Nomada Q : cortometraje

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Protagonizado por el artista desidente chino Ai Weiwei el cortometraje titulado The Sand Storm, en cuyo metraje nos propone una historia a través de la que nos traslada a un escenario no tan hipotético.

En el que debido a la escasez de agua y el exceso de población, el acceso a su consumo se encarece. Por lo que se genera un mercado paralelo gestionado por contrabandistas que hacen de su trafico un negocio fraudulento, afectando a la población y sus relaciones.

Como principal consecuencia se extiende el vicio y la corrupción. Ambientada en esta sociedad distopica, la trama de la cinta dirigida Christopher Doyle nos muestra el día a día de un repartidor de agua que en transcurso del cumplimiento de un encargo se ve involucrado en un episodio sentimental.

Siendo testigo de las tensiones sentimentales que se producen entre los miembros que forman un triángulo amoroso, estableciendo un vinculo de causa efecto con la distribución de garrafas de agua que son servidas a precio de oro por los escasos compradores que pueden adquirirlas, produciendo situaciones de desigualdad.

Filmado en localizaciones de Beijing, el corto titulado The Sand Storm, nos muestra una faceta desconocida del mediático artista Ai Weiwei. Interpretando un papel por el que se convierte en un observador de la decadencia depredadora de una sociedad que acapara un recurso como el agua, cada vez más escaso.

El cortometraje que podéis ver desde AQUI, es una colaboración del artista, que aunque no es la primera vez que se embarca en un proyecto multimedia, pues ya cuenta con una meritoria filmografia a sus espaldas. Si es la primera vez que participa interpretando un papel como protagonista.

Belong es un adolescente de origen inmigrante que reside en un suburbio de una gran ciudad de los Estados Unidos. Como muchos chicos de su edad debido a las precarias condiciones en que vive el y su familia, tiene escasos alicientes hasta que comience de nuevo las clases tras el verano.

BELONG from Lije Sarki on Vimeo.

Siendo la practica del Skate su tabla de salvación, y no solamente porque literalmente represente un excelente medio en el que poder huir, tras verse envuelto en una trifulca con una banda afro-latina. En este caso aparte de una destreza, el desplazarse sobre una tabla de skate le ha convertido en un ser cauto, enseñándole a tomar las precauciones necesarias ante cualquier situación desconocida.

Como cuando mientras te deslizas evitas trazar una curva peligrosa evitando de esta forma un eventual accidente y sus posibles consecuencias. Convirtiéndose en un medio por el que nuestro protagonista a través de la experiencia, la aplica de forma instintiva, ayudandole a realizar de forma certera una lectura de la realidad y los posibles peligros que en ella pueden acechar.

El cortometraje dirigido por un desconocido Like Sarki, presenta ciertos paralelismos con el film producido en 2.007 titulado Paranoid Park. Licencias que se diluyen en una historia con aspiraciones de fabula social, donde los diálogos son sustituidos por un lenguaje gestual creando una atmósfera por momentos conmovedora, donde la fragilidad de Belong se revela como su fortaleza en un contexto desfavorable, en su camino iniciatico hacia la vida adulta.

Aunque la mayor parte de la información de forma cotidiana nos es suministrada por nuestro campo visual. Vivimos expuestos a innumerables cantidad de sonidos en diferentes frecuencias que también nos sirve como referencias para saber donde estamos.

Noise es un cortometraje que contiene elementos animados, en el que los dialogos entre personas son sustituidos por los sonidos que emiten tanto sus protagonistas, como los mas variopintos objetos que los acompañan. Articulando un lenguaje propio conformado por fonemas auditivos, que como guia o mapa actúa como nexo comunicativo que nos suministra información sobre nuestro y su estado.

Con guión y dirección de los artistas digitales polacos Katarzyna Kijek y Przemysław Adamski. Que alternan sus proyectos profesionales con trabajos mas rupturistas y experimentales visualmente como el que nos ocupa. Trabajo cuya producción ha tardado mas de tres años en ser de libre acceso en la red desde que se materializo, y que a lo largo de este tiempo su osado planteamiento tanto estético, como técnico y ante todo sonoro ha sido galardonado en los numeroso festivales donde ha concurrido.

Inspirado en la obra teórica de George Berkeley y sus conceptos básicos sobre la percepción sinestésica. Es un juego de la imaginación provocada por el sonido. Sonidos individuales que penetran en el apartamento del protagonista se visualizan mediante onomatopeyas en un alarde de creatividad e imaginación.

FUGA from Juan Antonio Espigares on Vimeo.

Recientemente licenciado para su exhibición online el cortometraje animado titulado de forma lacónica y escueta Fuga. Es tanto por las técnicas empleadas en su realización como por las connotaciones humanas y sociales que narra uno de los mejores trabajos producidos en las ultimas temporadas.

Así lo atestigua los numerosos galardones y reconocimientos acumulados desde su estreno en otros tantos festivales donde ha participado. Dirigida con sobresaliente por el desconocido director Juan Antonio Espigares. En esta su tercera incursión cinematográfica que igual que las dos anteriores, La escalera de Escher de 2.001 y Sere Eretit producida en 2.006. Vuelve a utilizar el mundo de la infancia y la adolescencia para utilizarlo como analogía de una sociedad opresora y lacerante.

La cinta se caracteriza por su ausencia de diálogos y silencios implícitos, de una institución educativa de carácter religioso donde ingresa Sara. Mutismo que tan solo es roto por la excelente banda sonora seleccionada por el director de orquesta Arturo Diez Boscovich.

Piezas que son interpretadas por una consumada interprete de violín que en su aprendizaje se embarcara en un viaje iniciatico que le mostrara el lado mas mezquino de la vida. Apoyada en una sucesión de imagenes que evoca un lirismo conmovedor, donde su autor combina imagenes reales con técnicas de animación donde el acertado tratamiento de la luz destaca en un excelente trabajo.

Carn - Jeff Le Bars from Jeff Le Bars on Vimeo.

Formado en la escuela de dibujo y animación Ecole Emile Cohl de Lyon en Francia, el sugestivo debut en formato corto de Jeff Le Bar. Recupera el viejo mito del licántropo, para dándole una vuelta de tuerca contarnos una historia intensa donde una amistad circunstancial que desemboca en un final inesperado.

En Carn se nos narra el encuentro de un niño y una loba herida. El niño que vaga desorientado por el bosque en el que se ha perdido sucumbe al frió del invierno. Yaciendo en la helada nieve es localizado por una loba que esta de batida buscando alguna presa con la que alimentar a sus lobeznos.

Producida a la limón con con Sylvain Livenais, con la que ya trabajo en un proyecto experimental titulado Coquino. En el transcurso de los pocos mas de cinco minutos de metraje, donde la escala cromática empleada en el tintado de los paisajes, con los que ambienta una atmósfera densa y visualmente estremecedora. Carn supone una muestra inteligente donde la naturaleza y la lucha por la supervivencia origina alianzas singulares.

Realizada en 2.012 Carn ha sido premiada en festivales como el Festival Internacional de Cine de Animación de Puchon (Corea PISAF),- mención Especial del Jurado en el Festival de Cortometrajes de Villeurbanne o al mejor trabajo de animación Festival de Cine Estudiantil en San Petersburgo, entre otros.

Lost Gypsy Gallery es mas que un proyecto artístico de su creador el artista y aficionado al surf Blair Somerville se trata de un museo al aire libre, donde su autor exhibe sus obras. Compuestas por esculturas cinéticas, marionetas e instalaciones interactivas, están realizadas con materiales procedentes de reciclaje donados por sus propios vecinos o que Blair recoge en su entorno mas próximo.

Situado en el sur de Nueva Zelanda en las inmediaciones de una apacible localidad costera, donde en unas de sus múltiples excursiones buscando playas donde practicar su deporte favorito. Blair aparte de encontrar su ola perfecta y la pareja con la que actualmente comparte su vida.

Ha creado durante la ultima década su particular universo, donde ha tenido la oportunidad de volcar toda su creatividad. Desde su taller un destartalado autobús que cubría la linea escolar y que ante su eminente desguace el bueno de Blair, decidió convertirlo en su taller donde concibe y diseña cada una de sus obras y atracciones con las que asombra a los muchos visitantes que se acercan a contemplarlas.

Rodeado por una espesa vegetación donde la naturaleza es la principal fuente de inspiración, Blair selecciona las piezas que formaran parte de su extensa colección y en la que puede invertir hasta semanas de su tiempo dependiendo de las características del diseño.

Abierto todo el año Lost Gypsy Gallery, los visitantes que se acercan tienen libre acceso a la mayor parte de sus instalaciones, aunque se recomienda realizar una pequeña aportación económica para cubrir los gastos de manutención y de mantenimiento de las instalaciones.

Atraído por su historia el cineasta Joey Bania acaba de editar Lost & Found, un cortometraje documental financiado por BBC Worldwide. Donde en poco mas de nueve minutos condensa las motivaciones que propiciaron que su protagonista iniciara este proyecto cambiando su percepción de las cosas y su forma de vida.

Lost & Found from Joey Bania on Vimeo.

En el año dos mil cuatro un hombre inconsciente fue descubierto detrás de un restaurante de comida rápida en la localidad de Richmond Hill en Georgia. No tenía pertenencias, presentaba un cuadro cutáneo severo por quemaduras de sol.

Y estaba casi ciego por cataratas. El hombre estaba tan exhausto que apenas balbucea unas frases sin sentido, siendo incapaz de presenta acreditación alguna. Ya fuera documental o de memoria sobre su verdadera identidad.

Después de meses de evaluación continua de los médicos y psicólogos se determinó que sufría de amnesia disociativa. Adoptó el seudónimo Benjaman Kyle y se embarco en la búsqueda de su verdadera identidad suscitando la atención de numerosos medios de comunicación en los Estados Unidos.

Siendo su historia objeto de rodaje de un cortometraje titulado Finding Benjaman, dirigido por John Wikstrom podeis verlo AQUI. A día de Benjaman es el único ciudadano de los Estados Unidos que oficialmente figura como desaparecido a pesar de que conoce su paradero.

Un aspecto kafkiano de esta situación es que Benjaman ahora vive completamente en el limbo legal: durante los últimos ocho años le ha sido negada la posibilidad de obtener un nuevo número de la seguridad social, o se le ha impedido abrir una cuenta bancaria o poseer una tarjeta de crédito.

La administración y la burocracia de estado argumenta que Benjaman ya dispone de su registro. Pero a pesar de los esfuerzos por reconstruir su identidad a través de la corcondancia de las huellas dactilares, o el análisis de su ADN, no se ha logrado desvelar su origen, no encontrando ningún rastro que haga referencia a su pasado.

Conmovido por su historia, el artista Miguel Endara se puso en contacto con Benjaman, para proponerle la posibilidad de tratar de recuperar sus recuerdos a través de la realización de una serie de retratos hiperrealistas.

Realizado mediante la técnica de punteado, una técnica tediosa que implica una pluma, paciencia y una obscena cantidad de puntos. En el retrato se empleo casi ciento treinta y ocho horas hasta completarse, presentando una tasa de 4,25 puntos por segundo.

La amnesia disociativa, también conocida como amnesia funcional o amnesia psicógena, es un trastorno disociativo caracterizado por una fuerte pérdida de memoria provocada por un episodio intenso de estrés psicológico.

La pieza que mide 20x15 pulgadas, contiene aproximadamente dos millones de puntos. Con este minucioso trabajo el autor aparte de explorar la posibilidad de que Benjaman consiga recordar su verdadero su nombre, recobrando de esta forma sus derechos civiles y jurídicos.

Pretende obtener recursos económicos con los que poder obtener de la administración la documentación necesaria que habilite el derecho de Benjaman a disponer de una identidad transitoria que le permita desarrollarse e integrarse en la comunidad donde reside.

Seleccionada para representar Holanda en los Oscar de 2.011 The Origin of Creatures (El origen de las criaturas), es una visión futurista de un mundo después de un desastre catastrófico. En esta parábola oscura nos muestra seres mutados que busca la cooperación, pero debido a la falta de comunicación esta misión está condenada al fracaso.

La historia de El origen de las criaturas se basa en uno de los más conocidos pasajes bíblicos. Dirigida por Floris Kaay , Dios es representado por el sol, la fuente eterna de la vida en nuestro planeta, sirviendo como un enlace de como algunas especies de hormigas construyen sus nidos en la dirección del sol para capturar el calor de la reina y las larvas . De repente, el sol juega un papel muy importante en "El Origen de las Criaturas", pudiéndose interpretar en su vertiente religiosa o científica, evolutiva.

En este caso, el escenario de la la Torre de Babel. se transforma estableciéndose en un futuro imaginario y apocalíptico, después de que el mundo se ve afectado por una catástrofe. Entre los restos de una ciudad devastada subsiste lo que queda de la humanidad. Los cuerpos humanos se dividen en partes separadas del cuerpo y se fusionan con otros seres, formando una colonia, solo sobreviviran si colaboran entre si.

De los escombros de los edificios destruidos están tratando de construir un nido tan grande y tan alto como sea posible, de modo que la reina de la colonia reciba la luz solar suficiente para reproducirse, pero debido a la falta de comunicación esta misión está condenada al fracaso.

Las instlaciones cinéticas dotadas de movimiento del artista Theo Jansen tienen algo de cautivador y mágico, para el que las contempla.

Sus movimientos acompasados poseen el ritmo de una coreografía, en la que cada pieza del autómata representa un gesto que se tiene que producir de forma sincronizada, el cual se repetirá infinitas veces. Basándose en los principios aerodinámicos de Theo, el animador y modelador David Lance.

Ha recreado en escenarios reales extraídos de la capital londinense, a una criatura que experimenta una metamorfosis orinica, en paisajes urbanos cargados de electricidad. Cuya atmósfera surrealista nos traslada a un mundo interior en el que los elementos que los pueblan nos hipnotizan.

En el cortometraje titulado The Future Forms of Life El cual podéis ver AQUI. Una fabula post/industrial, en la que el autor reflexiona sobre la conveniencia o no de que algunos sueños se puedan cumplir. Pues su resultados pueden ser realmente desagradables.

En su realización Lance ha utilizado aplicaciones de modelacion como 3Dsmax, Zbrush, MatchMover o MD2. Consiguiendo un efecto realista que transmite al espectador la sensación de estar participando en el relato que estás viendo.

Una mención especial merece la banda sonora que acompaña todas y cada una de las imágenes del corto. Música que es una mezcla de electrónica y étnica que está firmada por Tomas Dobrovolskis.

David Lance es un estudio creativo centrado en la animación arquitectónica. Crea proyectos creativos e imaginativos para clientes que provienen de una variedad de orígenes, incluyendo arquitectura, ingeniería y desarrollo inmobiliario. Con quince años de experiencia en visualización arquitectónica y animaciones, cuentan con una larga experiencia con encargos realizado para clientes de Oriente Medio, Europa y América del Norte.

Parasite Choi es un sorprendente cortometraje, que combina la ficción con elementos de animados. Ambientado en un paisaje desértico, su producción es el resultado de la participación de mas de quince artistas digitales, dirigidos por el director y fotógrafo francés Damien Steck, que ya firmo en 2.010 el titulo "Eyes Wide Open", considerada la primera película de publicidad filmada en formato 3D estereoscópico y que podéis ver a continuación. En Parasite Choi estrenada en el presagioso OFF festival, que se celebra en Barcelona, utiliza un lenguaje poético visualmente donde cada detalle filmado enriquece la historia, de un ente en un medio hostil, que en su afán por sobrevivir deposita su semilla, creando nuevas formas de vida.

A medio camino de la estética cyberpunk y el lenguaje perfomance, que puede recordar a los montajes de la Fura Dels Baus. El creador audiovisual Alessandro Bavari con sede en Roma, ha creado Metachaos.

Un corto de animación turbador visualmente que pretende reproducir diferentes situaciones limites en las que los seres humanos adoptamos posiciones, que nos conducen a la barbarie. Producto de una combinación de pinturas y fotografía.

Metachaos en términos estéticos es el resultado de combinar las últimas técnicas en tratamiento y render de imágenes y la incorporación de elementos en el guión y acción caracterizados por un tono lírico y por momentos conmovedor.

Metachaos, se compone de los términos griegos meta (más allá) y caos (el abismo donde eternamente los cuerpos sin forma vagan por el universo). Indicando una forma primordial de la ameba, que carece de precisión en la morfología, y se caracteriza por la mutación y la mitosis.

De hecho, los organismos representados en Metachaos, a pesar de que se caracterizan por una apariencia antropomorfa, aparentemente, en realidad carecen de identidad y conciencia. Ellos existen confinados en un estado sin espacio y sin tiempo, un medio hostil y decadente, donde una fortaleza, en perpetuo movimiento, domina el paisaje en la defensa de una dimensión paralela supraceleste, armónica, pero frágil.

Articulado como un cortometraje, el cual podéis ver desde AQUI o AQUI se trata de una producción que ha sido galardonada con el prestigioso premio Golden Nica en Ars Electronica 2011.

En su instinto destructivo de invaadir el limbo dimensional, la horda de mutantes penetra en la intimidad de la fortaleza, parasitandolo como un virus. Al igual que en el balance continuo en la especie humana, con lo que el estado de las cosas vuelve de nuevo a la sopa primordial.

Alessandro Bavari, un artista ítalo-francés, su percepción y práctica creativa se podría equiparar a la que durante el Renacimiento italiano expresaron muchos artistas. Pues como estos Alessandro cultiva y recurre a una diversidad de disciplinas como la fotografía, la pintura y la música.

Preseleccionado para la ultima edición de los Oscar, el cortometraje Luminaris, reune varias características que coinciden, con la producción francesa The Artist, cinta que a la postre ha sido la gran triunfadora de este año en la entrega de premios de la academia. Su planteamiento narrativo homenajea al cine mudo de los años veinte, revival que reedita en lo estético, ambas cintas se ambientan en épocas cercanas, las diferencias estriban en los aspectos tecnicos y por supuesto en el guión, Luminaris nos cuenta una historia diametralmente opuesta a The Artist, aunque guarda algún paralelismo en el mensaje optimista que trata de transmitir.

Filmada en formato stop motion, Luminaris ha sido escrita y dirigida por Pablo Zaramella, director especializado en la realización de cortos de animación, con los que obtenido numerosos premios con títulos como El Guante y Viaje a Marte, que están en visión en la dirección de su productora, donde además podrás ver una nutrida selección de su excelente trabajo. Aunque Luminaris conserva muchos de los elementos de sus trabajos animados, el rodar con actores de verdad representa un enfoque totalmente nuevo sobre en relación a sus trabajos anteriores.

Luminaris es la historia de un hombre que vive en una sociedad controlada por la energía. Cada mañana, sus habitantes se despiertan y se dirigen a su trabajo en la compañía. Nuestro protagonista trabaja en una fábrica de bombillas eléctricas, pero tiene grandes ambiciones, esta estudiando sobre un nuevo sistema de generación de energía. La película utiliza un collage de estilos, combinando estilo art deco, el tango, el surrealismo y neorrealismo. Esta mezcla de influencias está directamente relacionada con la historia de Buenos Aires: la ciudad y su propia población es una mezcla de diferentes culturas, reflejados en el corto.

Lo primer o que te llama la atención cuando comienza el cortometraje titulado Rosa que podéis ver integramente AQUI, es en la ambientación entre Steampunk y post-apocaliptica.

Atmósfera que te remite de forma inmediata a films de la talla de Blade Runer o The Matrix. Comparaciones que en principio pueden ser prometedoras para su autor joven Jesús Orellana.

Centrándonos en el argumento que nos propone Rosa. Una odisea romántica donde el amor imposible lo encarna un entorno medio-ambiental que irremediablemente se está degradando, habiendo cruzado un punto de no retorno.

En sus poco más de nueve minutos su autor le añade una mezcla de referencias a la cultura del manga y de época victoriana vampirica. Uno de los cortometrajes del año que se ha exhibido en festivales como Stiges, o en las secciones oficiales de Seattle, Los Ángeles o Toronto.

Y cuyos derechos se están negociando por parte de 20th Century Fox con su creador para realizar una versión extendida. La animación nos narra la misión de Rosa una ciborg del proyecto Kernel.

Su director y guionista ha invertido cerca de un año en crear una historia que te engancha desde el primer instante, en una trama tan romántica como cautivadora y comprometida con el medio-ambiente.

De ojos verdes tan enigmáticos como estigmatizados y desolados. Se ha embarcado en una lucha por evitar que la dregadación medioambiental acabe por destruir el mundo que conoce y que nos alberga, convirtiéndolo en un apocalípsis inhabitable. En el que apenas sobreviven formas de vida, extinguiendose la practica totalidad de ellas.

Orellana creó la obra con CGI en su casa, sin ningún presupuesto, lo que no hace mas que añadir mas merito a su trabajo. La película realizada para captar la atención de los estudios, se puede convertir en el debut y la mejor plataforma para que en un futuro cercano se ponga al frente de una superproducción.

El metro, en cualquier parte del mundo, es uno de los lugares más interesantes que se pueden visitar. Poseen un contrasté con la vida que vivimos, una atmósfera a lo desconocido lo que hace aún más interesante. Túneles, ruidos de conversaciones y luz artificial. Es cuando por fin llegamos a nuestro destino y ascendemos a la superficie cuando nos damos cuenta de cuán radicalmente diferente es la red del metro es de cualquier otro lugar. Sub City son dos trabajos que registran este contraste en la redes de metro de Paris y Nueva York. Producido por Sarah Klein y Tom Mason de Redglass Pictures es una continuación de una serie en curso que explora ese momento de incertidumbre y magia que sucede cuando se emerge de las profundidades del metro, con música de Duke Ellington.

Tras exhibirse en la ultima edición del CG ARCHITECT AWARDS 2011, donde se ha alzado con el primer premio en la categoría de Architectural Film/Animation, el corto animado GOLDEN AGE-SIMULATION, y el cual se puede ver en el siguiente LINK.

Supone la secuela y la continuación coherente de su espectacular GOLDEN AGE-SOMEWHERE. Aunque con matices porque en esta segunda secuela la narrativa y protagonismo, está enfocada para su próxima participacion en el encuentro de animación y contenidos multimedia.

Que se celebra a finales del mes de Noviembre en la capital londinense Onedotzero. Festival donde se pueden donde se pueden ver una selección de las mejores propuestas en el sector de la animación a lo largo de la temporada.

Realizados en un periodo de tiempo relativamente corto, se trata de dos propuestas dirigidas ambas por Paul Nicholls (que cuenta con una experiencia dilatada en el genero de la animación). En las que el argumento, en ambos cortos convergen.

Argumentos distopicos en los que nos describe, un futuro en que los diseños arquitectónicos se empaquetaran en archivos ejecutables mediante un simple click. Transformándose los 0s y 1s. con los que han sido programados.

En escenarios virtuales donde los importante es el deseo del cliente que va ha adquirir una propiedad. El cual se supone que actuara en función de su poder adquisitivo, pudiendo acceder a una galería de inmuebles variada ofertada por grandes firmas de arquitectura, o se tendrá que conformar con una selección estándar.