarrollo de cualquier tipo de causa jurídica. Al mismo tiempo, trata de representar las emociones del sujeto que está siendo objeto de juicio, y la atmósfera densa y tensa a lo largo de todo el proceso.

Exhibida en 2012 en la sede que alberga la programación de Pearl Lam Gallery en Hong Kong. Inspirada en los sucesos que precipitaron el derrocamiento y posterior juicio sumarísimo que supuso la ejecución del dictador comunista Nicolae Ceausescu, el cual gobernó Rumanía hasta la caída de la Unión Sovietica.

Tomando como fondo documental la casi mitológica frase Ecce Homo, utilizada por Poncio Pilato para sentenciar a Jesús en público antes de la crucifixión, la cual sirvió de inspiración para titular uno de los más manuales marxistas que más se consultan escrito por Nietzsche y que especula sobre el juicio final de Jesús y la filosofía de Nietzsche, los partes de prensa y las imagenes de televisión que se emitían de forma torrencial y en la mayoría de las ocasiones desde una optica sesgada y escasamente rigurosa, del derrocamiento de uno de los dictadores comunistas más déspotas de la antigua CCCP. Critica el papel de la prensa en la actualidad y su deriva idiologica.

En este proyecto in situ se explora el tema del juicio y, en particular, la complejidad moral a la la hora de describir los hechos que acontecen de forma objetiva. Y hasta qué punto compromete nuestra dignidad como seres humanos. Tsang obliga al visitante a participar en la obra incitandole a la reflexión consciente en calidad de observador, pretende a través de la empatia ponerse en el lugar del otro y cuestionarse sus perjuicios morales.

The Web es la instalación del artista Jon Kessler se trata de una experiencia en la que el elemento principal es la tecnología, intervención con la que el autor quiere mostrar hasta que punto influye en nuestros habitos y nuestras relaciones sociales todo lo relacionado con la era digital.

Compuesta por elementos digitales, cinéticos y pantallas de ordenador alojadas dentro de una estructura de madera. En la que Kessler ha montado iPads, iPhones y otros equipos de Apple, mientras que las cámaras de vigilancia giran hacia atrás y adelante sobre soportes rotatorios.

Creando un perímetro supuestamente seguro que sin embargo no puede evitar que se oiga el zumbido silencioso de la maquinaria, que se ve interrumpida por el sonido emblemático de inicio un ordenador de Apple. El cual nos alerta como visitantes de que estamos inmersos en la nueva epifanía del siglo XXI.

En exhibición hasta el 28 de Abril en el Swiss Institute Contemporary Art de New York. Los visitantes también pueden descargar una aplicación para el iPhone, para poder exhibir las imágenes de su teléfono en los monitores.

Monitores de televisión que apilados crean un caleidoscopio de imágenes, en el que los visitantes sin que ellos sean conscientes aparecen formando de una narrativa donde su identidad deja de ser anomima para a ser de dominio publico.

En las obras de Kessler a menudo se trata las relaciones sociales en un contexto contemporáneo, y la influencia de la tecnología y su utilización política desde un punto irónico. Creando un relato crítico a la vez que comprometido en el que recurre a modos de presentación donde utiliza materiales de deshecho.

Convirtiendo la sala en un salón tecnológico de los espejos, el montaje de vídeo en directo y grabado produce un bucle confuso de personas que se observan a sí mismos y de paso a los demás. Mientras que ellos también son vigilados por esas mismas cámaras.

Jon Kessler empezó su trayectoria como becario en el instituto Guggenheim, en 1996 ocupo plaza como profesor en la Escuela de la Universidad de Columbia de las Artes. Esta actividad docente la ha compaginado con su carrera como artista exponiendo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1986), el Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh (1991), y el PS 1 en Nueva York (2005), entre otras.

Formado por miles de alfombras persas, la instalación Carpet Land del artista turco Halil Altindere se extiende en una superficie de terreno, donde tradicionalmente hortalizas y que en el momento de extender las alfombras estaba en época de barbecho.

Aunque en un principio puede parecer un ingenioso montaje fotográfico, para su producción se preciso el apoyo logístico de una grúa y varios operarios de apoyo, que ayudaran a su autor a desplegar todas y cada una de las alfombras que a modo de collage sustituyendo los elementos del paisaje original camuflando su fisonomía.

Nacido 1971 en la localidad de Mardin en Turquía. Halil es el editor y el redactor en jefe de revista de art-ist Contemporary Art Magazine de Estambul. Habiendo participado en la Bienal de Kwangju, Corea 2002, Bienal de Sao Paulo de 1998 y en la Bienal de Estambul de 1997. Las primeras obras de Altindere Halil se caracterizan por una resistencia contra los regímenes represivos que representación al Estado turco.

Sus manipulaciones de documentos oficiales, tales como billetes de banco, sellos y tarjetas de identificación dirigida a ridiculizar y subvertir las normas oficiales de identificación. Recientemente, sus trabajos muestran un giro visible de las restricciones de la política representativa hacia un empleo que permiten incorporar momentos en la vida cotidiana empleando en su códigos humorísticos de las subculturas propias de su ciudad de residencia Estambul.

Creada para la exposición organizada por Architectural Association con sede en Londres, la instalación interactiva HORTUS, propone al visitante participar en un experimento donde se mezclan elementos orgánicos, tecnologicos y energéticos.

Ingredientes que contribuyen al desarrollo de un entorno autónomo y donde el visitante se convierte en un cyberjardinero. Abierta entre el 14 de Enero y el 11 de Febrero de 2.012 la intervención firmada por EcoLogic Studio (Claudia Pasquero y Poletto Marco).

Representaba un ente vivo que a partir de la utilización de las energías renovables y la agricultura urbana, y por un período de cuatro semanas. El intervalo de tiempo que necesitaban los flujos de energía (radiación de la luz), la materia (biomasa, dióxido de carbono) y la información (imágenes, tweets, estadísticas).

Para interactuar induciendo múltiples mecanismos de autorregulación y evolucionar creando nuevas formas de auto-organización. Compuesta por 325 bolsas transparentes o "fotobiorreactores" que contienen nueve tipos diferentes de algas, se mantienen colgadas de una catenaria hecha de material acrílico. Cada una tiene un largo tubo de plástico transparente por el que visitante sopla, nutriendo las algas con dióxido de carbono.

Cada fotobiorreactor tiene un código QR conectado a un sensor, que al ser escaneado por un teléfono móvil informa de su estado, teniendo la opción de mandarlo como Tweet, además se ha creado un entorno virtual donde se muestra su evolución y diferentes parámetros biológico relativos a su estado.

Las esculturas sonoras del artista suizo Zimoun que pueden recordar a las instalaciones masivas de coetáneos con Ai WeiWei utilizan materiales sencillos para crear paisajes sonoros únicos que resuenan como mantras. Partiendo de una condición minimalista.

Diseña y construye las estructuras mecánicas que crean un coro de sonidos fascinantes que desafían las expectativas de las capacidades sensitivas del espectador. Que agudiza el oído para tratar de descifrar los sonidos emitidos por una bola de algodón golpeando una caja de cartón,

Produciendo una frecuencia que dependiendo de su amplitud debe ser imperceptible para el oído humano. Las ideas que inspiran las instalaciones de Zimoun suelen surjir de situaciones cotidianas, de la experiencia que supone vivir en una gran urbe que adopta formas ambivalentes en un entorno en el que la contaminación acústica puede ser un problema.

Zimoun recicla este malestar sonoro empleando medios minimalistas y de baja tecnología ofrece propuestas a las que incorpora narrativas inspiradas por la belleza y la complejidad de la naturaleza, así como por sus sistemas metabólicos, su función, y el caos y el orden que representan.

En el montaje de cada instalación del artista y músico suizo se emplea una media de ocho días, se trata de procesos complejos en el que los componente y los mecanismos que lo forman siguen un esquema metódico de montaje. Este sofisticado funcionamiento contrasta con el efecto aleatorio en el patrón de sonido.

El golpeteo monótono con la acústica natural del material de cartón, creadas a través de simples efectos como los producidos por la liviana lluvia que se precipita golpeando sobre un fondo de papel vacío. Es esta superposición de ondas de sonido aleatorio y aturdido la que crea un murmullo casi neutral y relajado que perciben los sentidos auditivos.

Pulsando rítmicamente, cada unidad reverbera creando una huella sonora singular y la vez sincronizada. Microestructuras temporales surgen y cambian, haciendose audibles a través de patrones creativos resultado de una expresión colectiva.

El artista holandés Harmen de Hoop utiliza el mobiliario urbano dotando le de funcionalidad, de esta forma el poste de una portería de fútbol, sirve de soporte para colgar una papelera, o un socavon en la acera se convierte en un huerto urbano donde cultivar hortalizas.

El anonimato es un aspecto esencial de su obra, ya que tiene consecuencias en la forma en la que se experimenta. Se aleja de su creación, negando así al espectador el marco de referencia del "arte" conceptual. Una de las consecuencias del anonimato es la reacción que puede producir, en la intervención Basketball Court (Baloncesto justiciero) en Amsterdam.

Harmen pintó las líneas de una cancha de baloncesto quedando incompleta debido a las características del lugar. Después de unas semanas el Ayuntamiento "repuso" la canasta que pensaba que faltaba. Más tarde, cuando se percato del equivoco elimino las lineas conservando la canasta.

Las intervenciones de Harmen abordan el problema de la escasez de espacio y la posibilidad de darle múltiples usos para su uso publico, proponiendo una reflexión donde la ironía y lo practico suscitan en el publico un sentimiento de asombro e hilaridad.

Es asombrosa la capacidad que exhibe la naturaleza para sobre reponerse y salir adelante aun en las condiciones mas adversas. Esta es la reflexión que me inspiro la contemplación de la perfomance How to Build a Forest (como construir un bosque).

Una pieza dramática que se desarrolla a lo largo de un periodo de ocho horas y con la que el colectivo de artistas PearlDamour realizan un alegato a favor de la ecología. Con la que tratan de forma pedagogica concienciar acerca del deterioro de nuestro entorno medio ambiental.

La idea del montaje How to Build a Forest surgió a partir de que uno de los miembros del colectivo fue testigo, de como talaban cien ejemplares en un bosque de Luisiana, hecho que coincidió con las catástrofes naturales de huracán Katrina que asolo la ciudad norteamericana de New Orleans y el posterior derrame de petróleo de 2010 en el Golfo de México.

Estrenada en 2.010 en New York, la representación de caracter lúdico festiva no se ha dejado de programar, principalmente en centros culturales y universidades, Los espectadores son invitados a recorrer e interactuar con la instalación, teniendo la oportunidad de presenciar un ecosistema en evolución.

Visto a una distancia el espectador percibe el bosque en su conjunto como algo lo suficientemente rico y denso, pero como con cualquier ecosistema, solo la inmersión total permitió una comprensión más profunda del mismo.

Pelican Bomb es una iniciativa que pone en diálogo a artistas, escritores y cualquier persona que este interesada en el arte y su rendimiento expresivo y social. Programando exposiciones y talleres creativos. Trabajo en el que tratan de incorporar a una diversidad de voces de la comunidad de la zona en la que operan.

The Small Knocking Down the Big (El pequeño derribando al grande) es una instalación del año 2009 realizada por el artista chino Qiu Zhijie. Hecha de cientos de piezas de dominó de madera.

Se trata de una intervención experimental que combinan la expresión artística y la observación cientifica. Destinada a demostrar libremente los efectos de algo conocido como Domino Magniﬁcation (ampliación Domino).

La premisa básica de esta formula matemática es demostrar que cualquier ficha de dominó puede tumbar a otra ficha que es aproximadamente 1,5 veces mayor que la predecesora en una acción producto de la inercia.

Lo que significa que si se presiona suavemente un pieza de dominó de tamaño normal en una cadena de ladrillos que aumentan de tamaño cada vez un 1,5 centímetros su tamaño, la pieza número 32 será lo suficientemente grande como para derribar el edificio del Empire State.

Los participantes están invitados a derribar las fichas de dominó de las ramas más pequeñas desde el exterior de la instalación que eventualmente ganarán impulso suficiente para derribar los bloques más gruesos.

La instalación de Zhijie es tan intuitiva como lúdica y visual. Se trata de una performance de carácter inmersivo que se ejecuta a partir de principios matemáticos y un marcó normativo participativo y cuyo proceso completo se explica en el siguiente vídeo que podéis ver AQUI.

La humanidad es producto de sus deshechos, gracias a esta paradoja por ejemplo metaboliza oxigeno mediante la respiración exhalando dióxido de carbono que se reincorpora al medio ambiente.

Los dos jóvenes artistas Dario Tironi y Koji Yoshida trabajan sobre el concepto del abandono y recuperar materiales de deshecho, transformándolos en la materia prima con los que elaborar sus obras.

Es así como estas obras que a primera vista, pueden parecer ingeniosas y imaginativas, cumpliendo una función estetica con piezas que se crean a partir de reciclar los deshechos domesticos. Materia con la que finalmente se elaboraran sus esculturas.

Otras reflexiones sugeridas por los artistas analizan la contaminación a que esta sometida nuestra sociedad debido a entre otras causas a la tecnología. De la que utilizan como criterio intelectual a partir de los que elaborar un discurso critico.

Elementos o piezas de los videojuegos, los ordenadores, los teléfonos móviles o la bio-ingeniería que tras ser seleccionadas, cambian el rol para el que en principio fueron concebidas adoptando un papel creativo. A través del que se modifica su significado y simbolismo.

El ser humano incorpora a su diseño bio-degradable la tecnología que desarrolla. Siendo estuna imagen sugerida por sus obras. En este sentido la posibilidad del que que el ser humano pueda convivir con replicas biónicas no es ciencia ficción.

Sino que está a nuestro alcance y ya está teniendo efectos en diferentes ámbitos de nuestras vidas. Transformando radicalmente la percepción de nosotros como sujetos así como de nuestra relación con nuestra entorno natural.

Por lo que es perro que hasta este momento ha dependido del niño para cubrir sus necesidades de alimentacion, se equipara a su amo pasando de ser una mascota cuya conducta era pasiva y docil. A ser una entidad híbrida organica-cyborg con autonomía para tomar sus propias decisiones.

Según los artistas, sus esculturas representan la conexión de la evolución biológica con la contaminación ambiental y la acumulación de basura. El mensaje pretendido es que la evolución tecno-cientifica de la diversidad de especies que habitan el planeta tierra. Supone adquirir un compromiso respecto al medio ambiente y la gestión responsable de los residuos producidos por una civilización bio-tecnológica muy avanzada.

Creada por el estudio Studio Weave la intervención Lullaby factory es una experiencia que va mas allá de lo visual. Adosada a una fachada del Great Ormond Street Hospital, la instalación que ocupa 110 metros y las diez alturas de las que se compone el edificio.

Esta formada por una red de cañerías de cuyos extremos se emiten periódicamente diferentes melodías, compuestas atendiendo a criterios médicos. Como las especialidades o los diagnosticos, así como el material sanitario que emplean en su trabajo.

Los elementos que componen Studio Wave han sido fabricados a partir de la reutilización del mobiliario de la antigua cocina de la institución. En conjunto la composición parece extraída de un relato victoriano, los amplificadores estilo gramófono le da un aire retro años veinte casi surrealista. El color cobrizo de las tuberías, los depósitos y bobinas se entrelazan siguiendo un patrón parecido a un laberinto.

Los arquitectos se inspiraron en las tuberías sucias y sistemas de drenaje que ya cubren la superficie de las paredes de ladrillo. Por lo que en vez de camuflarlas, decidieron añadir a ellos un amplio marco que abarca los diferentes elementos de la instalación.

Las melodías compuestas por Jessica Curry, representan agradables pasajes sonoros que se ejecutan a través de las tuberías emitidos en frecuencias especificas. Que contribuyen a crear una atmósfera relajante y estimulante amenizando el ingreso de los pacientes y su restablecimiento.

Studio Wave transforma un paisaje urbano agreste y gris en en una instalación lúdica, donde intervienen aspectos sensoriales y el entorno arquitectónico en una estrategia terapéutica para beneficio de los pacientes.

Todos los que tenemos libros sabemos lo que pueden llegar a ocupar físicamente, aunque te consueles con el dicho popular que muy sabiamente dice "Que el saber no ocupa lugar". La polifacetica artista Wary Meyers metaboliza esta secuela del conocimiento y la curiosidad mediante la reutilización de volúmenes que pertenecieron al catalogo de la antigua biblioteca de Portland, que estuvo operativa entre 1.888 y 1.960, y a cuyas instalaciones se ha trasladado recientemente la agencia de publicidad Portland's VIA Advertising Agency, de la que Wary recibió el encargo.

En Twisted Tales se hace referencia a la obra del dramaturgo ingles William Shakespeare a través de la cita "arrastrando los pies fuera de este cuerpo mortal", una hilera de libros dispuesto en fila adoptan forma helicoidal. En la segunda instalación titulada Basement stacks, los libros irrumpen en el pasillo de la agencia por el techo inundándolo parcialmente.

El colectivo de artistas Raum con su instalación La Ville Molle (The Soft City) pretendían cuestionar la dureza de la ciudad, creada un pavimento muy especial en la intervención se realizo en la localidad de Bourges, Francia. Lo que caracteriza a este pavimento es que amortigua la presión cuando se le pisa.

Realizada en colaboración con la Escuela Nacional de Arte de Bourges y FRAC Centre, un enorme cojín lleno de líquido se instaló debajo de los adoquines, el resultado fue una experiencia completamente nueva para los transeúntes que sentían como el pavimento se ha convertido en una cama de agua.

El medio ambiente urbano suele ser duro y anguloso, algo que se asume como natural adaptandonos a los miles de obstáculos que nos encontramos cada día. En LVM se trata de compartir una experiencia lúdica a través del juego colectivo. Diversión, como una herramienta de diseño en el urbanismo, en algunos aspectos de LVM cambia la concepción de la infraestructura peatonal en nuestras ciudades. Aunque este pavimento flotante no es muy práctico, estimula la imaginación y ayuda a las personas abordar el espacio público con una actitud diferente.

http://popupcity.net/2013/01/when-the-sidewalk-becomes-a-waterbed/

Las intervenciones que realizan el colectivo barcelones Pequenique Productions recuerdan inevitablemente a las obras conceptuales del artista Christo. Al igual que este utilizan las estructuras arquitectonicas como armazon como elemento expresivo, la diferencia estriba en que PP trabaja sobre la nada interior de los edificios, y Christo camufla la arquitectura creandoles una envoltura que los transforma.

Desde que comenzaron su andadura en 2.007 han extendido cientos de miles de metros cuadrados de plastico, con los que han rellenado el espacio interios de los mas variados lugares, creando especies de burbujas donde el visitante puede experimentar una sensacion de proteccion y tambien de cierta angustia.

En su ultima intervención quizas la mas ambiciosa han rellenando varias instancias del Hotel Salomon de Rothschild en Paris, para un desfile de la firma de modas Maison Martin Margiela. Realizada por encargo de la organización de la semana de la moda de la capital gala.

En esta ocasión el color seleccionado, ha sido uno neutro, el blanco que simboliza la pureza, pero el procedimiento el mismo, tras estudiar las condiciones del espacio sobre el que va actuar y tras cubrirlo con plásticos rellenarlo de aire, proporcionando al entorno, una nueva textura donde el publico desorientado establece un dialogo con el nuevo escenario que se ha creado hasta que se reconoce en el.

Las posibilidades de transformación que te puede ofrecer un mismo edificio casi son infinitas, en una buena parte de ocasiones la nueva función a la que se va destinar esa estructura exige una intervención integral de la misma. En otras ocasión la solo es preciso una reforma parcial, en el caso de la librería temporal de Plodiv esta ejecución consiste en añadir el mobiliario por el que se habilitara una biblioteca muy peculiar.

Encargada por el Centro de Arte Contemporano de la localidad de Plodiv en Bulgaria, la intervención se realizo sobre la nave central de una casa de baños, un monumento arquitectónico único del siglo XVI construido sobre un aún más antiguo baño romano. El baño turco tradicional ha sido reconstruido muchas veces en los últimos años estando en uso hasta los años 90 del siglo XX.

Realizada por el Studio 8 ½ de arquitectura, la biblioteca de planta circular alberga el catalogo de arte contemporáneo y arquitectura reunido por la institución durante los últimos quince años. Construida completamente en madera domina la instancia de forma cuadrada de paredes empedradas, lo que significa un contraste de ambientes.

La biblioteca se compone de una plataforma en espiral, que cuenta con una inclinación donde los usuarios pueden consultar los volúmenes ordenados por materias en la librería, que también ofrece la posibilidad de consultar digitalmente los fondos de la institución.

El tamaño de la sala es 12/12 m, Donde la altura, incluyendo la cúpula alcanza los 13 m. terminando con un pequeño cilindro de ocho lados, cuenta con un sistema de iluminación que se centra e se centra en los elementos principales del edificio - los nichos en las paredes y arcos y cúpula concha de apoyo de ladrillo

Realizada con listones recogidos en la calle la instalación Play House es un lugar acogedor donde el visitante puede evocar momentos de su infancia, realizada por la estudiante Ni Hao natural de Taiwan, la instalación reproduce las característicos de la arquitectura de las aldeas y los barrios pobres.

Las obras de Ni Hao narran una historia de aventuras, donde el protagonista debe enfrentarse a una versión de lo que ya conoce, esta tierra extraña o territorio que viene recrea una memoria inesperada. La tierra, el tiempo y el deseo, da a la historia polaridades extremas y los flujos de materiales compuestos emocionales que representan un evento por etapas, lo cual, por supuesto, debe llegar a su fin.

Según la wikipedia el humus es la materia orgánica resultado de la descomposición de organismos principalmente de origen vegetal, pasando a formar parte de los nutrientes de los que se alimenta otras especies arboleas. Inspirándose en es este ciclo simbiotico. El artista siciliano con sede en Rotterdam Giuseppe Licari presenta una red de raíces de árboles que cuelgan del techo como lámparas.

Creada para la exposición Jardines secretos organizada por Galería Ten de Rotterdam Su instalación de ubicación específica titulada Humus, interroga la relación entre la naturaleza y el entorno construido. En esta obra, que ocupa el cuarto centro de toda la galería, una red de raíces de los parecen crecer del techo. Iluminada por reflectores tenues, el espacio se transforma mágicamente en un inframundo misterioso.

Convirtiendo la sala en una especie de guarida subterránea. la obra articula un mundo donde los visitantes pueden obtener un vistazo exclusivo de un mundo normalmente invisible a nuestros ojos.

Las raíces de los árboles muertos representan la condición de la tierra en la que han crecido en su entorno natural. la relación entre la humanidad y la naturaleza, el crecimiento y la decadencia son temas centrales en la obra de Licari. Utilizando diferentes materiales, con especial referencia a la naturaleza y en relación con el entorno construido. El público es invitado a participar, compartir, experimentar e interactuar, creando una memoria colectiva, siendo el punto central de su obra.

Con una asistencia de mas de 52.000 personas el encuentro nómada de Burning Man, representa el evento contracultural y creativo mas singular y provocador que se celebra en la actualidad dentro de la cultura Pop.

Organizado en una reserva india antigua ubicada en el Lago Lohontan, ahora seco, a más de dos mil metros de altitud en el estado de Nevada. La ciudad semicircular de Black Rock City acoge la mayoría de las actividades que se celebran a lo largo de siete días.

En cuyo transcurso se pueden ver todo tipo de propuestas artes alternativas y mutantes. Vehículos visionarios, cúpulas geodésicas, robots, y multitud de manifestaciones creativas acompañadas por oleadas de música electronica.

Instalada sobre un duna de arena la propuesta del estudio de arquitectura Malka Architecture. Una instalación realizada a partir de enormes tubos cilíndricos adosados. Titulada Loopcamp, la escultura sonora se recorta en un cielo azul intenso como si de un órgano musical se tratase.

Elaborados con papel reciclado, orientados hacia el mar los tubos de diferentes longitudes y diámetros producen rangos diferentes de sonidos, graves cuando el tubo es largo y agudo cuando es más corto.

La instalación emite una acústica de sonido envolvente que se proyecta sobre la superficie a su alrededor. Cumpliendo una función de predictor climatológico, vinculando el estado del tiempo con la amplitud del sonido.