Silvan Audio Workshop. Un tocadiscos inspirado por el sonido de los arboles


Si ayer hablabamos de emplear nuestro entorno natural como una extensión de nuestras vidas, a partir de un hecho luctuoso como es el fallecimiento de un ser humano. Hoy vamos a cambiar de registro y vamos a mostraros un proyecto mas lúdico. 


En el que un emprendedor que  responde al nombre Walter Kent, ha diseñado unos tocadiscos o giradicos. En los que emplea para su fabricación secciones cortadas de un tronco, preferentemente de roble y haya como soporte del plato donde se hará sonar el disco, al posar la aguja sobre el vinilo y trazar sus surcos. 

El proyec
to bautizado con el nombre de Silvan Audio Workshop y que tras su finalizar recientemente con éxito su fase de financiación, a través de una campaña de crowfunding. Nos ofrece una linea de tres modelos que se caracterizan por su diseño elegante y un acabado original y único.


El corazón de cada tocadiscos son los componentes de la marca de prestigio inglesa Rega, que han hecho de su reputación como líderes en equipos de audio de alta gama. Añadiendo un antebrazo que es el resultado de un trabajo minucioso en terminos de ingeniería acustica. El sistema de transmisión por correa está hecho con precisión para ofrecer baja vibración, bajo ruido y velocidad altamente precisa.


Fabricados aplicando tecnicas artesanales, los tocadiscos estan elaborados con maderas nobles. Ofreciendo unas prestaciones de calidad de sonido, que cautivaran a los melómanos mas exigentes.


La madera se selecciona individualmente para cada tocadiscos. Su visión es hacer objetos de arte únicos convirtiéndose en la pieza central de cualquier sistema de entretenimiento en el hogar. En este sentido la reproducción música es única, tiene alma, vida y belleza.


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Capsula Mundi crea un cementerio de arboles como punto y seguido en una vida que se enfrenta a su ocaso


Las connotaciones que se deriva de un fallecimiento y su consiguiente funeral, son diferentes dependiendo del lugar y sus antecedentes culturales.


En occidente lo usual es proceder al enterramiento del cuerpo retornándolo a la tierra. Un proceso que al margen de su componente litúrgico, implica una serie de actuaciones administrativas que ha variado notablemente en los últimos 2.000 años.  

Capsula Mundi es un proyecto por el que sus creadores sustituyen el féretro por una vaina donde se deposita el cuerpo. El que en su proceso de deterioro sirve como nutriente de un árbol que plantado en superficie, se convierte en el huésped del cuerpo. 


Una imagen que aparte de lo romantica y lo sugerente que pueda parecer a simple vista, transforma un acontecimiento normalmente percibido como un hecho dramático y casi contranatura, como un ritual cuyo duelo nos devuelve a la tierra cumpliendo un ciclo que nos renueva de forma organica. Completando un acto de comunión con lo que somos en esencia.


Capsula Mundi establece una relación simbiotica. A partir de los restos orgánicos de un cuerpo, con los que se nutren las raíces del árbol que lo protege y que reencarna de forma simbólica y poética la vida del fallecido.


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Desarrollado por los diseñadores Anna Citelli y Raoul Bretzel la cápsula biodegradable el cuerpo del fallecido en posición fetal, el difunto es enterrado. Como una semilla de árbol sus órganos se convierten con el humus, con el que el árbol crecerá adoptando de alguna forma la imagen del fallecido.

El proyecto Capsula Mundi nace de una reflexión profunda sobre el papel del diseñador en nuestra sociedad. En una cultura alejada de la naturaleza, sobrecargada de objetos para las necesidades de la vida cotidiana y centrada en la juventud, la muerte se suele tratar como un tabú. Creemos que este paso inevitable, tan significativo, no es el final, sino el principio de un camino de vuelta a la naturaleza. Inspirados por estas reflexiones, decidimos rediseñar el ataúd, un objeto totalmente excluido del mundo del diseño, utilizando materiales ecológicos y símbolos laicos y universales de la vida, como el huevo y el árbol.






Trail Marker Tree, los arboles estatua de los nativos americanos y sus mensajes ocultos

Los arboles a lo largo de la historia han servido a la humanidad de infinitas formas, detallarlas aquí seria en este momento un trabajo arduo de documentación casi imposible de abordar. 

Por lo que tan sólo me limitaré a afirmar sin caer en la exaltación ni la petulancia demagoga, que sin su presencia y la utilización parasitaria insatiable de sus recursos. Nuestra civilización hubiera sido inviable, habiéndose extinguido hace miles de años. 


Una de los pocos eventos en los que se ha establecido una relación simbiotica, por la que el beneficio obtenido por una de las partes no ha supuesto la desaparicion de la otra. Es la historia que protagonizan dos especies muy comunes y extendidas en diferentes áreas geograficas de los Estados Unidos como son el arce y el roble. 

Variedades a la que recurrían comunidades asentadas en los que hoy son los estados de Indiana, Ontario, Georgia, Missouri, e Illinois. Y a las que recurrían para diferentes usos.


Trail Marker Tree representan un ejemplo de como emplear la naturaleza y sus elementos, sin por ello alterar sus ecosistemas.

Debido a su capacidad de adaptación a diversos climas y las propiedades de su madera resistente y flexible. Pero en el caso de las tribus nativas que habitaban en lo que conocemos, como los Estados Unidos de America y Canada.



Uno de estos usos tenía como finalidad establecer una especie de código de comunicación entre las diferentes comunidades. Con este fin identificaban los todavía enjutos tallos de arces y robles para darles retorcidas formas.

Con los que crearon un sistema de señales arboleas que denominaron con el nombre de Trail Marker Tree. Con los que los miembros de las diferentes etnias señalizaban el terreno indicando sus diferentes funciones. 

Aunque suelen adoptar diferentes formas, la mas común es la de una zeta volteada noventa grados. Curiosa forma con la que sus autores se comunicaban delimitando su territorio.  La técnica que empleaban consistía en doblar los troncos de los árboles en sus primeras etapas hasta formar un arco.


Asegurándose de que quedara bien amarrados a una estaca clavada en el suelo o en su defecto atarlos a una gran piedra con una correa de cuero o de vid. 

Pasado el tiempo cuando la dirección del tallo había adquirido una textura consistente, se retiraba la brida de restricción dejando que el tronco desarrollara su grosor con toda normalidad y sin presión externa alguna. 

A pesar de que este tipo de practicas se dejaron de realizar hace mas de un siglo, todavía a día de hoy se pueden observar algunos ejemplos en los Grandes Lagos, donde se han llegado a catalogar y realizar un itinerario que visitan cientos de curiosos cada temporada.

Aunque uno de los lugares donde hay mayor concentración  de ejemplares se pueden contemplar es en Starhill Forest Arboretum en Illinois. Donde la hibridación de nuevas especies de roble, así como en la preservación de robles de edad avanzada, da como resultado una variedad de roble blanco que se conoce como Quercus o Pathfinder

Se trata de una sub-especie de roble blanco que posee una gran flexibilidad es una selección, propiedad idónea que le convierte en el mejor candidato para ser moldeado pudiendo adoptar casi cualquier forma.

Los Cherokees creian que serían capaces de regresar a sus tierras ancestrales, leer los mensajes de los árboles, y recuperar sus objetos de valor. Ese regreso por desgracia a día de hoy no se ha producido. Sin embargo su legado todavía se puede visitar casi un siglo y medio después "escrito" en los arboles tallados.

Un árbol intervenido por un miembro de la tribu Iroquoi habría sido diferente de uno creado por un Cherokee o un Navajo. Sin embargo, los árboles habrían sido moldeados de tal manera que fuera evidente que era obra del ser humano.

Vildan Turalic - geschacht (chequered), contempla el paisaje como un tablero de ajedrez


Pañuelos blancos reproducen un escenario que modifica un tradicional paisaje otoñal. Compuesto por una densa población de arboles, de los que se han desprendido sus hojas, cumpliendo con un ciclo vital que se repite cada temporada.

Un tapiz donde se alternan cuadrados artificiales y orgánicos en una matriz híbrida que representa la tensión y la fusión de dos entes antagónicos. Pero de cuya relación se benefician ambas partes en un proceso híbrido y simbiotico.

Y que es representado en forma de un tablero de ajedrez donde las geometrías se anidan en el paisaje. Reflejando la tensión entre su origen ancestral y un mundo cada vez más artificial dominado por los elementos tecnologicos. 

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Realizada por la artista serbio Vildan Turalic emigrado a Austria en 1.992. En geschacht (chequered) utiliza diferentes técnicas para actuando sobre el territorio transformarlo en una versión de matrix.

En el cual el paisaje se comporta como una entidad que se adapta a un entorno dominado por la incorporación de expresiones más elaboradas . Consiguiendo un efecto visual de profundidad ampliando el paisaje. 



La obra de Tuaralic se basan en una estética minimalista que deriva de ver lo poético en lo cotidiano. Esta óptica la traslada en términos creativos empleando una diversidad de motivos repetidos tales como líneas serpenteantes, espirales, círculos y agujeros.


Nacida en la ex-Yugoslavia, en la ciudad de Gradiška en Bosnia y Herzegovina. Tuvo la oportunidad de emigrar a Austria en la primavera de 1992. Donde estudio en la escuela técnica superior de gráfico y diseño. Formación que alternaba con su trabajo en Linz.






Lightning Boy - Le Gouffre


Aunque se conocieron en 2.009 no es hasta tres años después cuando los también tres fundadores del estudio Lightning Boy con sede en Montreal. Consiguen reunir el capital suficiente con el que poder trabajar en su primera producción.

Un parto largo y de embergadura pese a ser un cortometraje, ve la luz a comienzos de 2.014. Y que enseguida llama de programadores de todo el mundo, exhibiendose hasta en cuarenta festivales tanto dedicado al genero de la animación como de carácter mas generalista, donde cosechan numerosos premios en diferentes categorías.

Y es que reune Le Gouffre es una historia que reune todos los ingredientes con los que entretener y estremecer al mismo tiempo al espectador. Léase épica, acción, compañerismo, lealtad, espíritu constructivo...... Todo aderezado con unos muy acertados efectos especiales.

Que sirven para narrarnos la aventura de dos intrépidos exploradores, que en un determinado punto de su viaje y debido a causas de fuerza mayor. Tienen que decidir entre retroceder renunciar a seguir con su periplo, o embarcarse en una gesta a un mayor, con la que poder construir un puente con la que salvar la distancia que separan ambos extremos de una garganta y su abismal precipicio.

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Ambientado en un entorno rural Le Gouffre los protagonistas logran con su esfuerzo y tenacidad, superar los recelos y perjuicios que entre los lugareños despiertan su presencia

Le Gouffre from Lightning Boy Studio on Vimeo.



John Gerrard - Solar Reserve, la estampa creativa de un futuro solar prometedor


Formada por diez células solares, el conjunto de las placas son mostradas en cada una de las fotografías que componen la serie Solar Reserve.

Nos muestra un ángulo concreto de una central por concentración solar situada en las proximidades de la localidad de Tonopah en el estado de Nevada.

Y cuyas instalaciones producen energía con la que se cubren las necesidades de 70.000 hogares. Realizadas por el artista visual  John Gerrard las instantáneas tratadas digitalmente forman parte de una instalación. 


Con la que su autor reproduce el funcionamiento de la central a lo largo de un periodo de 365 días, o lo que es lo mismo un ciclo anual.



Se trata de una vídeo instalación a gran escala, que combina la tecnología y el arte, con un objetivo didáctico y divulgativo.



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Expuesta por primera vez en el Lincoln Centre de New York a finales de 2.014, la obra simula los movimientos reales del sol, la luna y las estrellas en el cielo, tal y como aparecerían en el sitio de Nevada. Con los miles de espejos ajustando sus posiciones en tiempo real según la posición del sol.


 


Paula Hayes expone Gazing Globes, mundos creados en burbujas de cristal


Cada una de las 18 esferas que compone la intervención Gazing Globes, representa una escena vinculada a un paisaje de cada una de las cuatro estaciones que forman parte de nuestro calendario climatológico.


Instalada en el área dedicada a las exhibiciones al aire libre del Madison Square Park de New York. Se trata de la primera instalación al aire realizada por la artista Paula Hayes. que tiene el espacio público como campo de operaciones creativo.

Actuacion que para ella que viene de exponer en galerías y espacios academicos, ha supuesto todo un reto, y que ha superado de forma notable. Otro aspecto a resaltar es que con Gazing Globes actualiza la selección estéticamente la composición de los materiales que emplea, seleccionados teniendo las bajas temperaturas que padece la ciudad en estas fechas.

Cada globo transparente iluminado desde el interior cuenta con una mezcla de piezas analógicas extraídas de radio viejas, tubos de vacío de vidrio, micro esferas, neumáticos triturados, y restos de plástico reciclado. 

A estos restos mezclados de la tecnología y la cultura POP, la artista añadió cristales y minerales. Un polvo de hadas brillante hecho a partir de CD pulverizados. Los cuales sirvieron para crear microcosmos autónomos a través de los que el observador puede aventurarse en su interior abarcandolo con la mirada.

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La artista Paula Hayes, que habitualmente trabaja con variedades de materiales vegetales, en Gazing Eyes apuesta por las soluciones artificiales. Con las que describe fragmentos extraídos de la naturaleza.



Michael Hansmeyer - The Sixth Order, la columna digital multiplicada en un espacio casi infinito


Aparentemente todas y cada una de las nueve columnas realizadas por el artista Michael Hansmeyer, presenta una identidad única y autónoma. Pero sin embargo debido a la aplicación de un algoritmo informático si se reunen forman un todo sólido y uniforme.

Aunque no es la primera vez que emplea herramientas digitales para reproducir formas arquitectonicas, cuyos mecanismos y modelos de construcción eran digamos casi artesanales. Si es la primera ocasión que tiene la oportunidad de emplear una impresora 3D en un proyecto de gran embergadura.

Presentada en la Bienal de Diseño de Gwangju en Korea del Sur en su edición de 2011. La instalación aborda el desarrollo de un orden de columnas basado en procesos de subdivisión. Explora como la forma puede definir y embellecer con un elaborado sistema de ornamento dideñado por ordenador. 




Este enfoque cambia la percepcion que se tiene del objeto como algo único y singular pasando ha convertirse en un conjunto uniforme que se pueden generar siguiendo un patrón de clonacion. En este sentido al entrar en la sala de exposición el espectador percibe en primer lugar dieciséis columnas. Este efecto, creado por el uso de dos espejos crea la sensación de multiplicidad abarcando todo el espacio desorientado al espectador que en ningún momento se percata del juego visual en el que está participando.


Esculpida con mas de 16.000.000 millones de pliegues, cada columna realizada con plástico reciclado prensado presenta una morfología diferenciada. Inspiradas por las columnas dóricas que se empleaban en la antigua Grecia, cada columna esta compuesta por dos mil setecientas capas. 

Cortadas y apiladas en torno a un núcleo de madera, que le proporciona el equilibrio necesario. Bautizada con el categórico nombre de The Sixth Order (el sexto orden), el conjunto escultural es la continuidad, que tuvo su antecedente en otra instalación presentada en 2.011.


The Sixth Order es una experiencia que combina la practica arquitectónica, la estética artística y la sociología. Donde la unidad se transforma en conjunto desde su singularidad.


Y que difería en el material con el que estaba realizada. Empleándose cartón tratado con resina y con las que su autor marca una trayectoria en la que evoluciona modificando la selección de materiales y en el perfeccionamiento de cada propuesta.

    
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Zalewski Grupo de Arquitectura, construye una pasarela verde al vació


Suspendida de una de las cornisas en un patio interior de un edificio residencial, una construcción antigua en la localidad polaca de Gliwice. La pasarela que colgada sobre el vacío completa una trayectoria circular se muestra como un elemento surrealista.

La estructura instalada recientemente no cumple ninguna función más allá de lo estético y ludico. Ajeno a la estructura arquitectónica del edificio se trata de una pasarela diseñada por el estudio Zalewski Grupo de Arquitectura.

Según su autor su consecución es el resultado de las consecuencias de las altas temperaturas y el calor. Y de no disponer de salida exterior en la vivienda, así como de una infraestructura que permita instalar aire acondicionado. 


Convirtiéndose en un vía verde alfombrada con césped natural, desde la que abstraerse o meditar un momento antes de reincorporarse a tu monótona actividad. Fabricada con metal pulido. 
La pasarela verde presenta una anchura de ochenta centímetros estando equipada con un circuito de riego por goteo que garantiza su mantenimiento.


El pasillo con dos brazos que parten de un saliente en la pared. Trazan un recorrido circular que actúa sobre el entorno y sobre el que la recorre de forma beneficiosa para ambas partes.

El equipo de arquitectos que forman parte de Zalewski Architecture, compaginan sus proyectos en el estudio con una Intensa labor como docentes en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Tecnológica de Silesia

Se trata por lo tanto de un elenco de profesionales con vocación formativa comprometid tanto con la experiencia educativa, así como la aplicación de un riguroso enfoque arquitectónico a los encargos que aborda.

Ese es un enfoque de trabajo que trata el proyecto como una unidad indivisible y al mismo tiempo busca soluciones que lo hagan sugerente estéticamente y visualmente. En este sentido la miriada de conocimientos prácticos y teóricos, así como la cooperación a largo plazo con especialistas externos permiten ofrecer las mejores soluciones y asesoramiento experto en cada etapa de la cooperación.

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OZAETA-FIDALGO - The Pop-Up House, una alternativa contra la escasez de vivienda en las grandes ciudades


Los problemas de superficie habitacional, sobre todo en las grandes ciudades cada vez es mas acusada. Esta circunstancia sumada a la demanda de vivienda en el centro de las principales urbes.

Impide que una mayoría de los potenciales propietarios puedan aspirar a poseer una vivienda, teniendose que desplazar hacia la periferia. Lo que propicia entre otras cosas que el centro se densifique. Para corregir estos déficits se articulan políticas de urbanismo que consisten en aplicar la construcción en vertical como estándar arquitectónico.


The Pop-Up House es un infraestructura doméstica que se centra en incorporar elementos moviles (como las particiones interiores, tuberías de abastecimiento y conductos.) persiguiendo la optimización de su acústica, su aislamiento y sus características organizativas y conectivas de los elementos arquitectónicos


Otra de las opciones que cada día tiene mas adeptos, es la que representan las soluciones de diseño interior, que se caracterizan por su modularidad y flexibilidad optimizando el espacio disponible de forma practica. El estudio de diseño TallerDE2's ha creado una colección de mobiliario que inspirándose en los antiguos baúles de viaje racionalizan el espacio de forma practica e intuitiva.


Fabricado con materiales ligeros cada sección que compone The Pop-Up House, esta concebida con el objetivo de ahorrar el máximo espacio posible, ordenando de forma practica practica los enseres y objetos de sus usuarios. Conectándolo con el resto del mobiliario de la vivienda que se integra creando un mecanismo residencial donde la precisión en su funcionamiento, optimiza los recursos del conjunto de la vivienda.

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Arantza Ozaeta y Álvaro Martín Fidalgo son arquitectos que combinan la práctica profesional con la académica y la investigadora. Fundaron en 2023 el estudio OZAETA-FIDALGO Arquitectos -antes conocido como TallerDe2- establecido en Madrid desde 2008. Conciben su trabajo como una práctica colaborativa, reuniendo equipos de trabajo con miembros cuyos diversos orígenes contribuyen a lograr proyectos de alta calidad con resultados responsables para una vida feliz. Sus intereses se centran en la exploración de la arquitectura como vehículo de regeneración urbana, cuidado intergeneracional y desafíos socioambientales, desarrollando iniciativas en colaboración con agentes privados, municipales y territoriales en un compromiso permanente con la práctica innovadora.



Taranta Creations - Park Eolic Shangai, mobiliario urbano que fomenta el uso de la energía verde entre los niños


Instaladas en uno de los numerosos parques que se construyeron con motivo de la celebración de la exposición universal, que tuvo como escenario la ciudad china de Shangai

Las turbinas eólicas diseñadas por el estudio  Taranta Creations, se presentan como un elemento dinámico en el espacio publico. Cocebidas con divertidos y brillantes colores, el mobiliario actúa como un parque infantil donde los niños tienen la oportunidad, de conocer como se produce energía de origen eólico.

Fabricado con materiales no lesivos, cada modulo reproduce una figura geométrica con las que sencillo identificarse. Coronado por turbinas eólicas las estructuras situadas en lo alto de una ligera pendiente redibujan el paisaje urbano, pudiéndose divisar desde cualquier punto del parque.


La idea sobre la que se basa el diseño del conjunto de pabellones es fomentar el consumo de energía de origen renovable entre los mas pequeños. Para cumplir con este objetivo Taranta aplico un diseño que combinara aspectos lúdicos a la vez que accesibles para esta capaz de la población.


Las esculturas están diseñados como pequeños pabellones. De esta manera se crea una referencia a los antiguos pabellones de té Fengkafei chino, que siempre han sido pequeños centros con fines  recreativos y sociales. 



Taranta Creations es un estudio dedicado a la arquitectura y el interiorismo contando con una abundante cartera de clientes. Fundada por Enrico Taranta, arquitecto italiano, en 2008. Más tarde, Julia Xu se unió como socia. Sus trabajos de diseño cubren residencias y villas particulares asi como espacios comerciales, hoteles y boutiques.



Kanał Elbląski, navegando en tren por un rió en Polonia


Considerado el canal mas navegable mas largo de Polonia, el trayecto entre las localidades de Elblag a Ostroda. Aparte de ofrecer una panorámica excepcional de los muchos y variados paisajes del interior del país.

Da la oportunidad al viajero de realizar uno de los transbordos entre tipos de transporte mas singulares que se pueden hacer a dia de hoy. A pesar de que la mayor parte de su caudal es navegable. En un determinado punto de su recorrido el usuario sorprendido observara como la barcaza donde se ha embarcado, deja atrás el curso del rió. 


Inclinándose ganando terreno mientras asciende por una vieja linea ferroviaria que le distanciara por unos instantes del curso del rió. Con una distancia de diez  kilómetros el tren anfibio cubre el trayecto entre Druzno Lake y Piniewo Lake.

Debido a la excesiva diferencia en el desnivel que debe salvar, no era posible construir esclusas que permitieran nivelar el terreno. En lugar de ello, se empleó un ingenioso sistema de planos inclinados donde los barcos se elevan fuera del agua y se instalan sobre raíles permitiendo su circulación.


Con una antigüedad de mas de siglo y medio, la vía férrea en su origen estaba destinada a transporte de activos agrícolas. Que tras permanercer en desuso ha sido reformada entrando en funcionamiento como instalación turística, que debido a su atractivo turístico ha sido declarado monumento de interés general por la UNESCO

El primer barco cruzó el Canal el 31 de agosto de 1860 de Ostróda a Miłomłyn. Las obras continuaron, sin embargo, y el canal se abrió para el transporte de carga solo un año después, el 28 de octubre de 1861. Debido a la época del año, muchos barcos no lo utilizaban en ese momento. El canal fue inaugurado oficialmente en la primavera de 1862.

Parte del Canal, desde la compuerta en Miłomłyn al lago Drwęckie, fue originalmente llamado el Canal de Oberland, aunque el nombre actual es también el Canal de Elbląg. A su vez, la rama de Miłomłyn al lago Jeziorak se llama el canal de Iława. Canal de Bartnicki (Ducky) conecta el lago Ruda Woda (Duckie) con el lago Barmúsik, a Canal de Dobrzycki Lago Alejandra con el lago Ewingi.


Aunque apenas son cien metros de distancia hasta que vuelve al lecho del rio, este singular tren anfibio, situado en las proximidades de la ciudad de Gdanks tarda en realizar la maniobra mas de una hora en salvar el desnivel en el terreno.


El concepto original de la construcción del canal se basó en el proyecto de superar la diferencia en los niveles de agua entre el Lago Pniewskie y el lago Druzno por medio de esclusas de madera. Inspirado por las soluciones utilizadas en el Canales de Morris en los EE.UU. y otro, similar a la vía navegable del Canal de Elbląg en el Nueva Escocia.