Choquequirao, el último refugio de la civilización Inca


Esixten lugares que por su singularidad poseen la dualidad de por una parte acaparar toda la atención, y por otra parte y debido a este exceso de atracción impedir que otros lugares de igual o más relevancia pasen desapercibidos. Ejemplos se podrían citar muchos, en muchos contextos y latitudes geograficas.


Uno de los más socorridos es el corredor formado por los macizos montañosos que componen los ocho miles que se suceden en la cordillera del Himalaya. Es raro que alguien pueda recordar algun pico más que el mítico Everest, cuya magnitud y literatura casi mitologica ha supuesto, que desplace a un segundo plano al resto de las no menos colosales cimas y que en el fondo la gran mayoría de ellas superan en dificultad la ascensión del gigante blanco.

Este agravio se repite en nuestro siguiente y definitivo destino, un área geográfica que abarca buena parte de los Andes Peruanos, y que por lo tanto comparte la característica de la altitud con las elevaciones del centro de Asia. Sin embargo el valle de Vilacabamba ubicado en el sureste del país aparte de albergar uno de los tesoros naturales más relevantes de Peru.

También presenta una condición análoga a la que hemos observado en los Himalaya, pero en este caso el matiz en la sobre-exposición se centra no en un accidente natural, sino en unos yacimientos arqueológicos construidos y habitados durante siglos por  la civilización precolombina de la comunidad Inca. En este caso todos (o casi todos), conocemos a alguien que emprendió la odisea de alcanzar y visitar los restos de la ciudad de Machu Pichu


Uno de los principales asentamientos habitados por los Incas, y que tras permanecer oculto a nuestros ojos. Fue finalmente descubierto y recuperado, convirtiéndose quizás en el principal enclave arqueológico por volumen de afluencia de publico en todo el continente americano. Honor que seguramente en no mucho tiempo tendrá que compartir con las nueve áreas arqueológicas que componen la ciudad de Choquequirao.


Enclave derramado sobre una loma situada que se sitúa a 154 kilómetros de Cuzco, más concretamente en las proximidades de la aldea de Abancay. El origen desde que suelen iniciar la visita aquellos "interprid@s" que desean acceder a un sitio que a día de hoy (y hasta que se inicien las obras por la que quedará unido a través de un teleferico que tendido sobre el valle de Apurimac le llevará a la localidad más próxima de y San Pedro de Cachora, que se encuentra a unos treinta kilómetros de las ruinas). Requiere algo más de planificación que lo que suele ser habitual cuando se programa una excursión a un sitio como este.

De hecho se recomienda invertir de dos a cuatro días en completar el trayecto que oficialmente tiene su inicio en un lugar conocido como Capurigo, un paraje dominado por el Nevado Salcantay. Cuya estampa parcialmente cubierta te acompañará a lo largo de los casi doce kilómetros que comprende el sendero que tras salvar un desnivel de casi mil metros finalizará cuando ante sus pies y veas las primeras terrazas de Choquequirao, o cuna de oro. 

Acceso a la plaza principal o Haucaypata donde se encontraba el área administrativa

En total la excursión serán dos días de intensa caminata por lo que será preciso hacer noche en un campamento refugio cuyo hospedaje está compuesto por una chozas y un servicio de restauracion. Por lo que cuando se arranca la caminata hacia Capurigo a eso de las seis de la madrugada se recomienda haber hecho acopio de fuerzas. En este podremos consultar un mapa que te ofrece diferentes sitios que te puedes a lo largo de la travesia.

Principalmente una sucesión de miradores como el de las Aves, el de la Bocamasa, o el de la Chiquisca, que se alternan con otros accidentes geográfica como playa Rosalinas una franja de tierra bañada por el río Apurinas donde se podrá hacer un alto en un trekking que por lo escarpado y sinuoso de su trazado es muy exigente hasta llegar a Rosa Alta y Marampata ante sala del centro arqueológico de Choquequirao.


Casi dos hectareas de superficie que equivale poco más o menos al treinta por ciento de todo el complejo, descubierto en el año de 1911 por Hiram Bingham. En total se compone de nueve sectores, entre los que destacan el centro político religioso, el sistema de fuentes y canales con acueductos, y el grupo de las portadas. 


Encontrada por casualidad por un explorador que se había propuesto descubrir definitivamente la ciudad de Eldorado. Choquequirao es un lugar de culto donde la aristocracia Inca se oculto de los conquistadores españoles, y que conserva entre sus piedras alguna de sus misterios.  


Sería conveniente apuntar al viajero que las connotaciones espirituales y carácter animista se perciben a cada paso que uno se adentra e investiga por los múltiples senderos. Donde la arquitectura vernácula ha sido construida a partir de encajar piedras talladas una encima de otra.


Lo primero que llama la atencion es la escasa altura de las viviendas de planta retangular de sus residentes, cuya distribuicion se establece alrededor de una explanada o plaza principal. Donde se observa algunos aperos de labranza que sus moradores empleaban en la actividad agrícola en la que eran extremadamente habilidosos. Los restos arqueológicos se distribuyen en la parte descendente del cerro Choquequirao y se agrupan a manera de pequeños barrios, un tanto separados de la zona ceremonial que se encuentra en la plaza principal rodeada por los edificios administrativos y comerciales.

Pues cabe recordar que lo que se presenta como un conjunto de construcciones parcialmente excavadas en la ladera de una ladera, protagonizó antes de que los colonizadores españoles la conquistarán, evangelizaran y finalmente exclavizaran a sus últimos clanes. Una intensa actividad comercial, esto debido a su ubicacion estratégica entre la metrópoli principal de Machu Pichu y la aldea de menor embergadura de Pisac, habiéndose encontrado numerosos restos en forma de objetos que fueron apresuradamente abandonados.

Fragmento de los murales de piedra con una porción de las 24 llamas representadas

La primera es de bajada hasta el río Apurina donde se hará escala en el campamento de Cocamasana  que con una altitud de poco mas 2700 metros será el punto más bajo hasta alcanzar los casi tres mil metros de altura, cuando por fin accedas a Marapanta donde se hará noche si has superado el mal de altura. Para atacar cuando la madrugada alumbra el día la última tramo en el que ya más sosegado puedes.

El círculo formado por los picos nevados Apus de Yanama, Ampay, Choquecarpu, Pumasillo y Panta, que se alzan en la vertiente del río Apurimac, en el distrito de Santa Teresa, provincia de La Convencion, en el Departamento del Cusco. Y con un poco de fortuna podrás observar alguna de las muchas especies que pueblan los alrededores. Que como no existe un inventario, no se sabe cuántas especies de plantas y animales existen en Choquequirao.


Aves majestuosas que surcan unos cielos limpios y que son el espacio aéreo del cóndor, el halcón, o el trogón (especie de apariencia tropical por lo que muchos la comparan con el Quetzal). Entre los mamíferos se han avistado felinos como el puma, cervidos como las tarucas, roedores como las vizcachas e incluso familias de osos que vagan por los bosques que flanquean los numerosos caminos que utilizan los nativos para transportar las toneladas de maíz y sus variedades.


El llamado a compartir en un futuro no muy lejano atractivo turístico con la capital Inca de Machu Pichu. La ciudadela de Choquequirao se muestra majestuosa e inexpugnable colgada entre nubes.    


Un cultivo ancestral que bien podría almacenarse en alguna de las despensas de la antigua ciudad, espacios angostos de los que sobresalen unas vigas por lo que se recomiendan tener precaucion. En el área Hanan o parte alta se ven huecos insertados en las paredes, que según los especialistas eran la última morada de las momias por lo que hacía la función de necropolis.

En muchos muros construidas a base de piedras oscuras en las que destacan el trazado de lanimales sagrados para los Incas como las serpientes a las que ellos denominaban como Amaru. Una representación en forma de zig zag que puede llegar a los veinte metros o más, compartiendo un espacio donde los acueductos dan cuenta del grado de desarrollo que habían alcanzado estos asentamientos de Incas, las teselas de llamas reproducidas a tamaño real sumando veiticuatro.




Creaciones abstractas que nos indican que aparte de ser un bastión militar que sirvió para protegerse de los tercios de tropas invasoras Españolas. Las cuales nunca llegaron a descubrirlos ni conquitarlos, y un lugar donde se observaban los astros. Habian tenido suficiente tiempo antes de sorpresivamente desaparecer de la region de desarrollar una expresión artistica a través de la que dejar constancia de su compromiso con el entorno natural el cual era venerado como algo casi sagrado.


Monsieur Plant, el infinito retorno a la naturaleza

Hay dos formas de ver e interpretar las obras de Christophe Gunite conocido en el ámbito artístico como Monseiur Plant, de cuyo sugestivo trabajo ya os hablé desde NQ en este link hará cerca de tres años. 


Están aquellos que forman parte del grupo que piensan que sus obras son simplemente reflejo de una sociedad etno-antropomorgica e hipermodernista reflejando su necesidad de domesticar su entorno natural. Hasta convertir los paisajes y sus ecosistemas, en espacios que les deje transmitir cierto grado de amenaza y de inseguridad.


Este matiz se aprecia en esculturas que casi llegan al paroxismo de la humanización a través de apropiarse de iconos de la cultura Pop, tan reconocibles como Dark Vader. Cuya caracteristica y casi mitológica armadura, utiliza para camuflar su vergüenza ante el genocidio medio-ambiental que se está produciendo a su alrededo. Y que el señor Plant gestiona poniendo el acento en la denuncia y denuhumanizacion que paralelamente observa ante una naturaleza que agoniza vulnerable e indefensa, debido a la presencia y voracidad del ser humano y su civilización en proceso de "evolucion".


Para otros sus esculturas son como un minotaur os sofisticados y contemporaneos, donde se mezclan rasgos y contornos humanos con las anatomías orgánicas propias de la naturaleza. Representando narrativamente y visualmente el mensaje creado por la aparición de una especie híbrida maquina-humano. De un nuevo mesías encarnado en la persona de Monseieur Plant. De hecho la primera parte de su seudónimo significa monseñor en castellano, terminó eclesiástico que se aplica como una deferencia hacia ciertos miembros del clero perteneciente a la curia.

Este esfuerzo por crear un vínculo y una comunion entre el ser humano y la madre tierra se observan en otro tipo de propuestas donde crea híbridos con miembros corporales humanos y elementos vegetales como por ejemplo una variedad de troncos arboles. Esbozando pequeños actos de cordialidad que provocan una ternura inmediata e incluso llegan a conmover al que las contempla.

Queriendo emular a estos brazos y manos huérfanas y sustituirlos por abrazos reales, buscando, quizas una protección y un poco de ternura. Intervenciones pertenecientes a su faceta como artista de Land Art, y  con las que que ha ido ampliando su repertorio. Si al comienzo se trataban de objetos inanimados como los clasicos ordenadores de sobremesa fabricados por Apple en las década de los 8 0´s y  9 0´s del siglo pasado.

Brazos recubiertos de musgo se entrelazan con el tronco de un árbol creando uno

Que parasitaba con todo tido de plantas hasta que lograba modificar la función de este ordenador a los ojos de sus usuarios. Proceso de customization natural para los que también utilizo diferentes modelos de calzado deportivo de la archiconocida marca Nike, en las cuales anidaban restos de vegetacion menuda hasta ocultar el material original con el que estaban fabricadas. 


Piezas que han incrementado sustancialmente su cotización años después de haberse creado convirtiéndose en obras codiciadas por la comunidad de coleccionistas. Que valoran tanto estéticamente como conceptualmente unas piezas que transitan de lo más pretencioso o bizarro de la cultura Pop, a propuestas que invitan a reflexionar sobre la vigencia y la percepción de uno mismo como sujeto dependiendo del contexto en el que se formalice.

De esta etapa se pueden citar las series Just Grow It | Grasshopper o Plant Your Mac. A las que también se les pueden añadir otras como Spinplant por la que transforma el plato de un viejo tocadiscos en un macetero inprovisado o la que hizo como encargo para una de las ediciones We Green Festival. Titulada Wild Hot Rod, por la que muda el fuselaje metalico de una vieja furgoneta en una cobertura totalmente verde. 


El desafio de sus imágenes radica en su complejo mensaje. Desconectar de una sociedad artificial y materialista y volver a la naturaleza, creando piezas que destacan por sus elementos naturales donde la parte tecnológica se camufla o desaparece modificando la concepción que tenemos de ellas.

Acción con la que  satiriza el casi sagrado hecho de tener un vehículo privado, dejando en evidencia su status como objeto de consumo imprescindible. Crítica implícita que repite en Les Mains Baladeus con otro modelo más "reciente", en este caso escoge una destartalada versión de una furgoneta de la gama Renault a la que de forma sutil añade restos de musgo en lugares muy concretos, tanto en el interior como en el exterior del vehículo.


E incluso en un ejercicio de osadía sin precedentes se atreve con una de sus adoradas tablas de Skate, deporte urbano del que es un consumado y ferviente practicante, ocultando totalmente las betas de madera con materia organica. Aunque mantiene el perfil original de la madera en Natural Skaboarding el que es perfectamente identificable como la un patinete, si logra el impacto visual y ese marcado contraste entre la forma pulida industrial mente y la trazada por la naturaleza.


En la actualidad estos prologemenos o fases intermedias a través de los que ha ido acumulando un poso que tras madurar finalmente se materializa en la adopcion de un discurso, que se podría calificar de contemplativo. En el cual se percibe la puesta en escena de un ritual con tintes animistas donde la devoción gira entorno a los ciclos que marcan los ritmos a partir de los que rigen la naturaleza, intervenciones en el que paisaje exterior pasa a ser un actor principal. 

En sus esculturas orgánicas crea formas y símbolos ajenos a la naturaleza


Si hasta ahora se ha observado una conjuncion entre la materia inanimado y la naturaleza, entre lo netamente artificial y su antitesis, una materia que precisa de metabolizar otros compuestos para poder adoptar la forma definitiva. Estos valores cuando cobran valor y forma artística en espacios abiertos se nutren de procesos metabolicos similares.

Aportando nuevas perspectivas estéticas adaptándolas a un marcó externo, y de este modo cambiar sustancialmente su mensaje  una amalgama de New Age, con aportaciones étnicas y cultura tribal. Ingredientes con los que Monsieur crea a partir de un cuerpo central un alegato a favor de un retorno a la naturaleza respecto a la que cada vez estamos ajenos y distantes. 



No es tanto que a través de sus intervenciones paisajisticas puedas ver el futuro, pero si sabes interpretarlas puedes predecir algunos efectos con una precisión sorprendente.


Para eso crea una simbiosis entre el lenguaje corporal y la anatomía física, en las que participa tanto las ramas de los árboles como diferentes partes del cuerpo humano (como ya hemos dicho más arriba) principalmente brazos y manos. Que como tenazas se adhieren a las cortezas que cubren los arboles, para finalmente mimetizarte con estos sellando una especie de acuerdo mutuo, por el que ambas partes quedan obligadas a cuidarse una de la otra.




Estos parámetros conceptuales se observan en su serie titulada The Hug (el abrazo), de la cual Monseieur ha realizado varias versiones tanto a pequeña escala como la titulada The Forest of Dean Sculpture Trail, donde sólo participan dos manos que apenas pueden abarcar el diámetro del arbol. Como en aquellas donde la suma de manos se multiplican creando una comunidad más vigorosa como en las más recientes tituladas Ferra Botánica o Château de Seneffe.

O las primeras versiones como las que completo en 2019 con motivo de la exhibición celebrada en la localidad francesa de Annecy, o su continuación titulada Louvre-Lens. Intervenciones que según su autor simbolizan la evolución surrealista del ser humano hasta transformarse en un árbol. Absorbido finalmente por la "naturaleza" que ha recuperado sus derechos y dominio. En un último acto donde como colofon la naturaleza y el hombre se fusionan y se vuelven uno.



Brandalism hackea 500 vallas publicitarias de aerolíneas para denunciar el cambio climatico


Con el levantamiento o derogacion de las medidas adoptadas por las autoridades sanitarias, para paliar los efectos del Covid-19 y la aparición de nuevas variantes producto de su gran versatilidad mutacional. Y reemprender nuestra cotidianidad en un escenario socio-politico presidido por múltiples incertidumbres.


Bajo el leo-motiv de eso que se ha dado en llamar nueva normalidad. Una de las primeras actividades a las que como consumidores deseosos de vivir nuevas y sugerentes experiencias, ha sido contratar algún paquete de viajes que nos ofreciera la posibilidad de embarcarnos en algún viaje. Cuyo destino en mayor o medida nos trasladara a nuestro destino preferido de vacaciones.


O en todo caso y en el peor de los casos nos permitiera cambiar nuestro paisaje habitual cambiando así por unos días. O en el caso de los más afortunados alargar unas semanas de cambio de aires y de una rutina, ya de si adversa y desalentadora para una mayoría de ciudadan@s. Siendo una de las primeras opciones de transporte a la hora de contratar un tour o simplemente adquirir unos billetes el avion.

Que lejos de modificar en alguna medida su modelo de negocios y de trato al cliente mantenido desde que se libero el espacio aereo. Consistente en una constante reducción de los precios en la contracción de vuelos, lo cual ha traído grandes beneficios, sobre todo de cara al mercado. Ya que ha permitido "democratizar" el hábito de poder volar a precios realmente competitivos.


Fenómeno que por otra parte ha provocado que haya un repunte en el incremento del tráfico aereo. En un sector que ya mostraba preocupantes índices de saturación antes del Covid-19, y que debido principalmente a la reducción de los gastos destinados a la adquisición de ingentes cantidades de combustible por parte de los grandes operadores aereos, la mayoría pertenecientes a oligopolios de petroleras.

Está situación se agudizara teniendo como principal perjuicio la elevación de los índices de contaminacion, algo que en plena emergencia climatica. No ha supuesto sin embargo que el sector aeronáutico tome conciencia medio-ambiental, no adoptando medida alguna que permita albergar esperanzas sobre que en un futuro más o menos cercano está situación se pueda llegar a revertir.

Momento en el que dos activistas urbanos hackean un soporte publicitario de una marquesina


Eso pese a las campañas convocadas por una diversidad de entidades comprometidas con la conservación de la naturaleza. Que en un denodado esfuerzo y despliegue de medios viene denunciando desde hace decadas. Como los consejos de administradores de estas compañías aereas, emiten informes tergiversado o directamente maquillando los datos que indican los graves prejuicios e impacto medidio-ambiental.


Que supone no haber renovado su obsoleta flota de aviones, sustituyendolos por prototipos más eficientes desde el punto de vista energetico. Renovación que de llevarse a cabo supondría una reducción sobresaliente y una mejora sustancial en los ratios relacionado con la huella ecológica que generan en la actualidad, valoradas como una de las más notables generadas por cualquier tipo de industria.

Con el enfoque de hacer pedagogía social y al menos poder suscitar en el cliente en particular y en el público en general algún tipo de reflexion en el sentido, de que de alguna forma modifique sus hábitos relacionados con la organización de sus viajes. Optando por alternativas más respetuosas con su entorno natural como la que representan el turismo local.


Con más de 500 intervenciones realizadas en apenas tres meses, el colectivo Brandalism, ha demostrado la capacidad de movilización global que posee el arte urbano en el espacio publico.


El colectivo arte y activismo urbano Brandalism anuncio la presentacion a finales del mes de Septiembre de 2022 de un calendario de intervenciones que ejecutadas en terminos globales comprendió los meses de Verano. Tendría por principal objetivo demandar a las principales tur-operadoras, la modificación de sus politicas de responsabilidad corporativa en relación al medio-ambiental. Lanzando un grito contra los que los miembros de esta propuesta arte urbano de carácter activista.


Una actitud incivica e insolidaria respecto a nuestro patrimonio natural. Con este enfoque dual compuesto por una parte de tratar de poner en práctica los puntos que se recogen en su manifiesto. Que consisten en utilizar el espacio público como medio expresivo y altavoz a través del que manifestar su preocupación por una serie de temas y problemáticas de carácter social.

Y por otra parte llevar estas acciones expresivas aplicando una perspectiva y visión lo más global posible. La columna de artistas urbanos seleccionaron algunos de los aeropuertos más representativos por tráfico de vuelos y  flujos de viajeros. Donde en ocasiones y utilizando una narrativa más directa y mordaz, como en el caso de la valla customizada realizada por el artista Hogre que se pudo ver en los aeropuertos de Brighton y Roma.

El mobiliario publicitario es un altavoz a través del que plantear debates en el espacio publico.

Donde su autor transformó uno de los logos más fáciles de identificar por parte del gran público relacionados con las compañías de bajo coste como es el de Rainair, sustituyéndolo por Ruinair. Situado a los pies de dos entusiastas azafatas que adoptando una pose de lealtad saludan a los potenciales clientes con una máscara lacrimogena puesta.


Por su parte en el cartel hackeado por Matt Bonner en una marquesina de una  línea de autobús que tiene conexión directa con el aeropuerto, el mensaje adopta una narrativa grandilocuente y tintes dramáticos. Transmitiendo la idea de que la proliferación de vuelos baratos son la causa principal del calentamiento global.


La campaña de carácter global gestionada por el colectivo de arte urbano Brandalism, se enmarca en un escenario de emergencia climática global.


En el caso de la propuesta firmada por Michelle Tylicki y que decoraban tanto marquesinas instaladas en las ciudades de Utrech como de la ciudad francés  de Nantes. La compañía objeto de su denuncia era KLM, utilizando un tono más liviano y tenue, su mensaje iba dirigido directamente a los usuarios recordándoles que fueran lo más responsables posible a la hora de escoger un vuelo.

En total se intervenieron alrededor de 500 expositores publicitarios, suma muy estimable y que indica la gran embergadura y la gran transcendencia que ha tenido entre la opinión publica.  Compuestos por todo tipo de formatos y soportes publicitarios, la campaña que se ha completado a lo largo de los tres meses de Verano, buscaban el máximo grado de impacto entre los clientes de las aerolineas.


Expuestas en los principales aeropuertos europeos, la mayoría combinan en su concepción la sátira y altas dosis ingenio, enfoque con que el equipo compuesto por nueve autores Hogre, Lindsay Grime, Matt Bonner, Michelle Tylicki, Darren Cullen, Street Market Subverttiser, Soofiya, BWA Design, and Roelof Boss. Pretendían resaltar el papel del marketing de las aerolíneas en el aumento de las emisiones de gases de efecto invernadero. Los activistas están pidiendo a la Comisión de la UE que introduzca medidas en el ambito publicitario al estilo del tabaco para frenar la demanda de vuelos y evitar que las emisiones aumenten aún más. 




Para eso y paralelamente han habilitado  un canal por el que demandan la colaboración ciudadana bajo el nombre de los #BanFossil. Los paneles publicitarios seleccionados tanto en las inmediaciones de los aeropuertos como en el centro de ciudades como París, Ámsterdam, Barcelona, Bruselas, Lieja, Lisboa, Roma, Nantes, Londres, Bristol, Norwich y otras ciudades europeas con carteles que destacaban la falta de acción significativa de la industria de la aviación sobre el cambio climático. 



World Design Capital Valencia 2022, diseño con un enfoque y compromiso social



Apesar de que es uno de los eventos con menos citas convocadas hasta ahora, si sumamos desde 2008 que se celebró su primera edición en la ciudad italiana de Turin, hasta la última que ha tenido como sede la ciudad Española de Valencia se puede contar con los de las manos.


Se ha convertido en uno de los encuentros internacionales de diseño más dinámicos del calendario a nivel internacional. Quizas sea debido a que los fundamentos sobre los que empezo ha celebrarse el World Design Organization (WDO), se basan en un ideario marcado por una serie de principios que exploran las casi infinitas posibilidades de crear las pautas y criterios, con los que desarrollar un movimiento de diseño a nivel global.


Cuyo espíritu y fin último sea promover la profesión del diseño industrial y su capacidad para generar mejores productos y sistemas, fomentando procesos en un contexto económico e industrial tan competitivo como colaborativo, con el objetivo principal de ampliar las virtudes de un diseño que cuntribuya a una mejoría en el medio ambiente y la convivencia en terminos sociales.


Impulsando una vanguardia que aboga por promover un compromiso que se base en un diseño sostenible a la vez que creativo. Desde el inicio del proyecto hasta su materialización en términos industriales y su posterior comercializacion, involucrando en definitiva desde una enfoque socio economico a todos los actores implicados en sus diferentes ambitos poniendo el acento en la innovación.


Por esas razones la ciudad Meditarrenea de Valencia ha convertido a lo largo del último año sus calles en el escenario, donde sus ciudadanos han podido participar a través de diversidad de formatos. En los que el ingrediente principal es la participación y la interacción con una amplia variedad de propuestas que ha tenidos el espacio público y sus posibilidades como el ingrediente más significativo.


Entre estas diversidad de propuestas, la que más me atrajo fue la que presentaron el departamento de Diseño de Producto de la Escola Superior de Disseny de València en colaboración con World Design Capital Valencia 2022. Básicamente está elección tiene que ver con que el rendimiento que ofrece una propuesta como es la que representa el Eco Contenedor. Un diseño polivalente que subraya aspectos sociales muy relevantes, debido a que su motivación y consecución esta destinado a un sector de la población que se encuentra en peligro de exclusión social.

La lámpara de sobremesa que formaba parte del contenedor presenta una clara influencia de la escuela BAUHAUS

Ideado para garantizar un techo habitable aquellos colectivos de población que por una variedad de circunstancias, se encuentran en riesgo de vulnerabilidad social. Como son principalmente aquellas personas sin techo que son praticantes de mendicidad de larga duracion, y por lo tanto presentan en su mayor parte un grado de aislamiento y falta de asertividad y resiliencia en un régimen de convivencia regular y estable.


Todo un reto desde el punto de vista arquitectónico y humanitario que se podría abordar con relativa facilidad, si se reutilizaran los alrededor de casi 300 millones de contenedor maritimos, que se calculan que en la actualidad hay en desuso, o simplemente abandonados. Una ingente cantidad de material que gestionados de forma eficiente, se estima que ahorraría miles de millones en la extracción de los minerales que se destinan al ámbito de la construccion.


Conducta y cambio de hábitos a los que aspiran proyectos como el gestionado por  el equipo de Diseño de Productos de la Escola de Superior de Valencia dirigido por Maria Navarro Diego. Aunque cabe recordar que en el desarrollo del proyecto han conlaborado aparte de instituciones publicas, entidades y asociaciónes de carácter civil como AMBIT.

Coincibiendo el diseño como una herramienta funcional, comprometida con los enormes retos sociales y medio-ambientales a nivel global, la edición Valencia Capital Mundial del Diseño, ha tenido un fuerte impacto en lo económico y en el tejido social de la ciudad.


O  empresas vinculadas directamente con el ámbito de la construccion como FINSA, el estudio de maquetas Océano Naranja o el proveedor de contenedores Dos Días Container. Que han puesto sus conocimientos y recursos individuales en común con el propósito de explorar estrategias destinadas a ofrecer soluciones habitacionales bajo un enfoque social.


Abierto al público hasta finales de Septiembre del año pasado en la céntrica Plaza Músico López Chávarri. El contenedor concebido bajo los parámetros de corrientes tan influyentes a lo largo del siglo XX como la BAUHAUS, la Domus Academy o la Ecole Nationale Superieure des Arts Decoratifs. Se basaba en dos ejes básicos de ejecución, por un lado la sostenibilidad en la reutilizacion de materiales y en otro sentido la busqueda de soluciones de convivencia en espacios limitados.


Siguiendo las metodologías sobre diseño social, de por ejemplo el colectivo Design Thinking y las teorías de diseñadores tan eclécticos como Gui Bonsiepe, Viktor Papanek o Enzo Mari sobre mobiliario autoproducido, códigos abiertos e innovación social. El alumnado de Diseño de Producto de la Escola Superior de Disseny de València ha desarrollado diversas propuestas para dar respuesta, a través del diseño, a las necesidades de colectivos cuyo poder adquisitivo es prácticamente nulo.

Cartel de prestación de la colección de postales de Getting From Parcs Naturals

Otros de los aspectos destacables del proyecto estaba relacionado con la mejora sustancial en la autonomía energetica. Aspecto este que se suele obviar en propuestas de carácter social, y que en este caso se ha convertido en una prioridad. Habiendo contado con la compañía líder en el sector IreSol, que ha aportado los elementos necesarios con los que garantizar, el suministro de energía que precisa el contenedor.


Siendo consecuente con otro de los principios por los que fue seleccionada la candidatura de la ciudad de Valencia como Capital Mundial de Diseño presentada por la Associacio Valencia Capital del Disseny. Y que tiene que ver con el objetivo de fomentar dinámica que mejoren las interacciones y movilidad en el espacio publico a través de la aplicación de una didáctica basada en el diseño creativo con la vocación de generar tejido y actividad social en el ámbito artístico atendiendo a expresiones populares locales. 


Se presenta la obra audiovisual titulada Metatron, un experimento que inspirado por la larga tradición de bandas y orquestas de música de caracter tradicional, que se pueden encontrar en buena parte de las localidades de la Comunitat Valenciana. Un proyecto que contempla la mezcla de musica, imagen y disciplinas científicas como las matematicas.

A lo largo de casi un año la ciudad de Valencia tuvo la oportunidad de mostrar al resto del mundo su potencial en el ámbito del diseño en todas sus vertientes.


Creado por el diseñador Pepe Gimeno  y el animador Carlos Cueto en el ámbito plástico y artistico, y la compositora Sonia Mejías que se encargo de componer la musica. En la obra Metatron se contempla la geometría como vehículo conductor de una pieza, pues la elección del título es utilizado en términos geométricos para designar un cuerpo formado por 13 círculos y ocho líneas que unen cada uno de sus centros, en su versión tridimensional está formado por todas las figuras geométricas que se observan en la creación del Universo.

Inspirada por el Cubo de Metatron, el origen místico de este cuerpo geométrico ha tenido aplicaciones tanto en el campo científico como en el de la alquimia e incluso en las escrituras religiosas como el de la Cabala, siendo utilizado en ritos de exortizacion. Compuesta por cinco tiempos que según sus creadores como un proceso organico, cuya composición cíclica se puede aplicar a las diferentes franjas horarias de un día completo.




Otra propuesta altamente sugestiva a la que no pudimos asistir fue la campaña titulada Greetings from..., que aprovechando el calendario de actividades incluyeron para esta edición un collage compuesto por ocho postales ilustradas titulada Greeting from Parcs Naturals, que representan la diversidad medio-ambiental de la comunidad valenciana, a través de la selección de sus ocho espacios protegidos más representativos.


La muestra coordinada por la arquitecta e ilustradora Virginia Lorente. Se proponiq recuperar la buena costumbre de enviar postales, desde el lugar de origen vacacional. Creados tanto en formato digital como físico la colección pone énfasis en acercar los diferentes paisajes de la comunidad mediterránea al público en general.



Anastasia Parmson, el espacio ilustrado como memoria


La delicadeza es un término que a mi particularmente me provoca una inmediata emoción cuando se aplica al arte. Esto que en ocasiones puede ser considerada una apreciación totalmente subjetiva que tiene que ver con una percepción personal.


En otras oportunidades es un criterio compartido que inspira a muchas personas. Una de las combinaciones de "colores" cuyo resultados suelen transmitir cierto grado de delicadeza, suele ser dos, el blanco y el negro. Dos colores tan básicos como neutros, que por separado no se suelen utilizar. Pero que cuando se combinan, independientemente del contexto suelen dar buenos resultados, e incluso suelen resultar elegantes.


Algo que aunque parezca que en una primera impresión carezca de mérito aproximandote más a una sencilla caricatura, sobre todo si estamos mirando los trazos rectilineos de un dibujo que se extienden sobre la superficie de un papel. Experiencia que en la mayoria de las ocasiones nos resulta cuando menos poco enriquecedora dejándole de prestar atención al instante.


Si suele suponer un aliciente extra si lo que se expone ante nuestros, se presenta de forma bidemensional, este cambio de perspectiva en relación a su plano e lo que proporciona a la obra propundidad. Cualidad está que bien tratada en términos creativos por el artista. Suele suscitar cierto grado de curiosidad en el que se detiene a verla.


Ya que está profundidad suele venir acompaña de una recreación más rica en matices que un simple dibujo sobre un papel o un lienzo, por muchos motivos que añada información sobre lo que se pueda estar representando en la obra. Esa diferencia cobra notoriedad si el objeto de la narrativa sobre el que se trabaja es una obra arquitectonica, con sus estructuras y medidas espaciales tridemensionales.


Donde debido a la relacion de cotidianidad que hemos establecido con el espacio que denominamos hogar, provoca que por defecto nos atraiga más una obra (que independientemente del formato en que esté realizada.) Si lo que refleja (en este caso una representación, ya sea de la fachada exterior de un edificio o de sus elementos interiores.)

Aunque de épocas muy dispares, los objetos pierden su antigüedad pareciendo de una misma etapa

Cobra vida y movimiento desplegando más de una dimensión sobre el lugar que se ha elegido para su exhibición. Si a estas consideraciones en el proceso creativo le añades la sutileza de la luz, puedes lograr que el destinatario último de tu creación (el espectador), pueda abstraerse por un momento de la realidad en la que se encuentra instalado y sumergirse en un estado de ensimismamiento y asombro.


O en otro sentido puede dejarse llevar por sentimientos vinculados con su trayectoria vital y seducido por la nostalgia, recuperar a través de la obra expuesta algún momento preterito. Que ya forme parte de alguna situación o episodio de la que ha sido testigo recientemente, o por el contrario de algún pasaje que anidado en los más profundo de su memoria aflora retrotrayendole a un momento más o menos reciente en su vida.

Segun la artista Anastasia Parmson con sede en Sydney.  Sus representaciones casi minimalistas de los diferentes espacios habitacionales que pueden formar un casa arquetipo, se apróximan mucho más a este segunda version. Ya que según ella cada una de las delicadas piezas que completan su hogar dulce hogar, estarína más próximas a indagar en la nostalgia que siente un individuo respecto a su pasado.


Aunque no se trata de obras inmersivas, cada instalación de Anastasia, si funciona como una maqueta con la que deseas interactuar dentro de las posibilidades que te ofrece el espacio.


Concretamente en el poso de recuerdos y vivencias acumulados por una artista nacida en un país que presenta unas dimensiones geograficas relativamente pequeñas como es Estonia. Una de las tres ex-repúblicas ex-sovieticas que se encuentran en el mar Baltico. País del que está artista con raíces siberianas tuvo que marcharse, formándose artísticamente en Paris.

Ciudad que tras varias escalas finalmente fue sustituida por la ciudad australiana donde reside en la que actualidad, y desde la que se ha dado a conocer. Principalmente a través de una selección de cuidadas y refinadas instalaciones a la vez que lúdicas e interactivas, a través de las que recrea fragmentos de lo que podría ser perfectamente su hogar familiar en Estonia.


Recuerdos vespertinos que plasma en formas tridimensionales que te podría por momentos recordar a las figuras de origami realizadas en papel. Si no fuera por que en sus propuestas añade el trazado de un lápiz o un rotulador. Que bien en términos inconscientes reflejan una sucesión de recuerdos que no fueron gratos a lo largo de estas primeras etapas de su vida.

En las reproducciones de Anastasia los detalles son relevantes a la hora de contextualizar la obra


Recreaciones que por otra parte incorporan todo tipo de elementos pertenecientes a lo que podría ser cualquier vivienda de la época en su país natal. Así como electrodomésticos de todo tipo, muchos de ellos prácticamente obsoletos como la clásica televisión de tubo con una pantalla cuyos ángulos levemente curvados y gris, que se complementa con objetos más vintage como un radiocasete de una pletina y doble baffle, cuyo dial todavía es manual.


Y que situado sobre una cómoda antigua con espejo y jarrón ya no desentona, como podria haber resultado en la epoca. Estancias donde predomina las vetas de los listones de madera que producto del paso de los años o décadas se convierten en las arrugas de una casa, y que contrasta con las muestras de vegetación que ya se muestren parasitanndo un rincón en el fondo del salón-comedor, o acompañando a objetos decorativos en estantes.



Construidas en madera la recreaciónes ilustradas de las partes interiores de un hogar de la Anastasia Parmson, crean una narrativa donde la memoria nos vincula al espacio que habitamos en algún momento de nuestras vidas.


Que en conjunto crean un micro-universo al que añade una colección de marcos con fotos y cuadros, que aunque apenas perceptibles en sus formas al ojo humano. Si contribuyen a la hipertextualizacion de la instalacion aportando la suficiente información para que como espectadores nos pongamos en contexto historico al respecto de lo que se nos está mostrando.


Efecto retroactivo donde acentúa aún más si cabe su faceta de ilustradora, que también es análogo en sus obras más intimistas. En las que se recrea en la reproduccion de piezas que abarcan todo tipo moiliario. Así como se atreve con la figura humana la cual reproduce a escala natural adoptando diferentes posiciones, pero casi mostrándose de forma conciliadora con su entorno.



Su manera de afrontar la realización de cada pieza diferencia entre el arte y la ilustración, estableciendo una tenue barrera entre ambos ámbitos creativos. En este sentido la ilustración de Anastasia es una representación de la dualidad de la memoria y el espacio exogeno-endogeno del que se nutre. El arte, en cambio, es la expresión de algo interiorizado, menos tangible y más subjetivo. Por lo tanto ella esta facultada para cruzar ambos campos, porque el medio de dibujo es también una de las principales herramientas utilizadas para la ilustración.