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Rafael Lozano-Hemmer - Index Pulse, un muestrario de la fragilidad de nuestra privacidad en una sociedad dominada por la tecnologia

Nacido en México del artista Rafael Lozano-Hemmer es un artista digital que desarrolla instalaciones interactivas que se encuentran a medio camino entre la arquitectura, el arte y la experiencia performance. 


Licenciado en química y física por la Universidad de la Concordia en la ciudad canadiense de Montreal. Su trabajo se centra en la creación de plataformas que buscan la participación activa del público mediante tecnología digital y la información que genera. 

Inquietudes que se observan por ejemplo en su instalación Index Pulse, en la que Lozano-Hemmer invita a  los participantes a poner su dedo en un sensor equipado con un microscopio digital de 220X aumentos y uno que mide su frecuencia cardíaca. 


La instalación registra y reproduce en una pantalla escalonada la huella digital y la frecuencia cardiaca del latido del corazón de la persona, añadiéndose una nueva ficha al panel donde se puede consultar los resultados de todos y cada uno de los participantes.
 

Index Pulse es una propuesta de caracter inmersiva, con la que su autor explora los limites de la privacidad que gozamos como sujetos en un entorno social y tecnologico, en el que nuestros datos son objetos de movimientos e intereses especulativos.


Ganador de dos premios BAFTA entregados por la  Academy Awards for Interactive Art  in London. Lozano Hammer esta adscrito al movimiento de artistas multimedia que trabaja en la intersección de la arquitectura y el arte escénico. Fomentando la creación de plataformas para la participación colectiva a partir de dinamicas creativas. 



Random International - Rain Room, una instalaccion que te permite experimentar la tormenta perfecta


Cuantas veces has tenido que acelerar el paso ante la amenaza de los primeros goterones de lluvia y buscar refugio evitando calarte hasta los huesos.  En esas situaciones desearías que existiera alguna forma de evitar esa desagradable sensación de vulnerabilidad.

 
Independientemente de lo que hagas la humedad acaba haciendo acto de presencia teniendo que resignarte ante sus inescrutables designios. Ocupando una superficie de 1.700 metros cuadrados, la instalación Rain Room creada por el estudio postdigital Random International reproduce la tormenta perfecta. 

La instalación a la que pueden acceder un máximo de ocho personas por turno  emplea cámaras de seguimiento 3D, baldosas moldeadas por inyección y un sistema de reciclaje de agua. La instalación sigue los movimientos de forma interactiva, apagando y activando alternativamente cada aspersor dependiendo de la ubicación en la que que te encuentre.


Se aconseja marcar un ritmo más lento que el de los sensores. El sofisticado sistema se compone de una compleja red de reguladores de presión, válvulas de solenoide y sensores.



Rain Room es una experiencia creativa e inmersiva, que crea la sensación de estar en el centro de una tormenta en la que pese a la frecuencia del agua que se precipita desde los aspersores tu no te mojas. Aunque los sensores realizan un seguimiento de sus movimientos.


El suelo de rejillas permite el reciclaje de agua constante optimizando al máximo los recursos empleados. Rain Room que se puede visitar hasta el próximo 28 de Julio, esta instalada en el Museo de Arte Moderno de New York. 


JUMP INTO THE FUTURE:

En 2020 y pese a los retrasos producidos por el Covid-19, se presentó la versión actualizada de Rain Room en el centro Jackalope Art Collection de la ciudad Australiana de Auckland.  Con casi cien metros cuadrados de superficie en la intervención se pontenciaba los elementos multisensoriales. 



Akihisa Hirata - Amazing flow, paseando por una cueva artificial en busca de la luz origiginal


Una serie de túneles se cruzan en el espacio como si fuera una madriguera o un hormiguero vaciado de materia y expuesto al vació sin pudor. Esta red representa movimiento, definiendo los segmentos en ambos extremos de cada cavidad se sitúan nódulos que representan la culminación de un nuevo ciclo. 

Diseñada por el arquitecto Akihisa Hirata la instalación Amazing Flow es en un encargo de la firma de diseño LEXUS , encargo en el que también ha colaborado el galardonado Toyo Ito. Expuesta en uno de los pabellones que forman parte de la ultima edición de la feria de diseño que se esta actualmente celebrando en Milan.

La estructura de la conocida como "La Madriguera" ha sido realizada con laminas de madera de alta resistencia en forma de anillo. La cuál ha sido cubierta formado las galerías de Amazing Flow que se extienden como las ramas de un árbol desnudo de hojas.
 

El visitante que se adentra por sus cavidades en ningún momento tiene comunicación visual con lo que sucede en el exterior, dependiendo de su intuición para desplazarse entre las cavidades y paredes interiores hasta encontrar la salida en el extremo opuesto al que ha entrado.


Suspendida sobre anclajes, Amazing Flow es un proyecto inmersivo y de carácter efimero que se desmontara, después de finalizadas las actividades que muestran las ultimas vanguardias en diseño. Ideada expresamente para exhibir la en un marco incomparable como es la Milan Design.


Que para esta ultima edición ha programado numerosas actividades que tiene como principal aliciente la combinación del diseño mas tradicional con manifestaciones artisticas de vanguardia. Haciendo especial énfasis en la utilización de materiales ecológicos. Flotando en el espacio Amazing Flow cubre una superficie total de unos trecientos treinta metros cuadrados. Como si estuviera inmerso en su sistema circulatorio, los visitantes se convierten en parte la corriente sanguínea mientras pasean por la instalación de madera natural revestida, en lo que supone una experiencia visual y táctil que se inspira en la metáfora del flujo.

 

Aram Bartholl - DVD Dead Drop, la memoria en el espacio publico y sus rendimiento tecnologico


Una ranura abierta en un muro apenas perceptible para el ojo humano, se convierte en un medio transmisor de información cultural.

El usuario introduce un DVD y al cabo de un momento como por arte de magia la enigmática abertura lo expulsa con contenidos relativos a la programación que en ese momento ofrece el Museum of the Moving Imagedg de New York.

Creada por el artista multimedia Aram Bartholl, la intervención interactiva titulada DVD Dead Drop, permite tanto a los visitantes habituales del museo como a los que por falta de tiempo establecer una relación esporádica con las exposiciones que se ofrecen en el espacio físico. 


El titulo del proyecto de Aram hace referencia a lo efímero de la tecnología actual y a las posibilidades de reutilización en el espacio publico. Disponible las veinticuatro horas, DDD, es la continuación natural de la experiencia titulada Dead Drops.


DVD Dead Drop es una intervención de carácter inmersiva que combina la tecnología y su rendimiento en términos de memoria, con el espacio publico como lugar en el compartir experiencias. 


En la quee Aram utilizaba una memoria USB que distribuida en diferentes de la ciudad de New York, permitia a sus usuarios almacenar e intercambiar archivos con otros usuarios, que participaban en un intercambio colectivo de información.

En las intervenciones de Aram Bartholl se abordan temas tan socialmente relevantes desde el punto de vista tecnologico, como el exceso de vigilancia a la que estamos sometidos, como se gestionan la privacidad de nuestros datos en la era digital y la dependencia tecnológica. Exponiendo y analizando a través de su trabajo las contradicciones y absurdos de nuestra vida digital cotidiana en entornos físicos.




Thilo Frank - Ekko, la arquitectura inmersiva y sus formas sonoras


Al borde de un lago y rodeado por un prado el visitante penetra en Ekko, una instalación que no sólo estéticamente resulta casi mágica. Sino que acusticamente logra envolverte, cautivarte...

...Seducirte con sus sinfonías de ecos que reproduce los sonidos y voces que se emiten mientras se recorre una pasarela de hormigon, flanqueada por doscientas piezas de madera colocadas de forma circular que al pisarlas suenan unas tras otra componiendo un melodia eterna.

Creado por el artista Thilo Frank, su propuesta fue la que se selecciono en el concurso convocado por los miembros de la comunidad de Hjallerup en Dinamarca para representarlos. La escultura consiste principalmente en marcos de madera girados sobre su  propio eje hasta adoptar la forma de una espiral en un circuito semejante a un lazo o anillo. 

Fabricados con madera tratada con un producto que alarga la vida de la madera haviendo que está sea extremadamente duradera y robusta. Camuflados en los pilotes contorsionados se encuentran los micrófonos electrodinámicos que registran los sonidos transmitiéndolos a un centro informático, donde se sintetiza transformandolos en melodías instrumentales.

El  sistema de sonido reacciona a los ruidos de los visitantes y sus alrededores, de una forma diferente dependiendo de la zona donde se registre el sonido, Creando una melodía improvisada totalmente diferente en cada momento, a partír de las caracteristicas del paisaje urbano y humano.


Thilo Frank vive y trabaja en Berlín. Sus instalaciones, esculturas y series fotográficas establecen con el espectador una comunicación y un diálogo a través de medios físicos. Estos fenómenos y ambientes comunes que forman parte de nuestra vida cotidiana. 

Se interpretan en un contexto donde nuestra percepción de la luz, el espacio y el movimiento se concibe de una manera poética y lúdica. Sus obras incitan al visitante a cuestionar la propia relación con el espacio y las consecuencias de las propias acciones en una experiencia íntima.


The RedBall Project es una intervención nómada y participativa



Es asombroso la capacidad de adaptación que puede puede presentar un simple pelota roja, quioscos, autobuses, callejones, puentes, iglesias... The RedBall Project, es una iniciativa lúdico artística desarrollada por el escultor Kurt Perschke. 

Con la que ha recorrido ciudades del todo el mundo como Abu Dhabi, Toronto, Barcelona, Chicago, Sidney o Londres.  La iniciativa que ha desarrollado a lo largo del ultimo año, la ultima cita con la pelota de goma sera en la sede olímpica de Londres, coincidiendo con la celebración de los juegos olimpicos.


De RedBall supone un catalizador para nuevos encuentros en el día a día. A través de la naturaleza magnética, juguetóna, y carismática de la RedBall. En la superficie, la experiencia parece que lo importante es la pelota como un objeto, pero el verdadero poder de este proyecto es la capacidad de experimentación con los elementos que conviven en el espacio publico.
 

LA PELOTA COMO ARGUMENTO ARQUITECTONICO A TRAVÉS DEL QUE ANALIZAR EL ESPACIO
La persona como sujeto receptor de la experiencia no es por lo tanto simplemente un espectador sino alguien, a quien de alguna manera se le obliga a tomar una posición activa ante lo que está sucediendo ante sus ojos. Lo que provoca que la actividad cobre intensidad convirtiéndose en toda una experiencia, en la que participante en relación a su imaginación ya no es meramente un invitado pasivo que evalúa la intervencion, sino que pasa a formar parte de la narrativa. 

Concebido como un proyecto de carácter nomada, multicultural y ejecutado en términos geografico a escala global, The Red Ball aunque en principio no cuenta con itinerario definido y un calendario de ciudades cerrado. Si se estima como horizonte de finalizacion el 2020, un periodo de tiempo lo suficientemente amplio que permitirá evaluar su grado de aceptación en diferentes lugares del mundo.   



Luke Jerram - Eolo es una instalaccion sensitiva que convierte el sonido en melodías de luz



Para el artista británico Luke Jerram, crear Eolo fue todo un desafío a pesar de contar con una trayectoria que cubre casi dos decadas. Pues nunca hasta ahora tenía que haber abordado un proyecto de esta embergadura.

Se trata de un pabellón multimodal que integra elementos como viento, además de la acústica y la óptica. Cuyo diseño obedece a parámetros en los que el individuo deja su rol pasivo para convertirse en un sujeto activo que se sumerge en una experiencia sensorial además de la estética y visual de la propia escultura. 

Instalada en Canary Wharf en Londres, Reino Unido. El instrumento musical de cuerda toma su nombre de Eolo, Dios del viento en la mitología griega. En este sentido la forma circular de su volumen es un órgano enorme que se proyecta en todas las direcciones, que amplifica secuenciado el sonido exterior producido por las continuas ráfagas de viento que captura convirtiéndolas patrones comprensibles para el oído humano.

 

La instalación es definida por el propio autor como un arpa eólica, cuyo carácter inmersivo transforma el paisaje urbano convirtiendo el espacio publico en un entorno lúdico y creativo. Diseñada para adaptarse a  la volatilidad del clima londinense. 

Se completa con una matriz que ejecuta una variedad de escalas cromáticas en función de las condiciones ambientales que percibe en sus proximidades. Interpretando el paisaje de forma tridimensional, utilizando las cuerdas del arpa eólico como si fueran delicadas espigas de trigo que reaccionan al más mínimo contacto.


Las notas que se expanden desde el interior de cada tubo son el producto de metabolizar los diferentes elementos con los que se relaciona Eolo, utilizándolo como material narrativo. El objetivo es que el público sea capaz de visualizar este mapa sonoro, interpretando el sonido a su alrededor texturas sonoras que se pueden alterar dramáticamente a lo largo de una jornada.


Bajo el arco que completa una trayectoria de casi 360 grados ofrece una increíble panorámica del parque. En su montaje se emplearon 310 tubos de acero inoxidable pulido, cada uno de los cuales dibuja un umbral de luz asignándole un tono concreto. mientras que la estructura en una serie de frecuencias bajas describe el viento según su intensidad. Estos tubos de luz actúan para enmarcar, invertir y ampliar el paisaje que rodea el pabellón que permite al espectador sentir que está en un estado contemplativo y zen. Como las nubes y el sol se mueven a través del cielo durante el día, la experiencia visual.

Inspirada por la naturaleza, Eolo es el resultado de combinar el conocimiento en ámbitos en principio tan ajenos como la ingeniería, la acústica y la arquitectura. Eolo fue creada a partir de un viaje de investigación de Luke a Irán en 2007, donde exploró las mezquitas de Isfahan y se entrevistó en el desierto de Qanat a un nómada, un pocero que hablaba del canto de pozos que oía cada vez que soplaba el viento de forma intensa, lo que llevó a Luke a investigar la acústica y sus efectos en la arquitectura.


 


Ronald van der Meijs - Sound Architecture IV, es una orquesta de timbres tocada por la naturaleza


Hasta que no lees el contenido del proyecto, piensas que lo que coronan las miles de espigas son cabezas de chinchetas gigantes agrupadas uniformemente dibujando un contorno, pero nada mas lejos de la realidad. 


Se trata de una intervención compuesta por 5.000 timbres de bicicleta, colocados a diferentes alturas por su autor el artista de Land Art holandes  Ronald van der Meijs. La instalación bautizada como Sound Architecture IV está contemplada como una propuesta multimodal e inmersiva que establece un diálogo con su entorno en función de las características del paisaje.

Que trata de experimentar con fenómenos medioambientales y acusticos. Dependiendo de la intensidad con que sopla el viento en el parque y museo al aire libre Anningahof Gallery en la localidad de Zwolle, en Holanda donde se exhiben los miles de timbres que emiten un patrón sonoro concreto dependiendo de la intensidad del viento.


Nacido en 1966 en Tilburg Ronald vive y trabaja en Amsterdam donde estudió diseño y arquitectura graduandose Cum Laude en 1993 en la Academia de Arte St. Joost / Avans Hogeschool en Breda. Desde 1993 trabaja en diseños arquitectónicos y su rendimiento en términos creativos.


En la instalación Sound Architecture IV las condiciones climáticas determinan la composición sonora y y en cómo la percibe el público. Tanto las nubes como el viento actúan como intérpretes casuales.

Recibiendo varias becas de arquitectura del gobierno y realizando exposiciones en museos y galerías. Desde 2001 su trabajo conceptual sobre la relación de la arquitectura con el medio y sus moradores, ha profundizado en la idea de trasladar a la práctica soluciones constructivas inspiradas en la que se observan en la naturaleza.  

Numen/For Use - Tuft Pula, un túnel del tiempo que nos muestra el camino a seguir desde la memoria de nuestro origen



Expuesta en la iglesia de la localidad croata con la que se ha bautizado la ultima instalacción del colectivo de creatividad urbana Numen/For Use. Está se muestra suspendida a media altura con lo que consigue abarcar todo el espacio.

En este contexto Tuft Pula logra su principal objetivo, que consiste en capturar la atención del visitante desde lejos, sin grandes artificios transmitiendo calidez y asombro a partes iguales. Por lo que cuando acaba penetrando en su interior y permaneces abrigado por las paredes revestidas de fieltro rojo.

Experimentas la sensación de formar parte de un organismo vivo que te envuelve. Fabricada a partir de un armazón en forma de altavoz forrado con cinta adhesiva, representa una evolución del concepto biológico que se retroalimenta con las emociones de sus visitantes.

 

Conceptualmente las caracteristicas tanto narrativas como esteticas de esta propuesta inmersiva, obedecen a la elección explicitas del lugar en el que actua. Una iglesia de Pula simbolizando el misticismo de reconocer el simbolimo de nuestra espiritualidad uterina.


Aunque en principio se monto en una  vieja nave de una fabrica, de las muchas que quedaron abandonadas tras las sucesivas crisis que azotaron los balcanes. Coincidendo con el derrumbe de la era sovietica, Por lo que también se puede interpretar como un ejercicio que evoca a la memoria reciente de la comunidad.  

Tuft Pula refleja la tensión entre lo sensorial y deseado y un relato que viene del pasado y que se acaba revelando a través de mecanismos insconscientes, que afloran en el instante que en el que las sensaciones que se experimentan alternan de forma simultánea la ansiedad y emoción además del aislamiento acústico que el espectro de nuestra huella heredada nos muestra el camino hacia la luz que se emite desde el interior de cada un@ de nosotr@s.



Christopher Baker - Hello world!, la tecnologia y sus excesos de información


¡Hola Mundo! es una instalación a gran escala de audio visual compuesto de miles de diarios en vídeo obtenidos de Internet. Cada uno de los 5.000 vídeos que componen Hello World! cuenta un relato que hace alusión a la vida de una sola persona.

Transmitiendo un testimonio en ocasiones más informal y en otras mas empleando un tono más cercano e intimo. Dirigiéndose con un lenguaje directo per pausado, hablando con franqueza a una audiencia imaginada de un espacio privado como un dormitorio, cocina o dormitorio. 

El muro formado por centenares de pequeñas pantallas representan una cacofonía de voces que se desliza y penetran entre las personas creando una nube de ruido que desborda al espectador. Que apenas puede discernir alguno de los muchos monólogos que se acaban solapando.



Creada por el artista multimedia Christopher Baker en 2.009, se se podrá visitar hasta mediados de este 2.012 en la galería Saatchi de Londres. Baker, nacio en la ciudad de St. Louis en el estado norteamericano de Missouri. 

Que originalmente se formó como científico, estudiando en la Universidad de Minnesota, obteniendo el titulo en Bellas Artes en el 2008. Hello world! es una meditación sobre la situación actual de los medios de comunicación en relación a las nuevas tecnologías.



La video-instalacción Hello World! es un artefacto inmersivo que refleja los efectos sobre el individuo de un entorno cuyo paisaje, se caracteriza por la cada vez más presentes avances tecnológicos que está provocando que su opinión se diluya en un marasmo de voces.


Y su influencia para "democrátizar" el acceso a la información convirtiendo a cada ciudadano en un creador potencial de contenidos. Suponiendo un desafío visual que nos pone en contexto sobre los beneficios e incertidumbres de vivir en una sociedad en la que la información no suele ser contrastada.

Marcelo Ertorteguy and Sara Valente/CargoGuitar, el espacio, el lenguaje corporal y sus sonidos

La instalación Cargoguitar ofrece la oportunidad al usuario de producir sonidos mientras interactúa con el espacio de un contenedor, por lo tanto se trata de una experiencia inmersiva que actúa sensorialmente.


El sonido surge del mástil rebotando las notas en la pared, cuando el espectador percute alguna de las cuerdas o simplemente las roza con alguna de las partes de su cuerpo. La idea según sus autores es la de crear una coreografía utilizando el lenguaje corporal de cada participante.


Produciendo al compás una determinada escala cromática, dando como  resultado es una sinfonía compuesta por la interacción de las cuerdas rígidas y el contacto que el sujeto realiza. 


La instalación reproduce una guitarra eléctrica que es el equivalente al tamaño del contenedor que la alberga las ocho cuerdas que abarcan sus diez metros de longitud. En un extremo las cuerdas están conectadas a una mesa de sonido, y en el otro lado de la habitación una columna horizontal que resulta en un paraboloide hiperbólico. 


Cargoguitar que fue realizada expresamente para ser exhibicida en la Bienal de Kobe celebrada en 2011 tiene como propósito según el arquitecto Marcelo Ertorteguy y la artista visual Sara Valente. De explorar las posibilidades creativas y sensitivas del espacio y su estructura.


Cada cuerda se ajusta a una nota diferente y dos amplificadores permiten al visitante experimentar con el sonido vibratorio que recorre su espina dorsal convirtiendo su cuerpo en una especie de partitura que interacciona con su entorno y los juegos de luces que se producen aleatoriamente en un contexto ludico.


Tomas Saraceno - Cloud City, la adaptación al espacio en una nube



Como una metáfora de la era digital la version de Cloud City (Ciudad de las nubes) que se ha preparado para el museo de Hamburger Bahnhof en Berlin, se exhibe en el pabellón central debido a sus grandes dimensiones. 

Se trata de una instalación que se compone de veinte esferas de diferentes tamaños dispuestas en el espacio, para que el visitante en su recorrido interactué con ellas en una dinámica social, siendo la participación un componente importante en su concepción.

Por lo tanto no es una obra solo para contemplar, de hecho su arquitectura invita a explorarlas. Suponiendo una experiencia sensitiva donde la relación con el objeto expuesto trasciende lo meramente visual, en la que los elementos inmersivos se convierten en un referente creativo. 
 

Una red de cables entrecruzados mantiene los grandes globos en el aire. En esta escena surrealista, los cuerpos flotan en el aire, atrapados dentro de los límites que impone la gravedad. Tomas Saraceno que se formó como arquitecto, muestra intereses diversos a lo largo de la trama conceptual y física de su trabajo.


Cloud City es un espacio habitable arquitectónico que se inspira en el legado del proyecto visionario de Buckminster Fuller. Que desafia al espectador a que se adapte a las características particulares de la forma esférica de cada burbuja.



En el cual es posible distinguir las influencias en su miríada de burbujas, al igual que los principios de proporción, simetria y armonia. Teniendo en cuenta estas consideraciones, el trabajo Saraceno alcanza una dimensión socio-política que busca desafiar y cambiar la forma en que vivimos en un mundo de recursos limitados pero un potencial creativo ilimitado.

Craig Colorusso - Sun Boxes, musica compuesta por la naturaleza


Sun Boxes es una instalación de sonido alimentado con energía producida por el astro rey. Está formada por veinte bafles que operan de forma independiente, cada uno funciona mediante la producción de radiación solar. 

Hay una secuencia diferente en cada caja programada para reproducir una nota de guitarra alterna en un ciclo continuo. Estas notas de la guitarra forman un acorde en Si bemol. Debido a las ondas de diferente longitud, una vez que la pieza comienza continuamente se superponen, y la pieza evoluciona lentamente en el tiempo. 

Se trata de una experiencia sensitiva desarrollada por el músico experimental Craig Colorusso. En pocas palabras Sun Boxes interactúa con los elementos con los que comparte el espacio, creando una huella sonora que obedece a las características del entorno urbano o del paisaje natural donde opera y del que nutre.



El conjunto de cajas dispuestas sobre el espacio actúan dependiendo del contexto, por ejemplo en un lugar dominado por edificios y en el que tráfico es denso, los altavoces reproducirán secuencias de sonidos que se perciben habitualmente cuando estás en la calle.

Pero donde de verdad se puede apreciar todo su potencial suponiendo una explosión de sensaciones inmersivas es cuando se traslada a un medio natural. A diferencia de lo que sucede en la mayoría de las ciudades, en la que los volúmenes sólidos de los edificios y mobiliario urbano atenúa la propagación del sonido.


Sun Boxes es un proyecto itinerante que tiene como propósito explorar las posibilidades del espacio y sus propiedades desde una perspectiva sensitiva.

En un paraje natural los altavoces actúan como interfaces con el medio ambiente y la naturaleza, siendo la combinación perfecta entre naturaleza y tecnología para establecer un diálogo creativo. Su ultima escala ha sido recientemente en el museo de escultura al aire libre de la ciudad de Cordova.

LuzInterruptus presenta la performance inmersiva Control Radiactivo un alegato contra la amenaza nuclear


Un ejercito formado por cien figuras uniformadas con ropa que protege frente a la radiación nuclear, se sostienen desplegados en un llano. Su interior iluminado lo sostiene un caballete que a modo de espantapajaros indemnes, representan el peligro inherente que supone la mala gestión de la energia nuclear. 

Titulada Control Radiactivo, se trata de la ultima instalación creada por el colectivo de arte avanzado español LuzInterruptus, con motivo de la celebración del Festival Dockville  en la ciudad alemana de Hamburgo.

La instalación se sitúa en un paisaje rural y tiene un efecto inquietante entre los visitantes, que pueden caminar a través de la disposición de los modelos iluminados. Sumergiendose en la formación, que inmóviles permanecen como preguntandose si esto podría ser nuestro futuro, y si debemos acostumbrarnos a un invierno nuclear.

Como en la mayor parte de su producción, el objeto iluminado artificialmente, sirve como lenguaje para articular un discurso narrativo. Donde el propósito es provocar en el visitante una reflexion sobre un tema en concreto. 

En el caso de Control Radiactivo mientras uno se interna entre las figuras que resignadas caminan. El espectador tiene la oportunidad de sopesar sobre las ventajas y desventajas de la utilizacion de la energía nuclear, como modelo para cubrir las necesidades de suministro energético.

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