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Los proyectos de construcción con contenedores, cada vez son mas sofisticados. Debido a las especificaciones la edificación en modular, todo son ventajas a la hora de encontrar soluciones arquitectónicas. Zigloo Domestique, es una vivienda unifamiliar por el estudio canadiense en arquitectura modular Zigloo. Construida en una parcela de 70 acres, la vivienda cuenta con dos alturas mas sótano con una superficie total de 180 metros cuadrados.

Construida con 8 contenedores de transporte, la vivienda con tres dormitorios, 2 baños situada en las afueras de la localidad de Victoria en Canadá. En el sótano hay una sala grande espaciosa indicada para hospedar a los invitados además un baño y un lavadero. La planta baja incluye una cocina americana y comedor, y el piso de arriba contiene el dormitorio principal, otro baño y un dormitorio juvenil.

Además de la parcela exterior, la vivienda cuenta cuenta con un porche que da acceso al interior, y una terraza en la planta superior. Diseñado con sistemas de eficiencia energética, la casa hace uso de los contenedores de transporte reciclados forrados de espuma para facilita su aislamiento térmico, cuenta un techo verde, y numerosos materiales reciclados. Numerosas cubiertas amplían el espacio vital de la casa en el aire libre, y la ventilación natural pasiva se utiliza para la refrigeración en los meses de verano.

Funciones personalizadas de diseño incluyen techos abovedados, escaleras, chimenea dormitorio principal, electrodomésticos de acero inoxidable. El concepto es colocar contenedores de embarque en un en un entorno urbano con un plan eficiente racional. Se da prioridad a la simplificación del espacio interior, mientras que afinar el enfoque de diseño para crear una nueva estética. La armonización de los estilos residenciales e industriales para crear un espacio de vida coherente.

Utilizando metacrilato espejo (o cristal acrílico), el escultor escoces Rob Mulholland, refleja los bosques de su país natal, creando una ilusión óptica cuya narrativa amplia los horizontes del paisaje.

Incorporando figuras a escala humana que se camuflan con los elementos propios de su entorno, haciendo que sin embargo, su presencia sea apenas perceptible. Por lo que se las ha denominado con el apelativo "del efecto depredador".

Comparación que hace alusión a la película con el mismo titulo, filmada en 1.987, y en la que una forma de vida alienigena, se mimetiza con su entorno, logrando eludir a sus perseguidores. La obra de Mulholland se puede visitar en los bosques alrededor de Alloa, Loch Ard y el David Marshall Lodge en Escocia.

Inspirado por muchas de las criaturas las cuales les transmitía una belleza intrínseca, comencé a percibirlos como piezas que podían formar de un proyecto creativo. En el cual el temor que nos suele poner en alerta cuando nos acercamos a la naturaleza, lo percibieramos como algo fragil, amable y que por tanto que hay que cuidar.

Las figuras masculinas y femeninas representan un vestigio, un leve rastro de las personas y comunidades del pasado que una vez ocuparon y vivieron en este espacio. Las figuras absorben su entorno, reflejando en su superficie los cambios diarios de la vida en el bosque.

Rob Mulholland es un escultor y artista de Land Art afincado en el Reino Unido. Su obra explora la intrincada relación entre los seres humanos y el mundo natural. A través de una variedad de formas y materiales, sus esculturas interactúan con su entorno, invitando al espectador a cuestionar su conexión individual con el medio ambiente.

El próximo proyecto de Rob Mulholland y su pareja, Susan consiste en crear las bases para poner en funcionamiento un centro de formativo destinado a la escultura y el Land Art. Su objetivo es ofrecer residencias financiadas para artistas de diferentes ambitos. A través de las que se fomente la creatividad y el rendimiento expresivo del paisaje natural.

El street art Clemens Behr, del que ya hemos hablado en una ocasión y el artista plástico Romain Froquet, realizaron a principios de febrero de este año, una instalación que tuvo como escenario París. En la propuesta combinan la escultura estilo papiroplexia, marca de la casa de Berh, con la pintura de corte étnico de Froquet. El resultado es una especie de quetzal urbana, que despliega sus alas ocupando el espacio del hangar donde la crearon, a partir de materiales como, cartón, madera, hilo y pintura, logrando un efecto tridimensional en el tan característico en la obra de Behr.

Realizado con varillas de paraguas y botellas de plástico que permitia su flotación, la estructura de la instalación Harvest Dome 2.0.. Creada por el matrimonio de arquitectos Alex Levi y Amanda Schachter, fundadores del estudio con sede en New York, SLO ARCHITECTURE.

Tiene como objetivo denunciar los vertidos incontrolados sobre el rió del Bronx. Situacion cronica, cuyos efectos convierten su cauce en uno de los que presentan mayor contaminación de la ciudad.

Como consecuencia del intenso viento que soplaba cuando se llevo a cabo la experiencia (en octubre), la frágil cúpula geodesica perdió la estabilidad. Yendo a la deriva, hasta estamparse contra uno de los numerosos islotes diseminados a lo largo de su recorrido.

Tan convencidos estan de la viabilidad del experimento, que han diseñado otro dome, con el que retomar la experiencia y finalizar el itinerario propuesto. Con esta idea en mente han abierto el proyecto a todo aquel que quiera participar en su elaboración desde aqui.

Ya en 2011 Amanda Schachter y Levi Alexander recibieron el premio Richard L. Blinder por su proyecto de arquitectura activista y sostenible. Que propone la reubicación, rehabilitación y reutilización adaptativa de una estación de tren abandonada con cien años de antigüedad.

Actualmente fuera de los límites de la ciudad y en ruinas a lo largo de la parte baja del Bronx River. En la lista de edificios en peligro de extinción comisión de preservación de monumentos de la ciudad de Nueva York.

Westchester Avenue es una de las trece estaciónes diseñados entre 1908 y 1916 por el famoso arquitecto Cass Gilbert. Hoy en día, sólo quedan cuatro, todas en desuso y en estado de abandono.

Teniendo este análisis como principio presentarlo un plan para reformar una de estas estaciónes. Planteando un marco estructural con el que recuperar la funcionalidad de las instalaciones, de la estación como un nodo cultural vital dentro de la red del Bronx River.

Las ilustraciones del australiano Adam Oehlers, con sede en la ciudad de Norwich en el Reino Unido, se empiezan a conjugar en los primeros estadios del sueño, en la fase de duermevela. Cuando la consciencia esta a punto de desconectar de la realidad de una intensa jornada de experiencias.

Así como el cableado que forman los circuitos neuronales se están sumergiendo en una mar de recuerdos y vivencias, los cuales se simbolizan en fantasías irreales y deseos en muchos casos inconfesables. Ultimamente esta embarcado en la pre-producción de la película de animación Dear little Emmie, en la que la protagonista principal es una niña, que se traslada al mundo de los sueños llevada en los brazos de Morfeo, y que esta basada en un cuento del mismo autor.

Y es que el universo onírico esta muy presente en la obra de Adam, tanto en su faceta como ilustrador, como en la de escultor. Entre sus influencias se encuentran escritores con Neil Gaiman, Edgar Allan Poe, Arthur C. Clark o Richard Adams, entre otros. Aunque el cita en su biografia al ilustrador inglés del siglo XIX Arthur Rachman Adscrito al movimiento Victoriano y a Edward Gorey, autor americano que tuvo cierta notoriedad a comienzos del siglo pasado.

Influencias con las que seduce al espectador para que se transporte de nuevo a cuando era un niño. Para que recurra a su memoria y se acuerde de los cuentos que le contaban en su hogar al calor de la familia. Siendo historias gráficas cuya acción transcurren a menudo en entornos doméstico y por lo tanto reconocibles para una mayoría de nosotros.

Las ilustraciones de Adam Oehlers son relatos realizados casi de forma artesanal y con un enfoque mitológico en el que se esfuerza por establecer un diálogo complice con el espectador.

En los que les gusta poner a gente normal en una situación extraordinaria, sacándola por un momento de su zona de confort, y dándole la oportunidad de experimentar una situación desconocida para esa persona. Las historias también y en otro sentido poseen su lado más oscuro y sombrío, pero son los pequeños elementos de esperanza dentro de esas historias los que capturan la imaginación.

Las células solares planas que normalmente vemos salpicando los tejados y en las instalaciones fotovoltaicas, en realidad sólo funciona con una eficiencia óptima durante parte del día, cuando están mirando directamente al sol. Al menos que estén montados en sistemas de seguimiento motorizados, que por supuesto engullen parte de la energía que las células están produciendo. La compañía japonesa Kyosemi ha desarrollado un revolucionaria placa esférica de micro celdas solar que es capaz de capturar la luz solar desde todas direcciones. Llamado el Sphelar®, la célula evita el tradicional diseño plano fotovoltaica basado en sustratos y opta por una forma mucho más eficiente.

Su nuevo e innovador Sphelar® es una matriz de pequeñas celdas solares, esféricas que están diseñados para absorber la luz solar desde cualquier ángulo. Esto significa no sólo la producción de energía más eficiente, además menos energía destinada a la motorización de los sistemas de doble eje de las células solares. El diseño y la geometría de las células Sphelar se traduce en el aprovechamiento de la luz reflejada y la indirecta, la conversión de energía se acerca al 20% de eficiencia - un objetivo mucho más allá de las tecnologías fotovoltaicas tradicionales. Su diseño también hace a Sphelar apropiada para las aplicaciones en una variedad de escalas, incluyendo dispositivos electrónicos móviles.

Las células solares Sphelar se solidifican en gotas de 1,8 mm de silicio de de diámetro y son altamente transparentes. Las células esféricas pueden ser embebidas en el vidrio para crear una ventana transparente célula solar, que puede capturar la luz solar desde cualquier dirección o ángulo. Dado que ambos lados del vidrio pueden capturar y convertir la luz solar en electricidad, estas ventanas también serían altamente eficiente. Por otra parte, las células también se pueden incrustar en superficies flexibles, lo que les permite tomar formas inusuales o doblarse si es necesario.

Neorrealismo italiano, renacimiento, costumbrismo social, mitología griega, arte sacro, las referencias del street art francés ŽILDA, son muchas y variadas. Sus obras están impregnadas de un lirismo social muy particular.

Con el que refleja tanto su estado emocional, como muestra su opinión sobre lo que sucede a su alrededor. Realizadas entre Francia e Italia, a base de óleo y acrílico sobre papel. Casi siempre parte de una fotografía que traslada al papel.

Creando posteriormente figuras a tamaño a real con las que finalmente empapela la pared, casi siempre de forma furtiva. Estamos ante la obra de un artista autodidacta que utiliza la calle como un telón de fondo, donde sus personajes crecen y se diseminan en escenas urbanas.

Las intervenciones de Žilda en el espacio publico son como fragmentos o relatos que detallan a través de una estética. que mezcla una puesta en escena dramática visualmente y una atmósfera clandestina y bohemia. Y que en términos técnicos son el resultado de combinar el stencil o plantilla, el dibujo, el grabado y la pintura. Cada uno de sus trabajos atraviesa nuestro imaginario colectivo recreando nuestras fantasías más secretas a la vez que inconfesables.

La artista finlandesa Kaarina Kaikkonen lleva desde los años 80's, realizando intervenciones en el espacio publico, utilizando como materia prima ropa reciclada. Que obtiene en los numerosos lugares a lo largo del mundo donde ha estado.

Su conexión personal con cada uno de estos proyectos de arte basados en la reutilización de ropa, son en sus formas más simples ejercicios de nostalgia. Inicialmente, la artista trabajó con prendas de vestir como las chaquetas de hombres, camisas y corbatas.

Inspirada por los recuerdos de su difunto padre. En los últimos años, Kaikkonen ha centrado su atención en la memoria de su madre fallecida recientemente recurriendo a la utilización de ropa de mujer. El aferrarse a la ropa es una manera de aflorar los recuerdos en la gente. Supniendo en cierto modo el acto de tender los artículos de ropa una especie de liberación.

En las obras de la artista Kaarina Kaikkonen, los objetos cobran vida y nos hablan de historias cotidiana en las que el individuo, es el protagonista del argumento sobre el que versa la obra. En otras hace un ejercicio de introspección, especie de sesión de psicoanálisis a través de la que se autoexplora.

Trabajos que esteticamente evocan fragilidad, pero también destacan por que transmiten cierta capacidad de resistir, a través de la metamorfosis de la materia. Transmitiendo al espectador una experiencia emocional, personal, y al mismo tiempo, una especie de reflejo de sí mismo que le permite establecer un diálogo y una identificación con la comunidad.

Junto a las características monumentales de sus obras, siempre fuertemente impregnada de los elementos ambientales y arquitectónicos que los rodean, también se percibe un matiz vinculado a la temporalidad y fragilidad de los materiales con los simboliza la su vínculo con nuestra memoria.

Dos gigantes de la industria automovilistica como son el fabricante ingles Vauxhall y la compañía alemana Opel, para desarrollar un nuevo prototipo de bicicleta eléctrica, el innovador concepto ha sido bautizado RAD e pedelec, y según los portavoces del consorcio en un comunicado reciente, en el transcurso del ultimo salón del automovil que se esta celebrando estos días en la ciudad suiza Ginebra, la intención con la RAD e es que se convierta en la primera E-Bike que se fabrique aplicando los principios de producción de automóviles en serie

La RAD e representa una visión de un concepto de movilidad individual y urbana realmente integrado. Utiliza tecnología pedelec con un motor eléctrico de 250 watios que aporta apoyo motorizado al conductor mientras pedalea. La RAD e puede ser transportada también en el exclusivo sistema de Opel de transporte de bicicletas FlexFix, donde se puede recargar mientras se va conduciendo. A una velocidad media de 20 kilómetros por hora y dependiendo de la asistencia eléctrica y el terreno, la e-bike logra una amplia autonomía que oscila entre los 60 y 145 kilómetros. Con un recarga completa máxima de dos horas y media, la batería se puede cargar completamente. La RAD está dirigida principalmente a la población urbana en un momento en las bicicletas eléctricas se preve que desempeñan un papel cada vez más en los futuros conceptos integrados de transporte urbano. Tal vez el aspecto más interesante del concepto es aplicación de la tecnología, ya que incorpora una batería de ion-litio y marco de acero prensado que es, obviamente, una estética orientada hacia el futuro.

Mediante la utilización de rótulos informativos horizontales de los que puedes en muchos comercios así como en terminales aereas, ferroviarias o de autobuses.

el artista con sede en Moscú Aristarkh Chernyshev crea instalaciones que integran la tecnología mostrándonos la obsesión que muestra el individuo contemporáneo por todo aquel objeto de consumo bio-tecnologíco y el exceso de información que genera.

Adquisicion compulsiva de electrodomésticos y todo tipo terminales que le permite estar conectado las 24 horas. Provocandole una saturación de información que en determinadas situaciones ha distorsionado su percepción de la realidad.

Sus proyectos especulan con la idea de saturación y colapso de una sociedad que se ha instalado en la cultura de la ficción. Su trabajo esta integrado en la plataforma Electroboutique, cuyo fundador Alexei Shulgin también artista ha colaborado en varias de sus instalaciones.

Electroboutique es una propuesta que trabaja en diferente ámbitos creativos, enfocados a un entorno comercial. Ofreciendo una galería de arte física que aglutina las obras de un colectivo de artistas. A los que une su afinidad en la exploración del rendimiento expresivo de las nuevas tecnológicas siguiendo los pasos de la Bauhaus.

Sus trabajos se comportan como obras virtuales, que se crean en su totalidad o en gran medida a través de procesos automatizados. Representando a la práctica del arte como el último bastión donde se elaboran productos únicos y exclusivos.

Praxis que está vinculada al mito de un mundo interno que cada es más accesible. Reflexión que nin embargo entra en friccion si observamos de cerca los procesos que se han desarrollado en el arte en las últimas décadas en el mundo del arte.

En cuyas dinámicas podemos observar manifiestas contradicciones en la aparente variedad de las obras que aparecen se encuentra una selección bastante limitada de algoritmos empleados en su creación.

Las composiciones fotográficas de Barry Underwood son intervenciones sobre el paisaje, en la que la tecnología armoniza con el entorno natural sin agredirlo. Realizadas en diferentes reservas naturales de los Estados Unidos, mediante la utilización de iluminación LED.

Barry aplica una técnica que captura la exposición prolongada a la luz en condiciones específicas de iluminación. De esta forma dependiendo de la cantidad de luz que captura el objetivo, la atmósfera de la imagen cambia oscilando entre los tonos mas tenues y relajantes y los que transmiten una mayor intensidad.

Otorgando al paisaje la facultad para modular el estado y las emociones del observador. La preparación de cada instalación puede oscilar entre varias horas y días, dependiendo de los elementos que participen en cada escena. Donde el componente dramático define la acción, desarrollo y propósito de cada instantánea.

Natural del estado de Ohio, comenzo a realizar fotografías inspirándose en las algas bio-luminiscentes, de las que le maravilla su capacidad para sobrevivir en condiciones muy adversas. Sobre todo a bajas profundidades donde la luz que penetra desde el exterior es muy escasa.

EXPLORANDO LA LUZ Y LOS DIFERENTES EFECTOS QUE PROVOCA

Algo que contrasta con la procupación que muestra con lo que a su juicio son los importantes efectos que provoca la contaminacion luminica sobre la salud. Alterando el ciclo de vigilia sueño, algo que sin duda influye en el comportamiento de nuestros patrones de conducta y empobrece nuestras relaciones sociales.

De formación universitaria en cuyo transcurso tuvo una intensa actividad teatral, cuya experiencia posteriormente ha reflejado en muchos de sus proyectos. Tanto en trabajos realizados en exteriores, como los hechos en espacios cerrados donde los efectos dramáticos se acentúan.

Básicamente su trabajo bascula entre la percepción de la luz y sus efectos, esto lo manifiesta a través de combinar una puesta en escena muy elaborada y efectista y su gran dominio de la fotografía nocturna con la que muestra una notable habilidad.

En lugar de tomar fotografías improvisadas, primero realiza una serie de dibujos a partir de los que escenifica la instalación y su resultado final. Estos bosquejos se convierten en el guión a través de los ensaya diferentes posiciones en el espacio en relación al origen y la cantidad de iluminación disponible en cada momento.

Utilizando tan materiales tan dispares como puntas, chapas, perchas o pasta del papel, el artista con sede en New York Will Ryman, crea esculturas que muestran animales o figuras humanas, en posiciones que aparte del asombro que causan, se prestan a diferentes lecturas. Por su concepción, sus trabajos invitan al espectador acercarse a interactuar, e incluso a jugar, su propia elaboración consistente en reunir diferentes objetos ya implica un acto lúdico, para después de ordenarlos por tipologías, construir una obra.

Will Ryman era un dramaturgo antes de convertirse en un escultor, y su trabajo se basa tanto en el ámbito del teatro como lo hace desde el arte. Al revelar el proceso de elaboración, sus formas anticuadas invitan a una narrativa sugerente a través del artificio, convirtiéndose en los dos pilares del artista en una lucha contra un drama de proporciones épicas.

Su forma triangular y fachada curva, forman parte de una vivienda colectiva, lo mas llamativo del proyecto d-apartment es la disposición de las habitaciones de sus tras plantas, dispuestas en un trazo continuo, para el huésped representa una convivencia fluida con la arquitectura, en una experiencia donde independientemente del punto de la vivienda donde te encuentres, tienes acceso al resto de la casa.

Proyectada por los arquitectos (Takanori Kagawa, Junko Kishigami) del estudio PACESPACE. El edificio se vertebra a partir de pasarelas y escaleras de diferentes tipos, que hacen de vasos comunicantes cohesionando estructuralmente el edificio. Dos accesos uno a la planta baja y el segundo a la primera mantienen do unidades que se complementan.

Múltiples ventanas y terrazas aleatoriamente situadas, proporcionan al interior iluminación natural, creando diferentes ambientes. Situado junto a una estación de tren, esta rodeada en su mayoría por casas bajas, lo que contribuye a que su presencia en el paisaje urbano del la zona donde esta ubicada.