Nomada Q : pintura

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El inexorable paso del tiempo suele ser el responsable de la desaparición de cualquier tipo de huella. Que se haya podido producir debido algún acontecimiento que se haya podido producir en un determinado momento.

Modificando el territorio y su paisaje. El proyecto The Battlelines Redrawn es una iniciativa en la que participan geógrafos, historiadores y artistas, cuyo propósito es analizar desde diferentes ámbitos. Como afecta sobre el territorio acontecimientos tan trascendentales como la I Primera Guerra Mundial.

Quizás el ultimo gran conflicto armado cuyas operaciones tuvieron como escenarios campos de batalla. Donde debido a la aplicación de la tecnología a la industria militar, se produjo importantes transformaciones directamente sobre el entorno, perdurando en el tiempo hasta la actualidad.

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Es asombroso observar como como las presiones producidas sobre el territorio por la guerra, se integran en el paisaje formando parte de su identidad

Que tienen en común nombres como la archiconocida fotógrafa Annie Leibovitz, artistas Glen Wexler o dibujantes de comic Darryl Cunningham, aparte de su actividad intelectual.

Y de participar en la primera muestra El arte de la vida, iniciativa patrocinada por la Fundacion Gates. Y cuyo propósito es reivindicar el papel de las vacunas como política terapéutica debido a las cientos de millones de seres humanos, han conseguido salvar sus vidas.

Pues que todos y cada uno de ellos lograron superar una enfermedad de carácter grave, gracias a que durante su infancia fueron vacunados. Contra algunas de las muchas infecciones de las que estamos expuestos, desde que nacemos.

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Todas y cada una de las obras seleccionadas independientemente de su formato, describe alguna efemeride relacionada con la historia de la virologia

Quizás no se lo mas ortodoxo por las metodologías y utilización de técnicas y materiales empleados en su realización. Pero de alguna forma el artista Matt Reilly con sede en New York y perteneciente al colectivo creativo Japanther, al trazar sobre una superficie cóncava con las ruedas de su tabla de skate impregnada en pinturas de diversos colores consigue expresar lo que siente.

La performance que se realizo en el marco de actividades organizadas por el Mana Contemporany. Exploraba la posibilidades que ofrece la movilidad corporal como vehículo de manifestación, en este caso utilizando como recurso un artefacto tan ajeno a la practica artística como es una tabla de skate.

El resultado son unos murales de grandes dimensiones donde el movimiento basculante delimitan la acción y capacidad expresiva, en relación al espacio sobre el que el artista se balancea de un extremo a otro cumpliendo ritual espontáneo. Donde el color adopta formas caprichosas ajenas a la voluntad del interprete en lineas que realizan un recorrido de ida y vuelta y que son producto de la presión ejercida por peso ejercido por la inercia del movimiento oscilatorio y su masa.

Matt Reilly of Japanther performs live skateboard painting at Mana Contemporary on May 6th, 2014 from Plasticity NY on Vimeo.

Las pinturas que forman parte de la serie titulada Down Roots (echando raíces) realizadas por la artista con sede en la ciudad americana de Cleveland Amy Casey, nos muestra una ciudad que se urbaniza a partir de una combinación de formas orgánicas.

Y donde su materia biológica es sustituida por materiales artificiales. Realizando trayectorias caprichosas que incitan a perderse en un laberinto formado por cientos de calles y edificios apilados, adoptando una arquitectura de efecto masivo.

Que monopoliza la atención del espectador, posición activa que le introduce en el intricado callejero formado por planos superpuestos. Que recorre con la imaginación buscando una salida de la ciudad flotante al borde del colapso.

En el vídeo que completa la serie y que se puede ver integramente AQUI, invoca al arte como terapia para enfrentarse a las catástrofes inevitables a las que todos nos expuestos alguna vez durante nuestra vida.

El tsunami del Océano Índico de 2004, por ejemplo, cuyo dramático episodio la afectó profundamente, debido a que tenía amigos en Tailandia en esos momentos.

Aparte nos muestra el minucioso proceso de elaboración de cada lamina en la que utiliza fotografías de edificiós, mediante las que Casey representa pequeñas ciudades imaginarias. Reconstruyendo un paisaje cercano con el que se relaciona y a través del que visibiliza las vulnerabilidades humanas.

En las composiciones Pop-Art del artista Scott ListField conviven elementos de la cultura americana e iconos cinematográficos. Elementos narrativos a través de los que crea atmósferas surrealistas donde la memoria del observador.

Recupera fragmentos de muchos de los iconos culturales de los que hemos sido testigos a lo largo de buena parte del siglo XX. Tratando cada episodio o evento aplicando un enfoque como vehículo mitologico.

En cuya trama existe un personaje o protagonista, un anodino astronauta que actúa de anti-heroe o outsider. Que se asoma a una realidad que no por no conocerla le deja de resultar ajena.

A pesar de su inexpresividad y su carencia de lenguaje corporal, el expectador es capaz de percibir su desorientación. Así como su indiferencia y soledad que experimenta en una arcadia digital.

Scott Listfield es conocido por sus fabulas creativas en las psicoanaliza la sociedad que le rodea a través de la mirada distante, anodina y aparentemente nihilista e irónica de un astronauta solitario. Que se muestra desorientado en un paisaje abrumador repleto de iconos de la cultura pop, logotipos corporativos y referencias a ciencia ficción.

Scott creció en Boston, y estudió arte en el Dartmouth College. Después de algún tiempo viviendo en el extranjero, Scott regresó a Estados Unidos, donde empezó a caricaturizar una sociedad que había crecido influenciada por films de ciencia ficción como 2001 Una Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick o Jurasick Park, así como series como Lost In Space. Relatos cuyas expectativas tuvieron con el paso de las decadas, un reflejo sobre el terreno y en términos domesticos prácticamente nulo, no materializandose prácticamente ninguna de sus predicciones.

En un contexto social sobre-estimulado por la publicidad, que le incita a un consumo voraz de bienes y recursos. Situación en la que el individuo se enfrenta a sus propias contradicciones y fantasmas personales.

Los óleos que realiza el artista Kal Gajoum, natural de Tripoli (Libia), son estampas reunidas de una Europa bohemia difuminada en la patina del tiempo. Poblados por modelos sofisticadas recorren escenarios que parecen extraídos de un reportaje de moda.

Que evocan tiempos mejores ofreciendo una imagen amable y cálida del viejo continente, que refleja a través de sus grandes monumentos, destacados en colores vivo. Y de los que sin duda es un gran conocedor debido a sus continuos viajes con motivo de su intensa vida artística.

Kal Gajoum es un pintor que desde muy pequeño ya despunto artísticamente. Su familia consciente de ello le matricula en la escuela Leonardo D´Vinci de arte en la ciudad de Roma. Mas tarde se traslada a París para aprender la técnica de acuarela regresando a su ciudad natal para exponer sus obras.

Posteriormente se traslada a Malta donde trabaja para la Real Fine Art Gallery como artista profesional. Estas experiencias le servirá para dirigir una prestigiosa galería de arte en Gran Bretaña que compaginara con su trayectoria hasta la actualidad desde su estudio en Canada.

Aunque el autor no los cite expresamente en sus obras se perciben las influencias mas que notables de autores impresionistas de principios del siglo XX como Renoir o post-impresionistas como Toulouse Lautrec.

El interés mayor de Gajoum se centra en captar el efecto fugaz que provoca la luz del sol, filtrada por las distintas condiciones atmosféricas, sobre los objetos. En sus investigaciones en ese sentido, Claude Monet, uno de sus representantes más importantes, realizó series de pinturas de un mismo tema en distintos momentos del día y del año. Mismo mecanismo que aplica Kal en sus cuadros en los que a menudo recurre a la arquitectura mas monumental para tratar de reflejar el efecto de la luz en sus pinturas.

Las manos aparte de servirnos para realizar multitud de labores a lo largo de una jornada normal de trabajo, por sus características morfologicas representa además una herramienta de comunicación muy valiosa en nuestras relaciones sociales.

El lenguaje mímico fue el primer abecedario que empleo el ser humano para establecer relaciones y transmitir conocimientos a sus iguales. El artista plástico afincado en Milán Guido Danielle, utiliza su capacidad expresiva combinada con el tatuaje corporal y el arte digital.

Para realizar unas sorprendentes recreaciones de las mas diversas especies que pueblan la naturaleza. Guido ha desarrollado su propia técnica tras muchos años de experimentación con métodos de pintura con aerógrafo.

Recientemente ha realizado la campaña de conservación para el Fondo Mundial para la Naturaleza (WWF). En un principio se formó como escultor, pero fue tras su estancia en la India donde muy probablemente inspirado por la técnica de representación corporal Mehndi, en la que se utiliza como pigmento henna.

Cuando empezó a utilizar las manos de modelos para realizar sus trabajos publicitarios, así como eventos de moda y exposiciones. Encargos que comenzo a combinar con sus trabajos más personales y creativos.

En los que explora el rendimiento corporal como elemento expresivo, más concretamente la piel. Que Guido percibe como un lienzo sobre el crear una diversidad de narrativas creativas, aunque predominan los motivos relacionados con el mundo natural.