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Creative Machines - Heart Beacon, a huge heart allows you to know your health status in an immersive way.

 

Installed at the entrance of the Emergency Coordination Center of the American city of Portland. The presence of the Heart Beacon has no medical function.


However, the users of the hospital grounds approach this huge reproduction of the main human muscle. They are attracted by the desire to know what their heart rate sounds like or what color it lights up when they take their pulse.


The installation, which has a strong playful component, has been created by the Creative Machines studio. It is an interactive proposal where through a system composed of diodes and sound effects.

The vital signs recorded by the sensors attached to its structure are reproduced. Conceived as a ludic artifact, the data collected are translated into a unique pattern linked to the vital signs of each subject that approaches this huge heart.


Composed of two candles covered with acrylic panels, the Heart Beacon's interior houses an encapsulated warhead that functions as an autonomous and immersive platform.


READ IT IN SPANISH: Creative Machines - Heart Beacon, un enorme corazón permite conocer tu estado de salud de forma inmersiva 


From which to convey a message of hope to the inhabitants of the city of Portland. Elaborated with the contribution made by the members of the community. Heart Beacon is a collective experience that combines art and active participation, using an accessible and playful language.


Jeremy Deller - Sacrilege, the megalithic monument of Stonehenge as you have never seen it beforehand

 

After months of hard work in his studio, the artist Jeremy Deller has finally archieved to complete his announced reproduction of one of the monuments or relics of the ancient world, such as the set of dolmens that form the archaeological site of Stonehenge


Although as he himself confesses when he had the opportunity to visit it in a casual excursion, he did not harbor many expectations about it. This lack of enthusiasm regarding the contemplation of these ancient stones.


Perhaps it had to do with the fact that he had seen so many of them through the eyes of others that it did not cause him excessive motivation. Perception that changed radically when he had it and could become aware of its historical transcendence.

Entitled Sacrileg, it is a commission for the  2012, lying on the Glasgow Green. The full-scale representation of one of the seven wonders of the ancient world.


It is an interactive outdoor installation, an inflatable toy for visitors to interact with through a creative formula. The instantly recognizable shape is created from an inflated plastic design. 


READ IT IN ENGLISH: Jeremy Deller -  Sacrilege, el monumento megalítico de Stonehenge como nunca lo habías visto


Employing the same technique as with the popular children's attractions. Imposing gray pillars and arches perfectly mimic every detail of the original monument. Creating the sensation that you have been transported back in time.


Michelle Hartney - Mother's Right, una obra activista cuya herencia fue censurada

Fruto de una experiencia traumática relacionada con la precaria asistencia que le proporcionaron los servicios sanitarios en su reciente maternidad. La artista con sede en Chicago Michelle Hartney metaboliza esa frustración.

Mediante la performance titulada Mother's Right. Una intervención emotiva y que tiene como principal propósito provocar la reflexión en el espectador sobre un tema tan común como delicado como es la maternidad, un acto intimo que la artista trata para crear un discurso reivindicativo.

De carácter participativa tuvo como escenario la fachada principal de la institución sanitaria donde alumbro a su hijo.  Desarrollada a lo largo del mes de Septiembre de 2015 y en una segunda convocatoria en Febrero de este mismo año.


Se trata de acción que denuncia el incremento en las tasas de fallecimiento neo-natal que se están observando en la ultima década en los hospitales de todo el estado americano de Illinois. Que cuenta con una de las administraciones con más presupuesto del pais. 


Compuesta por 1.200 batas  colgadas en un perchero situado sobre la acera. Simbolizan a las todas y cada una de las victimas fallecidas debido a los recortes y la pésima asistencia sanitaria que reciben las clases mas desfavorecidas de la población, en un país que supuestamente dispone de los últimos, avanzados y mas completos programas de atención sanitaria del mundo.

Con el propósito de mostrar su compromiso con sus, varios pares de personas se pusieron de pie uno frente al otro doblando los vestidos en triángulos; similar a la forma en que se dobla la bandera estadounidense en el funeral de un soldado. La tradicional ceremonia de plegado de la bandera incluye doce pliegues simbólicos, el noveno pliegue simboliza la feminidad. 

Estas batas de hospital han sido cortadas a una longitud que permite que la tela se detenga en el noveno pliegue. Las batas plegadas representan no solo a las personas 1200 que murieron durante el parto en los Estados Unidos en 2013, sino también a las que han sufrido abusos a manos de obstetras y enfermeras, y para el creciente número de personas que están siendo diagnosticadas con TEPT (transtorno de estrés postraumatico) posparto después de dar a luz. 

RELACIONADO: House of Vans, Skate en el subsuelo de Londres


JUMP INTO THE FUTURE:

In March 2023 Hartney had her work removed from a group exhibition on abortion, Unconditional Care, organised by Lewis-Clark State College, based in Lewiston County, Idaho. She was one of the six artists whose work was withdrawn.  Specifically, the piece that was censored is part of the series entitled Unplanned Parenthood, which is based on one of the 250000 mothers who wrote to the founder of Planned Parenthood, a selection of which were included in the book Motherhood in Bondage by Margaret Sanger, published in 1929. The censored article incorporated one of these original handwritten letters.


ALSO IN SPANISH:

En Marzo de 2023 a Hartney se le retiro la obra con la que participaba en una muestra colectiva que trataba sobre el aborto, que bajo el título de Unconditional Care se había organizado Lewis-Clark State College que tiene su sede en el condado de Lewiston, Idaho. Siendo una de las seis artistas a las que se le retiro una obra.  En concreto la pieza que fue objeto de censura forma parte de la serie titulada Unplanned Parenthood que gira alrededor de una de las 250000 madres que escribieron a la fundadora de Planned Parenthood, de las cuales selección fueron recogidas en el libro Motherhood in Bondage de Margaret Sanger publicado en 1928. El artículo censurado incorporaba una de esas cartas originales manuscritas.

El artista Julia Borovaya crea una instalación que lee tu mente

L
a instalación sencilla estéticamente se compone de un tanque circular cubierto por una solución de neón liquido altamente sensible, adosados a la parte inferior de la cubeta unos sensores cubren la superficie.


Conectados a un interfaz informático, estos sensores reproducen diferentes patrones sobre la superficie de plasma en función de los pensamientos registrados por unos electrodos colocados en epidermis de los voluntarios que participan en la experiencia Solaris. 

Realizada por la artista rusa Julia Borovaya, la instalación revisa el viejo mito de como seria posible, que gracias a soluciones biotecnologicás se pudiera leer la mente. Una aspiración que posee múltiples referencias bibliograficas.


En el caso de Julia se inspira en la obra literaria de homónimo titulo escrita por Stanislaw Lem en el año 1.961 y que décadas después tuvo una adaptación cinematográfica. Convirtiéndose en una obra de culto entre los aficionados a la ciencia ficción.


Mediante un dispositivo EGG que interpreta las olas cerebrales, el disco verde vibra proyectando sobre su superficie sus  pensamientos mas intimos.


Julia Borovaya es una artista moscovita fascinada por las sustancias y sus cualidades químicas y físicas. Ha creado varios proyectos artísticos que fusionan la tecnología y la esfera creativa. Junto con Edward Rajmánov, Borovaya cofundó SAVE lab. Una plataforma de colaboración entre científicos y artistas situada en el sótano de la Universidad Estatal de Moscu. 

Uno de sus primeros proyectos artísticos, Liquid, estudiaba el comportamiento, la dinámica y las características físicas (forma, densidad, textura o calidad) de distintos líquidos, desde la leche, el aceite y la pintura acrílica hasta diversos tipos de zumos. Más recientemente, en el laboratorio SAVE, Borovaya y sus colaboradores han desarrollado proyectos en los que exploran tres estados de la materia: sólido, líquido y gaseoso. En Solaris, un proyecto creado en colaboración con el químico Edward Rajmánov y el neurofisiólogo Alexander Kaplan, Borovaya utiliza un casco lector de ondas cerebrales para registrar la actividad cerebral de los participantes. El proyecto materializa las ondas cerebrales de los participantes en una superficie líquida mediante imanes.





Ward Shelley & Alex Schweder - In Orbit, viviendo como un hampter


Para poder habitar una vivienda, se requieren un conjunto de sinergias sin las que seria inviable su continuidad. La estructura del edificio, los servicios, el mantenimiento, la energía o el tipo de diseño pueden determinar su funcionamiento.

In Orbit (en órbita), es una instalación espectacular que escenifica el supuesto funcionamiento de una vivienda y sus residentes. Adaptandola a un diseño inusual, un polígono circular o noria que no deja de girar, mientras sus ocupantes tratan de realizar las tareas domesticas comunes en una vivienda.

Fruto de la colaboración de los artistas Ward Shelley y Alex Schweder. La instalación con poco mas de siete metros y medio de diámetro, se convierte en un laboratorio in vivo, donde sus dos moradores a modo de hamster exploran las posibilidades de adaptarse a entornos arquitectónicos desconocidos.




Los dos autores de la performance "habitaron" la estructura circular durante periodos de veinti y cuatro horas durante el mes de marzo de 2014. Encaramados en los extremos opuestos de la rueda, uno situado en el interior y otro en el exterior. Ellos deben coordinar cuidadosamente sus movimientos en tándem alrededor de la vivienda giratoria.


Como un hámster hace girar su rueda dentro de la jaula que "habita" para llegar a ese objeto en particular. En In Orbit ambos artistas tienen que estar de acuerdo en cuanto a la actividad actual, si quieren que la noria siga girar Schweder no puede elegir trabajar en su escritorio mientras Shelley se acuesta en su cama. Eso simplemente no funcionará

Porque sino el frágil equilibrio que representa su convivencia se desmoronaba. La propuesta  In Orbit enfatiza la sinergia y la colaboración necesarias en el día a día. Varios muebles como escritorios, microondas y camas se fijan a lo largo de la circunferencia, proporcionando a los artistas las necesidades diarias que necesitan para comer y dormir. 



Alicia Framis - Screaming Room


Los sonidos que reproducen palabras suelen estar vinculados a un objeto, a un recuerdo a un momento. ¿Pero y los gritos que reproducen onomatopeyas pueden adquirir un volumen reconocible?…


Creada por la artista barcelonesa Alicia Framis, la instalación llamada Screaming Room reproduce los gruñidos, gritos, gemidos o gestos de desaprobación en objetos en algunos casos sorprendentes. La experiencia que combina el arte y aspectos sociológicos del aspecto del humano explora de forma de forma amena la conducta del individuo.  

Compuesta por un micrófono conectado a un software especifico creado por Alicia. Los ruidos y sonidos emitidos por los curiosos que se acercan son impresos en 3D, en función de su volumen, tono, longitud de onda y frecuencia. El resultados son objetos que representan el subconsciente de los participantes y sus deseos.

Bertrand Lanthiez - Sounds of Threads


Utilizando como elementos audiovisuales tan elementales como unas cuerdas que a modo de pentágrama interpretan una partitura, o una tela fina de seda que interpreta una coreografía cuyos pasos están marcados por una melodía digitalizada. 

El artista Bertrand Lanthiez y compositor crea instalaciones interactivas donde el movimiento del objeto se activa, en una suerte de perfomance inmersiva donde la sincronización del sonido  y la iluminación, ofrece una experiencia sensorial donde el expectador pasa a ser un componente mas en su ejecución. 

El propósito de su autor era provocar a los sentidos de los participantes para a partir del movimiento de sus cuerpos, creando una melodía hipnótica colectiva que reflejara su estado de animo. Las perfomances que llevaban por titulo Sounds of Threads Sounds of Threads Experiment fueron realizadas este verano pasado en París y en la capital islandesa Reykjavik. Permitían al espectador formar parte del proceso creativo enriqueciendo su identidad a través de objetos cotidianos y su relación.


Bot y Dolly - Box, los antecedentes de la inteligencia artificial


Coreografía, luz, sonido y movimiento se conjugan como elementos narrativos en la ultima perfomance audiovisual realizada por el dúo artístico Bot y Dolly. Mediante la utilizacion de la proyección de objetos mapeados digitalmente  

Las figuras geométricas adquieren volumen desplazándose en 3D por un espacio neutro. La experiencia se planteo en un formato por la que se dividio en bloques la pieza titulada Box combina la robótica y la tecnología digital. Propuesta a través de lo que describe recurriendo a imagenes cargadas de belleza lírica fenómenos físicos como la teletransportación, la levitación o  la física cuántica.



Consiguiendo crear sugerentes efectos visuales donde la simetría de las imagenes holograficas se funden con la luz y los efectos sonoros. La acción que se desarrolla en una nave industrial es dirigida por uno de los artistas que interactúa dando forma al movimiento en función de la sintonía que se emite en paralelo.

Box cuyo vídeo recomiendo echarle un vistazo pudiendose ver íntegro en el siguiente enlace actualizado recientemente AQUI, explora la síntesis del espacio real y digitales a través de la proyección de mapeo de superficies móviles.

Bot y Dolly es un estudio de diseño e ingeniería digital con sede en la ciudad californiana de San Francisco. Especializado en la automatización, la robótica y la cinematografía. Su planteamiento creativo consiste en avanzar en los procesos técnicos. Aplicandolos como herramientas creativas en diversas áreas audiovisuales.



Nova Giant - Landscape Abbreviated, domesticando el paisaje


En la instalacion Landscape Abbreviated se plantea como un recorrido diseñado siguiendo la directriz de un laberinto, al que su creador el artista Nova Giant añada el movimiento como elemento que la articula suponiendo un obstáculo que visitante a la hora de completarlo.

La naturaleza adopta de esta forma el papel que suele que suele corresponder al ser humano su desproporcionado afán por acaparar los recursos naturales, que la madre tierra le proporciona para su supervivencia. En este caso los elementos móviles aparte de convertirse en un factor lúdico.

Simbolizan la respuesta instintiva de autodefensa que la naturaleza posee. Exhibida dentro del ciclo de expósitivo titulado Wave Hill Sunroom Project Space celebrado en el centro cultural Wave Hill de New York. Las diferentes piezas que componen Landscape Abbreviated presentan un patrón de movimiento.


Autónomo articulado por un sistema cinético que detecta, mediante sensores de movimiento la presencia de humanos dificultando su paso. La dualidad natural-artificial explora ambos contextos a partir del que .desarrollar un argumento donde establecer el status quo. Las jardineras situadas en los extremos de los brazos móviles, están plantadas con musgo recogido de entre las grietas de las paredes que apenas reunen las condiciones para subsistir.

Landscape Abreviatura se comporta como un laberinto cinético que consiste en elementos modulares con vegetación. Creando una experiencia híbrida formada por un paisaje parcialmente domesticado por la incorporación de elementos tecnologicos.


Nova Jiang nacida en la ciudad china de Dalian actualmente vive y trabaja en Los Ángeles. La práctica de Jiang a menudo combina la nueva tecnología y las técnicas tradicionales de creación de arte de maneras desconocidas, y abarca la pintura, escultura, papiroflexia asi como en el ambito publico. Su trabajo conceptualmente se basa en su experiencia como joven inmigrante creciendo en Nueva Zelanda, así como en preocupaciones más amplias sobre el cambio climático y la xenofobia. Sus obras yuxtaponen elementos familiares y formas inesperadas con las que explora la formación de la identidad y nuestras incómodas relaciones con la naturaleza.






Di Mainstone - Human Harp, como suena el puente de Brooklin


La capacidad que tiene el forastero que llega a una ciudad que nunca ha visitado o a la que hace mucho tiempo no vuelve, para descubrir matices que sus residentes habituales no perciben, para ver los monumentos mas emblemáticos con otros ojos. 

Eso es lo que experimento la artista Di Mainstone residente en el Universidad Queen Mary de Londres, cuando en una de sus muchas excursiones por New York descubrió el puente de Brooklin y como simobolizaba algo mas que la unión entre dos orillas. Caminando por su pasarela a través de sus sentidos oía los zumbidos que emitía los cabos de acero que mantiene el puente en suspensión cruzando el East River.

La arquitectura como inspiración musical

Esta sensación sumada a la visión de la estructura del puente fueron la fuente de inspiración, a partir de las que concibió el proyecto Human Arp. Coincidiendo con el 130 aniversario desde la finalización de su construcción la artista en colaboración con la bailarina Hollie Miller y el Instituto de diseño e Interaccion de Copenhague ha creado una instalación inmersiva, que combina la tecnología y la expresión corporal para transformar las vibraciones producidas por la actividad del puente. Interpretando una partitura que traduce los ruidos en melodias, produciendo una banda sonora virtual que cambia la percepcion de los peatones que transitan por el a diario.

Proceso y composición

El arpa humana consta de una serie de módulos digitales, que se conectan a los cabos del puente. Cada módulo esta unido a una cuerdas retráctil insertada al cuerpo de la bailarina. La longitud y el ángulo de la onda en relación con el módulo se mide usando sensores y estos datos se utilizan para controlar el volumen, el tono y la intensidad de los sonidos. Estos sonidos se graban en tiempo real a partir de las vibraciones del puente y sus peatones.

La investigación inicial en torno a calcular la longitud de la onda se baso en su potencia. A través de un interfaz digital magnético, Mainstone encontró una manera de traducir las vibraciones naturales del puente - normalmente innacesibles para el oído humano - en notas audibles, para eso empleo sensores bipolares  de efecto Hall, estos al conmutar entre los estados del imán de salida de acuerdo a la polaridad de su campo magnético pueden detectar su longitud de onda.

Objetivos

Para armonizar toda la documentación sonora capturada del entorno del puente, se vuelca utilizando diferentes paquetes de software de tratamiento de sonido como Max o Arduino Open Sound Control (OSC). Obteniendo piezas tan delicadas como la que se pueden apreciar en el siguiente vídeo, el cual forma parte de un proyecto, por el que su percusora quiere repetir la experiencia aplicándola en otros puentes del mundo, con el propósito de crear una interfaz musical y un fondo documental a partir del que poder trabajar con fines educativos. 

Humanharp from humanharp on Vimeo.


The Musical Torch, arte y música con fines educativos

Como en un organillo el usuario gira una manivela que acciona un carrusel que reproduce a su vez una melodía. En este caso la experiencia interactiva que ofrece The Musical Torch es una instalación fruto de la colaboración de diferentes artistas e instituciones educativas con un propósito común, desarrollar plataformas de colaboración en las converjan intereses  artísticos y educativo.

Presentada en el marco de la edición de 2.012 de la olimpiada cultural Music Nation celebrada en Londres. The Musical Torch se compone de un rodillo que interpreta la partitura creada con las esculturas de las manos de los niños de la Academia San Martin, y un bastidor en donde se imprimen en diferentes colores una pieza de la música popular china, inspirada en la trayectoria del grupo Washed Out.

Diseñada por los artistas Alexander Schnell Sramek , Kevin Yeo, Seung Youn Lee, Amy Wallace y Elisa Magnini. La instalación TMT explora las posibilidades educativas que brinda la  música y el arte a través del juego y la expresión corporal.



Rafael Lozano-Hemmer - Index Pulse, un muestrario de la fragilidad de nuestra privacidad en una sociedad dominada por la tecnologia

Nacido en México del artista Rafael Lozano-Hemmer es un artista digital que desarrolla instalaciones interactivas que se encuentran a medio camino entre la arquitectura, el arte y la experiencia performance. 


Licenciado en química y física por la Universidad de la Concordia en la ciudad canadiense de Montreal. Su trabajo se centra en la creación de plataformas que buscan la participación activa del público mediante tecnología digital y la información que genera. 

Inquietudes que se observan por ejemplo en su instalación Index Pulse, en la que Lozano-Hemmer invita a  los participantes a poner su dedo en un sensor equipado con un microscopio digital de 220X aumentos y uno que mide su frecuencia cardíaca. 


La instalación registra y reproduce en una pantalla escalonada la huella digital y la frecuencia cardiaca del latido del corazón de la persona, añadiéndose una nueva ficha al panel donde se puede consultar los resultados de todos y cada uno de los participantes.
 

Index Pulse es una propuesta de caracter inmersiva, con la que su autor explora los limites de la privacidad que gozamos como sujetos en un entorno social y tecnologico, en el que nuestros datos son objetos de movimientos e intereses especulativos.


Ganador de dos premios BAFTA entregados por la  Academy Awards for Interactive Art  in London. Lozano Hammer esta adscrito al movimiento de artistas multimedia que trabaja en la intersección de la arquitectura y el arte escénico. Fomentando la creación de plataformas para la participación colectiva a partir de dinamicas creativas. 



Allegory - Sheltree


Cada año coincidiendo con las fechas navideñas el Ginebra Light & Trees Festival, una cita en la que presentan proyectos que combinan la iluminación y su relación con la naturaleza en el ámbito urbano, convirtiendo la ciudad Suiza en una exhibición donde el arte en sus múltiples manifestaciones adquieren un carácter lúdico.

Entre la actividades se organiza un concurso informal en el que los ciudadanos deciden cual es la mejor propuesta. En esta edición el proyecto elegido como vencedor, ha sido el presentado por el estudio Allegory y su instalación Sheltree.

Se trata de aprovechar los ejemplares con mayor calibre para adaptandoles una sombrilla que proporciones sombra y protección tanto en los días calurosos como frente a los rigores del invierno. Completando Sheltree integra un sistema de iluminación LED que proporciona luz artificial activándose mediante un sensor cuando se cierne la oscuridad desplegando diferentes colore en función de la estación del años.

Naomi Natale - One Million Bones, una alfombra de un millón de huesos para denunciar los muertos en Africa


El National Mail (Paseo Nacional) en Washington DC, quizás sea el lugar del mundo con mas connotaciones y carga simbólica en términos políticos. Escenario de alocuciones históricas como las realizadas por estadísticas de la talla como Kennedy, Luther King o el mas reciente Barack Obama con su ya celebre "Yes we can". 

Representa por lo tanto el ágora donde se convocar todo tipo de manifestaciones, a través de las que reinvidicar y demandar  sobre una diversidad de causas. Anunciado en 2.011 el proyecto One Million Bones es una propuesta que mezcla el activismo y la expresión artística desde un enfoque colectivo.

Con un fuerte componente social, se trata propuesta gestionada por la artista y activista Naomi Natale, que sensibilizada por los millones de muertes ocurridas como consecuencia de los conflictos y genocidios. Perpetrados principalmente en países africanos con Sudan, Somalia o República del Congo.


Lista a la que se podrían añadir Ruanda o Sierra Leona entre otros muchos. Llevada a cabo el pasado 8 de Junio, los cien metros de ancho con los que cuenta el paseo, se alfombro con un millón de huesos fabricados con diversos materiales. 

Los elementos óseos pertenecientes a diferentes partes del cuerpo tenia un valor economico, precio que oscilaba, dependiendo del material con el que estuviera hecho y de su tamaño. Naomi Natale es una artista que cuenta con una larga trayectoria en una diversidad de ámbitos creativos haciendo desde instalaciones, fotografias, o piezas de arte más formal.


Artífice de The Cradle Project (Proyecto Cuna), una instalación a gran escala con la que pretendía llamar la atención y recaudar fondos para los 48 millones de niños huérfanos que se calcula que existen en el África subsahariana. Naomi ha recibido numerosos premios, incluyendo un TED Principal Fellowship.



One Million Bones es un proyecto que forma parte de la iniciativa El arte de la Revolución, una organización dedicada a aprovechar el poder del arte para inspirar el activísimo. Utilizándola como herramienta con la que atraer y movilizar a las comunidades en torno a un tema específico de justicia social. 

Ofreciendo una forma tangible para que las personas se conecten a través del arte. Esta intervención de efecto masivo y ejecución especifica en el espacio publico, contó con dos experiencias previas realizadas en las ciudades de Alburquerque en el estado de Nuevo México y en New Orleans en 2.011 y 2.012 repectivamente. 

Su realización que contó con la participación de miles de voluntarios, representando a los miembros de las razas y etnias implicadas en los diferentes conflictos a los que pretendía rendir un sentido homenaje solidario. One Million Bones es una instalación de arte que a través de expresiones que se caracterizan por su compromiso social.

Pretende aumentar la conciencia acerca de los genocidios en curso y violaciones de derechos humanos que se siguen produciendo en el mundo de hoy. La pieza visualmente impactante ofrece un millón de estructuras en forma de huesos humanos, realizadas de forma artesanal con materiales como la arcilla, el yeso, elpapel y otros materiales creando un conjunto escultórico que se asemeja a una fosa común simbólica.


Alfredo Omaña, desde el paisaje pictorico al Land Arte como frontera expresiva


El Jardín Encendido (ON) es una intervención que combina materiales orgánicos transformando una estructura interior, en este caso el patio porticado de la facultad de filosofía  Universidad de León en España, y sonidos extraídos de la naturaleza. 


De las teselas de césped que alfombra el claustro arqueado emerge en relieve la palabra ON (encendido), termino escueto con el que se da la bienvenida a los estudiantes y catedráticos. Que de forma inesperada que recorren las instalaciones tratando de evitar pisar la extensión que ocupa la totalidad de la plaza central.

La intervención realizada por el artista local Alfredo Omaña supone la ocupación de una superficie de 311 metros cuadrados. El autor ha jugado con el factor sorpresa, ya que desde la perspectiva de la instalación el observador solo contempla una extensión de césped, es cuando accede a la planta superior cuando se muestra en relieve el termino ON.


Montado en tres días de intenso trabajo, El jardín encendido forma parte de las actividades de la XIX edicion de la muestras El Hall Transformado, pudiendo ser visitada hasta finales de mayo/principios de junio siendo la entrada libre.  El jardín encendido pertenece a una serie en la que el autor trabaja desde hace años bautizada como ArtGarden.



Aunque de forma ordenada la extensión de césped natural coloniza la pieza rectangular ofreciendo una doble perspectiva del enunciado, dependiendo de la posición desde donde se situé el observador. La experiencia se completa con una banda sonora compuesta por trinos de diferentes especies de pájaros.


Como artista plástico, mantiene una actividad regular y continuada durante más de 20 años con numerosas exposiciones nacionales e internacionales. Iniciando su trayectoria en el ambito de la pintura, periodo al que le sigue una continuación en la que explora otras áreas creativas, producto del cual pone a prueba sus límites. Penetrando en territorios que más bien pertenecen al mundo de la escultura, la instalación, la fotografía y el vídeo, siempre por medio de la experimentación de las posibilidades de los materiales. 


Desde los inicios se hace patente la estrecha relación entre el artista y la naturaleza (las constantes citas al arte povera y al Land Art dejan constancia de esta relación) y es aquí donde se desarrolla su discurso, muchas veces cargado de contenido poético. Cómo demócrata de la materia explora la idea de lo inestable, lo efímero y lo ignorado. Y que se puede contemplar en una de sus intervenciones mas notables hasta la fecha, teniendo como escenario el museo al aire libre de La Senda de los Prodigios, emplazamiento expositivo que se puede visitar en el paraje natural de la Sierra de Francia en la provincia española de Salamanca. Espacio en el que Alfredo realiza un conjunto de obras en el que se simboliza lo efímero del paso del tiempo. La intervención que consiste en varias camas ubicadas en diferentes posiciones en el bosque se transforman cubriendose de vegetación.