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Federico Babina, una historia del cine a traves de las ilustraciones de sus directores mas iconicos


Contemplando los retratos cinematograficos de Federico Babina te preguntas hasta que punto la filimografia de un determinado director ha influenciado en la estetica de su creador y viciversa.


Como en otras muchas series dedicadas a los mas diversos temas, aunque a mi me atraen aquellas en las que inspirado por disciplinas creativas Babina se sumerge en la personalidad de los personajes retratados, creando ilustraciones que desconstruyen su obra a traves de aquellos elementos por los que se hicieron Universalmente conocidos.

Así por ejemplo en la serie titulada Archits City dedicada a reflejar la vida y obra de algunos de los mas representativos artistas plasticos del Siglo XX recurre a una estetica donde combina la corriente artistica por la que fue conocido con su interpretación  (en este caso arquitectonica.) De esta forma la villa que hubiera diseñado Picasso seria una version adelantada en el tiempo de algunos de los muchos edificios firmados por Frank Ghery el mas vanguardista de los arquitectos.


El retrato de Orson Wells recuerda por su atmosfera taciturna a los retratos del Greco

Y la casa soñada por Andy Warhol el maximo representante del Pop Art se traduciria en una vivienda de corte Modernista, en la que destacaria la fachada con una hilera de ventanas que tintadas en colores vivos reflejaria el espiritu hedonista y trangresor de su residente.

O en secuela, la serie Archidesign  en la que introduciendo una atmosfera  producto de combinar la estetica zen con la de la novela negra, Babina reproduce una sinergia similar que en la anterior pero en esta ocasión  realiza una analogia en el que la arquitectura de por ejemplo LeCorbusier se adapta a los criterios de un diseñador y tambien arquitecto contemporaneo como Van Der Rohe, en plena efervescencia creativa como  los hermanos Bouroullec.

Realizadas desde principios conceptuales diferentes las series de ilustraciones Archidirector, como la de retratos Directportrait de Federico Babina, rinden homenaje al mundo del cine a traves de una seleccion de sus principales directores.
   


En el caso de la serie de 2.018  titulada Directportrait aunque reedita algunos directores como Hicthcock, Lucas, Fellini o Bergman aparecidos en Archidire de 2015. Serie dedicada a rendir homenaje a algunos de sus directores de cine favoritos, Babina se centra en realizar retratos donde los rasgos de los nombres seleccionados se completan con objetos que hacen referencia aquel titulo emblematico que le catapulto al estrellato convirtiendole en un mito del celuloide.

Siendo un trabajo que complementa a las 28 laminas que componia Archidirector, y con las que Babina completaba un proyecto en el que tomando la arquitectura como hilo conductor mostraba su propia versión de diferentes corrientes arquitectonicas que marcaron la profesión en los ultimos cien años. 

Lamina perteneciente a la serie Archidirector dedicada al director de cine Tim Burton

Hibridandolos paralelamente con otras tantas manifestaciones creativas cuyo aparición y apogeo tuvieron lugar en la misma linea de tiempo, dando como resultado la creación de una versión hipotetica e intermedia de lo que finalmente conocemos. 


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Hay otros que se suman a tan ilustre galeria de maestros del celuloide (casi todos mas proximos en el tiempo), como son Tarantino, Almodovar o Allen, compartiendo casi todos una caracteristica comun aparte de la que (mas o menos) pertenecen a la misma orbita generacional. 


Siendo que su filimografia que comenzo con titulos que se consideraron en su momento ajenos a los canones del cine mas comercial, siendo calificados por un amplia mayoria de criticos como producciones alternativas, o directamente de culto. Ampliamente con el tiempo han pasado formar parte del selecto grupo de directores que conforman los pioneros del mundo del cine,  siendo retratados por Babina (como en una mayoria de sus encargos,) utilizando una gama de colores fuertes e intensos, con los que obtene unos semblantes que destacan por su dramatismo y donde el objeto que los acompaña simboliza su carrera. 



JUMP INTO THE FUTURE:


For his latest series entitled ARCHYOGA published this 2023 the graphic designer and graphic illustrator Federico Babina of whose singular works we have already offered you samples that you can see HERE and HERE. It combines the body language of yoga adapting the asanas to a diversity of architectural typologies. For this occasion he has also created an animated version that you can see from this LINK. A piece that visually maintains a lyrical yet intense rhythm thanks to the collaboration of the composition of the musician Cesc Miralta, who has created harmonious chords endowing the volumes with an evocation and symbolism that emerge when the human body interacts with the space on which it acts.



ALSO IN SPANISH:

Para su ultima serie titulada ARCHYOGA publicada este 2023 el diseñador gráfico e ilustrador gráfico Federico Babina de cuyos singulares ya os hemos ofrecido muestras que podéis verá AQUI y AQUI. Combina el lenguaje corporal del yoga adaptándolo las asanas a una diversidad de tipologías arquitectonicas. Para esta ocasión además ha creado una versión animada que podéis ver desde este LINK. Pieza en la que visualmente recurre a una narrativa coreográfica que mantiene un ritmo lírico a la vez que intenso gracias a la colaboración del composición del músico Cesc Miralta,  que ha creado unos acordes armoniosos dotando a los volúmenes  de una evocacion y simbólismo que afloran cuando el cuerpo humano interactúa con el espacio sobre el que actua. 




Las fotografas Riitta Ikonen y Karoline Hjorth convierten a sus retratados en elementos del paisaje


Como individuos que hemos nacido y crecido a la sombra de la expansíón de una cultura Pop la cual alumbro lo que se conoce como ciudades estado hemos olvidado cuando para sobrevivir (no hace mucho tiempo) o simplementee relacionarnos con nuestro entorno natural los seres humanos teníamos que tratar de mimetizarnos con el.



Ese gesto era algo mas que un acto de empatía hacia un medio natural que tanto nos estimulaba proporcionandonos sus recursos como nos atemorizaba con sus episodios de ira que apenas podíamos llegar a comprender, era por decirlo de una forma cortes de asegurarnos en términos prácticos la supervivencia como especie.

Nos vestíamos con materias extraídas de la naturaleza no tanto para marcar tendencia sino en la mayoría de ocasiones  y de forma instintiva para formar parte de ese paisaje que nos había albergando, esas conductas de sino antropológico todavía se pueden observan en muchas comunidades indígenas en diferentes lugares del mundo.


Momento previo en el que las fotografas Riitta Ikonen y Karoline Hjorth preparan el set de trabajo

Y es que el que vestirse en función de las características del lugar donde vivías implicaba en la mayoría de las ocasiones tomar conciencia de que se establecía un vinculo con la naturaleza que iba mas alla de lo folklórico, contribuyendo a preservar el equilibrio de un ecosistema frágil y a la vez sorprendente y luminoso con el que poder intercambiar conocimientos.

Iniciado en 2011 en lo mas profundo de los bosques de Upsala en el Sur de Noruega el proyecto Eyes as Big as Plates gestionado por las fotografas Riitta Ikonen y Karoline Hjorth ha registrado decenas de sesiones en las que han realizado miles de fotografias, a traves de la que han tratado de capturar.

 
 

El proyecto de fotografia nómada Eyes as Big as Plates abarca hasta el momento diez años en el que las fotografas Riitta Ikonen y Karoline Hjorth han retratado cientos de personas mimetizandolas con su entorno natural.     


La esencia de todos y cada uno de los muchos lugares que han visitado y que abarcan desde Finlandia, Francia, Islas Feroe, Korea del Sur, Japon, Senegal, Tasmania o Groenlandia, a una peculiar escala que tuvo como ambientación las escasas zonas boscosas que todavía se pueden encontrar en las zonas limítrofes del distrito de Queens en New York.
 

Exposición urbana de Eyes as Big as Plates en Seoul 2017


Lugar que como en los citados previamente se recurria a los elementos propios del paisaje local para crear el atrezzo con el que serian retratados la decenas de voluntarios que a traves de denodados esfuerzos trataban de fundirse con su alrededor sustiyendo la ropa con la que se visten de forma cotidiana.

Por una combinacion de materiales de origen orgánico con la que cubrian su cuerpo. Y  es que estas fotografías aunque parezca lo contrario tratan de restablecer un vinculo entre los humanos y el resto de los seres vivos con los que comparte el planeta Tierra restableciendo la perdida del binomio que representa el equilibrio y sus simetrías deterioradas por la insaciable voracidad de la civilización Occidental.


    
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Un proyecto multiformato que parecia completado con la edición de un primer volumen titulado de forma homonima a mediados de la decada pasada y que debido a la excelente acogida, y a la enorme cantidad de material que han acumulado a lo largo de las ultimas cuatro temporadas de viajes, en el que han constatado los cambios.

Que se han producido en terminos ecologicos en lugares tan remotos como Groenlandia donde la desaparición de miles de kilometros de capa de hielo esta provocando la extinción de miles de especies, cambios que se perciben en las capturas que han realizado, donde a pesar de que el elemento central de cada fotografia siguen siendo las personas camufladas con su entorno, sus miradas en muchos casos se enfrentan desoladas a los efectos devastadores que esta teniendo el cambio climatico sobre los diferentes ecosistemas que hay en los lugares que visitan. 

Otro aspecto del trabajo de Riitta Ikonen y Karoline Hjorth esta relacionado con la dimensión urbana de Eyes as Big as Plates, trasladando los retratos a la calle como en el caso de Pyeongchang Olympics, cita deportiva celebrada en 2017 en Seoul, donde los retratos se exhibieron en el mobiliario urbano. 


Stinkfish, retratos de una diversidad global


En el primer corto documental editado por la marca de sprays Auster titulado Latinoamerica tenemos la oportunidad de conocer la trayectoria y obra del artista mexicano Stinkfish aunque habría que decir que desde que era un niño de corta edad lleva residiendo en Colombia, donde emigro con su familia afincándose finalmente en Bogota.


Una trayectoria breve pero intensa por momentos furtiva que comenzó como la de otros muchos artistas urbanos, realizando pintadas urgentes y clandestinas a comienzos de la primera década de este siglo hasta que alrededor de 2005 ofrece su primera muestra de que el lo que en un futuro seria su principal vocación pintar retratos, en este inesperado bautizo eligiría la figura de uno de los estadistas mas iconicos del Siglo XX.

Ni mas ni menos que John Fitgerald Kenedy con cuya efigie empapelo buena parte de la ciudad incluyendo marquesinas y algún que otro baño publico donde se tuve que esconder de las fuerzas del orden, los tiempos por fortuna han cambiado y le ha sonreído, en la actualidad se pueden  contemplar retratos suyos por medio mundo como New York o en Ho Chi Minh capital de Vietnam y donde recalo por iniciativa propia.
 

Vista general de Porcida y su puerto a media tarde

Tras finalizar una intervención en la vecina Camboya para un certamen, allí como siempre con su cámara de fotos entre la muchedumbre Stinkfish trataba de capturar esa imagen que a su juicio representaría la esencia del lugar que esta visitando, podría ser un edificio o cualquier escena cotidiana de las muchas que sucede a nuestro alrededor y en las que apenas reparamos.

Pero como en muchas otras ocasiones Stinkfish capturo una serie de rostros todos ellos pertenecientes a gente anónima entre los que finalmente selecciono el de una niña que formaba parte de una clase cuya escuela había salido de excursión, la cual acabo retratando fielmente en uno de los muchos muros de una de las muchas calles de su ciudad, convirtiéndose finalmente en la carta de presentación del artista y por la que se ha hecho mundialmente conocido.

 
 

Con casi veinte años de trayectoria como artista urbano Stinkfish ha desarrollado una identidad propia como retratista de una sociedad en constante movimiento, capturando la diversidad que le rodea que recicla nutriendo su propia óptica de un mundo cada vez mas fluido y menos inocente.     



Según la filosofía de Stinkfish, el lo que hace es reutilizar una imagen extrapolando de su paisaje original para integrarla en un contexto social en el que en principio supone la antítesis del original, para darle contenido también recicla muchos de los materiales que emplea en la reutilizaron de sus obras, cuyo proceso comienza con una aplicación de tratamientos de imágenes. 

Los retratos Stinkfish reflejan el lado humano de los lugares que visita

Con la que selecciona un fragmento de la fotografía realizada sobre el terreno, cuyo detalle en la mayoría de las ocasiones se recortara como motivo principal sobre una plantilla de stencil, a través de la Stinkfish trata de atenuar lo que el considera las diferencias que existen entre individuos en un mundo fruto del postmodernismo en la que estamos embarcados.

Y que Stinkfish retrata de forma tan acertada tratando de conectar a través de la expresión contenida en una mirada las diversidad de un mundo cada vez mas fluido y poroso, retratos ejecutados en una miríada de colores luminosos entre los que destaca el amarillo con el que rellena la mayoría de los contornos faciales.
 

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Obedecen a una concepción del mundo netamente optimista. visión positiva del ser humano que el artista traslada al espectador en murales que situados en las mas inverosimiles sitios te asaltan transmitiéndote un mensaje positivo y con los que trata de alejarse de los estereotipos con los que habitualmente identificamos el lugar de procedencia de las personas con la que tratamos.


Explorando Ellis Island y su oscuro pasado a través del arte de JR



Todos conservamos la imagen iconica de la Estatua de la Libertad en New York,  como símbolo de la llegada de millones de inmigrantes que contribuyeron con su esfuerzo y tesón a la construcción y desarrollo de lo que hoy conocemos como los Estados Unidos.
 
Lo que ya no es tan conocida es la historía de cientos de miles de solicitantes de asilo que fueron rechazados por las autoridades de inmigración teniendo que regresar a su lugar de partida, aunque en muchos otros casos su destino fue mas incierto perdiéndoseles la pista entre los registros.

Del hospital de la isla de Ellis, una institución sanitaria cuyas instalaciones estuvieron en funcionamiento hasta el año 1951 en cuyo transcurso se clausuro definitivamente, siendo testigo de la desaparición de miles de personas cuyos sueños se perdieron y sus espíritus dejaron de formar parte de la memoria colectiva.

Hasta que en el transcurso de la segunda década de este siglo la iniciativa  Save Ellis Island sin cuyo trabajo de documentación su legado se hubiera perdido definitivamente, recupero los expedientes de esos desaparecidos. 



RETRATOS EN BLANCO Y NEGRO DEUDOR DE UN PASADO TODAVIA RECIENTE

Y paralelamente encargo un proyecto de restauracion del edificio, pero antes de acometer definitivamente las obras de reforma, con el objetivo de acodicionar el edificio para destinarlo albergar un museo cuya coleccion abarcara una de las mas mas grandes fenomeno migratorios.

Que ha conocido la humanidad a lo largo de su historia, encargaron al artista visual JR (de cuyo trabajo os he hablado en numerosas ocasiones aqui, aqui, aqui) que reprodujera a tamaño natural algunos de lo retratos de los supervientes que aun se conservaban en sus archivos.

Que ya pegados sobre las paredes de algunas de las dependencias sirvieron para aparte de dejar constancia de las lamenetables condiciones que sufrieron muchos de ellos. Honrar su memoria, y ya de parto filmar un corto documental.

Para cuyo rodaje se conto con la inestimable colaboración del actor Robert de Niro, cuya voz en off narraba las palabras de un relato por momentos estremecedor de unos hechos que habían permanecido sepultados por el peso de la historia.


LA HISTORIA OCULTA JAMAS CONTADA DEL SIMBOLO DE LA LIBERTAD

Material de incalculable valor que en Octubre del año pasado sirvió como argumento para que los organizadores de la semana de la arquitectura Untapped Cities, diseñaran un recorrido por el conjunto hospitalario.

Cuyas instalaciones pemaneciendo todavía en estado de abandono vieron pasar alrededor de 12 millones de personas, cuyo principal anhelo era poder comenzar una nueva vida lejos de su lugar de origen.

Escapando en una mayoria de ocasiones de situaciones de extrema precariedad o de alguno de los numerosos conflictos que asolaban el viejo continente durante los siglos XVIII y XIX principalmente.

Vidas muchas anónimas que reprodujo el artista francés aplicando los mismos parámetros plásticos y estéticos que se pude ver en buena parte de su obra. Y que en este caso sirven para revelar al gran publico una de los episodios mas desconocidos y ocultados deliberadamente de la historia de los Estados Unidos.   
  
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  Realizados en 2014 por JR los retratos que forman parte de Unframed  son recuperados en 2019 para una muestra de arquitectura a traves de la que se cuenta uno de los fenomenos migratorios mas importante de la historia.



Knited Camouflage, una mirada contemporánea desde muchos puntos de vista


Quizás sea por que, para entender las relaciones personales que establecemos en los diferentes ambitos socioculturales de las que se componen nuestros cada vez mas homogeneos ecosistemas sociales, sea necesario desarrollar estrategias multidisciplinares.


A partir de las que observar, analizar y finalmente poroponer una lectura o versión de los hechos mas o menos verosímil, que nos proporcione una versión de la realidad mas allá de posiciones subjetivas.

Esta serie de fotografias fruto de la colaboración entre el fotógrafo de moda Joseph Ford y la creativa y publicista Nina Dodd con sede en la ciudad inglesa de Brighton, y que por momentos nos recuerda a los trabajos del artista Liu Bolin cuyo trabajo trate aqui y aqui.



FOTOGRAFIA QUE SE MIMETIZA CON EL PAISAJE URBANO

 
Se ha acabado convirtiendo en un maravilloso libro editado por Hoxton Mini Express, cuyo aliciente visual viene acompañado de una excelente presentación. Además de la colaboración del músico y pionero de la música electrónica Fat Boy Slim.

Que ha contribuido a la redacción del libro con diferentes parrafos de los que cabria destacar frases como la que viene contenida en la cita ‘I love this kind of attention to the absurd. Right up my street.’ (algo así como "Me encanta este tipo de atención a lo absurdo. En mi calle".)

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FOTOGRAFIANDO VARIAS REALIDADES EN UNA


Y que define muy a grandes rasgos lo que es el espíritu  de un trabajo que se inicia en 2018 con antecedentes como Fatboy Slim Project, serie en la que el músico es el principal protagonista,

Teniendo como localizaciones algunas de las calles con mas efervescencia de una ciudad vanguardista como lo fue Brighton durante la década de los años 90´s del Siglo pasado, cuna de algunos de los movimientos culturales que han tenido lugar en UK a finales de milenio.

Atmósfera creativa que se traslada a todos y cada uno de los retratos realizados por Ford en este libro, especialista en mimetizar a los modelos con su entorno, utilizando la ropa como camuflaje e hilo conductor, provocando un efecto visual por el que la expresión del individuo se reduce a sus rasgos faciales.

  
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Las fotografías  aparentemente camaleonicas realizadas por Joseph Ford y Nina Dodd, muestran un compromiso estético con la ambiguedad social en la que estamos instalados y nuestro paisaje urbano.