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La gran manzana de New York es mas que nunca y gracias a los flujos de migración un hervidero de actividad creativa y cultural, un escaparate donde tiene cabida casi cualquier tipo de corriente, tendencia o vanguardia expresiva.

Una de los movimientos mas interesantes es el protagonizado por los hijos de milies de inmigrantes como el ilustrador nacido en la ciudad de Taipei en Taiwan James Jean, cuyo traslado y asentamiento en la gran manzana se produjo a una temprana edad.

Por lo que inmediatamente se integro en un contexto social desconocido pero cuyos principales patrones socioculturales ha sabido incorporar a través de una practica artística, donde sus raíces todavía están muy presentes.

UN ESTILO ENTRE LO ONIRICO Y LA ESTETICA MANGA

Convirtiéndose en un icono de la cultura Pop contemporánea gracias a su polifacetica carrera que abarca desde ilustrador de comic habiendo trabajado para la editora DC Comic, a través de la que ha publicado la serie titulada Fables.

Serie de fábulas ambientadas en un mundo de fantasia donde se mezclan personajes de cuentos tradicionales, con una estetica que por momentos puede recordar a las de los de un genero como el manga.

Gracias a la que ha obtenido hasta siete premios otorgados Eisner Awards, reconocimiento que le ha valido para trabajar realizando proyectos periódicos para una variedad de publicaciones entre los que se puede citar rotativos.

Como el New York Times o magazines musicales como la Rolling Stone, labor que ha compaginado con su carrera como artista plástico, tanto de interior como escarceos en el ámbito urbano. Así como su estrecha colaboración con diferentes diseñadores de moda como Prada.

ILUSTRADOR DE PORTADAS EMBLEMATICAS

Para los que ha participado en campañas realizando cortos de animación o retratos, donde se aprecian los matices de su estilo como ente creativa dotada de una gran versatilidad, siendo comparado con Maxfield Parrish.

Un ilustrador que ejercio su actividad durante la primera mirad del Siglo XX, y que es calificado como uno de los maximo exponentes de lo que se dio en llamar como el imaginario neo-clasico, del que Jean es tan devoto.

Y que sin embargo en su faceta como diseñador de portadas de discos apenas aparece, siendo su colaboración para los dibujos con los que se ilustro la portada del álbum del grupo de Rock My Chemycal Romance titulado "The Black Parade".

Donde mejor se aprecien sus señas de identidad y esa influencia, rasgos que apenas en otras de sus dos colaboraciones mas notables a nivel musical, la primera realizada para el músico de Hip-Hop étnico Talib Kweli.

Una portada austera la del disco titulado "Prisoner of conscious" donde sobre fondo blando imprime su nombre utilizando una tipografía de estilo araba, y con la que Talib reivindica su herencia.

Y su trabajo mas notable hasta la fecha en términos musicales, y que fue un encargo realizado para el grupo de Nu-Metal Linkin Park en 2008 para su álbum titulado "The hunting party", en cuya confección vuelve a utilizar un fondo blanco blanco.

Desde que emerge un guerrero cuyo diseño inspirado en la mitología de su país natal, simboliza el lado mas visceral y agresivo de la música de la banda, narrando la historia de la desesperación de un hijo por conocer la identidad de su padre, y cuya revelación supondrá su fin.

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El polifacetico artista asentado en New York James Jean recurre constantemente a sus raíces de su corta infancia en Taiwan, para ofrecernos un relato poblado por seres mágicos que tratan de convivir con sus peculiaridades en un mundo cada mas homogeneo.

El colectivo formado por menores quizás sea el mas vulnerable cuando son expuestos a situaciones de estrés como conflictos armados o catástrofes naturales, pero a la vez su mirada limpia e inocente les permite conextualizar estos acontecimientos adversos pudiéndolos metabolizar a través de patrones creativos.

Pautas que si se aplican desde el conocimientos y la experiencia y un buen asesoramiento psico-emocional, puede arrojar un resultado muy satisfactorio tanto para el niño que al margen de su voluntad ha tenido que vivir experiencias francamente desagradables. Como para el espectador que desde su posición como ciudadano informado puede obtener una visión diferente sobre acontecimientos que debido a su magnitud y distancia les resulta muy complejo de empatizar totalmente con ellos.

UN MURO DE SUEÑOS Y PESADILLAS DONDE TAMBIEN SE OYEN VOCES DE ESPERANZA

Este es el caso de la ultima muestra realizada por el ilustrador Aitor Saraiba y que se pudo visitar a lo largo de buena parte de 2017 teniendo como marco la totalidad del espacio de la nave numero 11 del centro cultural el Matadero en Madrid. Formato a gran escala que permite al espectador tener una relación inmersiva y por lo tanto mas cercana con los acontecimientos tan atroces (en algunos casos) que representan algunos de los dibujos.

Cuyos trazos brotan de la imaginación condicionada por las escenas dramáticas que han vivido los niños participantes, y que acaparan los sentidos del visitantes como si fueran fragmentos de una pesadilla que te acosa acaparando toda tu atención. Fruto de la actividad previa realizada en la que han participado niños refugiados residentes en el barrio madrileño de Arganzuela además del CEPI (Centro de Participación e Integración del Inmigrante), el CEAR (Comisión Española de Ayuda al Refugiado) y Cruz Roja.

DIBUJOS QUE CURAN EMOCIONES A TRAVÉS DE LA EXPRESIÓN ARTISTICA

A lo largo de las diferentes secciones que componen la exposición titulada El Muro de los sueños y las pesadillas se alternan dibujos coloreados con textos y citas alusivas a los diferentes estados emocionales de las escenas representadas, y que sus autores dependiendo de su óptica y posición en relación al conflicto, manifestaban de forma consciente e inmediata o desarrollaban de forma mas pausada y acompañados por personal especializado donde se organizaron los talleres.

Talleres cuyos antecedentes se remontan a 2.008 cuando Aitor pone en marcha el proyecto Dibujos Curativos por el que su autor ha desarrollado un programa donde a partir de la expresión plástica consigue identificar los traumas provocados por una situación de estrés emocional, consiguiendo exorcizar de alguna el dolor consecuencia de los hechos dramáticos que se han presenciado y reducir las secuelas que de otra forma podrían llegar a engendrar auténticos monstruos

Como novedad para esta ocasión Aitor ha contado con la colaboración del músico Dr. Kurugo que ha compuesto un collage sonoro compuesto por las voces y alocuciones de los propios niños. Característica acústica que refuerza la intensidad y dramatismo de los recuerdos que se describen, inundando el espacio con ecos y voces que se manifiestan actuando como cacofonías de las que resulta imposible abstraerse.

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Elaborada a partir de los 300 dibujos realizados por niños refugiados y en peligro de exclusión social, la muestra titulada El Muro de los sueños y las pesadillas, es un susurro de una secuencia donde la ausencia y el dolor constituyen la realidad de millones de niños de todo el mundo, y sacude la conciencia del espectador provocando un reflexión acerca de la fragilidad de las emociones y su memoria.

Realizando un ejercicio de psicoanálisis la artista Robin Galante, vuelca sobre el papel sus sueños ilustrando su subconsciente. Poblado por infinidad de recuerdos que son producto de combinar las experiencias cotidianas del día a día.

Con otras que subyacen anidadas en los glóbulos temporales de su cerebro y que afloran como pasajes desordenados durante la fase del sueño conocida como R.E.M. Y con los que Robin trenza una narración a veces desordenada otras onirica.

Pasajes o si se quiere flash que al despertar en vez de transcribirlos sobre un folio en blanco como si fuera un diario. Ella como habilidosa dibujante recurre a un bloc de ilustracion para reflejar todas y cada una de las secuencias oniricas de las que ha sido testigo durante la noche.

Donde con trazos infantiles trata de darle un sentido que convierte en verosímil los sueños que en el momento se suceden como imagenes inconexas en su mente. Producto de la inmediatez, cada pieza obedece a unos parámetros concretos donde la mezcla de acontecimientos.

Tanto reales como los que se elaboran en clave de ficción. Se presentan como una madeja que hay que hilar. Algo que Robin realiza empleando lapices de colores con los que la artista redacta un diario único donde registra su universo onírico.

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Leídos como un comic cada tira presenta una estructura donde el comienzo, el desarrollo y desenlace se pueden interpretar de diferentes maneras. Y donde la faceta como músico de su autora marca la pulsion de cada viñeta.

La primera vez que tuve la oportunidad de encontrarme con la fotografías ilustradas del diseñador mexicano Diego Huacuja. Tuve la impresión de que se trataban de caricaturas realizadas in situ, en las que el paisaje urbano servía como decorado a escala real.

Aunque firma con el seudonimo de Deachete. Se trata de historias graficas protagonizadas por personajes representados en blanco y negro, donde sus rasgos faciales se difuminan como su identidad liquida, en una realidad en la causan el asombro de la gente que se cruza con ellos.

Que muestran una expresión que se caracteriza por su estupor. Debido al comportamiento obsceno que exhiben sus personajes, los cuales nos describe una sociedad sórdida donde los valores humanos se han consumido siendo sustituidos por automatismos sociales extraídos de la ficción.

Aunque su línea principal de trabajo es la ilustración y la animación. Desde que estableció su estudio de animación en la Ciudad de México en 2010, ha coqueteado con otros ambitos creativos, trabajos que le ha aportado una experiencia gracias a la que ha desarrollado una identidad propia.

Si renunciar a ciertas dosis de ironía, las tarjetas ilustradas de Diego Huacuja, trazan la cada vez mas tenue entre la realidad y las texturas virtuales. Describiendo los peligros de una sociedad homogenizada por procesos multimedia donde el lenguaje y el argumento se reduce a gestos convencionalismos sociales convirtiéndola en una parodia.

A lo largo de estas casi dos decadas de trayectoria su trabajo galardonado ha sido reconocido individual y colectivamente en el ámbito nacional y festivales internacionales de diseño y animación como Promax BDA, New York Film Festival, Siggraph, Festival de Cine Contemporáneo de México (FICCO, 2008), Animacor, Telly Awards, SXSW Film Design Awards o el Cut Out Fest.

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Si arquitectos como Aalto, Le Corbusier o diseñadores como Bouroullec, Van Der Rohe o Perriand. Hubieran decidido trasladar sus muchas y variadas ideas, su propia visión en su respectivos campos creativos.

Utilizando como lenguaje de representación el de otras disciplinas artísticas. ¿Cual seria el resultado?. El ilustrador Federico Babina, que a lo largo de su dilatada trayectoria ha dedicado monográficos ilustrados centrándose creativamente en una diversidad de ámbitos creativos.

A través de los que ha trasladado una visión subjetiva de algunos de los iconos y creadores más representativos del Siglo XX. Abarcando un amplio bagaje de lo más representativo de la cultura contemporanea, sobre occidental.

Mantiene la percepción de que los objetos actúan como un publico silencioso, al que en determinados momentos recurrimos con el propósito de cubrir nuestras necesidades. Ya sea en terminos estéticos, decorativos o simplemente funcionales.

Habiendo aportado a nuestras anodina vidas cierto grado de confort, el cual ha mejorado sustancialmente la percepción de lo que somos, tanto en términos individuales como colectivos.

Reflexión sobe la que Babina ha realizado en base a una selección de creadores una representación ilustrada, con la que Federico ofrece su propia versión. La serie titulada Archidesign recurre a un lenguaje creativo donde predominan los tonos fuertes y dramaticos, con los que el autor recrea algunos de los motivos que en su momento se convirtieron en iconos del diseño y la arquitectura.

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Archidesign esta inspirada por la admiración de su autor el ilustrador Federico Babina, hacia algunos de los mas grandes diseñadores y arquitectos que durante el siglo XX. Contribuyeron con su práctica e ideas a crear espacios de convivencia más humanos y habitables.

Los personajes que crea el ilustrador Lucas Leviatan, son el clásico invitado que no se espera. Pero que nocturnidad y alevosía se acoplan a la mesa para degustar las viandas que con tanto esmero has cocinado.

Realizados en la mayoría de ocasiones como caricaturas en blanco y negro. Lucas lo introduce con toda naturalidad como si fueran polizones en fotografías de época, o formando parte de escenas mas cotidianas.

Con las que en un momento todos y cada uno de nosotros nos podemos sentir identificados. Muestras domesticas en las que estos invitados casuales sin embargo se adaptan como si formarán parte de nuestro grupo de amistades de toda la vida.

Incluso logran arrancar nos una leve sonrisa complice, sobre todo en aquellas ilustraciones. En las que la acción transcurre en situaciones más íntimas, como por ejemplo cuando cepillandote los dientes en el cuarto de baño o te desperezar en la madrugada, dispuesto a emprender otra ardua jornada de trabajo.

Denominadas como Photo Invasion cada foto nos muestra su antagonista en forma de ilustración, creando un fuerte contraste entre la realidad y la ficción protagonizada por caricaturas orondas y con un toque naif.

Se trata de composiciones que utilizando un lenguaje próximo y reconocible, que recuerda a las tiras de humor. Se caracterizan por su fina y sutil ironia, realizados en tonos neutros. El aspecto bonachón de sus personajes transmiten cierto aire de inocencia.

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Ganador del ultimo certamen Fairy Tales cuyo fallo se dio a conocer a mediados del mes de Marzo. La serie titulada Empty realizada por un desconocido Zigeng Wang, finalmente se alzo con el primer premio.

Entre las mas de 1.200 propuestas que concurrían a esta edición. Inspiradas en momentos extraídos de la infancia del autor. Su autor nos describe una arquitectónico distopica, compuesta por cuatro ilustraciones en las que se nos muestra un modelo donde predomina un urbanismo claustrofobico donde el exceso de industilización condiciona los habitos de sus habitantes y sus relaciones.

Organizado por Blank Space. Se trata de un concurso dedicado a mostrar trabajos de carácter artístico, relacionados con la arquitectura y el urbanismo. Trabajos que tras ser seleccionados con posterioridad se organizan exhibiciones de carácter colectivo, recogiendo en un libro que se puede adquirir a través de su web.

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Realizada poco antes de que su padre murió Empty, se nutre de la confusión y el vació convirtiéndose en un diario donde el autor vuelca sus emociones

Creada por el estudio de diseño científico Pelopantón, en la serie titulada se representan algunas de las especies mas amenazadas que todavía habitan el planeta.

En las ilustraciones que predominan los grandes mamíferos, se representa la cabeza de cada especie recogiendo en su enunciado su denominación científica. La serie reproduce especies de los cinco continentes como el Lince que posee sus principales colonias en Europa, o el Rinoceronte o el orangután cuyas principales poblaciones se encuentran en África.

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Con el objetivo de concienciar sobre algunas especies, que por su valor medio ambiental se encuentran al borde de la extinción. La serie muestra los bustos de algunos de estos animales

Fundiendo las representaciones de diferentes partes del cuerpo humano, con especies del reino vegetal en un tono muy psicodelico. El artista Travis Bedel realiza detallados mapas de anatomía dedicados a mostrar diferentes partes del cuerpo humano.

Pero no como lo suelen habitualmente los libros de medicina a través de los futuros medicos, aprender como funcionan la totalidad de órganos que conforman los diferentes sistemas que lo hacen viable. Sino que Travis contempla ese mismo cuerpo a través del que la doctora adquiere conocimiento.

Diagnosticando, analizando e identificando posibles síntomas que obedezcan a una intuición y coorroboren una hipotesis. A partir de la prescribir una pauta con el fina de sanar esa dolencia o desequilibrio organico. Sino que Travis lo contempla como si fuera un paisaje natural.

O más bien y mejor dicho como un verjel rebosante de vida y colo. Composiciones más o menos detalladas, en las que destacan por la percepción que se podría definir como un tanto surrealista que nos trata trasladas, de lo que para el representa el cuerpo humano.

Por ejemplo el aparato cardio respiratorio es representado como un jardín donde cada función, es un elemento de un paisaje concreto. En otros collages el reino vegetal comparte protagonismo con miembros del reino animal, cuya presencia nos resulta familiar en nuestro contexto cultural.

Más conocido como Bedelgeuese, sus trabajos diseccionan el cuerpo humano trasladandolo visualmente a un contexto natural, con la que construya una narrativa lúdica y poética a la vez.

Las ilustraciones de Travis plantean el dilema entre una óptica ecológica como modo de relacionarnos con nuestro entorno natural. En contraposición con la visión unilateral, etnocentrista y relativista, que parece que se ha impuesto en la actualidad. Alejándonos del origen y ancestral que compartimos con el resto de las especies que habitan el planeta tierra.