MICO, Auriculares inteligentes emiten musica en funcion de tu estado de ánimo

Sociologicamente a la hora de decidir que tipo de música escuchar solemos inclinarnos por estilos o géneros musicales, a unos les gusta mas el pop, existen sin embargo los que se sienten mas identificados con la distorsión y escuchan rock, o los que se decantan mas por la música tradicional. Esta conducta podría modificarse debido a estudios neurocientificos en los que se ha relaciónado el estado emocional del oyente  con una determinada selección de contenidos musicales, que se definen por su ritmo o tempo y frecuencia.

Desarrollado por la compañía japonesa Neurowear los auriculares Mico  utilizan un sensor cerebral que tras explorar las áreas cerebrales relacionadas con la cognición determinan el estado emocional del usuario, proporcionándole una selección musical en función de su estado emocional.


Los auriculares de esta forma se convierte en una jukebox, donde la música la elige  una aplicación que calibra las ondas cerebrales del oyente utilizando un sistema basado en la Electroencefalografía EEG, este sensor que está conectado a los auriculares determina a nivel cortical  el estado emocional del oyente brindándole una parrilla musical acorde con el mismo. 

Mediante la lectura de sus patrones cerebrales los auriculares Mico también poseen la capacidad de tratar a través de pautas de terapia musical estados depresivos, síndromes de ansiedad leves o dolor crónico leve, actuado sobre las ondas iónicas cerebrales y modulando su expresión neural, modulando  el dolor

La Electroencefalografía EEG es un método mediante el que se realiza un registro de electricidad actividad a lo largo del cuero cabelludo. EEG mide las fluctuaciones de tensión debidas a las corrientes iónicas actuales dentro de las neuronas del cerebro, grabando la actividad eléctrica espontánea del cerebro durante un período corto de tiempo. 

Neurowear parece haber adaptado su tecnología de ondas cerebrales de lectura a algo un poco más práctico como son un par de auriculares. La compañía había trabajado en un proyecto llamado Tunes Zen en el que analizaron los datos de ondas cerebrales de una persona mientras escucha canciones específicas, siendo  Mico el resultado.


El algoritmo biométrico que recomienda canciones fue desarrollado en parte con la Universidad de Keio, en Tokio, con un equipo de investigación de procesamiento de señales. Aparte de una apariencia voluminosa extra, Mico se ve como un conjunto típico de auriculares sobre las orejas, pero con la adición de un sensor EEG que sobresale de la parte delantera, y que pretende cambiar el principio a partir del que se escucha música. 




Zimoun - Cajas sonoras que representan las distorsiones de la globalización


Las esculturas sonoras del artista suizo Zimoun que pueden recordar a las instalaciones masivas de coetáneos con Ai WeiWei utilizan materiales sencillos para crear paisajes sonoros únicos que resuenan como mantras. Partiendo de una condición minimalista. 

Diseña y construye las estructuras mecánicas que crean un coro de sonidos fascinantes que desafían las expectativas de las capacidades sensitivas del espectador. Que agudiza el oído para tratar de descifrar los sonidos emitidos por una bola de algodón golpeando una caja de cartón,

Produciendo una frecuencia que dependiendo de su amplitud debe ser imperceptible para el oído humano. Las ideas que inspiran las instalaciones de Zimoun suelen surjir de situaciones cotidianas, de la experiencia que supone vivir en una gran urbe que adopta formas ambivalentes en un entorno en el que la contaminación acústica puede ser un problema. 


Zimoun recicla este malestar sonoro empleando 
medios minimalistas y de baja tecnología ofrece propuestas a las que incorpora narrativas inspiradas por la belleza y la complejidad de la naturaleza, así como por sus sistemas metabólicos, su función,  y el caos y el orden que representan. 


En el montaje de cada instalación del artista y músico suizo se emplea una media de ocho días, se trata de  procesos complejos en el que los componente y los mecanismos que lo forman siguen un esquema metódico de montaje. Este sofisticado funcionamiento contrasta con el efecto aleatorio en el patrón de sonido. 

El golpeteo monótono con la acústica natural del material de cartón, creadas a través de simples efectos como los producidos por la liviana lluvia que se precipita golpeando sobre un fondo de papel vacío. Es esta superposición de ondas de sonido aleatorio y aturdido la que crea un murmullo casi neutral y relajado que perciben los sentidos auditivos. 

Pulsando rítmicamente, cada unidad reverbera creando una huella sonora singular y la vez sincronizada. Microestructuras temporales surgen y cambian, haciendose audibles a través de patrones creativos resultado de una expresión colectiva. 


Cuningham Grupo, un estudio de cine convertido en un estudio de arquitectura moderno




En lo que eran las instalaciones utilizadas por los estudios de cine MGM situados en la localidad Culver City, celebre por rodarse películas tan emblemáticas como El Mago de Oz, Lo que el viento se llevó, Citizen Kane, Rebeca, la serie de Tarzán, y la primera versión de King Kong. De hecho, el camino amarillo de la película El Mago de Oz aún se encuentra en el estudio. Algunas películas más recientes filmadas en Culver City incluyen Grease, Toro salvaje, E. T.: El extraterrestre, Air Force One o Contact. El también estudio de arquitectura Cuningham Group lo ha convertido en sus oficinas centrales.

Aunque el exterior del hangar se sigue manteniendo practicamente igual, la remodelacion y el proyecto de interiorismo realizado por sus arquitectos sobre los 8.500 metros cuadrados de superficie con los que cuentan las instalaciones, ha practicamente de su memoria cualquier referencia a su antigua actividad cinematográfica. Elegido por sus responsables por su reducido coste y sus inmejorables comunicaciones, la estructura original presentaba un estado excepcional, por lo que hubo que realizar mínimos esfuerzos en su conservación.

El planteamiento desde el principio fue acometer la reforma, creando un lugar de trabajo donde los espacios y la visualiazión de los diferentes elementos fueran accesibles. Para eso se hizo primero una distribución de los diferentes departamentos por zonas.

Asi las oficinas, la sala de reuniones, los lugares comunes de recreo y descanso y el bar comedor, se proyectan a partir de un jardín interior que vertebra las comunicaciones físicas un su interior, proporcionando una oxigenación y bioclimatición natural de la totalidad de la instalaciones.

La diversidad de módulos y los materiales con los que están construidos identifican cada una de las áreas de la oficina, un pabellón de forma cilíndrica elaborado con madera trenzada es destinada a sala de juntas, ocho contenedores de mercancías se dedican a despachos y almacenaje, la zona de recreo y archivo si ocupa el resto del espacio completandose con la presencia de la cafetería.

Con este modelo de actuación el estudio  Cuningham Group fomenta la diversión, la creatividad, la colaboración y el equilibrio trabajo / vida. Los responsables también quieren crear una galería para promover el intercambio de ideas creativas. La galería también puede servir como un espacio de reunión cuando la oficina aloja funciones.





Ellis Gallagher, dibujando con tiza las sombras de la calle


Independientemente de la entidad y volumen del objeto, este proyecta una sombra que le identifica, el artista urbano  Ellis Gallagher  utiliza los elementos que encuentra en la calle como el mobiliario publico o bicicletas y traza su perfil sacándolas del anonimato de las sombras.

Residente y oriundo de New York, Ellis es un explorador de la ciudad que le vio nacer y en la que comenzo de grafitero, es a raíz  de un suceso trágico cuando abandona el graffiti, en una sesión de graffiti el compañero que dibujaba con el en los túneles del metropolitano es golpeado por un vagón falleciendo.

Tras una época de retiro comienza a dibujar con tiza las siluetas de las sombras haciéndolas visibles. Estéticamente, la tiza se comporta como un medio perfectamente para cumplir la misión Ellis Gallagher de transponer lo mundano en algo mágico. 

Es temporal, opaco, y trascendental, eliminando al espectador de su propia realidad personal,  existentes sólo como un reflejo de su entorno, el trabajo de Ellis Gallagher considera espacialmente el objeto cotidiano y el estudio de la luz y el color transitorio.



Los premios de arquitectura vertical Evolo 2.013 se inspiran en la naturaleza para adaptarse al cambio climático


El cambio climático es un asunto del que se lleva hablando las dos ultimas décadas, lo que comenzo como un rumor minoritario que nos avisaba de las posibles consecuencias catastróficas para el medio ambiente. Derivadas de unos habitós voraces y de la emisión desmesurada de CO2.


En la actualidad lo percibimos como una realidad que podemos constatar a través de diferentes procesos que están deteriorando nuestros ecosistemas a pasos agigantados. Esta preocupación por parte de la opinión publica se refleja también en la arquitectura contemporánea, mediante la aplicación de instrumentos y diseños mas amables y por lo tanto menos perjudiciales con el medio ambiente. 


Los tres proyectos premiados en la ultima entrega de premios del magazine de arquitectura vertical Evolo, se inspiran en estructuras y procesos biológicos en el diseño de sus rascacielos. La propuesta ganadora consiste es un rascacielos flotante que reconstruye las capas de hielo del Ártico, reduciendo la ganancia de calor de la superficie y el agua de mar helada.

Además, la super-estructura está equipada con una planta de desalinización solar, instalaciones dedicadas a la investigación del medio oceánico ​​y atracciones eco-turísticas. Diseñado por el estudio  Derek Pirozzi, el rascacielos ártico The Umbrella Polar utiliza agua salada como fuente de energía renovable que se genera, para eso utiliza tecnología osmótica de retrodifusión fluido a través de una membrana semipermeable. 

La energía solar es retenida dentro de una membrana en forma de paraguas que produce energia térmica y una tubería de polietileno especial para procesar las aguas residuales. Al reciclar el agua, la estructura se transforma en un nuevo recurso que aprovecha la ganancia térmica de la membrana y evita el calentamiento del hielo a continuación.



Por su parte el diseño de los arquitectos Darius Maïkoff y Elodie Godo aborda el tratamiento y reciclaje de residuos destinados a la elaboración de materiales aplicando principios sostenibles. Combinados con técnicas de arquitectura modular que facilitan un crecimiento ordenado en vertical de la estructura, en función de las necesidades creadas.

Phobia Skyscraper es un experimento que tiene como escenario los suburbios de la ciudad de París, que consiste en adaptar la cantidad de suelo urbanizado realizando una distribución equitativa del mismo aplicando criterios estadísticos, relativos a la composición media de cada unidad familiar y sus habitós de consumo.


Elementos prefabricados construidos con materiales reciclados y el uso de los contenedores apilados como material de construcción viable. Lugares comunes y  zonas verdes equipados con pantallas multimodales proporcionan información en tiempo real sobre cuestiones correspondientes diferentes índices relativos a la gestión del comunidad y los servicios que ofrece. La propuesta también presenta en el apartado energético la utilización de soluciones renovables y sistemas de recolección de aguas grises.


El tercer premio y mas espectacular ha sido el proyecto presentado por el estudio chino Ting Xu Chen Yiming, inspirado en los nenúfares que pueblan los estanques orientales. Light Park contempla la arquitectura desde el concepción digital de la nube.  El rascacielo flotante abandona la superficie de tierra firme explorando nuevas formas estructurales que tienen como entorno natural el elemento gaseoso, medio que representa un reto debido a sus características especificas.

Light Park de esta forma se plantea como una alternativa a la escasez de espacio en las grandes urbes chinas, El proyecto permite un crecimiento continuo de  mega-ciudades y el suministro de infraestructura, vivienda, comerciales y áreas recreativas de forma autónoma.

El Parque de la Luz se mantiene en suspensión gracias a flotadores similares a hongos llenos de helio instalados en su parte superior. A pesar de que no resuelve completamente el tráfico grave Beijing y los problemas de la superpoblación, el Parque de la Luz ayuda a mitigar la contaminación con la construcción de parques y plantas de oxigenación.





Esto es lo que sucede cuando dejas correr el agua exponiendola a una onda senoidal de 24 Hz



Debido a la teoría de la gravedad de Isaac Newton el agua se precipita debido a la atracción que ejerce el magnetismo de la tierra. ¿Pero que sucedería si se expusiera al sonido de una onda senoidal la trayectoria del agua?

Pues que podaríamos crear una estimulante coreografía acuática, como la realizada por el colectivo de Ilusionismo y Ciencia  Brusspup, y que muestran en su ultimo  vídeo como una corriente de agua expuesta a un altavoz que produce una onda senoidal de 24 Hz, modifica el trazado de la trayectoria del agua, transformando el arco en un zig-zag.

Hace ya muchos años que el matemático francés J. Fourier (1768+1830) concluyó que cualquier forma de onda puede descomponerse en varias ondas senoidales de diferentes frecuencias. La onda senoidal es aquella que sólo posee una frecuencia. El sonido natural que más se asemeja a una senoidal es el silbido, que básicamente tiene sólo una frecuencia. 


Amazing Water n´ Sound Experiment #2 es una experiencia visual que registra el efecto óptico que produce el sonido senoidal grabado con una cámara de 24 fps. La instalación consta de una manguera de agua que está conectada a un altavoz, de manera que cuando el altavoz produce un sonido, vibra la manguera, modificando el trazado del curso del agua.


El cable de audio conecta el computadora y el altavoz,  ajustando el software de sonido la onda a 24 hz.  Se pueden obtener diferentes resultados dependiendo del ajuste la frecuencia entre 23 y 25 Hz.



The Miracle Tree, el árbol superviviente de Fukushima


El tsunami que asolo hace dos años buena parte de la costa oriental de Japón, no solo fue responsable de la catástrofe nuclear de Fukushima, o de la causante de cuantiosos daños materiales así como de la perdída de cientos de vidas. 

Sino que a todo esto habría que añadirle el incalculable daño medioambiental que supuso la practica aniquilación de sus caladeros, situados en las proximidades de la costa y en los que vivían decenas de especies marinas

Así como millones de metros cuadrados de superficie arbolea y vegetal dedicados a bosques infinitos de cedros y flora, lo que suposo la desaparición de miles de animales que los habitaban, haciendo desaparecer de un plumazo buena de su ecosistema. 

Una de sus especies endémicas mas afectadas fue su numerosa colonias de pinos compuestas por alrededor de 70.000 ejemplares, y de la que tras la retirada de las sucesivas olas y mareas.


Y proceder ha realizar el recuento de daños, se comprobó que tan solo había sobrevivido un majestuoso ejemplar. Que emergia majestuoso en el vació de una llanura, hasta hace no mucho llena de arboles.

Un único superviviente y testigo de una catastrofe, que con cerca de 88 metros de altura se levantaba orgulloso dando fe del episodio que le había dejado de repente huerfano. Siendo bautizado con el nombre de The Miracle Tree (Árbol milagroso).


Localizado en el bosque de Takata-Matsubar en la costa de Rikuzentakata, prefectura de Iwate. Este superviviente del desastre logro sobrevivió durante casi 18 meses después del tsunami.  

Pero finalmente y pese a los intentos de sacarlo adelante, se seco dejando su silueta triste en el horizonte. Se estima que la muerte fue causada por los altos niveles de solución salina a los que había sido expuesto.

Tras ser derribado su colosal tronco y corona con sus miles de ramas han servido como molde, a partir del que se ha creado una descomunal escultura. La que supone una copia fiel del pino finalmente caído. 

Tras extraerse del molde las secciones de 7,7 metros de altura cada y 1,4 toneladas de peso, han sido montadas por una grúa y soldadas por operarios. Realizadas con plástico reforzado fundido sobre un andamio hecho con fibra de carbono que garantiza su estabilidad.

Instalado sobre el mismo lugar, un área ahora despoblada, su puesta de largo fue el pasado 10 de Marzo justo un día antes del 11 de Marzo, día en que se produjo la catástrofe.

Tallado por un grupo de artesanos perteneciente a la asociación nacional de fabricantes de sellos. Con una de las ramas se ha realizado un sello conmemorativo con una leyenda grabada que reza en tinta bermellón "Orar por la recuperación de desastres."

 


Harmen de Hoop, la ciudad y sus posibilidades


El artista holandés  Harmen de Hoop utiliza el mobiliario urbano dotando le de funcionalidad, de esta forma el poste de una portería de fútbol, sirve de soporte para colgar una papelera, o un socavon en la acera se convierte en un huerto urbano donde cultivar hortalizas. 

El anonimato es un aspecto esencial de su obra, ya que tiene consecuencias en la forma en la que se experimenta. Se aleja de su creación, negando así al espectador el marco de referencia del "arte" conceptual. Una de las consecuencias del anonimato es la reacción que puede producir, en la intervención Basketball Court (Baloncesto justiciero) en Amsterdam. 

Harmen pintó las líneas de una cancha de baloncesto quedando incompleta debido a las características del lugar. Después de unas semanas el Ayuntamiento "repuso" la canasta que pensaba que faltaba. Más tarde, cuando se percato del equivoco elimino las lineas conservando la canasta.

Las intervenciones de Harmen abordan el problema de la escasez de espacio y la posibilidad de darle múltiples usos para su uso publico, proponiendo una reflexión donde la ironía y lo practico suscitan en el publico un sentimiento de asombro e hilaridad.

El estudio DUS anuncia la construcción de la primera vivienda con impresión 3D y materiales reciclados en Amsterdam


Te imaginas poder vivir en una vivienda construida con materiales reciclados utilizando tecnología de impresión, diseñarla a tu gusto y poder transformarla cuando tu quieras pudiendo ubicarla donde tu quieras, por mucho menos dinero de lo que cuesta una hipoteca en la actualidad, y con un mínimo impacto medio ambiental. Ese escenario que a día de hoy todavía parece lejos de materializarse, se esta a empezando a formalizar al menos experimentalmente en un hangar situado en uno de los mucho canales de Amsterdam.

El proyecto anunciado por el estudio de arquitectura y diseño avanzado DUS consistiría una vivienda modular utilizando una versión actualizada de la impresora 3D de la marca  KamerMaker, el proyecto del que se esta finalizando su estudio se preve que comience a ejecutarse a finales de este 2.013, siendo la fachada y una de las habitaciones las primera en ser realizadas.

El KamerMaker es el primer prototipo de impresora 3D del mundo móvil. Su tecnología de impresión 3D se basa en una máquina ampliada "Ultimaker 'impresión 3D. Esta máquina puede imprimir objetos 3D usando PLA (plástico bio producido a partir de maíz). Al igual que su hermana pequeña, la KamerMaker puede imprimir objetos pequeños, de hasta 2,0 m (ancho) x 2,0 m (largo) x 3,5 m (altura). 


El KamerMaker es una iniciativa de los arquitectos DHE en colaboración con Ultimaker Ltd, Protospace FabLab, Coop Open, y un número de entusiastas voluntarios. El proyecto  del KamerMaker es de 
código deliberadamente abierto y todos los datos de la investigación están disponibles para su consulta. 

La casa  impresa en 3D, se hará bajo principios sostenibles, siendo el material utilizado elaborado a partir de bioplásticos y polipropileno, , con salas dedicadas a determinados materiales orgánicos como el almidón de patata. Otra sala se realizará a partir de botellas de plástico trituradas y estará dedicada a la impresión en 3D con materiales reciclados.


Cada sala estará dedicada a un tema específico de investigación, tales como la "sala de cocinero", donde los investigadores explorar la impresión 3D con fécula de patata y la "sala de la política", donde van a estudiar la forma de obtener los permisos para realizar estructuras impresas.


Cada componente de construcción se imprimirá y se ensayaron a una escala de 1:20, antes de ser impreso a una escala 1:1 con el KamerMaker. La casa se construirá en un área en desarrollo junto al canal Buiksloter en el norte de la ciudad.

George Steinmetz, fotografía paisajista desde el parapente


Viajero incansable, invirtió en un viaje por África mas de dos años, el cual completo haciendo autostop. Aventura en la que se embarco recién finalizada la carrera de geofísica por la Universidad de Stanford.

Donde descubre George Steinmetz su pasión por la fotografía. Sus trabajos se caracterizan por realizar grandes panorámicas de las rutas migratorias en altura, para elevarse utiliza un parapente siempre y cuando las condiciones climatológicas son óptimas.

Y dispone del suficiente tiempo, como para realizar unas capturas que destacan por su gran contraste y expresivos colores. Son sus conocimientos sobre geografía adquiridos en su etapa universitaria, lo que le facilita la mejor selección de exteriores en la estación idónea.


Celebres son sus reportajes para publicaciones como Geo o National Geographic, los cuales fueron realizados en expediciones a los desiertos del Gobi y del Sahara. Que pese a que presentan características afines consigue transformarlos en ambientaciones diferentes que parecen extraídas de pasajes de los relatos de Las Mil y Una Noches.

Con mas de veinticinco años de carrera, por sus trabajos ha sido galardonado en dos ocasiones con el premio en ciencia y tecnología que otorga World Press Photo. También ha ganado premios y menciones de  Pictures of the Year, Overseas Press Club y premios de la revista Life Alfred Eisenstadt.

Eligió el parapente como plataforma desde la que fotografiar, porque le ofrece las mejores condiciones de estabilidad en condiciones de calma y una visión de 180º. Prefiriendo las primeras horas de la mañana temprano y las ultimas de la tarde, porque presenta las mejores condiciones de luz. 


Wagendorf Lohmühle, ciudad de caravanas artísticas en Berlin tras la caida del muro

En 1.991 Berlin estaba instalada en la incertidumbre y ante un futuro donde la esperanza ante lo que suponía iniciar una época, protagonizada por la reunificación de un país dividido durante cerca de medio siglo se hace realidad. 

Dominaba un escenario que se tradujo en términos sociales, en que amplias capas de la población se desplazaban a través de la frontera hacia la capital. Que presentaba una nueva fisonomía urbanística pero escasez de viviendas y recursos en relación a la demanda que se estaba generando.

En este contexto se crean campamentos como el de Wagendorf Lohmühle. Concentraciones de población caracterizados por su provisionalidad, donde los equipamientos eran inexistentes. Es con el paso del tiempo, cuando la situación socioeconomica mejoro y las altas tasas de desempleo se redujeron.


Propicio que la practica totalidad de estos núcleos desaparecen, siendo sustituidos por nuevas unidades residenciales. Sin embargo el poblado  Wagendorf Lohmühle debido a su situación geográfica en los aledaños de un canal entre los distritos Kreuzberg y Treptow, transforma su que la composición demografica fluctúe, convirtiéndose en una comunidad formada por colectivos pertenecientes a diferentes disciplinas artísticas.

Este punto de inflexión se produce con el inicio del siglo XXI, suponiendo una tranformación de su parque inmobiliario lo que supone que se constituya como colectivo artístico autónomo. Las chabolas son sustituidas por diferentes tipologías nómadas de construcción como caravanas o las tradicionales tiendas de las tribus indias norteamericanas.


En  la actualidad la comunidad Wagendorf Lohmühle esta gestionada autónoma por una dirección compuesta por los artistas que residen en el campamento, representante que tratan periódicamente con la administración publica de la capital germana, con la que tiene acuerdos puntuales de gestión de actividades culturales y de gestión de recursos compartidos.

Las caravanas construidos por los propios residentes son autenticas obras de artesanía, a los que se les añadido sistemas de energía renovable, principalmente paneles fotovoltaicos y termovoltaicos. 

Diseminados entre un recorrido de zonas arboladas cuentan con huertos urbanos, sistema de evacuación de aguas grises, punto de reciclaje  y red wi-fi. El ultimo proyecto realizado en el campamento ha sido la construcción de un carril bici, que conecta las unidades residenciales con los pabellones donde trabajan los artistas y donde se realizan numerosas actividades a lo largo de cada temporada. Una agenda abierta a la participación de los ciudadanos de Berlin, por lo que se organizan cursillos, trueques y conferencias, dirigidos a un amplio abanico de edades. 

Wagendorf Lohmühle es una experiencia que donde sus miembros constituyen una comunidad heterogenea, que exploran nuevos caminos de convivencia  teniendo como principios la actividad artística, la arquitectura experimental, la sostenibilidad económica, la autonomia energética y el respeto al medio ambiente.



Dosnoventa - We were never born, publicidad en bicicleta inspirada por Jack Kerouac


Para su ultima pieza audiovisual el colectivo de diseñadores de bicicletas urbanas Dosnoventa con sede en Barcelona recurren a la literatura, para expresar lo que sienten por la bicicleta como usuarios y como diseñadores. 

El extracto literario seleccionado es un fragmento de una obra del escritor perteneciente a la generación beat Jack Kerouac. Filmado en colaboración con la marca de moda Lacoste L!VE

De la dirección se ha encargado Sergi Castella (que ya realizara su video  DSNV RUN NYC, con el que  compartian su aventura americana). Para la filmación de We were never born, en vez de las calles numeradas de New York, escorgieron diferentes localizaciones donde el paisaje montañoso combinado con la bicicleta.


Creando una atmósfera donde la sensación de espacio y libertad se percibe en cada fotograma de spot, el cual podéis ver en el siguiente enlace pulsando AQUILa producción sirve para promocionar la apertura de su nuevo espacio comercial en el número 5 de la calle Bocabella de la ciudad condal. Donde los clientes podrán adquirir los productos de Dosnoventa además de la linea de moda que ha confeccionado Lacoste en exclusiva para ellos.

Tengo muchas cosas que enseñarte ahora, en caso de que no nos encontremos, sobre el mensaje que me fue transmitido bajo un pino en Carolina del Norte, una fría noche de luna de invierno. Decía que Nunca Nada Aconteció, así que no te preocupes. Es todo como un sueño. Todo es éxtasis, por dentro. Nosotros simplemente no lo sabemos debido a nuestras mentes pensantes. Pero en nuestra verdadera esencia mental se sabe que todo está bien por siempre, por siempre y para siempre. Cierra los ojos, relaja las manos y las puntas de tus nervios, deja de respirar por 3 segundos, escucha el silencio dentro de la ilusión del mundo, y recordarás la lección que olvidaste, que se te enseñó en la inmensa y suave nube Vía Láctea hace mucho tiempo, hace innumerables mundos y ni siquiera del todo: Es todo una Gran Cosa despierta. Yo la llamo la eternidad dorada. Es perfecta. Nunca nacimos realmente, nunca moriremos realmente.

Carta de Jack Kerouac a Edie Parker. Enero de 1952.


Jacquet Yannick y Fred Penelle, creando mecanismos oniricos


Representaciones de animales, seres surrealistas y antigüedades comparten el espacio narrativo con elementos digitales que dota de movimiento a la ultima instalación  Mecaniques Discursives, creada por los artistas visuales franceses  Jacquet Yannick y  Fred Penelle.



A partir de un discurso donde el material exhibido crea un microcosmos, el visitante se convierte en un espectador que interpreta su propia versión en un escenario que se proyecta hacia delante ocupando el resto de la sala.



Mecaniques Discursives es la continuación de Paleodictyon una instalación de caracter especifico fruto de la colaboración con el artista digital Simon Geilfus y el compositor Thomas Vaquié. La obra perfomance digital fue creada para ser proyectada sobre la cubierta del museo francés Centro Pompidou Metz representada en el marco de la celebración de pasado Nuit Blanche en Metz, Francia.

Su proyecto conjunto consistió en crear un reino visual inquietante y decididamente contemporáneo, trascendiendo edades y modas. Desarrollaron un vocabulario sofisticado a la vez que osado y un tanto petutbador, en el que fusionaron el grabado y el arte digital más ecleptico. Se trataba de trabajar con diferentes conceptos de forma que el resultado fuera lo más espontáneo posible.


Sus obras en ocasiones aparte de dramas a medias plantean respuestas inadecuadas a problemas importantes como el aislamiento social las desigualdades sociales. A menudo pinta escenas con figuras que emprenden acciones inútiles y no relacionadas para remediar el problema inspirando humor y sátira, siendo un reflejo de mis preocupaciones generales como artista


Las obras se crearon en su mayoría in situ, adaptándose de forma natural a los sitios, paredes y espacios que las albergaban, y convirtiendo las limitaciones técnicas en una fuerza creativa. Después de haber mostrado su trabajo en más de setenta exposiciones, Fred Penelle y Yannick Jacquet cuyo resultados aparte de lo artístico permitieron crear una biblioteca a partir de la que abordar y estudiar el subconsciente del individuo a través del arte.


Aires industriales y orinicos son constantes en sus trabajos

Paleodictyon  cuenta con una aplicación para el smartphone, que facilitan aquellos que la instalen la posibilidad de experimentar la pieza de nuevo, esta vez desde otras perspectivas y puntos de vista.
 

Mecaniques Discursives es una obra que formo parte del programa del festival de arte audiovisual Mirage de 2013, mezclaba la proyección y grabación de vídeo, es una especie de maquinaria tan mecanica como poética que se reproducia en las paredes a la manera de un cadáver exquisito, tomando como punto de partida el principio de la reacción en cadena.


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En los trabajos y colaboraciones de Jacquet Yannick los caminos están marcados por el deseo de renovar formatos tradicionales enriqueciendo el lenguaje visual utilizando el espacio y la luz como soportes de visualización.