Nomada Q : papel

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Construido integramente con papel reciclado y derivados de la celulosa Recycled Paper Theater es la ultima propuesta creada por el estudio del arquitecto Andrew Todd, y que tendrá su puesta de largo y vigencia durante la próxima edición de la muestra de diseño y arquitectura de vanguardia 2013 World Stage Design 2013, que anualmente se celebra en la ciudad inglesa de Cardiff.

Situado en un claro del bosque, los arboles ejercen de muro de protección natural de un planteamiento de estructura circular que carece de cimientos que lo fijen en tierra firme. Los fardos de papel prensado se disponen sobre una circunferencia que tiene un diámetro de quince metros.

El exterior estéticamente recuerda a las Yurta, vivienda tradicional de la etnia nómada de los mongoles que viven en extensas áreas de las estepas de Asia Central. En este caso en vez de emplear capas de lona de lana y pajas se prensa papel en bloque rectangulares de cincuenta kilos cada uno, peso que garantiza la absorción de impactos garantizando la estabilidad de la estructura,

Finalizado con una cubierta fabricada con vainas de bambú recubiertas con una doble capa de cartón plastificado que impermeabiliza el recinto interior. La planta adopta la forma circular de una pista de circo. Los graderíos dispuestos en balcones están realizados con balas de papel prensado decorado acorde con la actividad a la que esta destinada el edificio.

Cuando entre en funcionamiento Recycled Paper Theater tendrá un aforo máximo de doscientas plazas sentadas. La luz se proyecta sobre el centro de la pista a través del oculo abierto en el techo, iluminando de forma natural el recinto.

Realizadas a partir de miles de pliegues prensado de folios de papel, los bustos y esculturas tallados por el artista de Beijing Li Hongbo, se transforman en acordeones que al desplegados.

Se deforman revelando la verdadera naturaleza del material con el que están elaboradas. Materia que a primera vista uno no puede apreciar, pensando por textura y estética que pudiera tratarse de yeso o fina porcelana. Es cuando el tacto de la piel de la mano roza con delicadeza la superficie de la pieza.

Cuando te percatas de alto grado de elaboracion de cada escultura asi como de su fragilidad. A esta delicadeza hay que añadirle la cantidad de detalles que añade a cada diseño que acomete en cuyo diseño puede invertir varias semanas de trabajo teniendo que haber repetido el mismo proyecto en varias ocasiones debido a su complejidad.

Fascinado por los juguetes tradicionales chinos y decoraciones festivas conocidas como calabazas de papel. Crea divertidos accesorios que se utilizan para engalanar las localidades chinas con motivo de la celebración de algún acontecimiento o fiesta.

En el caso de las piezas de Li, la estructura y los pliegues que forman cada escultura se incrementa dotando a cada escultura de mas flexibildad, pudiendo alargar cada escultura decenas de metros convirtiéndola en casi infinitas.

Las obras de Li Hongbo se caracterizan por lo inusual de los materiales que emplea, papel y pegamento. Con los que crea obras inspirada en su entrno social y en la idea de tradición y ubicuidad que encarna el papel, y su capacidad para desarrollar narrativas basadas en el movimiento que causan sorpresa en el espectador. Cada busto comprende aproximadamente de 7000 a 26000 hojas de papel blanco apiladas unas encima de otras. Se pegan manualmente en una estructura de nido de abeja, lo que permite que las esculturas resultantes sean flexibles y resistentes a la vez.

Los libros esculpidos por el estudiante de diseño inglés Thomas Wightman, tienen una dimensión social que pretende concienciarnos mediante la realización de obras empleando técnicas de papiroflexia.

Que conceptualmente reproducen diferentes episodios vividos por pacientes que padecen transtorno obsesivo compulsivo (TOC). Y de las consecuencias de experimentar este trastorno.

Utilizando una simbología que navega entre el surrealismo y experiencias cercanas al psicoanálisis. Cada escultura-libro es una aproximación a las pulsiones que propician este tipo de comportamientos repetitivos.

Utilizando un lenguaje alejado de los tecnicismos formales de la psicoterapia. Cada trabajo está realizado con esquisito detalle, habiendo sido rescatados de la basura o donado. Se "reescriben" artisticamente, narrando un testimonio transmitido en primera persona al autor.

Thomas esculpe libros con imagenes metafóricas alusivas e inspiradas por los testimonios de paciente con TOC, a través de las que recrea en un contexto visual el lado emotivo de estas personas.

Compuesta por tres piezas esculpidas la serie comienza con un titulo elocuente Ahogamiento de Obsession, donde se muestra un barco de papel que se hunde en una espiral de obsesión.

En otra escultura titulada Plagado por la duda utiliza como figura del TOC un enjambre de insectos y tipografías de letras. En las que los insectos devorando un libro, representando en este caso como el transtorno anula la conducta.

Finalmente en Descarrilamiento mi tren retrata la enfermedad incorporando un tren que ha interrumpido su viaje, simbolizando el período de ansiedad y pánico que causa el TOC.

El artista urbano frances Levalet utiliza elementos del mobiliario urbano y accesorios como complementos de sus intervenciones, con los enfatiza la acción dramatizada de sus personajes reproducidos en papel. Realizados a escala real, suelen adoptar posiciones que recuerdan a los gestos de los mimos que te encuentras actuando en las plazas de muchas ciudades.

Aunque las técnicas que emplea son de exterior, muchos de sus proyectos se realizan en espacios cerrados lo que les confiere una dimensión decorativa donde el entorno se convierte en parte activa de la intervención.

Son estos recursos inusuales en el arte urbano y su tratamiento lo que permite al espectador emplear la imaginación a partir de lo inesperado y lo fortuito en la naturaleza de la acción, suponiendo un estimulo para el que contempla su obra.

Residente en París donde ha desarrollado la mayor parte de su trayectoria artística, cada uno de sus proyectos implica un intervalo de tiempo que se dilata hasta que cristaliza en la localización adecuada, para eso se tiene quedar las condiciones idóneas de luz. Inspirado por la gestualidad teatral algo que traslada a sus dibujos con un estilo donde se acentúa la expresividad de los modelos que participan en sus proyectos.

S.M.A.L.L. (Send Mail Art, Love & Life) es una iniciativa epistolar que a partir de la creatividad de artistas y gente anónima que remite sus postales o correo postal, pretende recaudar los fondos suficientes a construir y equipar un colegio con el cubrir las necesidades de la comunidad infantil de Korem en Etiopía.

Organizado por la fundación Madre Tierra que tiene su sede social en Madrid, el mecanismo de participación es muy simple solamente hay que hacer uso de la imaginación e ilustrar una misiva con los motivos que se te ocurran, en la selección que podéis ver en su web hay una increíble variedad de las que aquí exponemos una muestra para que os hagáis una idea.

Madre es una organización sin animo de lucro que desarrolla proyectos principalmente de carácter educativo, en zonas reprimidas de países del África Subsahariana como Etiopia, Mali o Burkina Faso. Trabajando activamente con los miembros de las comunidades con las que trabajan, a los que tras finalizar su periodo formativo, les proporciona los medios a traves de los que emprender sus propios proyectos laborales.

Korem es una pequeña población (16800 habitantes aprox.) del Norte de Etiopía, ubicada en la Región administrativa de Tigray, a 620 km de Addis Abeba, la capital de Etiopía. Aunque los estándares nacionales señalan una media de 400 alumnos por colegio y un máximo de 50 alumnos por clase, la realidad de Korem está muy distante de estos indicadores, con una media de 900-1200 alumnos por centro escolar y de 60 a 80 alumnos por clase.

Por este motivo el gobierno regional se ha planteado la necesidad urgente de abrir dos nuevas escuelas primarias en el área de Korem. En Agosto de 2012 se ha realizado la ceremonia de inicio de la obra, con presencia de las autoridades regionales y locales, y miembros de nuestra organización del centro educativo que actualmente esta en construcción.

Creada en 2007, Madre África esta integrada por profesionales cualificados y comprometidos que componen El Consejo Asesor de la Fundación. Todos ellos comparten además un tesoro en común: un hijo, al menos, adoptado en África. También contamos con expertos locales que trabajarán sobre el terreno y con colaboradores africanos destacados que están desplazados en España.

Todas las cartas enviadas a la siguiente dirección MADRE ÁFRICA. C / Limón, 24 Bajo Derecha. 28015, Madrid. España, son enmarcadas y expuestas adquiriendolas los visitantes, obteniendo los recursos necesarios con los que continuar la financiación de la construcción de la escuela.

Hace casi treinta años un custodio japonés se sentó frente a un pliego de papel de grandes dimensiones A1, sacó un lápiz y comenzó a dibujar los inicios de un laberinto diabólicamente complejo, cada trazo surgía espontáneamente de su cerebro volcándose sobre el blanco del folio.

Cuando lo finalizo siete años después las miles de posibilidades que ofrecía al que se embarcaba en el dédalo eran asombrosas, los trazados cuyas huellas podías seguir eran exponencial mente casi infinitas. Obviamente en casi ningún el destino y finalization del itinerario escogido solía coincidir con el deseo del aspirante cuya meta era encontrar una salida del dedalo.

Como el mapa de un tesoro, el pergamino permanecio guardado treinta años hasta que el hijo del autor lo desplegó sobre una mesa y comprendio su significado, tratando de encontarle el sentido al trabajo de su padre. El hijo escaneo el dibujo del mapa por fragmentos y los colgó en su cuenta de Twitter @ Kya7, retando a todo aquel osad@ que quisiera resolverlo.

DESCUBIERTO COMO UN TESORO, EL LABERINTO ENSEGUIDA SE HIZO VIRAL

La respuesta fue todo un éxito, a pesar de que el desafío era cuando menos herculeo, un nudo georgiano de magnitudes raramente vistas hasta ese preciso instante. Razones a tener en consideracion, que se tenía que tener muy en cuenta por todo aquel que de verdad tras conocer todas y cada una de las dificultades a sortear.

De verdad y a pesar de todas las adversidades y posibles efectos que pudiera provocar, quisiera seguir participar en su eludizacion. La respuesta no se hizo esperar recibiendo miles de peticiones de usuarios que querían acceder a una copia integra del laberinto que su padre le había legado por casualidad para tratar de resolverlo.

Aquí se pueden ver algunos detalles de tan laborioso trabajo en el que para realizarlo no empleo mas que su ingenio, sin trucos ni segundas versiones. Además de algunos de los muchos resultados enviados por los participantes, no cabe mencionar que la practica totalidad infructuosos y vanos intentos por resolverlo con exito.

En la serie de Xilografias el artista Bryan Nash Gill reproduce los anillos de tocones de arboles centenarios obteniendo impresiones en tinta de los mismos.

Basado en la dendrología, rama de la botánica que se dedica al estudio de las plantas leñosas. Las laminas entintadas son como huellas dactilares a través de las que podemos conocer la identidad e historia de un ejemplar en concreto.

Bryan que reside en la localidad de New Hartford en Connecticut. En un entorno rodeado por extensos bosques, por los que tiene la fortuna de pasear con relativa frecuencia.

Recogiendo numerosas muestras vegetales con las que después trabaja en su estudio. Material que trata con sumo cuidado y con el que realiza principalmente piezas de escultura abstracta.

El emplea una técnica que mediante una serie de cortes transversales e incisiones sobre árboles como fresnos, arces, robles, abetos, sauces... entre otros. Como resultado se obtienen bellos grabados en relieve.

Revelando como si fueran voces cuyos ecos reverberan desde un antepasado ancestral. Descubriendo el misterio que subyace en las marcas del tiempo que delatan los anillos interiores.

En su reciente libro editado bajo el título de Woodcut, nos presenta una selección de estos grabados que nos muestran los contornos interiores de distintos árboles. A través de un material gráfico de gran calidad y acompañado de documentación, en la que se nos describe ofreciéndonos todo tipo de detalles relacionados con ese ejemplar en cocreto.

Para su ultimo trabajo el ilustrador y creador multimedia Edson Oda recupera la técnica de superponer imagenes como método narrativo y la estética western empleada en el The Writter.

Demostrando que no es necesario aplicar tecnologías muy sofisticadas para lograr contar una buena historia con la que el espectador. Tanto desde el punto de vista estetico como narrativo, incorporando elementos a la trama que provocan la curiosidad en el espectador.

A pesar de que el desarrllo de la historia, no deja de ser una historia clasica ambientada en el viejo oeste. En Malaria que podeis ver AQUI, Edson sin embargo aplica dos variantes que le diferencia de The Writter. La primera, en vez de fotografías en las que a través de bocadillos camuflados se estructuran los diálogos, emplea ilustraciones en blanco y negro.

En las que además de los bocadillos aparecen complementos narrativos como onomatopeyas recortados y efectos pirotécnicos. Elementos inspirados por el comic que nos inducen a pensar de la gran influencia que ha ejercido este formato en Edson.

El segundo recurso a partir del que estructura Malaria sirviendo como entorno visual, es el escritorio que decorado con objetos y fetiches que hacen referencia a la cultura del farwest, se convierten en pistas que indican al espectador por donde van los tiros.

Realizada en principio para presentarla al concurso Django Unchained Emerging Artist, Malaria nos cuenta la historia de el encargo que se realiza a un cazarecompensas de nombre Fabiano para capturar y dar muerte valga la redundancia que ni mas ni menos que a la mismísima Muerte.

La pieza de poco mas de cinco minutos de duración siendo una muestra de artesanía basada en el origami y el kirigami japones, que ha sido filmada en formato time lapse.

La primera impresión que te causan las extrañas formas que adoptan las figuras de la escultura Jessica Drenk es de asombro y admiración, pero es cuando aprecias el material del que están hechas.

De como de cientos a miles de lapiceros nivelados a diferentes alturas pueden crear una forma estéticamente sugerente. De la minuciosa labor y la increíble dedicación que emplea Jessica en su obra.

Aunque su obra ha cobrado notoriedad por su serie conocida como Implementa, la artista nacida en el estado norte-americano de Montana. En el que creció en contacto con la naturaleza, estableciendo una dilatada experiencia, lo que ha propiciado que experimente con numerosos materiales casi todo recolectados de su entorno mas próximo.

En la serie de instalaciones llamada Cerebral Mapping reproduce los circuitos y conexiones neuronales, utilizando como material tiras de cartón con las que traza intrincadas redes formadas por axones que transmiten su potencial de accion de forma continua.

En Soft Cell, vincula la materia orgánica de las que están formadas las células, con algo tan peregrino como son rollos de papel higiénico. Al transformar objetos cotidianos en formas inspiradas en la naturaleza y sus patrones, examina cómo clasificar el mundo que nos rodea.

Artículos manufacturados, aparecen como objetos naturales, algo funcional se convierte en algo decorativo, un material simple se hace complejo.

En cambio en los restos de los libros fosilizados crean una conexión entre el ser humano y lo natural. En sus instalaciones, combina estos conceptos aparentemente opuestos que se retro-alimentan de forma simbiotica, representando pequeñas colecciones de la historia natural. Su interés en la arqueología, la paleontología, la biología, la botánica y la geología influye no sólo en las formas y las texturas de su escultura, sino en su significado en relación con el paso del tiempo y como nos afecta.

Desde que los antiguos egipcios emplearan fibras de celulosa para elaborar los papiros a partir de los que hemos heredado parte de su legado, el papel ha sido testigo de la evolución de nuestra civilización.

En la actualidad su protagonismo de escriba de la historia, ha sido parcialmente relegado por la era digital, aunque eso no quiere decir que su consumo haya disminuido, generándose millones de toneladas de residuos de los que una buena parte se recicla en plantas especializadas.

Otra buena porción de los restos que genera el papel se emplean en las mas variadas actividades. Diseñado por la oficina Dratz y Architekten Dratz en 2.010 en un solar de la localidad de Essen en Alemania, donde en su momento hubo La explotación minera Zollverein patrimonio de la humanidad por la Unesco. Siendo sus instalaciones utilizadas por la organización la capitalidad cultural europea

Los ladrillos y el cemento fueron sustituidos por quinientos fardos de papel reciclado comprimido donado por los comerciantes, el edificio de carácter efímero reproducía uno de los clásicos barracones donde los operarios se preparaban para acceder a la mina.

La estructura proyectada en una sola planta escalonada tenia una superficie de ciento noventa metros cuadrados. La idea surgió cuando en el viaje de visita a un cliente, Ben Dratz diviso los fardos de papel prensados en una planta de reciclaje.

Fascinado por su capacidad estética y estructural, las balas de papel aparte de la materia, era el resultado de millones de experiencias redactadas en múltiples lenguas, que simbolizaba la variedad de la que esta formada la sociedad además de su capacidad infinita para transmitir información.

Zollverein Paper Pavilion es un proyecto experimental que exploraba las posibilidades arquitectónicas de materiales, que tradicionalmente son ajenos al proceso constructivo. Analizándose su durabilidad y resistencia, así como su comportamiento en diferentes escenarios climatológicos.

Quizás dos años y medio para construir la habitación de un escriba pueda parecer excesivo a cualquiera, pero como una buena historia la instalación del artista argentino Pablo Lehmann, requiere dedicación y algo más de tiempo.

Además de ciertas dosis de disciplina y paciencia. En The Scribe’s House. En la obra con la que Pablo debutara en la próxima edición de la Art Basel de Miami, tan importante es la materia con la que esta creada.

Como la idea general alrededor de lo que gira el planteamiento de la instalación, y lo que por lo tanto desea transmitir al espectador. Que se acerca a la obra no tanto desde una óptica artistica, sino observándola como algo familiar.

La totalidad del espacio del apartamento (diseñado a escala real) está completamente amueblado y decorado con muebles vintages que provienen de reciclaje. Pintado en diferentes tonos neutros además de amarillo y el marrón, con los que consigue crear una atmósfera hipnotica.

La cama, bañera, cortinas. Así como el resto del mobiliario esta impreso con motivos y y diferentes tipologías con las redacta mensajes. Voces mudas que parecen cobrar vida ante la presencia del visitante, que se puede llegar abrumado ante tal cantidad de texto aparentemente sin sentido.

Lo que Pablo Lehmann hace con el lenguaje The Scribe’s House, es construir una narrativa estética y creativa, quizás tratando de emular lo que hacen los pintores con pigmento. Materiales frágiles a los añade el uso de papel de capas y la tela sintética.

Para cualquier amante de la literatura, el libro es una fuente inagotable de emociones, recuerdos, efemerides, momentos, historias... Un tesoro valioso que amplia los límites del lenguaje, un mecanismo que revela los universos creados por el poder de las palabras. Para Pablo Lehmann, el libro es a su vez, un generador de imágenes, formas encubiertas e infinitas posibilidades de interpretar la realidad trasladandolo a un contexto artistico.