All post

Fab Ciraolo - Old School Heroes, retratos mitológicos de la cultura POP, en un Santiago Pre-revolucionario


El Ilustrador chileno Fab Ciraolo, distmitifica roles e iconos, mostrándonos algunos de los aspectos mas ambiguos,frívolos, e incluso porque no decirlo más bizarros. De muchas de las más idiolatradas personalidades de los cien años.  

Descontruyendo al personaje en ocasiones practicando la iconoclasta más militante. Lo suyo no es solamente limitarse ha realizar una interpretación más o menos subjetiva desde una perspectiva psicoanalítica del personaje. Independientemente de si este se circunscribe al mundo de la ficción como es el caso de Eduardo Manostijeras.

Emblemático personaje creado por el celebre director de cine Tim Burton. O Personalidades reales que por su transcencedcia o contribución en algún ámbito social o historico, han merecido la atención en términos creativos de Fab.

Como por ejemplo figujuras tan relevantes e influyentes, cada una en su faceta como pueden ser Cleopatra emperatriz del antiguo Egipto, una de las primeras mujeres dirigentes de la historia. O la más cercana en el tiempo, la pintora Frida Khalo. Que las retrata conservado su halo casi mitologico, pero que con sutileza incorpora elementos que pertenecen a un contexto mucho más actual.  



Añadiendo elementos de la cultura contemporánea que lo revientan actualizandolo de cara a las nuevas generaciones que lo observan como si está figura, que fue relevante en otra época y bajo otro prisma social y cultural. Se reinventar a pudiendose identificar con el. 


Gran aficionado a la música, elemento que añade en forma de fetiche o tatto a sus composiciones. En las cuales mediante el collage y matices de la cultura Pop, desarrolla un lenguaje donde el impacto visual de la obra conduce al espectador a un estado mezcla de estupor y asombro a la vez que admiración. Sensación excitante que lejos de diluirse en la efervescencia inocente que subyace en el fondo, la alimenta exigiendo la segregación de grande dosis de dopamina.


Su relación con el arte comienza en la infancia debido a la influencia de su padre, vendiendo a la temprana de diez años su primera obra. Lo que le hace pensar que puede llegar a vivir de su arte. 

Titulado en diseño gráfico, disciplina que relega a un segundo plano en favor del trazo de la ilustración. Con cuyas obras ha conseguido hacerse un nombre gracias a la presencia que tiene en Internet. Su faceta artística la combina con la musical, siendo miembro de la banda Oh Margot, con los que ha editado un Ep a finales de 2.001.

Partiendo de un boceto rápido, dibuja a mano, tanto en lápiz como la parte de color y sombreado empleando un portaminas 01, añadiendo las sombras y finalmente coloreando con acuarelas, temperas y acrílicos, también óleos, pastel seco y lápices de colores. Teniendo la versión preliminar lista, se digitaliza y aplican los filtros necesarios completando la ilustración.


JUMP INTO THE FUTURE:

On the occasion of the mobilisations that took place in the streets of Santiago de Chile in October 2019, Fab Ciraolo completed a series of three interventions, with which he intended to show his solidarity and commitment to the more than one million Chileans who took to the streets in what became the largest protest in the country. 

In one of them he portrayed the writer, poet and Nobel Prize winner Gabriela Mistral. He paid homage to her by creating a mural in the centre of Santiago depicting her as a revolutionary activist. One of the many symbolic details was that in her left hand she held a darkened national flag while in her right hand, half open, she held a book.

ALSO IN SPANISH:

Con motivo de las movilizaciones que tuvieron como escenario las calles de Santiago de Chile en octubre de 2019, Fab Ciraolo completo una serie de tres intervenciones, con las que pretendía mostrar su solidaridad y compromiso con el más de un millón de chilenos salieron a las calles en lo que se convirtió en la mayor protesta del país. 

En una de ellas retrataba a la escritora, poeta y premio Nobel de literatura Gabriela Mistral. A la que homenajeaba a través de la realización de un mural en el centro de Santiago que representaba como una revolucionaria activista. Uno de los muchos detalles simbólicos era que en su mano izquierda sostenía una bandera nacional oscurecida mientras de su mano derecha, abierto por la mitad tenia un libro. 


Project Capsule, diseño ecológico para estudiar el Mar Negro diseño ecológico para estudiar el Mar Negro

El Mar Negro por sus sigulares características, es uno de los ecosistemas mas vulnerable a los efectos del cambio climático, y el exceso de actividad humana que se ha ejercido, enfrentándose a una lenta agonía debido a la contaminación del agua causada por los productos derivados del petróleo y la disminución de morada del delfin nariz de botella. Con el objetivo de reducir el número de casos de caza furtiva y realizar un seguimiento de la población de cada uno de los delfines mulares, el diseñador Baklan Anton ha ideado el proyecto la Cápsule.  



El plan contempla la construcción de un centro de datos flotante en el Mar Negro, el centro de datos tendrá la forma de una cápsula y se hará a partir de materiales reciclados, como una concha de plástico de alta resistencia totalmente sellada permitirá actuar como un flotador. El prototipo se ha concebido de forma que haga de habitáculo biónico para salvaguardar la superficie de las colisiones provocadas por las corrientes. Una escotilla permite el acceso al interior, donde además del laboratorio, sera compatible el cultivo de plantas como los cítricos, lino, etc


Anclado al lecho marino, la estructura será totalmente autónoma con respecto a la fuente de alimentación y se utilizara tanto energía solar como energía de las olas, que se aprovecharán mediante un motor hidráulico y generador, mientras que los paneles solares se integrarán en el techo para para capturar la energía del sol. Un mecanismo especial opera para mantener la temperatura en el interior, ventilación artificial, se verá facilitada mediante el uso de purificadores de aire fotocatalíticos. Finalmente un mecanismo especial se encarga de desalinizar el agua salada lista para el consumo humano. 

Schneider Schumacher - Städel Museum, ampliación de un museo desde el subsuelo



Utilizando como techo la superficie del patio del edificio que reune la muestra permanente del Städel Museum, en la ciudad alemana Fráncfort. El estudio de arquitectura Schneider Schumacher. 

Ha diseñado un proyecto de reforma y ampliación de sus instalaciones, con lo que podrán exponerse, el resto de su variado y rico catalogo de arte alemán y europeo contemporaneo, que estaba apolillandose en ese mismo espacio destinado almacén.


Mediante unas punciones realizadas sobre el manto del césped y el injerto de tragaluces alineados en una cuadricura, se ha conseguido facilitar la iluminación con luz natural, de una cavidad de aspecto diáfano. Recuperando un espacio funcional y revalorizando estéticamente un edificio vetusto que antes de su uso civil.


El cual había pertenecido a una de las familias mejor posicionada de la burguesía alemana. La renovación incluyó una extensión a lo largo del eje central del conjunto de edificios, que restablece la disposición espacial histórico. El vestíbulo central y todas las circulaciones de eje vertical fueron renovadas para facilitar el acceso en silla de ruedas. 

Una nueva área de exposiciónes especial se creó también en la planta baja, mientras que la administración, el auditorio y la biblioteca fueron reubicados en el ala oeste.


Abierto al publico el pasado 22 de febrero, tras tres años de reforma, y un presupuesto de 52 millones de euros, los 195 lucernarios inundan con luz natural la galería que consta de ocho metros de altura, logrando la percepción en el visitante de estar en un edificio exterior. 

Las nuevas salas constan de 3.000 metros cuadrados de algunos ofrecen espacio de exposición adicional, duplicando la superficie disponible. Además, el museo experimentó mejoras de eficiencia energética y hace uso de una capacidad de almacenamiento de calor para crear un clima interior óptimo con un consumo mínimo de energía.



OnCycle E-Bike




Cada vez son mas frecuentes los proyectos colectivos emprendidos por estudiantes, con el objetivo de desarrollar modelos de E-Bike, que por sus características sostenibles supongan una alternativa al uso del vehículo tradicional. El prototipo de Oncycle, se comenzo a gestar en 2.010, al frente estaban cinco esforzados estudiantes que patrocinados por un mecenas llamado Bill Ropp, Fuji and Sram. 

Tras cerca de dos años de intenso trabajo el resultado es una bicicleta eléctrica de aspecto solido, destinada en principio al mercado americano, su voluminoso cuadro aparte del maletero integra la batería detrás de las bielas, conectada a una matriz situada en el manillar, que indica los consumos, los kilómetros recorridos y la velocidad, que alcanza hasta los 40 kilómetros, su potente iluminación LED en la parte trasera permite su conducción en situaciones de reducida visibilidad. La Oncycle es una bicicleta eléctrica ideal para uso diario, permitiendo realizar pequeños portes, su bajo consumo permite la opmización de sus costes, resultando una inversión rentable a medio plazo, disponiendo de una amplia gama de piezas para reponer las que se estropean.



Claude Lévêque, la luz al final del tunel


Claude Lévêque ha sido reconocido durante años como uno de los grandes artistas plasticos de la escena francesa, así como de la internacional. 

Sus trabajos se nutren de la cultura popular, creando ambientes, entornos y objetos de carácter doméstico. Creando imágenes mentales cotidianas con las es relativamente sencillo identificarse. 

En las que utiliza un discurso compuesto por dimensiones a las que incorporar el uso de elementos sensoriales como la luz y el sonido. Jugando con la capacidad de las obras para provocar emociones visuales y sensitivas. 

Que actúa a nivel modal estimulando la percepción del sujeto receptor de la obra a través de la referencias culturales necesarias para su creación. Claude Lévêque se apropia de los dos niveles, el onírico y el arquitectónico.



Claude Leveque es uno de esos artistas peculiares  que  tras estudiar arte, estudió en la prestigiosa Ecole des Beaux-Arts de París. Se centra en un material: el neón, en motivos simbólicos o caligráficos

Convirtiéndola en su arma fetiche con la que establece un diálogo con los objetos e intenta crear una correspondencia con el lugar, reaccionando a un espacio y creando así una verdadera obra in situ. A menudo inquietantes, a veces reflexivas. 

Las obras del artista revelan un mundo febril, cuyos serpenteantes meandros están iluminados por la luz eléctrica de la memoria, revelan un mal social que parece atormentar la obra de Lvêque. 


Nacido en la localidad de Nièvre, es a finales de 1970, cuando comenzó a explorar el potencial del arte contemporáneo desde una perspectiva creativa.

Periodo que culmino con una exposición con el artista Christian Boltanski. Tras explorar diferentes campos de la creación, incluida la publicidad, la moda o la música. Su tramoplin al reconocimiento masivo, sucede tras su participación en la 53 edición de Bienal de Venezia celebrada en 2.009.






 

Mine Sweeper, Buscaminas eólico con GPS y fabricado con bambú


Afanistan es un país que desde que obtuvo su independencia, ha estado inmerso en continuas guerras, una de las muchas consecuencias, es que buena parte de su territorio esta sembrado por minas, causantes de   miles de victimas civiles al año. Massoud Hassani es un ciudadano de aquel país, que ha convivido buena parte con ese horror. Esa proximidad con esta lacra y su afán por encontrar una solución, que localizara y desactivara las minas, evitando de esta forma la mutilación de quien las pisa, provoco que desarrollara un buscaminas capaz de detonar las minas. El invento que ha sido nominado en la ultima edición de los premios de diseño que entrega anualmente el Design Museum de Londres.


Con forma de polilla, Mine Sweeper, es una esfera rodante articulada por varillas fabricadas de bambú, en cuyos extremos a modo de antenas, se han colocado unas bases circulares, que al hacer contacto con el detonador de las minas semienterradas, provoca su explosión. El buscaminas se desplaza de forma autónoma debido a un sistema eólico, que le proporciona la energía para desplazarse. Para informar del lugar preciso donde localizar el artefacto destruido, lleva incorporado un chic inteligente con un chip GPS. Al estar fabricado con materiales locales y tecnología accesible, sus coste de producción comparado con otros sistemas, reduce significativamente los costes de limpieza de minas, reduciendo a cero el riesgo de sufrir un accidente en la labor de desactivación de minas debido a que un instrumento autónomo.

Alex Gross, La ilusión POP de un futuro cancelado

El surrealismo como corriente artística desde que hizo aparición coincidendo con los albores del Siglo XX, ya se postulaba como un movimiento expresivo que trascendia lo puramente estetico. Aparte de tener una connotación evidente desde sus inicios.


Que lo vínculaba en mayor o menor medida con la exploración del inconsciente teniendo por lo tanto algo más que un coqueteo con la escuela de Viena y el psicoanálisis, como práctica que de alguna sentó las bases para describir la exploración de nuestro universo onirico. Matiz al que hizo referencia Andre Breton en su celebre Manifiesto Surrealista.  


También tuvo una interpretación o capacidad para que muchas de las obras se pudieran prestar para realizar análisis o lecturas político-sociales, de las que aparte de su capacidad alegorica. Se convirtieran en una crónica de los episodios y acontecimientos de los que asistiamos como individuos.


Describenddo con mayor o menos fortuna las pautas de comportamiento, que tanto en términos individuales como colectivos estábamos adquiriendo. Abriendo debates altamente sugestivos en términos etno-antropologicos relativos a nuestros estándares de conducta como seres humanos.


Dentro de la prolífica obra del artista Alex Gross residente en la ciudad californiana de Los Angeles, se muestra  una tendencia a aplicar este enfoque analítico. Ejercicio a través del que nos hace un inventario de una sociedad individualizada.


En base al valor del consumo y los valores estéticos que atomiza la conducta del individuo, presentándolo como un zombie iluminado por la religión de la cultura POP. Cuyo componente artístico hace acto de presencia no solamente a la hora de añadir.


Elementos y objetos pertenecientes a la era digital, haciendo continuas referencias a la cada vez más imnipresente tecnológia y el exceso de información. Transmitida en bucle por la doctrina del pensamiento único. Donde la tentación esta representada por la cabeza de la hidra que se divide y multiplica, proyectandose de sus cuencas. 


Marcas comerciales se alternan con iconos de cultura popular, y figuras políticas que han marcado una época, en composiciones donde cohabitan elementos surrealistas, pop y figurativos.


Shinichi Ogawa & Associates - Cube Court House, la casa iluminada desde el jardin

Los edificios crepusculares del estudio arquitectura Shinichi Ogawa & Associates, suponen un elogio a la luz, un aspecto que cuida en cada uno de sus proyectos que destacan estéticamente por su aspecto minimalista en el que las líneas rectas trazan volúmenes sólidos pero no intimidantes. 


En el caso de la casa Cube Court House, cuya localización se encuentra en Tokio. Toma como eje central el patio, el verdadero núcleo de la vital de la casa el cual  se comporta como un tragaluz que ilumina los cuatro cubos modulares, que compone esta vivienda de dos plantas.


La fachada exterior permanece desnuda de ventanas, la entrada que conecta con el salon interior tipo loft, presenta una plaza cuadrada donde se puede realizar diferentes actividades al aire libre, proyecta de forma sutil la sombra de las ramas de la vegetación sobre una de las paredes laterales.  


La distribución desde entrada facilita una circulación fluida donde la visión no impide cierto grado de intimidad. Decorado siguiendo un linea minimalista, la selección de espacios están planificados con un criterio funcional, donde prima la comodidad y la discrepcion.


En la segunda planta, paneles moviles particiona las instancias, pudiendo variar su tamaño y la proyección de luz que ilumina el interior mediante grandes ventanales. Recorriendo un pasillo que se inicia en la escalera de acceso, pasamos a un solarium techado de forma rectangular.


La vivienda se completa con un deck o solarium desde el que se tiene una visión de la totalidad de la casa y se domina el entorno mas próximo. Se convierte en un espacio contemplativo y recogido en el que los espacios ajardinados crean una atmósfera zen. 



Alexandra Bellissimo, soñando con paisajes corporales formados por pajaros y raíces



Continuación de la serie Simulations, la fotógrafa Alexandra Bellissimo ha creado una serie de collages fotográficos, en los que combina texturas corporales y vegetales inspirados en lo esencial tanto de la naturaleza como de la humanidad.

Con las que pretende representar los aspectos psicológicos y emocionales del sujeto, a través de la yuxtaposición de estos elementos crea patrones visuales cuyas secuencias obedecen a paisajes en los que la lírica. Nos sumergen en una atmósfera que nos induce a la contemplación de nosotros mismos como un ser mistico cuya composición nos remite al origen de los tiempos . 

Mediante el uso de técnicas tradicionales de collage y de impresiones producto de filtros y retoques en arte digital. Además Alexandra recurre a la utilización de esta técnica de collage que le permite lograr un efecto surrealista y magico, junto con la creación de texturas y profundidad de las imágenes.
 

Con lo que crea un relato visual que unifica el sujeto y la naturaleza, por lo que sus composiciones evocan una variedad de emociones humanas como la ansiedad, la tranquilidad o el aislamiento. Elementos con los que psicoanaliza los cambios que hemos experimentado al alejarnos de nuestras raices.


En los collages fotográficos de Alexandra Bellissimo, son producto de la sensibilidad intuitiva de su mirada, en la que conviven la delicadeza y la fragilidad de las formas  corporales y orgánicas del paso del tiempo. 


La artista radicada en la ciudad californiana de Los Ángeles aborda cada trabajo como un proceso casi artesanal, en el cual los motivos se van incorporando a la imagen original como si fuera una pieza con la que se completa el retrato. No solamente corporal del sujeto retratado sino del conjunto de experiencias y deseos que alberga su memoria.


Water Tank Project, incorpora al paisajismo urbano de New York los clásicos depósitos de agua de sus azoteas

Encaramados en lo alto de muchas de las azoteas de New York, se conservan aún en buen número muchos de los viejos depósitos que suministraban agua en el origen de la ciudad. 


Las mejoras en las redes de saneamiento y suministro ha supuesto que muchos de ellos esten en deshuso, con el consiguiente peligro de que está situación de abandono provoquen su deterioro pudiendo provocar accidentes. Algo que lamentablemente ya ha sucedido en alguna ocasion.


Para paliar en la medida de lo posible se pone en marcha la inicitiva Water Tank Project, a través de la que sus promotore pretenden recuperar 300 de estos tanques para el paisaje urbano de la ciudad. Dándoles una diversidad de utilidades, pero siempre poniendo enfasis en los aspectos más creativos.



Con este enfoque se ha establecido un plazo de doce semanas para que cada armazón cilíndrico seleccionado sea decorado por una nomina de artistas, tanto reconocidos como Ed Ruscha, Tony Oursler o E.V. Day, así como la participación dealumnos de la escuela de arte.

El proyecto esta previsto que se desarrollara a lo largo de 2.013, contando con la participación de la galería de subastas Sothesby´s y el MoMA como anfitriones de lujo. Que han contribuido aportando la financiacion necesaria con la que completar el estudio documentacion previo y la adquisición del material creativo.

Se trata de un proyecto que se ha marcado como propósito transmitir la idea de lo importante que es la buena utilizacion de un recurso escaso como es el agua potable, y del impacto medio ambiental que tiene la utilización de agua embotellada en botellas de plástico. De las que se venden decenas de miles de ellas cada día representando un problema medio-ambiental de primera magnitud.

Atacama Starry Nights: Episode I


Grabado en formato timelapse, en localizaciones del desierto de Atacama en Chile. Atacama Starry Nights: Episode I, nos muestra  la bóveda estrellada, hacia la que cada noche dirigen sus telescopios los astrónomos del Observatorio Europeo Austral, situado en Cerro Parana.  Compuesto por cuatro telescopios de 8 metros, que pueden combinar su luz para hacer un telescopio gigante por interferometría. Cuatro pequeños telescopios auxiliares de 1,8 m, lo que le convierte en uno de los mas importantes del mundo. Pero las razones que motivo a sus autores Christoph Malin y Babak Tafreshi, a realizar la filmación, se encuentran sobre la superficie, muy similar a los accidentes geograficos que presentan los paisajes de Marte. El resultado el vídeo compuesto por más de 7.500 imágenes fijas tomadas entre octubre y noviembre de 2011. Se muestra la belleza de la oscuridad los cielos de Atacama, a veces, enmarcado por las cuatro cúpulas principales del Very Large Telescope, así como un lo que los operadores del telescopio ve desde el interior de una de las cúpulas.

Conocido como el lugar más seco de la Tierra, el desierto de Atacama en Chile ha sido reconocida como un lugar ideal para instalar telescopios terrestres. Los cielos están libres de contaminación lumínica, y poseen unas condiciones atmosféricas estables, permitiendo a los astrónomos mirar profundamente en el cosmos, sin tener que preocuparse por las turbulencias que distorsionan los datos.

Tommy Craggs, esculturas talladas en troncos de arboles y su magia natural


Como totems las tallas de madera realizadas por el escultor Tommy Craggs, representan a los espíritus del bosque. Realizadas como piezas de orfebrería, muchas de estás representación talladas forman composiciones.

Que convierten la superficie rugosa del tronco del árbol en un vehículo narrativo, que traza un guión cuya historia se puede percibir e interpretará como un relato que te describe la escenografía de un cuento. 

Sus habilidades las ha aprendido ejerciendo su profesión de leñador en los frondosos del este del Reino Unido, lo que le ha conferido una destreza en el manejo de una diversidad de herramientas y tecnicas. Las que se han convertido su principal instrumento de expresion. 


Tommy Craggs que se gana la vida viajando por el mundo tallando todo tipo de criaturas místicas, animales, obras figurativas casi siempre utilizando como sustrato creativo los árboles. 

Su obra comenzó a tener cierta notoriedad a raíz de que se dieron a conocer una serie de diferentes tallas figurativas.  Que el había ido creando de forma anonima en un area boscosa conocida Knaresborough cerca de North Yorkshire. 


Conocido popularmente como el "Yorkshire Banksy" debido a que hasta hace relativamente poco tiempo se descocia su identidad. Los trabajos de Tommy Graggs son una combinación de la herencia de la escultura clásica y el Land Art menos militante y ortodoxo.


Conjunto de intervenciones de las que en principio se desconocía su autor, y que tras las pesquisas pertinentes. El dueño de la finca condujo al artista, revelando su nombre y autoria.  Aunque muchas de sus actuaciones tienen como materia los restos de los tocones de arboles talados. No siempre es así pudiéndose descubrir tallas que están realizadas sobre ejemplares no talados.


Suscribirse a: Entradas (Atom)