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Vhils - Guarani Door, puertas de identidad y memoria de las naciones Amazónicas y su legado natural


Alexandro Farto es un artista urbano brasileño, que se ha hecho un hueco y un reconocido prestigio a nivel global. Debido a sus retratos y a su peculiar forma de tallarlo utilizando la superficie de las paredes como material escultórico.

Sensibilizado con las naciones indias del Amazonas, Vhils (su seudonimo artístico). Emprendió recientemente un viaje que le llevo a convivir con la tribu de los Guaranis, comunidad originaria del departamento de Paquirari en Brasil. Cuyos primeros asentamientos se remontan a cientos de años, existiendo numerosos antecedentes en el territorio.

Intensa experiencia que le ha aportado el suficiente material artístico como para conformar una exposición, en la que utiliza un conjunto de puertas elaboradas a partir de maderas extraídas de arboles autóctonos de la region en la que habitan la etnia de los Guaranis.


Formada por un total de 54 puertas, la exhibición que actualmente se puede visitar en Caixa Cultural situada en la localidad de Curitiba. Donde el visitante que se acerque podrá reconocer las trazas características realizadas por la broca del taladro, que habitualmente utiliza como herramienta de trabajo.


Compuesto por motivos que reflejan la cultura y tradiciones de esta etnia milenaria. Así como los rasgos de muchos de sus miembros que posaron para el artista en su entorno natural. Las puertas que sirven como lienzo fueron recogidas por los miembros de la comunidad Araçaí, donde provenientes de la civilización son utilizadas para diferentes usos domésticos. 

Vhils creció en Seixal, un suburbio industrializado situado al otro lado del río desde Lisboa, la capital de Portugal. Siendo testigo de las transformaciones provocadas por el intenso desarrollo urbano que sufrió el país en las décadas finales del siglo XX en diferentes ambitos creativos. Incipiente escena que en terminos urbanos le cautivo y le sedujo hasta el extremo que provoco que desarrollara una tecnica de estucado denominada como Scratching the Surface. Con cuya practica se ha hecho un nombre dentro de la escena urbana a nivel global.






Travis Bedel - Anatomía salvaje en clave ilustrada



Fundiendo las representaciones de diferentes partes del cuerpo humano, con especies del reino vegetal en un tono muy psicodelico. El artista Travis Bedel realiza detallados mapas de anatomía dedicados a mostrar diferentes partes del cuerpo humano.

Pero no como lo suelen habitualmente los libros de medicina a través de los futuros medicos, aprender como funcionan la totalidad de órganos que conforman los diferentes sistemas que lo hacen viable. Sino que Travis contempla ese mismo cuerpo a través del que la doctora adquiere conocimiento.

Diagnosticando, analizando e identificando posibles síntomas que obedezcan a una intuición y coorroboren una hipotesis. A partir de la prescribir una pauta con el fina de sanar esa dolencia o desequilibrio organico. Sino que Travis lo contempla como si fuera un paisaje natural.


O más bien y mejor dicho como un verjel rebosante de vida y colo.  Composiciones más o menos detalladas, en las que destacan por la percepción que se podría definir como un tanto surrealista que nos trata trasladas, de lo que para el representa el cuerpo humano. 

Por ejemplo el aparato cardio respiratorio es representado como un jardín donde cada función, es un elemento de un paisaje concreto. En otros collages el reino vegetal comparte protagonismo con miembros del reino animal, cuya presencia nos resulta familiar en nuestro contexto cultural.


Más conocido como Bedelgeuese, sus trabajos diseccionan el cuerpo humano trasladandolo visualmente a un contexto natural, con la que construya una narrativa lúdica y poética a la vez.


Las ilustraciones de Travis plantean el dilema entre una óptica ecológica como modo de relacionarnos con nuestro entorno natural. En contraposición con la visión unilateral, etnocentrista y relativista, que parece que se ha impuesto en la actualidad. Alejándonos del origen y ancestral que compartimos con el resto de las especies que habitan el planeta tierra.




Ecologic Estudio - The Urban Algas Canopy. la producción de osigeno a la carta está aqui


Las algas poseen múltiples beneficios desde el punto de vista medio ambiental. Capturan enormes cantidades de CO2, que transforman en oxigeno que acaba liberando en la atmósfera cumpliendo un ciclo de forma eficiente.

Esta propiedad regenerativa de poder implantarse como mobiliario en el espacio publico en las grandes ciudades. Seria el catalizador perfecto por el que metabolizar los excedentes de dióxido de carbono que se producen. Reduciendo los índices de contaminación y los perjuicios que impactan directamente sobre la salud de cientos de millones de ciudadanos en todo el mundo.

Tras seis años de estudios el proyecto interdesciplinar The Urban Algas Canopy, liderado por el estudio Ecologic Estudio, ha desarrollado un prototipo que a partir de la incorporación de soluciones basadas en estructuras biotecnologicas. Actúa sobre el medio ambiente y sus elementos contaminantes, purificando la atmósfera aplicando métodos naturales.

Presentado como proyecto para la próxima edición de la Expo Milano 2015. Su consecución es fruto de la colaboración del estudio de Carlo Ratti y la participación de Taiyo Europa. Se trata de una pieza de arquitectura bio-digital que combina  micro-algas y protocolos de cultivo digitales en tiempo real. 

Siendo capaz de controlar el flujo de energía, agua y CO2 basandose en patrones climáticos, la presencia y movimientos de los usuarios, y otras variables ambientales. The Urban Algas Canopy representa el esfuerzo por superar la segregación entre la tecnología y la naturaleza, alcanzando una comprensión sistémica de la arquitectura. En este prototipo los límites entre el material, las dimensiones espaciales y tecnológicos se han articulado cuidadosamente para lograr la eficiencia, la resistencia y la belleza.


Agencia Olhares - Aldeia Maracanã


Aldeia Maracanã from Agencia Olhares on Vimeo.

No cabe duda de que Brasil esta de moda, primero la celebración inminente del mundial del fútbol y dos después la cita de los juegos olimpicos que tendrá como sede la ciudad de Rió de Janeiro. Serán dos acontecimientos que supondrá un reto de organización y social, y la mejor carta de presentación para una economía emergente.

Que sin embargo presenta claro oscuros en el tratamiento de algunos temas de especial sensibilidad social y que afecta a su identidad cultural y origen. Como es el de las diferentes tribus autóctonas que habitan desde tiempos ancestrales el Amazonas, y que debido a su deforestación y a los intereses comerciales están siendo desplazados reduciéndose sus poblaciones. 

Rodado por la Agencia Olhares, el documental titulado Aldeia Maracanã trata sobre el conflicto, que surgió con la administración del distrito de Botafogo donde se ubica el emblemático estadio de Maracana. Recinto donde se jugara la final del mundial, y donde a escasos metros estaba la sede que albergo hasta la ultima parte del siglo XX el museo indio.

Una villa de la época colonial que tras ser abandonada fue ocupada por miembros que representan a diferentes tribus amazónicas, cuyo objetivo era preservar su legado recuperandolo como centro desde donde difundir su cultura. Pero que debido a su proximidad con las instalaciones del estadio, sus terrenos fueron recalificandolos como parking destinado a cubrir las necesidades de aparcamiento durante la competición.

Aldeia Marcana que fue filmado durante 2.011 en un escenario en estado ruinoso, alterna la omnipresencia que proyecta la historia y especificaciones del edificio y su uso. Con los testimonios de los miembros de las tribus y sus argumentos a favor, de que el antiguo museo indio fuera reformado destinándolo a su función original de divulgación de la cultura y costumbres étnicas.

El pino de Wyoming

Aunque no se ha establecido su edad, se sabe que el pino de Wyoming (variante de una especie común conocida como Limber Pine, puede llegar a vivir 2.000 años). Fue un superviviente en un territorio expuesto a las mas extremas temperaturas, como son las que se dan en el estado que le da nombre.

Clavado en una roca en la que yace y parásita su ubicación lindando con la interestatal 80 que une las ciudades de Cheyenne y Laramie, y que hasta principio del siglo XX cruzaba una linea de ferrocarril construido por la compañía Union Pacific Railroad. 

Fue debido a sus características singulares que dejaron maravillados a los obreros que disponían las traviesas sobre los raíles de acero, que dicidieron de forma asamblarearia y por unanimidad respetar su actual ubicación evitando ser talado, desviando el trazado de la linea unas decenas de metros.de la que en la actualidad apenas queda rastro.

El pino de Wyoming que permanece anclado a una roca de granito permanece vallado por una verja de madera, que se nutre de los restos orgánicos que apenas captura del subsuelo. Habiendose convertido su presencia en una reliquia del pasado, y en un atractivo turístico donde en peregrinación se acercan miles viajeros que pillándole de paso, se fotografían a los pies de su copa llevándose una instantánea como souvenir.



Prism Design - Infinity bamboo forest


Protegidos por lunas de vidrio, cientos de diodos LED, se distribuyen ambos lados de un pasillo que el visitante recorre en silencio y rodeado por una atmósfera que se caracteriza por los tonos oscuros.

Las parcelas que se dividen siguiendo un patrón cuadricular representan un bosque de bambú de los que se pueden encontrar en los alrededores de Daiwa House en la localidad china de Wuxi. Donde de forma permanente se exhibe la instalación de efecto masivo Infinity bamboo forest (bosque infinito de bambú).

Creada por el estudio de diseño Prism Design. Estéticamente te evoca pasajes que parecen extraídos de la ciencia ficción, donde la tecnología se yuxtapone a contexto natural transformándolo en un paisaje donde lo digital modifica la identidad orgánica de sus elementos así como sus procesos de expresión.

Donde las vainas de bambú y sus tonalidades son sustituidas por un paisaje artificial caracterizado por la racionabilidad de sus formas y efectos reflectantes. La disposición de cada tubo Infinity bamboo forest crea la sensación de infinito abarcando la totalidad del espacio, reflexionando sobre los efectos de la era digital y su colonización del entorno natural.   




OVA studio - Hive-Inn


El construir utilizando como elemento básico contenedores presenta diferentes ventajas, de las que NQ ya hemos descrito varias. Flexibilidad, desplazamiento, modularidad, rapidez, economía se pueden considerar algunas de ellas.

Con el ultimo proyecto presentado por el estudio de arquitectura OVA studio, vamos a mostrar otras mas que se suma  a las ya citadas. El aliciente de la propuesta de Hive-Inn, reside en su capacidad para poder trasladar y anidar el contenedor en múltiples sitios, dependiendo de las necesidades del cliente.

Los módulos que componen Hive-Inn, se organizan a partir de una estructura o colmena. Donde se pueden alojar los contenedores intercambiando su posición en la columna, pudiéndolo migrar a otro destino de forma que permite trasladar la residencia estructuralmente.

Orientado en principio a la actividad comercial siendo una solución para el sector de oficinas. Hive-Inn se vertebra a partir de un andamiaje en vertical, al que se añade serviciós como ascensor, accesos, zonas comunes creando una estructura viva y cambiante.

Motoko Ishii - The Last Flowers, representa gráficamente una canción de Radiohead


La música es un lenguaje que al contrario que los idiomas articulados por fonemas y signos. Presenta una estructura gramatical que no exige un aprendizaje previo, siendo un medio de comunicación intuitivo que usa como materia prima el sonido.

The Last Flowers es una cancion cuya autoria esta firmada por el grupo de pop ingles Radiohead, siendo un tema que ha servido como inspiración al estudiante de diseño Motoko Ishii. 

Para crear su particular versión gráfica, en la que ha utilizado la cinta de viejos cassettes como material creativo. A partir del que representar visualmente y  simbólicamente  las estrofas y estribillos que articulan la canción de una de las bandas más iconicas del Brit Pop de la década de los 90's del Siglo pasado.


La instalación que forma parte del proyecto Visual Music. Proyecto singular gestionado por la profesora Olga Mezhibovskaya, que habitualmente imparte sus clases en la Escuela de Arte Visuales de New York. 


La propuesta dual The Last Flover mezcla la tipografía y el reciclaje. Suponiendo una invitación a partir del que sus participantes exploran las posibilidades de representar graficamente diferentes fuentes de sonido y frecuencias. Obteniendo resultados cuando menos sorprendentes,


En este contexto una pared en blanco se convierte en el pentágrama neutro sobre el Motoko transcribe visualmente el texto de The Last Project. Cuyo contenido se vuelve liquido transformando esa pared en un lienzo cuya representacion es la traducción visual de una partitura. 

Esta forma de abordar el diálogo entre diferentes ámbitos creativos, enriquece su significado tanto conceptualmente como estéticamente y narrativamente. Un auricular colgado en un rincón ofrece la posibilidad de escuchar la melodía completando la experiencia.



Bob Burnquist inaugurates Lake Tahoe skate park in California

 


Located in the center of Lake Tahoe, the largest accumulation of fresh water in the Sierra Nevada, in the eastern part of the state of California. It is the ideal place for the practice of numerous aquatic sports, activity that supposes the main economic activity in the zone.


A huge skate park is kept floating on its waters. While the professional skateboarding Bob Burnquist, slides covering the ten meters of distance that there is between the means, and that swings slightly to each tracing, that sometimes ends up directly sinking in the bottom of the lake.


Skatehouse Skatepark is an innovator with a newly built skate bowl. With a quality of craftsmanship second to none. The basin is constructed in a way that makes it fun for beginners, while being large enough for more experienced veterans to find unique layouts.


Because of the materials and characteristics of the water track, Bob was called in who presents an ideal profile for this type of track, as Burnquist's specialty is changing stances on the skateboard. Trying to find new ways to make his tricks always more creative. 


A WORLD CHAMPION SKATEBOARDING ON THE LAKE

Known for having collaborated in the development of video games of this as Tony Hawk's Pro Skater, participating in all deliveries of the famous saga except Pro Skater 3. This was because of problems with the rights of the license appearing as a guest star in another video game dedicated to urban sports called, X-Games Skateboarding.


A unique experience due to the fact that it is surrounded by water which allows for a splash, recently also added a skate store that offers everything any skateboarder could need. From the newest professional skateboarding models to skateboarding gear and clothing, the shop offers everything you need.


READ IT IN SPANISH: Bob Burnquist estrena la pista de Skate del lago Tahoe en California  

Designed by the tandem of local designers, the rink took about ten days to set up. It is part of the tourism campaign called Dream Big California which aims to promote alternative tourist destinations.

NEXT Architects - The Elastic Perspective, un puente inspirado en la banda de Möbius



En NQ nos hemos hecho eco de varios proyectos presentados por el estudio de arquitectura con sede en Amsterdam Next Project, de los cuales podéis ver una muestra aquí y aquí. 

Quizás este gusto por su trabajo este relacionado con su aplicación de un enfoque osado y poco ortodoxo del diseño arquitectonico. Ya que son proyectos que independientemente de su funcionalidad, demuestran que la arquitectura también posee un componente estético y cultural.

Su ultimo proyecto es un mirador en forma de tirabuzón cuyo propósito es ofrecer diferentes perspectivas de un mismo paisaje. The Elastic Perspective que esta situado en la cima de un montículo ofrece al usuario la posibilidad de contrastar diferentes puntos de vista sobre el paraje que se expone ante sus ojos.

La estructura de acero oxidado en bucle, se ubica en el interior de un recinto industrial, cerca de las vías del ferrocarril. En la que destaca una ladera cubierta de hierba en las afueras de Rotterdam. 

Su sinuosa forma inspirada en la figura del iconico matemático Möbius y su famosa banda continúa que parece casi ser interminable. Trazado casi mágico visualmente qu en cambio nos ofrece en su punto más alto, una vista sin obstáculos del horizonte de la ciudad en la distancia y cuyo diseño ya empleo de forma mas evidente en River and Meixi Lake proyecto del que dista apenas un año.

El diseño consiste en una escalera circular que conduce al visitante hasta una altura que permite obtener una panorámica de la práctica totalidad de la ciudad. El recorrido hace un movimiento continuo y por lo tanto se basa en el contexto y de su entorno. Obteniendo una respuesta visual diferente de un mismo punto dependiendo de la posición donde te sitúes.

Swoon - Submerged Motherlands


Existen antecedentes en el registro fósil de como a lo largo de la historia de la humanidad, se han producido variaciones en el clima. Cuyos efectos sobre el planeta tierra y sus pobladores suposo su modificación su ecológica en relación a su flora y fauna. 

Inspirados en las consecuencias producidas por diferentes de estos episodios climáticos, la artista urbano Swoon con sede en New York. Ha reproducido uno de estos posibles escenarios post apolipticos, en los que utilizando materiales residuales recogidos de las calles.

Ha reconstruido un paisaje en el que lo orgánico se muestra en estado de esterilidad, parasitado por toneladas de basuras y escombros que muestra su particular visión de un paraje presidido por la desolación.

La exhibición titulada Submerged Motherlands que actualmente se puede visitar en el Brooklin Museum. Se compone de un conjunto escultórico que en tono alegórico, esta presidido por un esqueleto que carece de sombra, con la que proteger de los rayos del solo al poblado de chabolas que yace a sus pies.


Solar Sinter, desierto, energía solar y cerámica impresa en 3D


Sol, arena e impresoras 3D. En principio este conjunto de tres términos no parece que tengan mucha relación entre si. Pero un estudiante llamado Markus Kayser de diseño en su ultimo año y como proyecto de fin de carrera.

Se traslado en un viaje a las áridas dunas del desierto del Sahara en el área que afecta Egipto, para desarrollar un proyecto que conjugara estos tres términos con el objetivo de que cristalizara en un prototipo flexible y  autosuficiente. Que a partir de la energía del sol pudiera imprimir vasijas y productos cerámicos utilizando como materia, la arena del desierto por otra parte tan abundante.

Todos estos acontecimientos que sucedían en 2.011, se convirtieron en un fenómeno mediatico que sobrepasaron todas las expectativas, pero que sin embargo con el paso del tiempo languidecio quedando en el olvido. Hasta recientemente que el propio Markus que ha dado a conocer lo que sera el modelo cero que se comercializara a lo largo del año que viene, y que tendrá como principal mercado los asentamientos nómadas del norte de África.

Bautizado con el nombre de Solar Sinter en esta versión definitiva Markus respetando las características de aquel primer prototipo. Ha incorporado algunas mejoras en la tecnología que mejoran su funcionamiento, consiguiendo optimizar sus funcionamiento y rendimiento en un entorno cuyas altas temperaturas suponen un handicap que provoca el deterioro de cualquier aparato electrónico. 

Cocebida como una estación de trabajo modular y de fácil transporte, Solar Sinter pretende ser un sustituto de la alfarería tradicional, usada hasta ahora para cubrir las necesidades domesticas. Convirtiéndolo en una actividad comercial con las que crear puestos de trabajo entre las comunidades de beduino que en columnas se desplazan en busca de la extracción de sal, actividad que debido a la demanda  se ha reducido de manera importante.


Jennifer Llett - Hello / Goodbye

Aunque la ilustradora con sede en la ciudad canadiense de Toronto Jennifer Llett. Carece de experiencia alguna en el ámbito del arte urbano. Para su primera experiencia ha aplicado su conocimiento en el campo, consiguiendo unos resultados prometedores.

Utilizando herramientas digitales para su diseño, el díptico  Hello / Goodbye es una intervención urbana en la que ha empleado como materia prima, el musgo que ha sido suministrado por el colectivo Sprout Guerrila. La intervención que pretende reflexionar sobre las posibilidades de creación artística, que representa la tecnología y los materiales orgánicos.

Utiliza como representación simbólica su propia imagen como caricatura. Fijada a la pared las lineas onduladas perfilan el símbolo de la paz, completada con un enunciado donde en una parte del plano aparece con los ojos abiertos saludando de forma afables, despidiendo en la continuación de la composición donde ella se despide cerrando los parados.


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