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Taichung Centro Cultural en Taiwan con su espectacular muro vegetal es la nueva propuesta de Arkhenspaces


El nuevo centro cultural de Taichung reune buena parte de los elementos que caracterizan la arquitectura. Cuando se convocaron las bases para su construcción la administracción de la tercera ciudad mas grande de la isla estado de Taiwan, quería un proyecto que combinara aspectos sociales y ecológicos.

Finalmente tras la resolución del concurso el proyecto seleccionado fue el de la candidatura presentada por el estudio de arquitectura Arkhenspaces. Un museo y una moderna biblioteca que se completa con un tercer edificio cuyas instalaciones se destinaran a organizar actividades de índole cultural, se enmarcan en un complejo autónomo energeticamente.

En total se removeran 70.000 metros cuadrados de superficie cuyos terrenos han tenido que ser allanados. Los tres volúmenes estarán comunicados por unos jardines interiores, extensión de un colosal muro vegetal que como una falda cubrirá la totalidad de la fachada principal.


Compuesto por plantas que reflejan la rica y variada flora local, el bautizado como muro del viento tiene varias características que lo hace único. Se trata de una obra de ingeniería avanzada que combina  tecnologías sostenibles y la idea de organización espacial flexible. 


Su enfoque principal es que vegetación la absorba el dióxido de carbono y proporcione autonomía energética a las instalaciones, gracias a la instalación de turbinas de generación eólica cuidadosamente colocados para captar el máximo de potencia.
Parte del edificio se construye a partir de contenedores de transporte reciclados, pudiendo crear múltiples configuraciones espaciales. El muro vegetal esta concebido como pared móvil, que dependiendo de su posición puede crear diferentes ambiente. Esto permite la creación la capacidad de responder a las diferentes condiciones climáticas debido a su forma de vela y su ubicación.







Vlad Tenu - Synthetic nature, creando are inspirada por formas de vida


Inspirado en formas celulares el conjunto de esculturas que forman Synthetic nature emulan la vieja aspiración del ser humano de crear entes artificiales a partir de patrones naturales. 

Firmadas por el arquitecto con sede en Londres Vlad Tenu, las instalaciones representan formas orgánicas y su pauta de auto-organización. Mostrandonoslas desde una óptica creativa y una narrativa estética cuya atmosféra evoca la lírica del lenguaje corporal. 

Siguiendo el modelo taxonomía biológica, la colección desafía la noción de artefacto a través de la creación de un conjunto de especies que se inspiran en el diseño morfológico que se podemos identificar cuando se observa una muestra de tejido tisular a través de la lente de un microspio.


Explorando sus cualidades espaciales, efectos materiales y la complejidad volumétrica a través de geometrías de superficie continua y su exposición a su entorno, Vlad reproduce su propia versión de lo que según su percepción es la unidad esencial a partir de la que se constituye cualquier inicio de vida viable y verosimil.


Su complejidad y fragilidad estética y funcional contrasta con la solidez de los materiales en su elaboración, pudiendo el espectador intuir en sus formas la disciplina en su estructura biológica y la belleza que encierra su simetría y proporción arquitectónica.

Vlad Tenu es un arquitecto rumano-británico afincado en Londres. Es conocido por su enfoque interdisciplinar del diseño y la arquitectura, que se propone  reinventar la artesanía a través de un enfoque digital. Constante que se observa tanto en el ámbito artístico como en sus diseños arquitectónicos como pabellones de exposiciones y soluciones pop-up. 

Su obra es una continua investigación sobre el rendimiento del espacio, la escala y las capacidades y propiedades de los materiales empleados. Diseños cuyas formas se basan en los mecanismos biológicos subyacentes de la naturaleza, siendo una fusión simbiótica de arte y ciencia en la que intervienen conceptos matemáticos y formulas algorítmicas.



Big Little World y Cuba, dos destinos turísticos en un mismo viaje visual


Big Little World from Paul Wex on Vimeo.

Esta semana la finalizamos como la comenzamos con un post sobre en el que la protagonistas son las islas. En el caso de los dos trabajos audiovisuales que os presentamos su realizador y también de sus respectivas bandas sonoras Paul Wax. Nos ofrece dos versiones diferentes de dos destinos que sin embargo guardan algunas similitudes, como por ejemplo el clima. 

En la primera pieza Big Little World nos sumerge en las aguas cristalinas de las anheladas islas Seychelles, donde aparte de mostrarnos la cara mas turística por todos conocida. Nos ofrece un breve recorrido donde el acento lo pone en mostrar las costumbres y a sus protagonistas. Gentes hospitalarias que siempre tienen un gesto amable con el compartir su cultura y su variada gastronomía, compuesta por una amplia gama de frutas exóticas y pescados.




 En la segunda cambia diametralmente de posición geográfica trasladandonos del océano Indico al mar Caribe y a su joya mas preciada la isla de Cuba. Donde utilizando los mismos elementos visuales y a ritmo de son fusionado con otros ritmos. Nos muestra la Habana con sus viejos carros (coches) que parecen extraídos de otro tiempo y que ya forman de la iconografía de la ciudad. Para según avanza la acción cambiar gradualmente de paisaje pudiendo contemplar los cafetales y los cultivos de tabaco que se reparten por buena de su geografía.


CUBA - Lost in Time from Paul Wex on Vimeo.


The Sketchbook Project, libros de arte en bus


Desde que se puso en marcha la iniciativa The Sketchbook Project hace seis años, mas 70.000 usuarios han recibido un cuadernillo donde plasmar sus inquietudes artísticas. En el proyecto que puede participar  todo tipo de publico esta dirigido principalmente a la comunidad artística.

Dirigido por sus fundadores Steven Peterman y  Sara Peterman, la sede principal de The Sketchbook Project se localiza en el distrito de Brooklin donde cuentan con una selección de mas de 20.000 volúmenes que se pueden consultar en la Brooklin Art Library, tanto físicamente como digitalmente a través de su catalogo virtual a disposición del publico.

TSP es una idea desarrollada por Art House que comenzó en 2006 en Atlanta, Georgia, y se mudó a Nueva York en 2009. Desde entonces han crecido hasta convertirse en una comunidad mundial de más de 60.000 artistas que se financia gracias a las cuotas de alrededor de 20 dolares que abonan por cada servicio. Que consiste en el envió y recepción del material edición y digitalización, así como su conservación.

 Paralelemente cuentan para la difusión del proyecto de una versión itinerante, para eso cuentan con una autocaravana, con la que han recorrido la practica totalidad geografía de los Estados Unidos. Siendo esta biblioteca móvil un nexo de comunicación que facilita la proximidad con un publico mayoritario.

 Al centrarse en la intersección que forman la creación artística y las nuevas tecnologías, Art House posibilita la interacción de una comunidad de artistas a través de herramientas accesibles en un contexto global. Suponiendo una experiencia que a través de la interacción cultural conforma un crisol artístico a escala mundial.




Natasha Reid - Embassy for refugees, arquitectura social y sostenible para causas humanitarias


Exhibidos en el marco de las actividades de la ultima edición de la semana de Refugee Week. Programa de actividades organizado por la comisión en defensa de los refugiados y población desplazada, que se ha celebrado recientemente en la ciudad de Londres.

Los dos pabellones que engloban el proyecto Embassy for Refugees es una iniciativa que tiene como objetivo el explorar la connotaciones del diseño social y su capacidad de adaptación a escenarios desfavorables; como accidentes, conflictos armados, catástrofes naturales, emergencias sanitarias....


Fabricada en madera su diseño esta firmado or Natasha Reid. Los pabellones se presentan como estructuras que debido a su finalidad social, recurren a tipologías cuyos materiales y diseño son versátiles pudiéndose adaptar a cualquier tipo ede situación, en un periodo de tiempo record.


Similares a las cascaras de una nuez Embassy for refugees se forman a partir de maderos con los que estructura un armazón, en donde se pueden realizar actividades de diversa índole. Cubierta por una capota de lona esta se desprende en caso de las condiciones climatológicas sean favorables.


La arquitectura orgánica de su estructura alude a los refugios naturales, el diseño Embassy for refugees es el resultado de la colaboración de Natasha con diferentes comunidades de refugiados que visito conociendo de primera mano sus necesidades. Desarrollando un concepto kit compuesto por piezas realizadas técnicas de corte por precisión ajustándose a la perfección.


Natasha estudió arquitectura en la Universidad de Cambridge y obtuvo una distinción por su Diploma Profesional de posgrado en Arquitectura. Fundadora del estudio Matter Space Soul. Apasionada por la relación entre las personas y los lugares que habitan, su enfoque se ha centra en los impactos sociales, psicológicos y emocionales que tiene la arquitectura a nivel personal. Como experta en lugares saludables y diseño inclusivo ​a menudo ofrece en conferencias sobre enfoques vanguardistas para problemas urbanos en el ambito social.






Otoniel Borda Garzón, tornados escultóricos como totems naturales y su presagio


Realizadas con palets de madera el tríptico de instalaciones formado por las obras tituladas Reserva ArtBo, Reserva Regional y Reserva representan diferentes fenómenos meteorológicos. Firmadas por el artista colombiano Otoniel Borda Garzón.

La serie de instalaciones de efecto masivo se presentan a gran escala reforzando la idea de pavor frente a las consecuencias de los desastres naturales. Amplificada por el uso de madera astillada, su estructura en forma de vórtice estimula la imaginación del espectador sugiriéndole una salida ante la perdida de su pasado. 

Sin embargo, la opción de usar la madera es importante para el mensaje de estas piezas. La enorme escultura en forma de un tornado hace hincapié en la escala humana a causa de la diversidad de las proporciones que impacta con su inmensidad sobre el observador que mengua.


Otoniel nacido en 1.979 en Bogota en Colombia, ejerce de maestro de artes plásticas, actividad que al terna con su actividad artística, habiendo participado en numerosas exposiciones principalmente en Colombia. Su obra se caracteriza por la utilización de materiales reciclados con los que crea esculturas donde el arte formal y las formas abstractas describen procesos naturales.


Otoniel Borda vincula varios soportes plásticos a diferentes objetos pertenecientes a la vida cotidiana. Su investigación personal tiene como objetivo redescubrir nuevos significados en los objetos y el espacio, y visibilizar algunos aspectos que de otro modo quedarían inadvertidos en la tensión y el estrés de la vida cotidiana. 

En este contexto de extracción, sus técnicas también son capaces de mostrar lo que no debe expresarse, a través de un uso hábil de la luz, sus propiedades y aplicaciones. En estas piezas, el artefacto arqueológico representa el único vestigio que queda de un pasado que ya no podemos entender excepto por lo que podemos captar de su imagen. La cual resulta distorsionada, aunque su esencia permanece latente en la memoria de la humanidad.






Borondo, retratos hechos en balas de paja como homenaje a la memoria

 

Como espectros fantasmales los retratos familiares realizados utilizando como lienzo las balas prensadas de paja apiladas, reproducenien escenas rurales que se funden con el paisaje, donde su autor el artista español Borondo.
 
Material poco frecuente en términos creativos pero que Borondo de cuyo trabajo ya os hable AQUI utiliza como si fuera un negativo fotografíco orgánico, a través de los que representa escenas campestres, cuyas referencia abarcan diferentes aspectos de su vida cotidiana. 

Aunque en las fotografías originales se sugiere que las personas  que han sido retratadas transmiten cierta cordialidad, hay un tono misterioso y lugubre que rodean de cierto aire surrealista todas y cada una de ellas.
 

RETRATOS QUE HUMANIZAN EL PAISAJE A PARTIR DE ELEMENTOS ORGÁNICOS.


Quizás sea por la escala de tonos monocromaticos que emplea en su realización, las figuras reproducidas a escala real se difuminan diluyendose parcialmente con el fondo sobre las que resaltan, formando parte de composiciones de carácter rural inspirados en las escenas y en las costumbres locales de Cotignola. Una pedania en la provincia de Ravenna, en la italiana región de Emilia-Romagna, situada a unos 50 km al sureste de Bolonia.


Borondo que cuenta con una extensa obra plástica en diferentes formatos, aplica técnicas clásicas para explorar sobre superficies ajenas a la practica pictórica habitual consiguiendo interesantes efectos tridemensionales, provocados por los volúmenes y las sombras que produce la luz.
Graduado en el IES Margarita Salas Madrid, y la Universidad Complutense de Madrid. A diferencia de otros artistas del street art, Borondo trabaja con las técnicas clásicas de la pintura  para intervenir sobre el paisaje tanto urbano como rural humizandandolo.






Studio Design Spirits diseña la primera tienda de bicicletas FHL Sports en New


Los ciudadanos de New York están teniendo la oportunidad de asistir a una transformación de sus infraestructuras y redes de transporte de su ciudad. Migrando hacia medios que facilitan la movilidad mas respetuosos con el medio ambiente y ecológicos, como es la bicicleta. 


Cuyo uso se ha extendido entre sus habitantes gracias a la implementación de redes viarias especificas y serviciós de alquileres de bicicleta que están transformando su conducta a la hora de desplazarse.

Este nuevo escenario implica la creación de un tejido socio económico y creativo que aflora a través de la aparición de firmas comerciales, que ofrecen una amplia gama de productos relacionados con el uso de la bicicleta. A una clientela cada vez mas numerosa e informada sobre las ultimas novedades.


Una de esta iniciativas la representa la joven firma FHL Sports que encontraron en un viejo desván situado en la ciudad de Kuala Lumpur en Malasia. Y  que reunía la características idóneas para ubicar su negocio e inspirándose en el fenómeno newyorkino. 


Decidieron encargar al estudio de insteriorismo japones Studio Design Spirits su reforma, aplicando en su diseño criterios estéticos basados en la arquitectura de la gran manzana. De aspecto minimalista y contemporáneo el mobiliario y decoración del nuevo espacio comercial abierto en 2.012 recuerda a la de un un loft del Bronx.


 Con un techo que presenta cinco metros de altura de techo, se les ocurrió la idea de crear un entresuelo, usando la madera y acero inoxidable como el elemento principal a partir del que intervenir en su estructura. Prendas de vestir, calzado deportivo y accesorios deportivos se colocan en el entresuelo.

 Debido a su tipología el elemento clave es el uso abundante de ladrillos. Con este propósito se utilizaron hasta ocho modelos de papel pintado, cuyo patrón representaba un tono diferente con los que ambientar cada una de las áreas comerciales de la tienda y captar el espíritu original que se pretendía.





Maia Urstad - Wall of Sound, el sonido a traves del muro y del tiempo


Compuesta por filas apiladas formadas por ciento treinta de reproductores estéreo de cassettes la artista Maia Urstad, reproduce un muro de sonido físico.

En donde utilizando elementos vintage ofrece al expectador una experiencia sensitiva a través de la que evocar sus recuerdos del pasado. La instalación Wall of Sound explora a través de accidentes tecnologicos aspectos emotivos del individuo, mediante la activación de sus recuerdos. 


Inspirada por los muros de piedra que forman del paisaje de su país natal Noruega. WOS emite una pieza que combina efectos sonoros, fragmentos de código morse y emisiones vía satélite.


Los equipos estéreos en la instalación tienen una doble función, visual y conceptual. En un nivel auditivo el sonido complementa la instalación estética vinculando su presencia en su contexto. Por otra parte también refleja cuestiones relacionadas con el desarrollo técnico y nuestra cultura de consumo.


Maia Urstad es un artista que trabaja en la intersección del arte visual y de audio. En los años ochenta, su medio artístico migró hacia la experimentación sonora, y desde 1987 ha trabajado con sonido en varios proyectos de arte, instalaciones especificas, teatro y cine.


Su trabajo consiste en la integración de sonido en lugares específicos. Proyectos recientes incluyen instalaciones y performances sonoras exteriores e interiores en la que emplea elementos de tecnología de consumo masivo a partir de los que crea propuestas escultóricos sonoras.






WHIM architecture - Recycled Island, islas artificiales construidas con materiales reciclados


Hace no mucho tiempo tuvimos constancia por  los medios de comunicación, de un hecho que nos alarmo. La noticia que se extendió como la pólvora nos informaba de como debido a fenómenos meteorológicos las corrientes oceánicas habían depositando grandes cúmulos de basura. 


Principalmente localizadas en el Océano Pacifico estas islas flotantes están compuestas por residuos plásticos derivados del petróleo. Concienciados con esta dramática situación el estudio de arquitectura e ingeniería naval WHIM, ha diseñado diferentes modelos de islas artificiales que a partir del reciclaje de las cientos de millones de toneladas de materiales plásticos, que cada año se arrojan al mar.

Construir villas autónomas que tengan como superficie de edificación el medio marítimo. Esta estrategia tendría dos objetivos, por un lado eliminar grandes balsas de residuos plásticos que debido a sus características tarda cientos de años en biodegradarse, y en un segundo termino ofrecer una solución a la falta de terrenos en tierra ganando terreno al mar.


Construidas a partir de módulos fabricado en la costa y trasladados a alta mar empleando grandes cargueros. Estas unidades residenciales serian completamente autosuficiente, utilizando para su abasticimiento energético soluciones basadas en energías renovables, como placas solares o energía eólica, incorporando como novedad una plataforma undimotriz que generaría energía a partir de las fuerzas de las olas.


Las islas que permanecerían ancladas a sus coordenadas oceánicas mediante pilotes submarinos, contarían con un muelle de atraque y un helipuerto a través de los que se asegurarían el transporte de mercancías y personas en caso de urgencia. 


Completandose con una sofisticada estación de telecomunicaciones y geolocalicación vía satélite que avisaría a los buques y pesqueros de su presencia. Cada comunidad flotante se construiría en funcion de unas necesides especificas y siempre bajo criterios ecológicos. Contaría con sistemas bioclimaticos que regularían la temperatura tanto en el interior de la vivienda como en su parcela. Donde se ubicaría un huerto cuyos alimentos se producirían a partir de un sistema de acuaponia.




Bot y Dolly - Box, los antecedentes de la inteligencia artificial


Coreografía, luz, sonido y movimiento se conjugan como elementos narrativos en la ultima perfomance audiovisual realizada por el dúo artístico Bot y Dolly. Mediante la utilizacion de la proyección de objetos mapeados digitalmente  

Las figuras geométricas adquieren volumen desplazándose en 3D por un espacio neutro. La experiencia se planteo en un formato por la que se dividio en bloques la pieza titulada Box combina la robótica y la tecnología digital. Propuesta a través de lo que describe recurriendo a imagenes cargadas de belleza lírica fenómenos físicos como la teletransportación, la levitación o  la física cuántica.



Consiguiendo crear sugerentes efectos visuales donde la simetría de las imagenes holograficas se funden con la luz y los efectos sonoros. La acción que se desarrolla en una nave industrial es dirigida por uno de los artistas que interactúa dando forma al movimiento en función de la sintonía que se emite en paralelo.

Box cuyo vídeo recomiendo echarle un vistazo pudiendose ver íntegro en el siguiente enlace actualizado recientemente AQUI, explora la síntesis del espacio real y digitales a través de la proyección de mapeo de superficies móviles.

Bot y Dolly es un estudio de diseño e ingeniería digital con sede en la ciudad californiana de San Francisco. Especializado en la automatización, la robótica y la cinematografía. Su planteamiento creativo consiste en avanzar en los procesos técnicos. Aplicandolos como herramientas creativas en diversas áreas audiovisuales.



En Hurricane Tree el fotografo Joakim Berglund captura la desolacion medio ambiental despues de la catastrofe

Como una forma de catarsis respecto a la perdida medio-ambiental provocada por el huracán que arraso en 2.005 extensas áreas de bosque en Suecia. Una iniciativa de ciudadanos decidieron hacer frente al desastre interviniendo sobre el terreno.

En uno de los muchos claros que se habían producido como consecuencia de la tala obligada de millones de ejemplares semiderribados. Reproducieron el contorno de un árbol desde la base hasta la copa, marcando el territorio que posteriormente seria objeto de una repoblación, evitando su degradación ecológica.

La tormenta bautizada como Gudrun causó daños económicos significativos en Suecia , donde la industria forestal sufrió mucho por los árboles dañados, ya que más de 75 millones de metros cúbicos de árboles fueron derribados en el sur de Suecia. 


Esto dio lugar a que Suecia se convirtiera en el país con un mayor almacenamiento de madera del mundo. Inmortalizando este acto de duelo a la vez que de comunion con un evento catastrofico, en que el patrimonio natural del paias nordico se vio gravemente afectado. 


Por el fotógrafo Joakim Berglund Especializado en la realización de instantáneas áreas, realizo esta extraordinaria captura en la que logra captar la humanidad de unos protagonistas anónimos. En una fotografía que debido a las grandes dimensiones de la intervención provoca un efecto sobrecogedor sobre el que la mira. 


Titulada  Hurricane tree, su autor fue merecedor de un premio otorgado por la asociación sueca de fotógrafos de prensa Arest Bild en su edición de 2.006. Para su realización Joakim empleo un equipo compuesto por una cámara Canon EOS-1Ds Mark II con lente de f2.8 28-70mm, 1/800 sec, 200 ISO.




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