Nomada Q : surrealista

surrealista

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A pesar de estar ambientada en un futuro hipotético, el planteamiento del que parte la animación titulada Greenfields recurre a un contexto social y político. Donde debido a la opresión ejercida por el estado y sus mecanismos de represión provoca en sus ciudadanos anhelos de libertad, evocan tanto estéticamente como por el ejemplo en la arquitectura taciturna y monumental seleccionada para configurar los escenarios dondes se desarrolla la trama, a épocas pretéritas y regímenes cuya dialéctica planificada y decadente les hizo caer como un muro.

Producida en 2.013, estamos ante un trabajo de graduación y que por lo tanto sirve para completa un periodo de formación. En cuya realización participaron los estudiantes Luis Betancourt, Benjamin Vedrenne, Joseph Coury, Michel Durin y Charly Nzekwu. Y que nos cuenta en clave de psicodrama político, la trama protagonizada por un padre y un hijo, y el proceso por el que conciben huir en globo de un entorno deprimente, en busca de una vida en libertad representada por una vieja fotografía que les traslada a un lugar de cartón piedra y que en su diáspora logra alcanzar el único de ellos.

Cuantas veces hemos imaginado que viajábamos en el tiempo, u orbitabamos alrededor de la luna. O buceábamos en las profundidades descubriendo los restos del Nautilus que aparecía en 20.000 leguas de viaje submarino.

El ilustrador y artista Chris Spollen, realiza un trabajo mas elaborado se cabe. Donde el fetichismo y la arquelogia constituyen su pasión por el diseño de todos aquellos prototipos, que a lo largo de la historia se han construido. Pero que por diferentes razones nunca han llegado a ser comercializados entre el gran publico, provocando en muchos casos un autentico descalabro entre sus inventores.

Reproducidos mediante ilustración o a escala en maquetas. Cada trabajo viene precedida de un arduo trabajo de documentación, cuyos resultados Chris recrea de forma artística. Con lo que consigue piezas que combinan la estética surrealista que suscita la imaginación, y una labor didáctica de divulgación a través de lo que recupera proyectos en muchos casos olvidados.

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Construido en 1.920 el actual NH München Deutscher Kaiser, es un imponente edificio construido bajo los parámetros del más ortodoxo e incipiente Brutalismo de la epoca. Un movimiento resultado de una revolución y su idiologia.

Y que serviría de ejemplo y molde de lo que en las siguientes decadas, sería una de las corrientes arquitectónicas más notables e influyentes del Siglo XX. Cuyas remiscencias han llegado hasta nuestro dias, y que se puede observar en multitud de proyectos actuales.

Un edificio emblemático que quizás por estar ubicado en un lugar privilegiado, sus instalaciones lejos de ser abandonados convirtiéndose en un territorio a explorar por los amantes del Urbex. Se siguen dedicándose a la actividad hotelera. Remodelado en varias ocasiones la ultima muy reciente en 2.008.

Es uno de los establecimientos de hospedaje mas importantes de la capital bavara. Realizada por el fotógrafo con sede en Barcelona Victor Enrich, la serie de fotografías titulada NHDK reinterpreta la estructura del edificio redibujando el paisaje donde se ubica.

Compuesta por 88 tomas las cuales fueron realizadas desde diferentes ángulos y en diferentes franjas horaria. Las casi infinitas formas en que se representa la arquitectura original, fantasea con la posibilidad de la existencia de una idea utópica que prácticamente ha desaparecido.

Por la que algunos espacios de edificios tan emblemáticos poseen la habilidad de metamorfosean en función de nuestra imaginación o deseo. De que pasen desapercibidos salvo la esencia de una época de continuos y abruptos cambios, que propiciaron fachadas tan solidas a la vez que simbolicas.

Tomadas a lo largo de 2.013. NHDK es el ultimo trabajo de Victor, el cual se inicia en 2.005 con la serie dedicada al skyline de New York. Serie de capturas a través de las que representa su majestuosidad figurando entre sus edificios mas representativos las desaparecidas torres gemelas.

Formando parte de paisajes lunares que evocan recuerdos metálicos, las figuras esterilizadas de cuerpos tan lisergicos como pálidos pero a la vez tan esbeltos y fibrosos. Cuya sola presencia en un escenario que a la vez que ajeno les parece resultar tan conocido.

No pueden dejar de sugerir (entre otras muchas interpretaciónes posibles). Posibles encuentros casuales protagonizados por entidades que guiadas por una comunicación intuitiva se adentran en los terrenos movedizos de lo onírico.

Carreteras en forma de bucle nos describe una forma de eternidad, en la que la matriz espacio tiempse representa por el color neutro del gris. Una escala cromática por las que estas criaturas perciben la luz en un rango específico de frecuencias

El universo insconciente de su autor, el artista Simon Siwak. Se representa entre lo elegante y lo teatral en una suerte de recreación de Matrix erótico, donde camuflados por el reflejo que proyectan los espejos deambulan deseos inconfesables.

De origen polaco Simon Siwak realiza fotocomposiciones digitales a partir de modelos que describen sugerentes mundos donde los instintos humanos más basicos. Los cuales se mezclan con lo orgánico, en un mensaje dirigido a espíritus deshibidos, creativos y sensibles.

Uno de las propiedades a destacar en términos técnicos de sus trabajos es que no deja de experimentar, explorando la posibilidad de trabajar con nuevas herramientas digitales. Como son aquellas que proporcionan y forman parte de la inteligencia artificial.

Inquietudes que al contrario que muchos de sus coetáneos el explota sacándole el máximo rendimiento. Plasmando sus resultados en laminas fácilmente reconocibles, rasgo que en muchas ocasiones resulta complejo de identiticar en otros creadores digitales.

En muchos de los trabajos del fotógrafo digital Caras Lonut se observa dos constantes, por una parte vemos la naturaleza representada mediante diferentes especies, en ocasiones siguiendo patrón crudo y descarnado.

Animales salvajes que son tratados como mascotas acompañados casi siempre por niños, en un viaje donde las atmósferas oníricas nos describe un universo mágico. En el que la naturaleza esta siempre omnipresente.

La otra es su peculiar tratamiento del color, matiz que sin duda logra gracias a la aplicación de una variedad de filtros. Con los que trata cada imagen después del montaje que realiza con el photoshop (del que es un consumado experto).

Con los que consigue que la composición final de cada pieza tenga ese efecto tan tenue que evoca a tardes otoñales que transmiten serenidad e invitan a la meditación. Y que pueden recordar a algunos de los pasajes de los relatos de Edgar Alan Poe.

Nacido en Rumania en Febrero de 1.970, Caras alterna su carrera profesional, en la que ha realizado encargos para numerosas publicaciones. Con su afición por la fotografía digital.

Su imaginación y su trabajo están cautivados por los sueños y por las estaciones de otoño e invierno, a través de las que analiza el lado más oscuro de los deseos de un sujeto y sus sueños.

Ambitos en el que ha utilizado un lenguaje donde el surrealismo comparte espacio y discurso con elementos extraídos del universo natural. Representando paisajes en los que la nostalgia por una infancia que ya no volverá, se difumina entre trazos inspirados por la memoria del sueño y sus huellas impresas en el subconsciente.

Lost Gypsy Gallery es mas que un proyecto artístico de su creador el artista y aficionado al surf Blair Somerville se trata de un museo al aire libre, donde su autor exhibe sus obras. Compuestas por esculturas cinéticas, marionetas e instalaciones interactivas, están realizadas con materiales procedentes de reciclaje donados por sus propios vecinos o que Blair recoge en su entorno mas próximo.

Situado en el sur de Nueva Zelanda en las inmediaciones de una apacible localidad costera, donde en unas de sus múltiples excursiones buscando playas donde practicar su deporte favorito. Blair aparte de encontrar su ola perfecta y la pareja con la que actualmente comparte su vida.

Ha creado durante la ultima década su particular universo, donde ha tenido la oportunidad de volcar toda su creatividad. Desde su taller un destartalado autobús que cubría la linea escolar y que ante su eminente desguace el bueno de Blair, decidió convertirlo en su taller donde concibe y diseña cada una de sus obras y atracciones con las que asombra a los muchos visitantes que se acercan a contemplarlas.

Rodeado por una espesa vegetación donde la naturaleza es la principal fuente de inspiración, Blair selecciona las piezas que formaran parte de su extensa colección y en la que puede invertir hasta semanas de su tiempo dependiendo de las características del diseño.

Abierto todo el año Lost Gypsy Gallery, los visitantes que se acercan tienen libre acceso a la mayor parte de sus instalaciones, aunque se recomienda realizar una pequeña aportación económica para cubrir los gastos de manutención y de mantenimiento de las instalaciones.

Atraído por su historia el cineasta Joey Bania acaba de editar Lost & Found, un cortometraje documental financiado por BBC Worldwide. Donde en poco mas de nueve minutos condensa las motivaciones que propiciaron que su protagonista iniciara este proyecto cambiando su percepción de las cosas y su forma de vida.

Lost & Found from Joey Bania on Vimeo.

Cuando vi la intervención titulada Sheep Station, lo primero que pensé es que parecía una recreación de alguna de las obras que el artista Edward Hooper realizo, en las que el motivo principal era una estación del servicio ubicada en mitad de un campo de maíz.

En el caso de la primera muestra programada al aire libre al paisaje rural le sucede uno donde lo urbano es el protagonista. En lo que sera un futuro edificio de apartamentos en el distrito newyorkino de Chelsea. Su promotor un coleccionista de arte ha decidido utilizar las estructuras adyacentes en la finca, con el objetivo de exhibir arte publico.

Colindando con la archiconocida nueva vía verde del High Line, una destartalada gasolinera construida a medios de siglo languidecia fuera de servicio. Aprovechando su ubicación privilegiada se ha respetado el mobiliario original de la antigua estación.

Los surtidores donde los vehículos se suministraban de fuel, las maquinas expendedoras, el edificio central y la marquesina que lo protegía se han restaurado. Añadiéndolos elementos orgánicos como arbustos y setos, además de cubrir el frió asfalto por una cubierta de césped natural creando pequeñas ondulaciones elevando el terreno, perímetrado por una cerca de madera en tono blanco.

Consiguiendo recrear un escenario surrealista, donde lo cotidiano y reconocible convive con elementos naturales, suponiendo su presencia en la vía publica para el espectador un shock. La instalación que se puede visitar desde el 16 de Septiembre, la completa un conjunto escultural formado por 25 ovejas realizadas por el escultor de origen francés ya fallecido Francois-Xavier Lalanne.

Compuestos por miles de fotografías equivalentes a otros tantos momentos, los trece collages seleccionados para la serie Diorama Map, son el resultados de los viajes realizados por su autor el artista japones Sohei Nishino en el transcurso de los últimos diez años.

La muestra representa fragmentos del urbanismo realizados a vista de pájaro. La colección que se exhibe actualmente como parte de las actividades de la ultima edición de la feria Pulse Art que se celebra en New York.

Y que congrega a numerosos expositores y galeras de arte tanto de la ciudad como del extranjero. Se presenta en formato fotográfico de grandes dimensiones. Lo que permite al visitante sumergirse en cada uno de los cuadros reparando en cada uno de los miles de detalles que contiene cada obra.

SOHEI HACE FOTOGRAFÍAS QUE MAPEA CONVIRTIENDO EN DIBUJOS A GRAN ESCALA.

Aunque muchas de las fotografías están realizadas en color, ha sido necesario tratarlas en blanco y negro dándoles un aire retro, donde las sombras de los elementos mas significativos de cada ciudad seleccionada para la serie transmite un aire de nostalgia.

Su primer proyecto tuvo como referencia su ciudad natal de Osaka. En 2005, tras vagar por la ciudad durante un mes, disparó más de 150 rollos de película, a lo que añadió tres meses más reconstruyendo las imágenes de calles y edificios.

Empleando como herramientas unas tijeras y pegamento dando forma a la ciudad como la recordaba. Aunque una parte importante de la colección esta compuesta por ciudades localizadas en el sureste asiático, área que su autor Sohei conoce bien también ha tenido tiempo de retratar en su viajes ciudades de otros continentes, como Estambul, Paris, Rio de Janeiro o Jerusalen la única representante del continente africano.

El corto titulado Caldera (la cual podéis ver AQUI) es una animación de 11 minutos que tardo en producirse tres años, los mismos que el padre de su director Evan Viera, comenzo a experimentar frecuentes episodios ezquizoafectivos.

Una alteracio emocional que se caracteriza por padecer una amalgama de estados depresivos y delirantes que precisan de una medicación específica. En este caso Evan que también es autor del guión, nos pone en antecedentes utilizando un lenguaje repleto de símbolos oníricos.

Que sitúa al espectador ante una historia dramática de forma sutil, utilizando un discurso donde la fantasía y unos escenarios surrealistas generan la tension donde su protagonista se debate. Mostrándote el retrato de una joven que debido a la enfermedad está medicada, agobiada por un entorno hostil y afectivamente adverso.

Por lo que en un momento determinado decide renunciar al tratamiento, huyendo de la ciudad gris y lacrimógena que la rechaza. A partir de ese momento su percepción de la realidad la convierte en un ser vulnerable, lo que precipitan los acontecimientos provocando un final trágico.

Estrenada en 2.012 Caldera ha sido galardonada en diferentes festivales como el Prix Ars Electronica, Seattle International Film Festival, Festival de Cine Independiente de Roma o el Festival de Cine de Rockport. Siendo uno de los trabajos mas premiados desde su estreno.

A nivel técnico la cinta destaca por el excelente tratamiento de la iluminación que se ha realizado, lo que le confiere una atmósfera de naturaleza espectral. El metraje que carece de diálogos se apoya en la gran selección de los efectos de sonido, que vertebra una historia donde los silencios cobran un protagonismo esencial para el discurrir de la misma.

Representaciones de animales, seres surrealistas y antigüedades comparten el espacio narrativo con elementos digitales que dota de movimiento a la ultima instalación Mecaniques Discursives, creada por los artistas visuales franceses Jacquet Yannick y Fred Penelle.

A partir de un discurso donde el material exhibido crea un microcosmos, el visitante se convierte en un espectador que interpreta su propia versión en un escenario que se proyecta hacia delante ocupando el resto de la sala.

Mecaniques Discursives es la continuación de Paleodictyon una instalación de caracter especifico fruto de la colaboración con el artista digital Simon Geilfus y el compositor Thomas Vaquié. La obra perfomance digital fue creada para ser proyectada sobre la cubierta del museo francés Centro Pompidou Metz representada en el marco de la celebración de pasado Nuit Blanche en Metz, Francia.

Su proyecto conjunto consistió en crear un reino visual inquietante y decididamente contemporáneo, trascendiendo edades y modas. Desarrollaron un vocabulario sofisticado a la vez que osado y un tanto petutbador, en el que fusionaron el grabado y el arte digital más ecleptico. Se trataba de trabajar con diferentes conceptos de forma que el resultado fuera lo más espontáneo posible.

Sus obras en ocasiones aparte de dramas a medias plantean respuestas inadecuadas a problemas importantes como el aislamiento social las desigualdades sociales. A menudo pinta escenas con figuras que emprenden acciones inútiles y no relacionadas para remediar el problema inspirando humor y sátira, siendo un reflejo de mis preocupaciones generales como artista

Las obras se crearon en su mayoría in situ, adaptándose de forma natural a los sitios, paredes y espacios que las albergaban, y convirtiendo las limitaciones técnicas en una fuerza creativa. Después de haber mostrado su trabajo en más de setenta exposiciones, Fred Penelle y Yannick Jacquet cuyo resultados aparte de lo artístico permitieron crear una biblioteca a partir de la que abordar y estudiar el subconsciente del individuo a través del arte.

Aires industriales y orinicos son constantes en sus trabajos

Paleodictyon cuenta con una aplicación para el smartphone, que facilitan aquellos que la instalen la posibilidad de experimentar la pieza de nuevo, esta vez desde otras perspectivas y puntos de vista.

Mecaniques Discursives es una obra que formo parte del programa del festival de arte audiovisual Mirage de 2013, mezclaba la proyección y grabación de vídeo, es una especie de maquinaria tan mecanica como poética que se reproducia en las paredes a la manera de un cadáver exquisito, tomando como punto de partida el principio de la reacción en cadena.

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En los trabajos y colaboraciones de Jacquet Yannick los caminos están marcados por el deseo de renovar formatos tradicionales enriqueciendo el lenguaje visual utilizando el espacio y la luz como soportes de visualización.