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Dariusz Klimczak, paisajes monocromaticos surrealistas colgados en el tiempo


Formado como artista plástico Dariusz Klimczak ha conseguido hacerse un prestigio como fotógrafo freelance, actividad con la que adquirido los conocimientos necesarios y que combina con su labor periodística en una fecunda trayectoria. 

Apasionado por la naturaleza, faceta en la que ha mostrado contar con una diversidad de recursos y habildades,  muchas de sus fotografías son producto de instantáneas de paisajes que captura en el transcurso de las numerosas excursiones que realiza por los alrededores de la localidad polaca de Leba, donde reside con su familia. 

Nacido a finales de la década de los años sesenta del siglo pasado en la localidad de Sieradz, una ciudad en el centro de Polonia, Klimczak cuenta con una carrera profesional que cubre tres decadas. A lo largo de este tiempo ha creado una identidad propia, sus comienzos fueron precoces mostrando grandes cualidades que perfeccionó en su periodo de formación en la Escuela de Arte Zduńska Wola. 


SUS FOTOGRAFÍAS SURREALISTAS SON ODAS AL TIEMPO

Aparte de su labor como fotógrafo ha trabajado como pintor, y periodista freelance. Antes de centrar su atención únicamente en la fotografía. Ciertamente se puede observar esta experiencia en otros ambitos en su trabajo fotográfico.

En cuanto a las técnicas que emplea su favorita es el filtro monocromático, la cual aplica de forma recurrente en sus trabajos. Con el que les da a sus imágenes una sensación de simplicidad y extrañeza que involucra al espectador en una historia no lineal que combina ironía y significados volatiles. 

Está mezcolanza puede atribuirse en gran medida a su yuxtaposición de objetos y figuras cotidianas y reconocibles con paisajes vacíos, como desiertos y extensiones de campos de cultivo. Creando imágenes que no tienen restricciones en términos de imaginación vinculando inextricablemente su práctica con el movimiento surrealista.


Aunque en su porfolio predominan las fotografías en blanco y negro, sus habilidades para manipular cuidadosamente paisajes hasta convertirlos en surrealistas, a los que de forma sutil añade elementos domésticos y objetos cotidianos con los que reinterpreta el paisaje humanizandolo. 

La secuencia recurrente de figuras y formas complejas, incluye esquemas visuales irregulares y patrones donde la limpieza de la perspectiva simétrica contextualiza la escala del terreno donde se narra la acción. Cada imagen monocromática presenta un vasto paisaje que se extiende y profundiza en una visión a veces desoladora, donde el paso del tiempo prevalece relegando cualquier otro vestigio material al terreno de lo desconcertante. Patrones geométricos se alternan con elementos naturales, provocando que la imagen llegue a adoptar una escala panorámica dotando de profundidad a la fotografía que se extiende abarcando todo el contexto visual.


Karl Philips - The Good, the Bad and the Ugly


The Good, the Bad and the Ugly fue una experiencia desarrollada a lo largo del año de 2.012, con la que se pretendía aprovechar los soportes publicitarios que nos encontramos en cualquier gran ciudad, destinándolos a crear una comunidad compuesta por artistas nómadas.

El proyecto dirigido por el también artista belga Karl Philips, estaba compuesto por tres remolques construidos con los restos de vallas publicitarias, que tras ser reciclados se constituía en el material con el que fabricaban las casetas que albergaban y en la que ejercían su actividad los artistas.

Cada una de las tres unidades reunía los elementos imprescindibles que le permitían su autonomía, permitiendo planificar iterinarios que abarcaron la totalidad de Bélgica. Ciudades donde la caravana realizaba escalas temporales mostrando las obras realizadas.

Cada modulo conserva la estructura piramidal original que presenta el soporte publicitario, adaptando el espacio interior con el mobiliario preciso que facilite su habitabilidad. Modificando los laterales secundarios, practicando en uno de los extremos el acceso que da acceso al interior de cada cabina y en su opuesto, los ventanucos y las salidas de aire.

Karl Philips (1984) es un  activista y artista conceptual belga que vive y trabaja en Hasselt, Bélgica. Él está especialmente interesado en los márgenes de los fenómenos sociales y los enfoques que genera, centrándose en temas  legales, económicos y comunitario y su relación con la publicidad, el capitalismo y el consumismo.



Meinero Architects - Segni


Realizadas con materiales las siluetas adosadas a las cornisas de una calle de la localidad italiana de Cuneo en Italia, reproducen algunos de los gestos formales que solemos utilizar en nuestras relaciones sociales con los empalizamos, expresando sentimientos, saludos e ideas...

La instalación Segni (signos) firmada por el estudio de arquitectura Meinero Architects, utiliza el espacio publico y su paisaje arquitectónico, como espacio narrativo, a partir del que articular una comunicación visual por el que implicar activamente a los transeúntes que se identifican con las diferentes señales de forma instantánea, independientemente de su origen o del idioma que hable.

Creada con motivo de la ultima edición de la semana de arte urbano ZOOart 2013, y cuyas actividades giran en torno al concepto de la comunidad en el ámbito publico. Las siluetas suspendidas salen al paso de la gente estableciendo una comunicación no verbal enriqueciendo la relación que mantiene con su entorno. 

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Beals + Lyon Arquitectos - El jardin de los senderos que se bifurcan, una solución mixta que integra el paisaje en la ciudad


Integrado en el parque Araucano situado en el centro de Santiago de Chile,  El jardín de los senderos Que se bifurcan conserva su identidad propia reformulando el paisaje donde se asienta.

Un espacio singular que crea un microcosmos autónomo, donde el agua es omnipresente, siendo el gran protagonista y el principal elemento que define el conjunto. Un proyecto firmado por Beals + Lyon Arquitectos que ha sido merecedor de uno de los galardones en el prestigioso certamen Young Architects Program en su ultima.

Evento en el colabora el MoMA de New York. Convocatoria que  busca propuestas innovadoras, mostrando talentos emergentes en el mundo de la arquitectura. Y que para esta edición su jurado estimo que la forma de contemplar y abordar la incorporación del paisaje dentro del edificio presentada por Bear.


Que consiste básicamente en el diseño de tres pabellones construidos en madera era realmente innovadora en su ambito. Tres volúmenes que se convierten en zonas autónomas, donde los usuarios acceden tras recorrer las pasarelas que los unen. En cada una de estas áreas un estanque central distribuye el espacio.

Estando dominado cada área por un cenador que cubre parcialmente la estructura de madera, facilitando la discrepción de sus ocupantes. El agua que esta presente en todo el recinto contribuye a crear un micro-clima único, regulando la temperatura tanto en el interior de los pabellones como en su exterior.


El usuario se adentra entre sus vericuetos recorriéndolo como un laberinto. Siendo consciente de que es practicamente imposible extraviarse, pues tiene como referencia visual la presencia de los pabellónes, siendo un lugar ideal en el que descansar y tomarse un refrigerio mientras los niños juegan.


La vegetación es el otro elemento que define El jardín de los senderos Que se bifurcan. Compuesta por por una selección especies pertenecientes a la flora local. Entre las que predominan las mazorcas de maíz, que rodeann los pabellónes en su practica totalidad, creando paredes que definen el lugar de paso cuyo piso está fabricado con madera reciclada proveniente de andamios. 


II Feria de Energía Mundial Libre, conocimiento y democracia energética

La figura de Nikola Tesla es alargada décadas después de su muerte, su legado ha logrado conservarse, heredando su conocimiento sobre el funcionamiento y transmisión de la energía a las sucesivas generaciones, que lo transmiten a través de las numerosas asociaciones y colectivos que funcionan como cuerda de transmisión de sus teorías y descubrimientos tecnologicos y energéticos. 

Inspirada por su figura, la plataforma de Grupos de Trabajo de Energías Libres (GTEL) organiza la II Feria de Energía Mundial Libre, un encuentro abierto al publico en general, que a partir de un calendario de actividades relacionadas con el funcionamiento y conocimiento de la energía,  pretenden democratizar el acceso a la energía compartiendo su información y usos.

Las jornadas que combinan a partir de actos lúdicos, demostrativos y reinvidicativos, se caracteriza la participación activa del publico asistente. El programa compuesto por charlas, talleres, demostraciones... Se desarrollaran los días  13 y 14 de Julio en las instalaciones del Centro de Educación y Participación Ambiental Joven La Pollina en la localidad madrileña de Fuenlabrada en España.

El colectivo GTEL que ya organizo la primera edición de la feria el año pasado, esta compuesta por miembros cuyo vinculo y objetivo principal es el fomento del conocimento de las nuevas fuentes de energía y su divulgación entre la población en general con el propósito concienciar sobre la importancia de la autonomía energética. 

Fundado en 2.011 el colectivo GTEL cuenta con una amplia experiencia en la organización de actividades en la que muestran el funcionamiento de energías como; el hidrógeno, la propulsión por repulsión magnética, la energía radiante, el electromagnetismo o la trasmisión de energía inalámbrica. Contando con una extensa e interesante hemeroteca compuesta por material audiovisual en su canal de Youtube, donde muestran de forma didáctica y amena el funcionamiento de sus prototipos e inventos.
 

Tom Sanfords - Saints of the Lower East Side

Para su primera intervención en el espacio publico el artista plástico Tom Sanfords con sede en New York, recurre a la técnica del retrato, disciplina en la que es un experto y por la que obtenido un cierto reconocimiento. Dividido en siete secciones Saints of the Lower East Side reproduce los semblantes de otros tantos artistas.

Cuyo nexo de unión es el distrito de Lower East Side de Manhattan, a este común denominador hay que añadirle otra coincidencia, que sus trayectorias corrieron paralelas al origen, desarrollo y epilogo, del movimiento contra cultural norteamericano.

Realizada en el marco del programa de arte público ArtUp organizado por FABnyc. La exposición al aire libre cuenta con siete retratos pintados y montados sobre un bastidor de catorce metros. Estaba situado sobre el nivel de la calle, en un andamio que ocupa la marquesina del antiguo Culture Centre Street. 

Martin Wong, Joey Ramone, Miguel Piñero, Ellen Stewart, Charlie Parker, Arthur Fellig y Allen Ginsberg. Son los siete iconos de la cultura norteamericana (la mayoría desaparecidos). A los que Tom homenajea se retratan añadiendo elementos que hacen referencia al genero o movimiento al que pertenecieron.


Mackinac, la ciudad prohibida para los coches

Desde que la compañía automovilistica Ford comenzara a fabricar en serie su primer modelo a finales del siglo XIX, el vehículo se ha convertido en uno de los símbolos mas representativos de lo que se conoce como el American way of Life  o el estilo genuino de vida americano. Su posesión proporciona a su dueño estatus y notoriedad frente a los miembros de su comunidad, simbolizando para el ciudadano medio americano entre otras cosas la prosperidad, el progreso y la libertad.

Sin embargo en el país cuna del celebre utilitario existe al menos un lugar donde su presencia esta prohibida. Situada en el lago Huron perteneciente al estado en Michigan se encuentra la isla de Mackinac, territorio que cuenta con una superficie de poco mas de 3,8 millas cuadradas y cuya única núcleo habitado es la localidad de mismo.

Recorrer sus calles asfaltadas de esta ciudad supone para el visitante dar un salto en el tiempo, regresando  a la época del colonianismo americano. Fundada en a finales del siglo XVIII originalmente fue concebido como un fuerte, desde el que las tropas inglesas vigilaban y repelían los ataques de los nativos, además de repeler las frecuentes incursiones de las fuerzas de ocupación francesas.

En la actualidad Mackinac es una apacible villa que cuenta con un censo que ronda los quinientos habitantes, la practica totalidad ocupados  en el sector servicios. Pues la principal fuente de ingresos económicos proviene de la actividad turística, siendo sus principales atractivos turísticos el Parque Nacional de Mackinac, segunda reserva natural por antigüedad de los Estados Unidos, obteniendo su declaración de reserva tan solo tres años después de la Yellowstone. 

La única vía de acceso con la isla es mediante un ferry que la comunica con el continente, ofreciendo como medio alternativo un helipuerto cuyas instalaciones se emplean principalmente en casos de emergencias. Aunque la razón por la que se ha hecho famosa Mackinac, es porque oficialmente es la única localidad de los EE.UU, donde los vehículos a motor han sido objeto de prohibición por parte de sus autoridades.

Siendo sustituidos por el uso de la bicicleta y una flota compuesta por remolques y coches tirados por caballos, que permiten cubrir en pequeños trayectos todo el pueblo. Permitiendo al viajero recorrer su urbanismo  que permaneces practicamente desde su creación, sin preocuparse por el trafico rodado a motor y sus consecuencias directas (el ruido y el olor).

Observando como testigo de excepción edificios cuya arquitectura heredada de la época colonianista esta perfectamente conservada. Aunque no se conocen con exactitud los hechos que propiciaron la normativa por la  que se prohibía circular cualquier tipo de vehículo a motor, si se conoce por el libro de actas del ayuntamiento, las razones por las que en 1.898 el consistorio decidió aplicar esta restricción. Y que tienen que ver con la preocupación de sus habitantes por la seguridad e integridad de sus caballos, debido al incremento de accidentes en los que los equinos se veían implicados, convirtiéndose en las victimas de las imprudencias de los conductores. 

Debido a esta restrictiva normativa la localidad de Mackinac ha experimentado un descenso brutal, en las cifras de siniestralidad producidas en sus calles comparadas, con poblaciones de similares características. Circunstancia que permite pensar que su modelo de movilidad puede convertirse en ejemplo a inmitar en otros lugares.

 

Rafael Lozano-Hemmer - Index Pulse, un muestrario de la fragilidad de nuestra privacidad en una sociedad dominada por la tecnologia

Nacido en México del artista Rafael Lozano-Hemmer es un artista digital que desarrolla instalaciones interactivas que se encuentran a medio camino entre la arquitectura, el arte y la experiencia performance. 


Licenciado en química y física por la Universidad de la Concordia en la ciudad canadiense de Montreal. Su trabajo se centra en la creación de plataformas que buscan la participación activa del público mediante tecnología digital y la información que genera. 

Inquietudes que se observan por ejemplo en su instalación Index Pulse, en la que Lozano-Hemmer invita a  los participantes a poner su dedo en un sensor equipado con un microscopio digital de 220X aumentos y uno que mide su frecuencia cardíaca. 


La instalación registra y reproduce en una pantalla escalonada la huella digital y la frecuencia cardiaca del latido del corazón de la persona, añadiéndose una nueva ficha al panel donde se puede consultar los resultados de todos y cada uno de los participantes.
 

Index Pulse es una propuesta de caracter inmersiva, con la que su autor explora los limites de la privacidad que gozamos como sujetos en un entorno social y tecnologico, en el que nuestros datos son objetos de movimientos e intereses especulativos.


Ganador de dos premios BAFTA entregados por la  Academy Awards for Interactive Art  in London. Lozano Hammer esta adscrito al movimiento de artistas multimedia que trabaja en la intersección de la arquitectura y el arte escénico. Fomentando la creación de plataformas para la participación colectiva a partir de dinamicas creativas. 



Avena+ Test Bed, algoritmo digital en la producción agrícola con fines energéticos

A vista de pájaro los patrones trazados por el tractor del ingeniero agrónomo  Benedikt Groß, podrían interpretarte por cualquier lego en los avanzados métodos de agricultura  informatizada, como una revisión de manifestaciones de la cultura universal como las lineas de Nazca en Perú. 

Pero se trata de un innovador proyecto llamado Avena+ Test Bed, a partir del que se pretende explorar las posibilidades que ofrece la tecnología digitalizada, en la explotación de los recursos agrícolas y forestales, en este caso destinados a la producción de biomasa mediante la que generar energía.

El experimento aplica algoritmos de partición creando un modelo ambientalmente beneficioso para los campos de producción de biomasa    mapeando las diferentes áreas en función de la calidad de sus suelos, obteniendo como resultado un índice estándar, mediante el que el agricultor puede consultar que parcelas son mas idóneas dependiendo del producto a cultivar. 

Estableciendo previamente cual puede ser el impacto para la fauna y la flora de los hábitats sobre los que se interviene, evitando dañar la diversidad y de paso reducir las consecuencias negativas que suelen derivar del exceso que se suele de hacer de los monocultivos, agotando los recursos que ofrece la tierra  y sus nutrientes orgánicos.

La primera cosecha destinada a la producción de biogas sera recolectada en el transcurso de la ultima de Julio. El artífice del proyecto que ha estado trabajando en el proyecto desde primeros de año, contando con la colaboración de RCA, en una región del sur de Alemania conocida como Unterwaldhausen.

 Ha estado registrando datos vía GPS de una superficie total de 11.5, en la que se ha cosechado un 85% de avena y 15% de flores de diferentes especies. El objetivo general del proyecto es estudiar los posibles estos cambios especulando sobre los nuevos modelos que permitirán mejorar las prácticas agrícolas actuales, imaginando sus posibles implicaciones.


Wade Kavanaugh y Stephen B. Nguyen, paisajes de papel


Las raíces de un árbol, las paredes interiores de una cueva o la lengua de un glaciar punto de caer al océano son algunos de los sucesos del entorno natural, en los que se inspiran los artistas Wade Kavanaugh y Stephen B. Nguyen  con sede en New York, para realizar sus voluminosos conjuntos escultóricos.

Realizada con papel de diferentes colores dependiendo del objeto recreado. Se trata de intervenciones donde el espacio se convierte en el contenedor donde la escultura cobra vida extendiéndose de forma orgánica hasta modificar la identidad del mismo. 

Debido a las grande dimensiones y a la mareabilidad del material que se emplea, las estructuras conforman paisajes interiores donde lo surrealista y lo onírico confluyen en una experiencia sensorial que estimula la imaginación del espectador, que siente el impulso de recorrerlas a pesar de que es consciente de que su acción deforma su constitución.

Wade Kavanaugh y Stephen B. Nguyen, han realizado colaboraciones puntuales mientras paralelamente desarrollaban sus carrera en solitario.  Iniciada en 2005, han creado una plataforma común definida por un estilo propio donde el tratamiento colectivo, continuamente re-cuestionan fundamentos visuales tales como la memoria, la percepción y la apariencia del paisaje y sus procesos biológicos.


CODA - Party Wall


Realizado con los restos de la troquelación de cientos de patinetes de skate donados por un fabricante de la localidad de Ithaca, lugar donde también mantiene su sede el estudio de arquitectura CODA, ganador de la ultima edición del concurso Jóvenes Arquitectos (YAP) de Nueva York organizado por el MoMA.

Party Wall, llamado porque su estructura es una replica a gran escala fonema a fonema del termino WALL (muro). Supone una propuesta que pretende conciliar lo estético con la capacidad funcional que tiene los diferentes elementos con los que esta construido para adaptarse a múltiples actividades.

Compuesto por un armazón de acero Party Wall estara instalado hasta finales de Agosto del MoMA. El patrón seguido en la disposición de los restos de los patinetes sobre el andamiaje esta inspirada en los castillos de naipe, pudiendo desprender parte de lo paneles de madera reconvirtiéndolos en mobiliario como mesas, sillas o un escenario donde realizar representaciones.

Distribuidos en puntos estrategico de Party Wall hasta cuatro enormes sacas elaboradas en poliester que iluminan las secciones con diodos. Situada en la parte una canalización por la que discurre un circuito de agua que forma un acueducto que recorre longitudinalmente toda la instalación rellena las piscinas situadas en la base, regando los humificadores con los se consigue crear un micro clima estabilizando la temperatura ambiente en su interior.

La fachada porosa de Party Wall representa una opción donde las partes moviles interactuando con el entorno teniendo la capacidad de tranformandose en función de la actividad programada. Sin por eso suponer un gran desembolso económico ni un gran despliegue de medios tanto humanos como técnicos y materiales.

CODA es un estudio de diseño experimental basado en la investigación y su aplicación operativa en una variedad de situaciones. El trabajo de CODA es una negociación entre la forma su entorno y las tensiones que produce. El compromiso con las complejidades es fundamental para cada estrategia de diseño, la producción de una intervención que es a la vez acción y reacción a un entorno particular. 

Factory Tree, la energía del bosque


Desde tiempo inmemoriales los arboles han aportado a la civilización multitud de herramientas y recursos que se han aplicado en función de las necesidades creadas en cada momento. Esta relación fructífera para ambas parte hasta la actualidad a través de innumerables ejemplos. 

Demostrando que esta simbiosis entre el reino vegetal y animal todavía puede aporta tecnologías imaginativas que facilite el desarrollo sostenible de la civilización y el planeta que lo acoge. El diseñador Adam Shepard en colaboración con el  ingeniero Bill Ballard han desarrollado un innovador modelo de obtención de energía renovable a partir del crecimiento del tronco de los arboles.

El sistema bautizado Factories Tree (Fabrica de Arboles) ha concebido un ecosistema en el que amalgama lo orgánico y lo tecnológico, para crear un modelo de producción de energía a partir del crecimiento de los arboles y de los anillos que como capas se van añadiendo cada nueva temporada. 

El mecanismo que funciona gracias a un dispositivo que como una faja adherido a la superficie leñosa del tronco, extrae la energía producto de la presión que ejercen las paredes interiores del tronco a través de largos periodos de tiempo.

En la actualidad se utilizan los residuos forestales para producir energía a partir de la combustión de la biomasa. Actividad que supone un importante impacto medioambiental, lo que Adam propone a través de la tecnología Factory Tree es aprovechar la energía que se disipa en el interior de los arboles, en el transcurso de su maduración sin atentar a su integridad física.

Adam que esta experimentando con una población compuesta por especies modificadas genéticamente, que presentan un crecimiento rápido. El aumento gradual del diámetro ejerce una presión recogida una banda de cinta conectada a un eje central, la compresión de un pistón interacciona con un cilindro con una capacidad de 15cc y una presión de 300 bar, en el que la energía recogida por inyección dos árboles presenta un volumen de 7.5cc.

 Factory Tree plantea el desarrollo de un modelo de obtención de energía de proceso lento, cuestionando la cultura imperante de producción y consumo  rápido donde son la velocidad y su coste, a menudo a expensas de la industria manufacturera y sus margenes económicos, contribuye al deterioro del medio ambiente.


Hense, geometría y color convierte el espacio urbano en un crisol de vida


Tanto las pinturas como los murales realizados por el artista Hense guardan elementos comunes en su ejecución, compuestas por patrones de figuras geométricas combinadas con símbolos abstractos heredados de corrientes como el cubismo. 

Hense crea patrones simétricos en secciones donde los planos están definidos por colores muy vivos que se solapan mostrando paisajes Pop, donde la arquitectura de la estructura donde se realiza el mural queda reflejada. 

Con sede en Atlanta, las intervenciones de Hense debido a sus grandes dimensiones precisan de la participación de un numeroso equipo de colaboradores. En su ultima intervención ocupa la totalidad de una fachada lateral de un céntrico edificio del barrio de Miraflores en Lima.

Una obra para cuya ejecución se precisaron de la participación de hasta diez voluntarios que se apuntaron altruistamente para colaborar en la realización de un mural. En el que se emplearon 756 litros de pintura látex además de innumerable sprays de aerosol. 


El trabajo de Hense que ha sido objeto de múltiples exposiciones, posee un marcado carácter lúdico. Suponiendo un delicado juego de formas geométricas, líneas y garabatos frenéticos ejecutados con un derrame furioso de tonos pastel saturados. 

Su faceta como creador urbano no es solamente una extensión natural de la herencia visual radical del expresionismo abstracto. Sino que está impregnado de una paleta inspirada en algún paraíso tropical y una singularidad estetica que lo coloca firmemente entre los artistas urbanos con un estilo más personal del panorama actual.

Alex Brewer, también conocido como HENSE, es un artista contemporáneo estadounidense, conocido sobre todo por sus dinámicas, vivas y coloridas pinturas abstractas con las que materializa monumentales obras murales. Brewer, natural de Atlanta (Georgia), empezó su carrera pintando paredes de su ciudad a una edad temprana. Forjandose una carrera aceptando numerosos encargos a gran escala mediante una combinación de técnicas aprendidas a través de la escritura de graffiti y el lenguaje formal de la pintura abstracta. Consciente de que la arquitectura representa en su concepto y proceso de diseño y trabajo algo más que un soporte espacial, Brewer transforma drásticamente sus entornos recreando objetos y superficies existentes e infundiendo su obra en el paisaje existente. 

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