Nomada Q

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Las ilustraciones de Thomas Pitilli construyen un relato en el que se nos ofrece una interpretación visual, que es el resultado de combinar diferentes atmósferas y estados animo.

Pero siempre aplicando un transfondo y contexto dominado fundamentalmente por elementos relacionados con una narrativa urbana. Es esa representación híbrida que apuesta por una parte.

Por aspectos más lúdicos y casuales, y en un segundo término por introducir motivos con los que crea una ambientación por momentos tetrica, a traves de sustituir las facciones de los rostros de los retratados por semblantes calavericos.

Cuya presencia aparte de intimidar al observador, recuerdan a las tradicionales "catrinas" con las que se cubren la cara durante la celebración del Día de los Muertos en Mexico.

Thomas que tiene su estudio en Brooklyn, proyecta una visión retro y algo surrealista de la realidad. Él aplica su punto de vista a las ilustraciones en las que pese a que están hechas a mano alzada, añada técnicas multimedia.

Pitilli combina bocetos dibujados a mano, grabados y collage con aplicaciones de Photoshop. El resultado es a la vez un tanto experimental como desconcertante e intrigante, en la que observan influencia de la cultura de super-heroes.

Ámbito en el que ha trabajado colaborando en la realización de volúmenes como Ciudad de Gotham para Cómics DC. Esto quizás sea debido al uso frecuente de una paleta de colores cálidos y líneas simples, que dan a su trabajo un toque cómico.

Su trabajo ha aparecido en publicaciones, incluyendo New York Times, Wall Street Journal, Entertainment Weekly, Playboy, Washington Post, Variedad o Hollywood Reporter. Últimamente está inmerso en un proyecto donde realiza un análisis de corte etno-antropologico donde esboza a través de un trazo firme algunas de las características menos tópicas, pero relevantes de la cultura americana.

Expuesta en la iglesia de la localidad croata con la que se ha bautizado la ultima instalacción del colectivo de creatividad urbana Numen/For Use. Está se muestra suspendida a media altura con lo que consigue abarcar todo el espacio.

En este contexto Tuft Pula logra su principal objetivo, que consiste en capturar la atención del visitante desde lejos, sin grandes artificios transmitiendo calidez y asombro a partes iguales. Por lo que cuando acaba penetrando en su interior y permaneces abrigado por las paredes revestidas de fieltro rojo.

Experimentas la sensación de formar parte de un organismo vivo que te envuelve. Fabricada a partir de un armazón en forma de altavoz forrado con cinta adhesiva, representa una evolución del concepto biológico que se retroalimenta con las emociones de sus visitantes.

Conceptualmente las caracteristicas tanto narrativas como esteticas de esta propuesta inmersiva, obedecen a la elección explicitas del lugar en el que actua. Una iglesia de Pula simbolizando el misticismo de reconocer el simbolimo de nuestra espiritualidad uterina.

Aunque en principio se monto en una vieja nave de una fabrica, de las muchas que quedaron abandonadas tras las sucesivas crisis que azotaron los balcanes. Coincidendo con el derrumbe de la era sovietica, Por lo que también se puede interpretar como un ejercicio que evoca a la memoria reciente de la comunidad.

Tuft Pula refleja la tensión entre lo sensorial y deseado y un relato que viene del pasado y que se acaba revelando a través de mecanismos insconscientes, que afloran en el instante que en el que las sensaciones que se experimentan alternan de forma simultánea la ansiedad y emoción además del aislamiento acústico que el espectro de nuestra huella heredada nos muestra el camino hacia la luz que se emite desde el interior de cada un@ de nosotr@s.

Presentada como un modelo de alto standing equiparable a los deportivos de alta gama comercializado por el constructor Ferrari, la Street Racer del fabricante EH Line, al menos en cuanto a su precio de venta que órbita entre los 6,990 Euros para el mercado europeo y 9,250 dolares que les costaría alguien que la compre en los Estados Unidos, si cumple este requisito. Aparte de este dato anecdótico que puede disuadir a una mayoría de potenciales compradores, la joya de la corona de EH Line, es una maravilla del diseño.

Con un cuadro fabricado en aluminio reforzado realizado con diferentes motivos siguiendo tecnicas artesanales, tan solo pesa 16 kilos9. Su motor eléctrico cuenta con una potencia 250 W. con lo que se alcanza velocidades de hasta 45 km / h (28 mph), impulsada por una batería BionX con capacidad de detección de potencia - la retroalimentación BionX utiliza para hacer su pedal eléctrico con tecnologías para asistir en los terrenos de difícil trazado o pendientes muy pronunciadas, en consecuencia puede recargar la batería cuando se va cuesta abajo y, al mismo tiempo, ofrecer una nueva forma de entrenamiento.

Una de las funciones del arte consiste en tratar de explicar, a que motivaciones obedecen las reacciones del comportamiento de los seres humanos. El artista alemán Ralf Edelmann estaba en su talle, cuando en 2.009 se produjo la masacre en una institución educativa, en la que un individuo asesino a 16 adolescentes produciendo numerosas victimas. Este lamentable suceso produjo tal impacto en Ralf, que decidió que tenia que crear una obra, para metabolizar la contrariedad que le había produjo, tan macabro e irracional acto.

Cada una de sus armas está hecha de una variedad de materiales reciclados, tales como piezas de madera desechados, partes de muebles, bastones, suelos de PVC, papeles pintados, baldosas de cerámica, marcos antiguos y piezas de cajas de vino. Con los que ha realizado reproduciones, principalmente pistolas automáticas, a las que añadido diferentes emblemas inscritos en las culatas, que se le iba ocurriendo mientras las finalizaba y que hacia referencia aquellos acontecimientos.

En la extensa trayectoria tanto como artista formal como graffitero y artista urbano el enigmatico Sr.X, refleja en sus intervenciones influencias que van desde la Cultura Pop, el cine clásico o la publicidad.

Ingrediente que mezcla en su particular coctelera, sabores que tras agitarlos, utiliza para describir desde adoptando una posición activista asi critica socialmente y comprometida con su entorno politico-social.

Aquella facetas de la realidad con la convive, tanto las mas cotidianas e intimistas, como aquellos eventos y episodios que se circunscriben a la esfera pública. Pero siempre construyendo un relato en el que se percibe su particular sentido del humor e ironia.

Aunque es natural de la ciudad de la ciudad de Huelva en España, en la actualidad reside en Gijon. Ciudad situada en el otro extremo de la Península Iberica, y en la que ha realizado la mayoría de su obra.

Aunque la técnica que emplea habitualmente es el stencil, con el tiempo ha incorporado soluciones mixtas en unas propuestas que que nutren de las historias que son producto de lo que sucede a su alrededor.

Una de las características por las que destaca y se pueden identificar sus actuaciones, es por la capacidad (no carente de ingenio) que muestra a la hora de abordar los elementos del mobiliario que articulan la convivencia en el espacio publico.

Como un activo de alto rendimiento no solamente desde un plano creativo, sino que el lo integra como matiz narrativo en sus propuestas urbanas. Creando un lenguaje mixto donde la naturaleza del entorno donde interviene completa la obra.

Cabe destacar las actuaciones que forman parte de su etapa londinense. Intervenciones como It's the New, it's here en el distrito de Croydon, la titulada The burn them all, Bob, realizada en el multicultural Soho, o la persuasiva Elighment con la que cubrió casi en su totalidad un muro del distrito de Manur House. Trabajos en los que se perciben ya la versatilidad y habilidad para crear mensajes inmediatos en blanco negro, tanto en lo visual como en lo conceptual.

JUMP INTO THE FUTURE:

In 2021 it forms part of the volume entitled Sprayexhibition20. An editorial project published by the London-based Penge & Anerley, a book that brings together over four hundred works by more than one hundred urban artists. Having turned the gallery into a centre of Street Art in London since they started their project in 2016. You can buy the book HERE.

ALSO IN SPANISH:

En 2021 forma parte del volumen titulado Sprayexhibition20. Proyecto editorial publicado por la galería en el espacio publico con sede en Londres Penge & Anerley, libro que recoge más de cuatrocientas pertenecientes a más de cien de autores urbanos. Habiendo convertido la galeria en un centro de Street Art en Londres desde que iniciaron su proyecto en 2016. El libro lo podéis adquirir desde AQUI.

Entre las variadas soluciones solares en el ámbito domestico, que posee el ultimo catalogo de XD Design para esta temporada, hemos seleccionado Solar Suntree, se trata de un producto que aparte de suministrar energía de origen renovable, para eso pequeños gadgets que tenemos siempre enchufados por la casa, consumiendo energía, posee un efecto elegante que lo convierte en un objeto que decorara por si solo cualquier espacio. Su estructura fabricada en bambú, se apoya en una peana de nácar blanco, donde están integradas las diferentes conexiones de recarga para pequeños electrodomésticos.

Su copa formada por nueve ramas, se completan con otras tantas placas solares, con batería de 1400mAh de litio recargable en el interior y en la salida de la 5V/max. 600mA. Galardonado en la ultima edición Good Design Awards, cuenta con entradas USB y miniUSB, con múltiples adaptadores y una matriz de fácil utilización que indica en nivel de carga de batería. Si estais interesados en hacerse con el, podeis adquirirlo aqui.

Wolfpack Hustle es un colectivo creado en Los Ángeles, cuyo objetivo es fomentar el uso de la bicicleta entre la población. Con ese propósito organizan concentraciones periódicas en diferentes ciudades de los Estados Unidos coincidiendo con la prueba de maraton que se celebra poco despues. Se tratan de carreras nocturnas en las que llegan a participar cientos de personas y que cada vez tienen mas seguidores, que utilizan el trazado del circuito por el que correrán los maratonianos sin contar en la mayoría de las ocasiones con el permiso de los organizadores. En la reunión celebrada con motivo de la RACING THE END Marathon Crash Race 2011, el director de cine Warren Kommers, filmo un documental, grabado en blanco y negro, las imagenes de la competición se alternan con las declaraciones de los responsables de la carrera explicando las motivaciones del proyecto.

Reproducir los rostros de los miembros de la saga mas famosa de la televisión Los Simpsons, en una vidriera de una catedral, "esculpir" un friso del partenon en un contenedor de basura o imprimir el dibujo de jeroglífico egipcio en un neumático reciclado. Son tres de los ejemplos de los ingenios de los muchos con los que cuentan los artistas rusos Andrey Blokhin and Georgiy (Egor) Kuznetsov en su porfolio. Fundadores del colectivo Recycle Group, con sede en Moscu, su concepción mezcla el arte clásico con tecnicas de reciclaje, para expresar la realidad que les ha tocado vivir, que no difiere en exceso de lo que vivieron generaciones precedentes.

Las obras de Recycle parten del conflicto de lo clásico o lo contemporáneo, para escenificar las contradiciones y carencias de la cultura occidental, y como a pese a vivir en plena era digital y sus "excesos" de información, vivimos inmersos en la confusión mas absoluta. Andrey Blokhin (nacido en 1987) y Georgy Kuznetsov (n. 1985), son graduados de la Universidad de Krasnodar. Han expuesto sus trabajos en Rusia e internacionalmente. En 2010 fueron galardonados con el Premio Kandinsky. Entre otros han participado en la 54 ª Bienal de Venecia con su proyecto "Glasstress" (2011).

El Trabajo fotográfico de Scott Hazard con sede en Raleigh, Carolina del Norte, incorpora extracciones a partir de los paisajes urbanos y rurales, que consisten en capas de las imágenes cuidadosamente arrancados para definir "vacíos" escultóricos. Su obra temporalmente suprime o altera el marco existente del espectador de referencia para proporcionar una oportunidad para una presencia distinta de la mente. Su visión de la naturaleza se ve atenuado por una sensibilidad poética y un cuestionamiento constante de las construcciones mentales que definen nuestra forma de ver y relacionarse con el mundo. Graduado Master of Fine Arts por la University of Florida, su licenciatura en arquitectura del paisaje, le formo para emprender una carrera como diseñador que complementa con su trabajo como artista.

El ultimo proyecto del arquitecto visionario Michael Jantzen, es una variación de otro diseño similar llamado Eco-Wine Pavilion. En este caso se trataba de un edificio destinado albergar actividades que fomentaran la cultura del vino.

En el que presenta ahora la actividad vinícola y la conservación de los caldos se obtendria mediante la energía obtenida de fuentes renovables. Pero en este caso la bodega obtendría sus recursos energéticos de paneles fotovoltaicos, instalados en la cubierta del edificio.

Bautizado como Solar Vineyard Winery, presenta similares características que otros proyectos del mismo autor, un diseño audaz combinado con la autonomía energética que proporcionan las tecnologías verdes.

Además para este proyecto Michael, ha desarrollado un sistema de recogida de aguas pluviales, que tras su tratamiento y purificación, se canaliza por una red de riego automatizada que cubre la finca de viñedos, realizando un seguimiento de su estado. Diseñado para explorar las potencialidades de una bodega grande, pero también funcionan como una planta solar generación de energía eléctrica.

La mayoría de la parte útil de Solar Vineyard Winery se sitúa debajo de la estructura principal, que hace referencia a las colinas de los alrededores de la región vinícola en la que se encuentra la estructura.

La parte de encima del suelo de la bodega se utiliza para la parte comercial del negocio, que incluye degustación de vinos y de ventas, una tienda, una cafetería y salas de descanso. La estructura está formada a partir de un conjunto de componentes prefabricados de vidrio y acero.

Una serie de arcos de acero y soportes horizontales están revestidos con paneles de vidrio, algunos de los cuales pueden ser abiertos y cerrados automáticamente con el fin de controlar la ventilación natural en todo el espacio interior.

Las grandes ventanas de vidrio incrustado en el lado sur de la estructura proporcionan sombra en el interior en los meses de verano, proporcionando calefacción solar pasiva en invierno. La ventilación natural se utiliza en la bodega como modelo bioclimático, junto con un extenso sistema de tuberías subterráneas que enfría el aire que circula en su interior.

A estas alturas en casi cualquier ámbito creativo se hace poco verosímil que alguien o algo como por ejemplo en un futuro más o menos una inteligencia artificial más conocida por su abreviatura AI, pueda o tenga la capacidad de crear una corriente, género o estilo dentro de una disciplina artistica.

Que por fundamentos o cualidades que se puedan valorar como singulares o cuando identificables como algo que tanto en términos estéticos como conceptuales, se puedan describir bajo los parámetros de una óptica que realmente se perciba como una propuesta. Que no sea ya solo por su significado y transcencia inmediata.

Sino que su práctica a lo largo de un plazo de tiempo en términos cronológicos cuando menos razonablemente evaluable, pueda inducir que es constituvo de contener suficiente materia a partir de la que trabajar. Más allá de la novedad esa que en la mayoría de las ocasiones, no deja de ser un elogio del ingenio más o menos resultó sino directamente pretencioso.

Los ingredientes para que la supuesta novedad no sean simplemente unas ascuas de un fuego fatuo, que no pasa de un entusiasmo más o menos generalizado mostrado por un publico. Que en el fondo está únicamente deseoso de mostrar su capacidad ante cualquier manifestación de nuevo cuño, que le provoque cierta capacidad de asombro.

LA LUZ COMO LENGUAJE CORPORAL

Algo que no nos engañemos en estos tiempos volatiles, donde cada día sino cada hora se presenta una herramienta o aplicación que te proporcióna una infinidad de recursos, a partir de los que un creador se puede plantear seriamente como el precursor o germen. De lo que el ha pontificado por activa y pasiva que reúne los ingredientes de lo que es una nueva y revolucionaria corriente.

Que finalmente se afianzara en el ya amplio universo de la dilatada historia del arte y sus múltiples secuelas y versiones. Como un totem o un hito que trascendera lo puramente iniciatico, pasando a fijarse en la retina de los críticos que les proporcione a esa supuesta nueva práctica que le otorgue el mérito o escalafón de tener un apéndice dentro del panteón del mundo del arte.

Janne Parviainen, también conocido como JANNEPAINT, es un artista con sede en Helsinki en Islandia, con una trayectoria de quince años paracticando light painting. Que se podría englobar como perteneciente al grupo de los aspiran a crear una nomenclatura con su correspondiente etiqueta.

Al igual que muchos de los fotógrafos que se han ido sumando al movimiento light painting, su descubrimiento del medio fue un accidente. A principios de 2007, Janne estuvo toda la noche capturando fotografías de larga exposición y accidentalmente golpeó su cámara, cuando miró la fotografía las luces de la calle había dejado manchas que habían transformado su fotografía. A partir de ese momento Janne fue un light Painting.

Uno de los retos para las grandes ciudades es recuperar territorio en el espacio publico para los peatones, en una ciudad como Los Angeles en los Estados Unidos, donde las largas distancias son generalizadas, y razón con la que se argumenta, la falta de políticas que fomenten medios alternativos de movilidad, siendo uno de los núcleos urbanos con mayor densidad de trafico de la nación. Iniciativas urbanísticas como la que ha tenido por objeto una de las arterias mas importantes de la ciudad, como es Sunset Boulevard, donde con un presupuesto muy ajustado, se ha conseguido peatonalizar una superficie de 11.000 metros cuadrados.

Diseñado por el estudio Rios Clementi Hale Studios, el proyecto para peatonalizar la calzada de Sunset Triangle Plaza, comprendían tres actuaciones orientadas a facilitar la movilidad, dinamizar la actividad social y económica de la zona y transformar el paisaje urbano. Sin realizar traumáticas intervenciones, el ardiente alquitrán por la que circulaban miles de coches diario, se vistió de un traje de lunares color lima limón, sobre un fondo pistacho, confeccionado con pintura asfáltica de alta densidad, delimitado por jardineras que impide el acceso de vehículo.

Los aficionados a la bicicleta contara con la zona mas extensa de la ciudad, destinada exclusivamente para su uso, disponiéndose aparca bicis, con lo que facilitar su movilidad y estacionamiento. Ante la escasez de vegetación debido a las caracterices de la actividad hostelera, se ha optado por instalar grandes sombrillas, en las que resguardarse de las altas temperaturas mientras se consume en uno de los muchos establecimientos que existen a lo largo de la vía.

El mercado del agricultor que se celebra dos veces por semana continúa funcionando sin interrupciones, ampliando su superficie útil. Sunset Triangle Plaza es el primero de lo que se espera que sean muchas las zonas peatonales creadas en Los Ángeles. La iniciativa Streets For People trabaja para recuperar de forma rápida y poco costosa espacio para el peatón, involucrando a los residentes y negocios locales en el diseño y mantenimiento de estos espacios. En lugar de gastar millones de dólares la construcción de nuevos parques, esta iniciativa espera transformar los espacios con pocos recursos.

Por las calles puedes ver a poco que repares entre la gente, hombres anuncio, personas que se difrazan cada día con un uniforme para representar un rol, para expresar un deseo o simplemente para mostrar un estado de animo. Nacho Ormaechea, diseñador gráfico y director de arte español afincado en París, nos muestra en su serie Le Carnet Noir, la cacofonía de imagenes en la estamos envueltos. Compartimos nuestro espacio con millones y millones de personas que son diferentes que nosotros. Nos imaginamos un mundo más allá del lenguaje, cuando tomamos una foto de alguien que no conocemos. Nacho cuenta con una amplia formación que comenzó en la Universidad del País Vasco, donde estudió Diseño Gráfico y continuó en importantes escuelas como Parsons, FIT – Fashion Institute of Technology y École Estienne de París.