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Kent Klich, un reportero que relata la memoria del conflicto


Fotografiar un conflicto belico o una situación extrema en el momento en el cual se esta produciendo tiene unas connotaciones diferentes dependiendo del enfoque informativo que se aplique. Pues las valoraciones socio-politicas ofrecidas por las autoridades se suelen limitar a meras cuantificaciones de las victimas.

Y a una version más bien sesgada de los episodios sobre los que informan. Por lo que todo parece quedar al fin y al cabo en una cifra con diferentes digitos, registro que deshumaniza aún más el episodio específico cuyas consecuencias negativas están afectando a una población civil. Que casi siempre suele ser la más vulnerable e indefensa y por lo tanto por lo general experimenta los peores efectos.

Dependiendo de la magnitud de la catástrofe que se esta produciendo y de la transcendencia mediática que se despliega alrededor de ellos. Las estrategias informativas aplicadas desde las diferentes partes implicadas en el conflicto recibirán más o menos presión por parte de la opinión publica.

Para encauzar el conflicto por una senda en la que el rigor informativo se materialice reflejando la realidad de los acontecimientos que se retratan es necesario adoptar una posición en la que el periodista se involucre siempre manteniendo cierta distancia respecto a los hechos que presencia. En este contexto en el que la inmediatez informativa y la verocidad precisa un pulso que no caiga ni en el sensacionalismo ni en lo políticamente correcto.

Las miradas elocuentes como la de Kent Klich, un reportero que cuenta con una dilatada trayectoria, habiendo cubierto algunos de los episodios mas trágicos de las últimas dos decadas en países como Dinamarca, México, Rumania, Palestina/Israel y Rusia.


El enfoca y encuadra con el objetivo cuando tras el primer impacto sobre el terreno, cuando comienzan a supurar las heridas de una víctimas que entre el desconcierto y terror. Tratan de asimilar la abrumadora cascada de acontecimientos de los que están siendo víctimas propiciatorias.

Pero también muestra su preocupación y su compromiso cuando, esas mismas victimas dejan de ser noticia pero se ciernen sobre ellas las secuelas que dejan los zarpazos que no han podido esquivar. Una aptitud activista que se traduce en un ejercicio singular que ennoblece su profesión.


Kent Klich nació en 1952 en Suecia. Estudió psicología en la Universidad de Gotemburgo, Suecia y fotografía en el Centro Internacional de Fotografía, Nueva York, Estados Unidos. Se unió a Magnum en 1998 y se fue en 2002. Kent Klich es un artista visual y educador que trabaja en los campos de la fotografía y el cine.


Que enfoca su profesión aplicando metodologías colaborativas de creación de imágenes y representación. Centrandose en la interconexión entre disciplinas; una imagen nunca se mantiene sola, sino que se vincula con el lenguaje, los objetos, los sonidos y los documentos. Su obra narra las realidades sociales y políticas a las que asistimos y sus complejidades, cuestionando y creando una multiplicidad de puntos de vista sobre temas no resueltos, poniendo énfasis tanto en la reflexión crítica como a emocional.
  



 

Roberto Ercilla - El arquitecto de Vitoria


Conocido a raíz de ganar el concurso para diseñar las rampas que están ubicadas en el casco viejo de Vitoria Gasteiz, su estudio se ha convertido en uno de los mas solicitados contando con una cartera de proyectos que abarca diversos enfoques, vivienda residencial, edificios corporaciones, dotaciones culturales y educativas, otras obras destacadas son la Foundation Sancho el Sabio o la Tower Block de Durango edificio con hechuras firmado con Miguel Ángel Campo.

  
  
  
  
  
  
  
  
--> http://www.robertoercilla.com




animacion: Frenky/Paesaggio Composto #3

Siempre me han gustado los libros troquelados, los abres y se despliega un mundo en tres dimensiones, pues esa es la sensacion en la animación  bautizada como Paesaggio Composto #3 y realizada  por Frenki, vistas panorámicas que dan paso a otras y en las que troqueladas van sacudiéndose diversos elementos que componen cualquier ciudad, en este se ha inspirado en Barcelona de la cual también ha recogido su sonido ambiente, añadiéndolo a lo largo de la animación.

Frenky.

Ione Rucquoi, viaje a la espesura del alma humana


Escasamente conocida en España, salvo por haber participado en alguna muestra colectiva Ione Rucquoi es una fotógrafa cuyo trabajo se nutre de movimientos como el expresionismo alemán. 

Movimiento que se caracterizaba por crear atmósferas  que se caracterizaban por su dramatismo. sobre todo algo que se apreciaba en el abordaje de los personajes que poblaban sus composiciones.

Influencia que se percibe en los retratos de esta artista residente en la localidad inglesa de Dartmoor en Oxford. Donde la proliferación de arboles no deja ver el claro de un bosque, mágico a la vez que surreal y misterioso. Paisajes insondables cuya naturaleza prácticamente inalterada sirven de inspiración a Ione para realizar relatos visuales. Cuya crudeza y desnudez transmiten al expectador una mezcla donde el lenguaje corporal y estetico tan desprovisto de ostentación.


El trabajo de Ione Rucquoi considera los aspectos repudiados e inconscientes del yo. Explorando elementos fundamentales de la existencia humana y sus experiencias. Desvela lo oculto y tabú. Rucquoi busca liberar miedos censurados, ansiedades y obsesiones, recurriendo a los trabajos de psicoanalistas como Carl Jung que estudio lo que el denominó como la 'sombra' de la conciencia y sus complejidades morales.



Fotografías en las cuales los elementos mesiánicos que aunque muy sutiles constituyen el fondo de un ritual. Hay quien se dedica a emular, otros a simular sus carencias, y algunos se entregan, los menos de acuerdo.


Sus fotografías realizadas a pinceladas a mi particularmente me trasladan a los albores del siglo XX, en el momento de las sombras, las incertidumbres y los cinismos. De una sociedad maniquea que se debatía entre seguir conquistando derechos y espacios de libertad o involuciónar y abrazar el credo nacionalista que se extendía por Occidente como la polvora. 

 

Haruki Murakami/Tokio Blues

Tokio Blues fue concebida como una novela iniciatica la trama de esta historia que comienza con un brindis a la nostalgia que el protagonista vive al escuchar un clásico The Beatles al  regresar en avión a un lugar conocido y referido constantemente a lo largo de la novela. Haruki Murakami utilizando la psicología expone continuamente al personaje central  de la historia a sus tragedias de juventud, retandole a enfrentarse a sus propios fantasmas del pasado como mejor forma de abordar su tiempo, en definitiva de lo que se trata es deshacer los nudos emocionales que atenazan su vida en el presente, haciendo un ejercicio de introspeccion partiendo de un origen que se establece en el pasado, como mejor forma de afrontar el futuro. Mediante la sucesión de episodios el lector no puede obviar la verdadera naturaleza de la desdicha por la que esta pasando Toru, y las fases por las que transita hasta lograr quedar en paz consigo mismo, su lectura provoca las mismas ansiedades que acucian a Toru, conduciéndole  por los mismos callejones de una ciudad que ha crecido mientras se empeñaba en negar la realidad.

acción social: Guerrilla Gardening

Es un movimiento global, que consiste en recuperar zonas urbanas en desuso o abandonadas y transformarlas mediante una intervencion a titulo individual o colectivas en oasis lúdicos al servicio del ciudadano. Estas intervenciones suelen consistir en el ajardinamiento de pequeñas porciones de terreno o elementos del mobiliario urbano donde se siembran diversas plantas, dependiendo de las condiciones del terreno, de la pauta climatológica, de la disponibilidad de recursos, de la capacidad de los participantes etc... Sociologicamente es un colectivo que lo componen personas que representan a un amplio extracto social.

  

 
 
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Antony Micallef, el retrato de un entorno social en transición


Todavía recuerdo cuando contemple por primera vez las esculturas de Antony Micallef, ante las cuales me quede sobrecogido. El lugar seleccionado para la exposición era una galería emplazados en la mismísima City de Londres. 

Aunque no era, ni mucho una de las mas llamativas ni grandilocuentes, pero si, sin embargo. Si reunía todas y cada una  de las virtudes y propiedades además de algunos reparos que sobre todo se les pueda objetar en términos subjetivos.

Otro punto a destacar es el acertado abordaje del montaje escénico de la exhibición, totalmente concruente con el enfoque caracterizado por el sentido dramático y desconcertante. Que Antony suele aplicarle a sus obras, las cuales destacan técnicamente por tonos difuminados con los que transmite una atmósfera de introspección.


Sin embargo en otras adopta una actitud más activista a través de las que realiza una denuncia explicita acerca de una diversidad de temas, que he tenido oportunidad de contemplar en una narrativa creativa. Formas esteticas y conceptos con los que Antony crea narrativas donde reitera su compromiso con el contexto socio-politico que le ha tocado vivir.

Una posicion, que sin duda supone un riesgo para el perfil y prestigio para un artista emergente como en su momento ha sido Antony Micallef. Y que el afronta con sutil diplomacia e incluso una refinada dinamica, en la que el receptor de la se convierte en un elemento activo, pues a no ser que carezacas de amígdala es imposible mostrarse indiferente ante sus propuestas.


Con sede en  Londres la  obra de Antony  a menudo es comparada con referencias más o menos próximas en el tiempo como la de  Francisco Bacon, o influencias de autores clásicos más accesibles y figurativos como Caravaggio y Velázquez.


Que parecen devenir y nutrirse de los acontecimientos que Antony metaboliza a través de un lenguaje ácido e irreverente. Lo que ha provocado que su sea considerado un outsider del arte contemporáneo. Condición atribuible al hecho de que ha manteniendo un discurso antibelicista a lo largo de su trayectoria hasta el momento.

  
  


animacion: galileo

Utilizando una escala cromática suave  en tonos pastel donde la luz cobra una especial relevancia. Galileo es un corto de animacion concebido por  Ghislain Avrillon, inspirado por el cuento de El Principito, su trama nos traslada a una situación similar, en este caso  se trata de niños que viven aislados en mundos diminutos suspendidos en el espacio de los que tratan de escapar, diseñando  con mas ingenio que conocimiento  un artilugio volador que emulando a las mariposas que pueden observar desde sus microcosmos les facilite el encuentro de otros mundos.

 Ghislain Avrillo

Gottfried Helnwein, el retrato de una inocencia perdida


Gottfried Helnwein es un artista polifatetico que reside en la ciudad californiana de Los Angeles. Entre sus numerosas propuestas están sus retratos de gran formato que son expuestos a modo de reclamo publicitario en geografías urbanas en diferentes ciudades.

Intervenciones que tienen el espacio publico como escenario, en el cual y de forma mas o menos sutil construye una narrativa en la que destaca un discurso homogéneo y luminoso. En el cual nos habla de la inocencia que reside en todos y cada uno de nosotros.

Característica en la que puedes reparar en un semblante, que transmiten cierto grado de paz interior y transcendencia. Retratos contemplativos que inmediatamente nos remiten a obras de Veermer o Zurbaran, por citar dos referencias.


Entre las que se nombrar de este rupturista creativo, que se nutre del resplandor de una mirada y unos gestos en los que se combinan la epifanía como acto a partir del que se abre el drama. Que se esta produciendo ante nuestros atrurdidos.

Y el epílogo que lo cierra con más que la pérdida de la inocencia, con el desarrollo de la habilidad para camuflar ese estado de ensueño casi onirico. Que representa el despojarse de esa piel llamada ingenuidad.

Hecho sin retorno que Gottfried nos anuncia como un alegoría surrealista, a través de un maquillaje, tenue casi pálido del rostro fotografiado. Y de un ligero pero intencionado de desaprobación que se parece intuir en unos trabajos por otra parte en los la imagen poética nos puede recordar al tratamiento que realizaban los neorrealitas italianos de la imagen. O de artistas más vanguardistas y próximos en el tiempo como Bill Viola.


Un artista singular y controvertido como pocos, que sin embargo se dio a conocer cuando presentó el diseño, de una de las portadas del legendario grupo alemán Scorpions.  Más concretamente el encargo fue realizado para el disco titulado Blackout editado en 1978, siendo el protagonista de la misma Rudolf Schenker, uno de los guitarristas fundadores de la formación.  

Experiencia colaborativa que lejos de ser puntual aceptando repetirla décadas despues, como consecuencia de la invitación que recibe del músicos como el mismísimo Michael Jackson o Marylin Manson. Participación en la que tanto estéticamente como tecnicamente le da la oportunidad a Gottfried, de exhibir el dominio que posee sobre corrientes como el Hiperrealismo o el Fotorrealismo. 


Helnwein aborda en sus proyectos temas como la ansiedad psicológica y sociológica, cuestiones que trata a través de acontecimientos históricos y tematicas políticas, como resultado de esto su trabajo es a menudo considerado provocativo y controvertido.


Su naturaleza deliberadamente provocativa inspirado en un discurso donde se manifiesta la verdadera naturaleza del horror. En ocasiones utilizando diversos periodos históricos acaecidos en el transcurso del siglo XX, sus fotografías tienen la capacidad de narrar historias en una instantánea. 


JUMP INTO THE FUTURE:

Since the end of April 2023, the group exhibition entitled Mimesis | Representational Art 2023 has been on view at the MEAM center in Barcelona. Whose central theme will revolve around figurative art contemplated from a current perspective. In the exhibition, apart from Gottfried, there are works by artists such as Antonio Lopez, his wife Maria Moreno, Don Eddy or Míriam Escofet.

ALSO IN SPANISH:

Desde finales de Abril de este 2023 se ha podido visitar en el centro MEAM de Barcelona la exhibición colectiva titulada Mimesis | Representational Art 2023. Cuyo tema central girará alrededor del arte figurativo contemplado desde una óptica actual. En la muestra aparte de Gottfried, ha contado con obras de artistas de la talla de Antonio Lopez su mujer Maria Moreno, Don Eddy o Míriam Escofet.


salvador gonzalez escalona

Sus referencias hay que situarlas en África, aunque también en sus obras se encuentra referencias de grandes iconos del arte muralista Mexicano del siglo XX como Sequeiros, Diego de Rivera u Orozco. Su nombre ha adquirido determinada relevancia entre los nuevos valores del arte cubano debido precisamente a su labor como muralista,  una buena muestra de ello se puede contemplar en todo su esplendor en El Callejón de Hamel, localizado en el distrito Cayo Hueso de  La Habana, en franca decadencia y que ha experimentado una transformación gracias a la intervención de una comunidad de artistas que lo han adoptado como lugar de residencia y de trabajo. De formacion autodidacta  Salvador  Gonzalez Escalona nos muestra estéticamente buena parte de las corrientes artísticas que han configurado la centuria pasada. En el apartado conceptual realiza una constante reivindicacion de lo étnico, aludiendo al acervo histórico,  haciendo un ejercio de imbricacion de culturas, estando representadas en su obra las diferentes etapas de la historia afro-americana.  

 


Novela grafica: Gene Luen Yang

En Chino Americano con guión e ilustración de Gene Luen Yang es un volumen que contiene tres historias, las dos primera convergen en la tercera, donde se desentraña un inesperado desenlace de la fabula. El hilo conductor de la trama es la identidad, o mejor dicho la negación de la misma, como consecuencia del rechazo que se produce en su entorno. En el caso del rey mono su afán por transcender la jurisprudencia que le ha sido otorgada, desembocara en un enfrentamiento con el hacedor que le proporciono la vida, debido a su acto de soberbia sera sentenciado a padecer el peso de su necedad en forma de toneladas de rocas. En un plano mas terrenal se desarrolla la crisis de identidad de un niño chino americano que enseguida se convierte en escarnio de sus empañaros de clase al ser el único niño con rasgos orientales.

Pierre Gonnord, el retrato de la memoria y la esperanza del ser


Las fotografías de Pierre Gonnord podrían ser calificadas en según casos de hiperrealistas, su contemplación provocan un shock en el espectador, desnudándole la mirada. Los retratos que realiza son dentelladas que describen vidas que oscilan en el filo de la realidad

Se trata de retratos en los que exhibe una técnica donde destaca la crudeza del instante, que casi se mastica, puedes oler los efluvios que desprenden percibir la decrepitud hasta sentirte intimidado. De todos y cada uno de los sujetos, que de forma casual o explicita posan para su objetivo.

En este contexto el rostro de los demás es un misterio, un enigma de una historia escondida en cada uno de nosotros que Pierre Gonnord cuestiona diariamente bajo su superficie trasladando a imagenes. En las que las luces y las sombras de aquell@s que posan se someten a su psicoanálisis se arriesgan a revelar rasgos de su personalidad ocultos.


Nacido en la localidad francesa de Cholet, se trata de un fotografo autodidacta que desde que establecio su estudio definitavamente en Madrid a finales del siglo pasado, paralelamente fue trabajando en la depuración de una identidad creativa muy especifica que puede al periodo de las pinturas negras de Goya.


A lo largo de su trayectoria Pierre Gonnord ha centrado su carrera en el campo del retrato, capturando magistralmente la diversidad de matices de diferentes grupos sociales. El énfasis de su trabajo siempre está en la mirada desnuda y poderosa de las personas que ha conocido. La profundidad psicológica de sus imágenes es una de las señas de identidad de su obra.


Sus retratos de rostros cetrinos, curtidos por el paso del tiempo, nos muestran las cicatrices de aquellas experiencias que nos forman como individuos, siendo un testimonio grafico de nuestra herencia como sujetos.


influido por fotógrafos como Dorothea Lange y Walker Evans, el trabajo de Gonnord refleja tanto la belleza como la trascendencia más allá de la estética, el proyecto de Gonnord tiene un propósito más profundo: preservar la memoria, inmortalizando sus rostros, sus historias y sus luchas.




Peter Zumthor - Bruder Klaus Kapelle. arquitectura mistica que filtra la luz

Al iconico a rquitecto Peter Zumthor no se le puede considerar una arquitectura crepuscular, al menos si aplicamos el termino en su sentido estricto.

Mas bien obedece a un compromiso con una narrativa constructiva cuyo estilo se proyecta con un propósito contemplativo, en cuyo proceso el empleo y aplicación de la luz forma parte del tratamiento y uso del espacio.

Por lo tanto se puede considerar que carece de los rasgos atribuibles a la arquitectura mas artificiosa. Uno de sus últimos diseños, es una mudesta e incluso espartana capilla ubicada en la localidad de Wachendorf (Alemania).


Una leve construcción que situada entre trigales, emerge de forma orgánica sin por ello resultar un elemento intrusive en el paisaje. Donde actúa estableciendo un dialogo donde sus formas rectas lo enriquecen.


Por lo tanto se podía valorar como una construcción tan áspera y distante, como frágil y eterea. Su presencia puede ser sobrecogedora, pero sin embargo enseguida eres capaz de asumir el propósito para la cual ha sido concebido. 


Pues se trata de un espacio minúsculo, recogido, que carece de ventanas por las que se filtre la luz, pero irradia luminosidad. Esa es la mayor virtud del trabajo de Peter Zunthor, que no necesita voluminosos argumentos para trazar y materializar sus obras, ni para dotarlas de sentido.

Lo más importante de esta capilla, es el interior y la forma en que se construyó. Comenzando con un wigwam (Un wigwam o wickiup es una vivienda cupulada de una sola estancia usada por ciertas culturas nativas norteamericanas). 

Construido a partir de ciento doce troncos de árbol. Al finalizar el marco, se vertieron capas de hormigón y se apisonaron sobre la superficie existente, cada una de alrededor de cincuenta centimetros de espesor. Cuando el hormigón vertido capas se había fijado. Al marco de madera se le prendió fuego, obteniéndose como retultado una cavidad ahuecada ennegrecida y paredes carbonizadas.



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