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Brandalism hackea 500 vallas publicitarias de aerolíneas para denunciar el cambio climatico


Con el levantamiento o derogacion de las medidas adoptadas por las autoridades sanitarias, para paliar los efectos del Covid-19 y la aparición de nuevas variantes producto de su gran versatilidad mutacional. Y reemprender nuestra cotidianidad en un escenario socio-politico presidido por múltiples incertidumbres.


Bajo el leo-motiv de eso que se ha dado en llamar nueva normalidad. Una de las primeras actividades a las que como consumidores deseosos de vivir nuevas y sugerentes experiencias, ha sido contratar algún paquete de viajes que nos ofreciera la posibilidad de embarcarnos en algún viaje. Cuyo destino en mayor o medida nos trasladara a nuestro destino preferido de vacaciones.


O en todo caso y en el peor de los casos nos permitiera cambiar nuestro paisaje habitual cambiando así por unos días. O en el caso de los más afortunados alargar unas semanas de cambio de aires y de una rutina, ya de si adversa y desalentadora para una mayoría de ciudadan@s. Siendo una de las primeras opciones de transporte a la hora de contratar un tour o simplemente adquirir unos billetes el avion.

Que lejos de modificar en alguna medida su modelo de negocios y de trato al cliente mantenido desde que se libero el espacio aereo. Consistente en una constante reducción de los precios en la contracción de vuelos, lo cual ha traído grandes beneficios, sobre todo de cara al mercado. Ya que ha permitido "democratizar" el hábito de poder volar a precios realmente competitivos.


Fenómeno que por otra parte ha provocado que haya un repunte en el incremento del tráfico aereo. En un sector que ya mostraba preocupantes índices de saturación antes del Covid-19, y que debido principalmente a la reducción de los gastos destinados a la adquisición de ingentes cantidades de combustible por parte de los grandes operadores aereos, la mayoría pertenecientes a oligopolios de petroleras.

Está situación se agudizara teniendo como principal perjuicio la elevación de los índices de contaminacion, algo que en plena emergencia climatica. No ha supuesto sin embargo que el sector aeronáutico tome conciencia medio-ambiental, no adoptando medida alguna que permita albergar esperanzas sobre que en un futuro más o menos cercano está situación se pueda llegar a revertir.

Momento en el que dos activistas urbanos hackean un soporte publicitario de una marquesina


Eso pese a las campañas convocadas por una diversidad de entidades comprometidas con la conservación de la naturaleza. Que en un denodado esfuerzo y despliegue de medios viene denunciando desde hace decadas. Como los consejos de administradores de estas compañías aereas, emiten informes tergiversado o directamente maquillando los datos que indican los graves prejuicios e impacto medidio-ambiental.


Que supone no haber renovado su obsoleta flota de aviones, sustituyendolos por prototipos más eficientes desde el punto de vista energetico. Renovación que de llevarse a cabo supondría una reducción sobresaliente y una mejora sustancial en los ratios relacionado con la huella ecológica que generan en la actualidad, valoradas como una de las más notables generadas por cualquier tipo de industria.

Con el enfoque de hacer pedagogía social y al menos poder suscitar en el cliente en particular y en el público en general algún tipo de reflexion en el sentido, de que de alguna forma modifique sus hábitos relacionados con la organización de sus viajes. Optando por alternativas más respetuosas con su entorno natural como la que representan el turismo local.


Con más de 500 intervenciones realizadas en apenas tres meses, el colectivo Brandalism, ha demostrado la capacidad de movilización global que posee el arte urbano en el espacio publico.


El colectivo arte y activismo urbano Brandalism anuncio la presentacion a finales del mes de Septiembre de 2022 de un calendario de intervenciones que ejecutadas en terminos globales comprendió los meses de Verano. Tendría por principal objetivo demandar a las principales tur-operadoras, la modificación de sus politicas de responsabilidad corporativa en relación al medio-ambiental. Lanzando un grito contra los que los miembros de esta propuesta arte urbano de carácter activista.


Una actitud incivica e insolidaria respecto a nuestro patrimonio natural. Con este enfoque dual compuesto por una parte de tratar de poner en práctica los puntos que se recogen en su manifiesto. Que consisten en utilizar el espacio público como medio expresivo y altavoz a través del que manifestar su preocupación por una serie de temas y problemáticas de carácter social.

Y por otra parte llevar estas acciones expresivas aplicando una perspectiva y visión lo más global posible. La columna de artistas urbanos seleccionaron algunos de los aeropuertos más representativos por tráfico de vuelos y  flujos de viajeros. Donde en ocasiones y utilizando una narrativa más directa y mordaz, como en el caso de la valla customizada realizada por el artista Hogre que se pudo ver en los aeropuertos de Brighton y Roma.

El mobiliario publicitario es un altavoz a través del que plantear debates en el espacio publico.

Donde su autor transformó uno de los logos más fáciles de identificar por parte del gran público relacionados con las compañías de bajo coste como es el de Rainair, sustituyéndolo por Ruinair. Situado a los pies de dos entusiastas azafatas que adoptando una pose de lealtad saludan a los potenciales clientes con una máscara lacrimogena puesta.


Por su parte en el cartel hackeado por Matt Bonner en una marquesina de una  línea de autobús que tiene conexión directa con el aeropuerto, el mensaje adopta una narrativa grandilocuente y tintes dramáticos. Transmitiendo la idea de que la proliferación de vuelos baratos son la causa principal del calentamiento global.


La campaña de carácter global gestionada por el colectivo de arte urbano Brandalism, se enmarca en un escenario de emergencia climática global.


En el caso de la propuesta firmada por Michelle Tylicki y que decoraban tanto marquesinas instaladas en las ciudades de Utrech como de la ciudad francés  de Nantes. La compañía objeto de su denuncia era KLM, utilizando un tono más liviano y tenue, su mensaje iba dirigido directamente a los usuarios recordándoles que fueran lo más responsables posible a la hora de escoger un vuelo.

En total se intervenieron alrededor de 500 expositores publicitarios, suma muy estimable y que indica la gran embergadura y la gran transcendencia que ha tenido entre la opinión publica.  Compuestos por todo tipo de formatos y soportes publicitarios, la campaña que se ha completado a lo largo de los tres meses de Verano, buscaban el máximo grado de impacto entre los clientes de las aerolineas.


Expuestas en los principales aeropuertos europeos, la mayoría combinan en su concepción la sátira y altas dosis ingenio, enfoque con que el equipo compuesto por nueve autores Hogre, Lindsay Grime, Matt Bonner, Michelle Tylicki, Darren Cullen, Street Market Subverttiser, Soofiya, BWA Design, and Roelof Boss. Pretendían resaltar el papel del marketing de las aerolíneas en el aumento de las emisiones de gases de efecto invernadero. Los activistas están pidiendo a la Comisión de la UE que introduzca medidas en el ambito publicitario al estilo del tabaco para frenar la demanda de vuelos y evitar que las emisiones aumenten aún más. 




Para eso y paralelamente han habilitado  un canal por el que demandan la colaboración ciudadana bajo el nombre de los #BanFossil. Los paneles publicitarios seleccionados tanto en las inmediaciones de los aeropuertos como en el centro de ciudades como París, Ámsterdam, Barcelona, Bruselas, Lieja, Lisboa, Roma, Nantes, Londres, Bristol, Norwich y otras ciudades europeas con carteles que destacaban la falta de acción significativa de la industria de la aviación sobre el cambio climático. 



SETH convierte al Distrito 13 de París en un espacio de arte urbano crítico



La mayoría de los turistas que deciden dirigirse hacia los distritos situados en el margen izquierdo del río Senna, suelen tener meridianmente claro que su destino final esta en las proximidades del Distrito 14.


Donde se encuentra Montparnasse, el que quizás sea considerado el barrio más bohemio de la capital francesa. Un lugar donde los noctámbulos y los peregrinos de la noche suelen frecuentar hasta altas e intempestivas horas de la madrugada, cuando los primeros rayos del Sol despuntan al alba y el aroma de los tradicionales y numerosos cafés que hay en la zona abren sus puertas.


Para que tanto los residentes habituales, como los primeros turistas que se dejan ver por sus sinuosas calles, puedan cumplir con el ritual de tomarse el desayuno acompañado de un croissant recién horneado. Por lo que suelen ser el conjunto de calles que conforman el palaciego Distrito 13. Cuyo punto neuralgico lo podríamos situar en la Plaza de Italia, obviado por defecto de casi todas las agendas turisticas.

Algo que a mí juicio supone un craso error, pues aparte de la citada plaza, nos podríamos acercar a visitar el edificio que alberga la biblioteca Francois Miterrand, un majestuoso equipamiento, considerado el mayor del país en su ambito. Donde se podrá consultar el más amplio registro bibliofilo de toda Francia.

O los restos del cauce del Bièvre, uno de los ríos que cruzaban esta zona cuando todavía no se había anexionado añadiéndose como distrito de París, y cuyo cauce fue finalmente cubierto a comienzos del siglo XX. Aunque para dejar constancia de que por allí transcurrió un pequeño afluente. Todavía se conservan una serie de medallones que situados a ras suelo, te permiten seguir parte de su trazado original.

Entre otros muchos alicientes que se encuentran repartidos por aquí y por allá que te permitirán disfrutar de una agradable tarde paseando por sus calles. Podríamos citar que desde unos años a esta parte se han ido incorporado de forma regular una diversidad de muestras relacionadas con el arte urbano y el street art, que estan convirtiendo al distrito 13 en un museo al aire libre.

Una ciudadana de París trata de emular el gesto que observa en el grafitti de SETH

Intervenciones entre las que destaca por su cantidad, su calidad y sobretodo por su característico estilo a las que ha ido realizando de forma más o menos constante el artista conceptual SETH. De cuya obra ya os hemos hablado en NQ, en alguna ocasion y de su manera de percibir y trasladar la inocencia infantil, a un lenguaje y una narrativa netamente urbana utilizando formas muy suaves e incluso naif.

Hasta convertirle en uno de los mayores referentes del arte urbano de la capital parisina, siendo quizás la otra pata de este tamden el mismísimo JR. Autores que curiosamente comparten algunas similitudes en su práctica expresiva, como por ejemplo que los dos muestran una tendencia a  crear retratos a gran escala, donde en mayor o menor medida destaca la expresión humana en su manifestación más natural.

Aunque cabe recordar que Julien Malland tiene sus primeros antecedentes dentro del mundo del arte urbano, no muy lejos de allí en el Distrito 20. Cuyo entorno urbano utilizo como laboratorio en el que poder explorar aquellos parámetros que tras madurar con el paso del tiempo, pasaron a formar de su ideario y praxis urbana. Elementos por otra parte de muy fácil compresión por parte del gran publico.

Los ultimos proyectos de SETH en la capital parisina refuerzan su compromiso con la infancia a través de hacerse eco de los últimos dramas a los que se debe enfrentar.


Y con los que ha desarrollado la habilidad de representar una gran variedad de temas de más o menos calado social, a través de cuyo discurso SETH ha demostrado su compromiso y preocupacion con todo aquello que tenga que ver con la infancia, y todas aquellas vulnerabilidades e indefensiones a las que se enfrentan los niños a lo largo de esta fase de su vida.

Siendo en estas primeras etapas en las que más traumas infantiles se producen. Siendo un tema recurrente y sobre el que gira buena parte de las actuaciones firmadas por SETH. Aunque en el Distrito 13 también se pueden contemplar obras de auténticos iconos del arte urbano como Shepard Fairey (Obey) de la que se puede ver la intervencion, Liberté, égalité, fraternite, situada en 141 boulevard Vincent-Auriol.


O de nuestro admirado D*Face del que se puede ver a la altura del número 155, boulevard Vincent Auriol, un retrato femenino que realizado bajo claras influencias del Pop Art lleva por título Turncoat. Cerca de allí se encuentra la intervención titulada El Castor de artista urbano portugués Bordalo II, que como su nombre indica reproduce la figura de un castor, en homenaje a la gran colonia que hubo en su momento en la zona.

Otra de las versiones de SETH perteneciente a la serie dedicada al Covid-19

Volviendo a las aportaciones realizadas por el artista parisino SETH en el distrito, y como no podía ser de otra forma, se muestra recurrente a tratar de nuevo los problemas que atañen a la infancia conformandose como el tema central de las propuestas. Que se pueden ver en las proximidades de las instalaciones del expacio expositivo de la galería Lavo//matik, cuya programación está dedicada en exclusiva a mostrar artistas de Arte Urbano.

Entre estas voy a comentar dos ellas, las cuales por su significado y sensibilidad merecen especial atencion, la primera que a pesar de que ya la conocía cuando fue realizada por el artista como reaccion al anuncio por parte de las autoridades de confinar a la totalidad de la poblacion. Debido al avance inexorable provocado por el patógeno Sars-Cov2 Covid-19.


Aunque las ideas relacionadas con la infancia plasmadas por SETH en sus murales por defecto suelen presentar un aire optimista, en las últimas realizadas en París aunque trata de reducir su carga dramática no puede abstraerse de la gravedad de los últimos episodios a los que estamos asistiendo.


En realidad se trata de una serie de pequeños murales en los que aparecen sus características figuras infantiles, pero con un matiz todas las representaciones están parcialmente cubiertas con un casco, con el que los niños pretenden protegerse de este enemigo invisible, que es el virus. Y cuyo detonante fue la intervencion del presidente de la República Francesa, por aquella epoca Macron ese mismo Marzo, cuando equiparo la lucha contra el virus con un conflicto bélico cuando afirmó categóricamente "Estamos en gurra".


En la segunda intervencion aún más reciente en este calendario tumultuoso plagado de acontecimientos poco predicibles y hasta cierto punto inesperados. En este caso el tema al que alude SETH, no es otro que la invasión por parte del gobierno de la Federación Rusa, de parte del territorio Ucraniano. Incursiones en la región del Donbass que se produjeron a comienzos del Marzo del año pasado, provocando como primera y más trágica consecuencia la muerte de miles de personas a la vez que el desplazamiento de cientos de miles de ellas. 

Entre los cuales la población infantil sufrió el shock más notable, cuya estimación y consecuencias están aún a día de hoy por valorar. Pero que en sus primeros capítulos supuso el desarraigo desde su lugar de origen, además de estar expuestos a constantes peligros debido a la aparición de mafias, y la ineficaz actuación de las diferentes autoridades involucradas en su vigilancia y proteccion. 

El mural de escuetas dimensiones y desplegando cierto aire patriotico, represententa sobre el lienzo de una tapia blanca situada a la altura de la Rue Buot, a una niña que ondea alegremente una bandera de Ucrania. Con la cara girada hacia el interior la niña en su grácil caminar parece ajena a la verdadera transcendencia de los acontecimentos a los que estamos asistiendo. Peinada con una coleta lleva adherida a la cabeza una diadema de flores que atenúa los simbólico de la razón de la representacion. Dramatismo que sin embargo se simboliza muy bien en la parte inferior del mural, donde los zapatos de la niña de forma marcial y contundente aplasta los tanques enemigos.


Swoon el arte como elemento transformador del espíritu humano


Puede una obra de arte adquirir una narrativa interpretativa similar a la que se puede ver en una obra cinematográfica, aplicando la estructura de comienzo, nudo y desenlace. Se trata sin duda de un planteamiento sugerente y sugestivo pero que lamentablemente sí exceptuamos la vídeo instalaciones de artistas visuales como Bill Viola


La percepción que tiene el público en general sobre el discurso tanto  estetico como conceptual que debe concurrir para que una pieza de arte se pueda valorar en esos términos, suelen estar sujetos tanto normativamente como tradicionalmente a formas y modos que rara vez escapan a la ortodoxia. Quizas este recelo tenga con ver más con el espacio expositivo que con los valores y propiedades de la obra en sí. 


Pues aunque a estas alturas nadie le puede causar sorpresa, que ya no en una sala de un museo, sino en la de una galería de arte se programen periódicamente eventos donde se pasen algún reportaje o documental dedicados al arte. Cuyo planteamiento por lo tanto es meramente artístico, el público todavía habitual que asisten a espacios de exposición de obras plasticas, tienen interiorizado la idea de que se tratan de espacios destinados únicamente y exclusivamente a colgar lienzos u piezas escultóricas, mostrándose reicitente a que cometan casi un sacrilegio con un lugar que el como espectador no puede dejar de contemplar como continente cuyo diseño y uso está enfocado para alberga un determinado tipo de obras. 


Y es que aunque en los últimos cincuenta años han aflorado una casi infinita cantidad de propuestas que desde una diversidad artística han tratado, de hacer comprensible para un público que está acostumbrado al arte figurativo. Propuestas digamos más arriesgadas que tendieran puente entre las más actuales tendencias y vanguardias artisticas, fusionandolas con dinámicas creativas propias de una narrativa donde tanto la acción, como el movimiento y el sonido. 


Permitieran crear contenidos que analizados bajo la lupa de la crítica alcanzarán el mismo estatus de valoración entre los coleccionistas de arte, cuyo gusto y preferencias han preferido decantarse por propuestas más cosmopolitas y accesibles como el arte urbano o street art. Corrientes que sí parecen que tras mucho tiempo y empeño si han logrado seducir a los amantes de arte, incluso aquellos que por naturaleza solían rachazar de forma contundente una obra arte cuya gestación y realización tuviera como ámbito expositivo el espacio público. 

Gran parte de su arte está inspirado en personas que conoce y encuentros casuales que tiene


Finalmente se han sentido persuadidos sino fascinados por la práctica urbana, por lo que cada vez es más habitual tener noticias de obras que tras ser subastadas han alcanzado precios casi astronómicos. Quizás el que lenguaje cinematográfico compuesto por planos, contraplanos, secuencias... No posee las propiedades precisas para poder integrar la práctica artística tal como la conocemos, resultandonos cuando menos exótico que un artista visual que incorpora imágenes en movimiento pueda cautivarnos en los mismos terminos que un artista clásico. 


Aún así si explora el calendario de citas artisticas existen artistas que si tratan de ofrecerte una experiencia dramática similar a la que puedan dispensar un relizador de cine. No tanto en cuanto al formato sino más bien en cuanto a la génesis y  la representación final sobre el plano que se expone. Y también porque no en el proceso de creación, una fase que se suele obviar pero que implica un intervalo de tiempo, en el que tanto emocionalmente como intelectualmente se suceden una serie de contecimientos. 


Los que finalmente suelen desembocar constituyendo todos y cada uno de los matices que conformarán el resultado de cualquier obra. Una de las artistas que ha profundizado en este sentido ha sido la artista con base en el barrio New Yorkino de Brooklin, Caledonia Curry aunque firma bajo el seudónimo de Swoon, y de cuyo trabajo os hemos dado a  conocer algún proyecto como el conjunto escultórico que firmó en 2011. Titulado Submerged Motherlands, como en buena parte de las obras que firma la artista traza un vínculo emocional entre la consecución, en ésté caso de un arbol que representa la enésima denuncia que pone en evidencia la nefasta influencia del ser humano sobre la tierra. 


Mezcla de performance, animación,  pailoflexia, e instalación la instalación The House Our Family Built, nos describe un relato a partir del que recuperar nuestro legado familiar.


Si en esta recurre a una estética que parece extraída casi de un cuento tradicional, con la que sin duda la artista trata de crear una vía de comunicación que incida directamente sobre el lado más emotivo de aquel que repara en cada detalle de la obra. Elevando inmediatamente la empatia hacia el mensaje en este caso ecológico sobre el que Swoon trata de generar conciencia y solidaridad. 


Capacidad, la de la complicidad  sobre la que la artista a la perfección conoce todos y cada uno de sus códigos. Empleandolos con acierto bajo una diversidad de prismas, unas veces con más pedagogía y sutileza en el mensaje sobre el que desea dejar constancia en la retina de aquel que atraído por la acumulación de elementos metaboliza la obra en su conjunto tras dedicarle un momento más o menos largo de contemplación. Como si se encontrará inmerso en una ambientación decorada con motivos de origen Zen. 


Siendo otras de las cualidades de las obras de Swoon la de la inmersión, virtud difícil de integrar en una obra de arte pero que ella ha logrado a lo largo de su ya dilatada trayectoria, incorporandola como un desafío complementario a sus obras. Tobre todo en aquellas donde lo dramatico, lo íntimo y lo personal se encuentran en un cruce de caminos, obligandote  a despojarte de tus perjuicios y tus inhibiciones frente al contexto de la situación, ya sea de índole moral o social, sobre la que obra en cuestión. 


La instalación nómada The House Our Family Built, entreceje un relato social cuyo drama se exorcisa a través del arte


Se torna más visceral y contundente, retandote constantemente a sostener la mirada mientras te cuestionas como ser humano, como pueden existir otros congéneres de tu misma especie, que acaben optando por replicar conductas que en principio le son ajenas y sólo pueden acabar perjudicandole. Instalaciones que destacan por su dramatismo a la par que por pertenecer a la esfera de lo que se podría considerar íntimo. Temas excabrosos a los que Swoon añade altas dosis  de psicología, lo que atenúa el impacto de la obra. 


Introduciéndose poco a poco en una dialectica en la que de forma inconsciente se suscitan reflexiones que más o menos razonadas son provocadas por su vision. Instalaciones de corte íntimo como la titulada The House Our Family Built.  La cual se centra en  explorar el trauma y la adicción dentro del seno fmiliar, en una un collage compuesto por una serie de intrincados recortes de papel, murales pegados y cortos de animacion de stop-motion una historia que pertenece al ámbito personal naciendo del corazón y de la memoria de una niña que creció en la ciudad de Connecticut. 


Konbit Shelter se creo en 2010, en respuesta al terremoto de Haití destruyó decenas de miles de hogares


Dónde creció bajo la tutela de unos padres que presentaban antecedentes por consumo de estupefacientes. Degradante situación qué logro evitar gracias su abuela, una figura familiar determinante que la facilito que geminara en ella inquietudes creativas, gracias a las que a edad difícil como es la adolescencia fuera invitada a un centro de día donde asistían personas de la tercera edad, donde entre otras actividades había talleres de iniciación al arte. 


Una etapa de su vida muy personal con la Swoon trata no obstante lanzar un mensaje optimista de cara a las nuevas generaciones. Con ese objeto la instalación itinerante que se pudo ver en diferentes distritos de la ciudad de New York donde contó con la colaboración del artista Jeff Stark, ha estado de viaje durante buena parte del pasado año por buena parte de los Estados Unidos. 


Se despliega a lo largo de un contenedor de catorce metros de longitud, medida inusual pero con la que la artista consigue un enfoque extendido en una escultura móvil que se asoma con cierta indiscreción explicita al de la intimidad de la vida familiar.

 


Gracias a la práctica artística Swoon ha establecido un estrecho diálogo con el activismo como precursor a través del que solucionar conflictos, que exploran el poder de la creatividad como respuesta a las crisis causadas por desastres naturales, violencia estructural y adicción.



Realizada en colaboración con PBS American Portrait, The House Our Family Built transforma un camión de caja en una escena doméstica nomada compuesta por una cabina envuelta en papel tapiz estampado y un remolque abierto para revelar un ambiente similar al que se genera en una casa. Dentro del vehículo hay objetos sinónimos que te puedes encontrar en cualquier hogar, incluidas fotos enmarcadas,  juguetes para niños y mobiliario. 


Mientras que una cerca la separa el perímetro exterior de la escena que se esta desarrollando a escasos metros. Una familia encarnada por figuras caracterizan a sus diferentes miembros así como definen sus roles dentro del núcleo familiar.  Según la propia artista - el objetivo es que el espectador se identifique con el relato que ante sus ojos se está representando y que tome una postura frente a ello -. 


RELACIONADO: Jofre Oliveras, arte urbano en las periféricas 


En otro orden de cosas en la obra de Swoon existe un paralelismo entre su faceta como artista y su perfil como activista, lo que le ha llamado a poner en marcha proyectos comunitarios fuera de los espacios tradicionales de la galería. En 2015 fundó la Fundación Heliotropo para apoyar múltiples proyectos colaborativos que utilizan el arte como catalizador a través del que hablar sobre diferentes conflictos sociales. 

Se tratan de iniciativas que transforman el paisaje humano y social como el Refugio Konbit, un proyecto de construcción sostenible desarrollado tras el terremoto de 2010 que devastó Haití. Más cercano geograficamente el Music Box Village, se trataba de crear un entorno musical inmersivo construido para abordar el costo cultural del huracán Katrina mediante el fomento de colaboraciones entre la comunidad creativa de Nueva Orleans y artistas de todo el mundo. 

Con el objetivo de capacitar a grupos en riesgo de exclusión social Tiles Braddock, era un programa de capacitación en habilidades laborales dirigido principalmente a jóvenes locales que respondió a la desinversión y la crisis económica en la localidad de Braddock, Pensilvania. En 2020, después de la conclusión de Braddock Tiles, Heliotrope le propuso una colaboración a través del proyecto House Za'kiyah, reutilizando un edificio de tres pisos en Braddock para proporcionar viviendas a personas que salen de prisión o que se enfrentan otra crisis extrema.




Orgosolo en Cerdeña, cuna del arte mural en Italia



Cuando el viajero se adentra entre sus carreteras angostas accediendo por mar, desembarcando desde un ferry o por via aérea. Con el objetivo de visitar la isla italiana de Cerdeña, o como nosotros que nos dirigimos directamente a Orgosolo, desde la que se domina el valle de Bargalia un paisaje que destaca por sus barrancos los cuales esculpen buen parte de la Costa Esmeralda


Y a la que no acercamos con grandes expectativas, para descubrir y contemplar todos y cada uno de los ciento cincuenta murales con los que cuenta hasta ahora Orgosolo. No puede dejar de sentir cierta perturbación ante lo que muestran muchas de estas estampas realizadas, aplicando una técnica de origen local como son las pinturas al agua con las que cubren tambien las paredes de sus casas desde que se crearán los primeros asentamientos que se estima que datan de época romana. 


Cuando las legiones del imperio esclavizaron a los pobladores de origen bárbaro, bautizando a esta pedania con la raíz latina de ese rermino. Y no por que la temática que tratan visualmente una mayoría de las pinturas, que básicamente se construyen a partir de imbricar un relato que se basa en los usos y costumbre vinculadas a la dilatada actividad agrícola que se observa en la comarca, donde los pequeños huertos de los labriegos, se alternan con las parcelas donde las viñas y las hectáreas de olivos comparten un territorio por otra parte adusto en su fisionomia. 


Y que todavia a día de hoy supone la principal fuente de ingresos que reciben sus gentes que complementan con los cada vez los más cuantiosos ingresos, que perciben gracias a la industria del turismo que practicamente esta presente en toda la isla. Sino porque muchos de ellos aun sin ser lúgubres, si hacen referencia algunos episodios que pertenecen a cuando, tanto en las inmediaciones de la localidad como posteriormente en su centro. Se asentaron individuos de dudosa moralidad. 


Siendo el embrión de lo que mucho tiempo después sería la mafia calabresa o siciliana. Bandas criminales más o menos organizadas que se dedicaban a actividades ilícitas que tuvieron hondas y nefastas consecuencias para una población ya exigua debido a las condiciones precarias económicamente e insalubres en las que vivían, careciendo en la mayoria de flas amilias de las mas mínimas provisiones con las que nutrirse. Por lo que durante mucho tiempo ostentó el dudoso honor de ser considerada como la población del mundo con más homicidios del mundo. 

Mural dedicado al poeta y ganador del premio Nobel de literatura chileno Pablo Neruda


Situación de desproteccion que se recrea fielmente en escenas que logran transmitir la sensación de peligro y dramatismo que se pueden percibir en algunos de estos murales, que ya sea por la temática que tratan o por sus dimensiones se muestran parcialmente ocultos en laterales o incluso escondidos detrás de algún portón. En todo caso alejados de las vías principales donde se muestran pinturas de  carácter más reposado y cotidiano, cuyo trazo liviano y plano hacen referencia a la vida rural de  la región. 


Recreando en muchos escenas pastoriles ilustrando la vida de sus gentes a través de retratos en los que emplean una paleta de colores suaves casi tono pastel, que dan a cada representación una ambientación muy familiar y cálida que pueden recordar por momentos a cuadros naif. Muy distantes en todo caso de las pinturas casi barrocas que casi parecen querér escapar de las paredes de barro y piedra, materiales locales con las que están construidas la mayor parte de sus casas. 


Imágenes  concisas pero poderosas que nos traslada a una época que ya parece que pertenece a otro contexto histórico. Y que nos hablan de cuándo por estas tierras se llegaron a registrar hasta quinientos muertos anualmente producto de las vendetas que se producían casi a diario entre bandas rivales. Hechos que se produjeron principalmente a lo largo de las dos primeras décadas del siglo XX, acciones protagonizadas por sicarios y que como es lógico mantenían a la población atemorizada y constantemente extorsionada. 


Si alguien le interesa profundizar algo más detalladamente en aquella época. El director de cine Vittorio de Seta, en su película Banditi a Orgoloso de (1961), describe la dura lucha de los campesinos y pastores en la defensa de sus tierras contra las expropiaciones por parte del Estado, produciendo un fenómeno que se conoció en el resto de Europa debido a los numerosos episodios del llamado bandidismo


Mundialmente famosa a raíz de que a primeros del siglo pasado se coronó como la localidad donde había más muertos por homicidio del mundo. Orgosolo en la actualidad se ha convertido en una de las localidades más visitadas de Cerdeña por su excelente arte mural.


Una etapa que afortunadamente ya quedó atrás hace mucho tiempo pero cuya memoria persiste a través de expresiones populares como estas pinturas que recuerdan por estilo a la que firmaban los grandes muralistas mexicanos como Sequeiros o Diego Rivera. Y cuyo primeros antecedentes datan del año de 1969, en plena contracultura e inspirados por los acontecimientos recientes que en Mayo del 68 se han producido en París. 


Cuando sobre una pared en el centro de la localidad se realizó una pintura mural con una clara orientación política. Esta primera pintada estaba formada por un mapa de Italia sobre el cual destacaba un signo de interrogación (?), símbolo con el que se sustituía a la isla de Cerdeña. El objetivo de esta acción no era otro que denunciar la inhibición de las autoridades italianas dedicaban a la isla. 


La intervención hay que abordarla desde el contexto de una época convulsa. Realizada desde el más absoluto anonimato por un grupo de jóvenes anarquistas procedentes de la península italiana que inspirados por Giancarlo Celli (director de escena nacido en Lucca, en Toscana) y que había fundando el grupo de teatro experimental y gerrillero Dionisio, decidieron denunciar la situación de abandono que sufría endémica mente la comarca. Esta primera experiencia, sin embargo, no tuvo continuidad en Orgosolo. 


 Pese  ser una localidad pequeña. Orgosolo cuenta con tres museos, el de historia, el del traje y una casa museo

Produciéndose un parón cuyo intervalo de tiempo hizo temer de que aquella acción quedara en una mera anécdota y en el olvido, algo que finalmente sucedió, retomandose la actividad muralista en Orgosolo en 1975.  Cuando  Francesco de Casino, original de Siena, y residente ya desde hacía más de diez años en Orgosolo, donde era profesor de educación artística en la escuela local, implicó a sus estudiantes en una actividad original para celebrar el 30 aniversario de la resistencia antifascista en Italia. 


Con el objeto de festejar tan señalada efeméride se barajaron varias opciones. Finalmente se decidió plasmar los acontecimientos relativos a esta fecha, junto a otros temas de actualidad y plasmarlos en carteles para colocar en las paredes de la localidad. Con el objetivo de festejar esta conmemoración en un sentido lúdico. 

Muchos de los murales de. Orgosolo vienen acompañados de un breve texto alusivo al tema que se trata


Y dejar huella del trabajo realizado para las posteriores generaciones así como para los visitantes y los vecinos de las poblaciones limítrofes, los cuales en breve tiempo se sumarían de alguna forma al proyecto muralista creando una red en la comarca del Supra monte. El resultado se sintetiza en un muestra donde lo atavico se complementa con la historia y el activismo cultural. 


Y cuyo legado ha llegado hasta nuestro días gracias a que los vecin@s se han comprometido con su conservacion.  A lo largo de los años, diferentes generaciones de estudiantes, se convirtieron en alumnos aventajados Del Casino, cuya labor consistió en coordenar las labores de organización del territorio sobre el que se sigue actuando hoy en dia. 


El resultado es una de las muestras de arte urbano en un entorno rural más interesantes de todo el país transalpino, habiendo convertido sus calles en un pinacoteca cuya piezas permiten hacer una lectura de su historia. Constituyendo por si solo un patrimonio histórico y artístico que merece ser conocido y protegido.


Los murales de Orgosolo en la isla italiana de Cerdeña, se crearon de forma espontánea en 1969, medio siglo después se ha convertido en un museo al aire libre. Que te permite conocer la historia de la región. 


Aunque se puede realizar la visita por libre, existe a disposición del visitante un centro de interpretación donde te proporcionan toda la información necesaria además de un plano muy pormenorizado donde te vienen señaladas todas y cada una de las ubicaciones de interés. En un recorrido dividido en tres zonas las que comprenden los murales zona oeste (calles coloreadas en verde, en el plano), murales zona central (color naranja pastel) y murales zona este (color azul cielo).


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Jofre Oliveras, arte urbano en las periferias


Una caminata que bien documentada puede abarcar de dos a tres horas, de tiempo bien invertido. Proporcionadote una experiencia que te acercará a la historia de una región desde diferentes angulos, a través de un selección de obras sensibles y refinadas, basadas en un cromatismo elegante. En los últimos años, los murales se han enriquecido con otros recursos y estilos artísticos, como el trampantojo y el surrealismo dedicando una plaza a la obra del pintor español Joan Miró.