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Thierry Mandon, surrealismo entre lo público y lo privado



Tomar el almuerzo con la consiguiente siesta, ver tu programa favorito en la televisión, preparar el baño para sumergirte entre las aguas desde las que emergen cientos de miles de pompas de jabón. 


O probarte delante del espejo las últimas prendas que estimas (que de forma más o menos afortunada) marcarán tendencia la próxima temporada. Son en resumidas cuentas y a groso modo actividades que forman parte de nuestro ámbito privado. 


Por lo tanto procuramos como individuos discretos y pudorosos no compartirlas más allá de nuestro círculo más próximo de amistades, y siempre que se puede con las más absoluta discreción posible. Algo que instalados como estamos en plena era de la biotecnología y las telecomunicaciones. 


Donde el valor de un smartphone de última generación, reside en su capacidad y rendimiento multimedia es prácticamente una misión herculea sino imposible perservar nuestra intimidad sin sacrificar una determinante cuota de nuestra vida social. Habiéndose llegado con el paso del tiempo a un acuerdo de mínimos. 


Por el que como individuos celosos de nuestra privacidad renunciamos a parte de nuestra intimidad, a cambio de alimentar nuestra vanidad y ego. Algo que hacemos fundamentalmente a traves de exponernos en las redes sociales en las que no exhibibimos en ocasiones renunciando a nuestro pudor y sin criterio objetivo. 

A modo de cuadro sobre la pared desnuda Thierry nos interroga sobre nuestro concepto de intimidad 

Esta situación se incentiva además si existe la posibilidad de obtener un retorno económico, entonces ya cualquier prejuicio latente sobre nuestro derecho a la intimidad practicamente se diluye, ante la expectativa de obtener más o menos beneficios. 


Plusvalías que en buena parte de las ocasiones son poco más o menos que decepcionantes, no llegando a satisfacer el mas mínimo de nuestros codiciados objetivos de notoriedad. Decepción que lejos de disuadirnos suele alentarnos para que en sucesivas ocasiones, nos abramos en canal ante una audiencia que reclama de forma voraz.


Mas contenido relacionado con la narrativa que hemos ido construyendo y ofreciendo a nuestros cada vez más numerosos seguidores, que nos reclaman, nos sugieren, nos motivan y en muchas de forma caprichosa y arbitraria nos desbordan. 


Cómo si fuera un funambulista el artista Thierry Maldon realiza performances en las que escenifa escenas familiares diluyendo los límites entre lo público y lo privado. 


Creando situaciones en ocasiones que pueden llegar a comprometernos y resultar realmente embarazosas, algo que supone un dasaafio en la mayoría de los casos hasta el extremo que perdemos la noción de la realidad. Ya  que no sólo no tiene consecuencias sobre nuestra esfera privada. 


Sino que lo que conocíamos como realidad hasta hace relativamente poco tiempo se difumina en un marasmo de unos y ceros, elementos básicos a partir de los que se construye la era digital, en la que nosotros como individuos mutamos nuestra identidad. 


Utilizando un lenguaje en síntesis y práctica más profano y cercano a una estética netamente barroca así como austeras en su ejecución. El artista Thierry Mando con sede en la localidad francesa de Ardeche


Las performances de Thierry actúan sobre los sentidos relacionados con la memoria y la esfera de lo privado

Realiza intervenciones utilizando ese espacio digamos neutro que camina furtivamente entre lo exogeno y lo exogeno, como por ejemplo puede ser el muro de carga de un edificio. A través de las que escenifica escena familiares, en las que aplicando técnicas que mezcla el arte urbano y la performance ofrece a los espectadores casuales escenas hogareñas creando un vínculo instantáneo. 


Con el espectador que apenas puede salir de su asombro cuando camina por la calle y tras alzar su mirada contempla a Thierry encamado y leyendo placidamente un libro. Hecho trivial que por si solo no debería llamar la atención de ningún transeúnte. 


Pero que cobra un inusitado interés cuando el contexto en el que se desarrolla la escena se sale de lo habitual y doméstico. Debido a que el que espera a que le encuentre el sueño de Morfeo tendido en un jergon, está suspendido a una considerable altura ajeno a lo que sucede a pocos metros a ras de suelo. 


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Encaramado casi siempre en una cornisa que uno deduce que antaño compartía con otra vivienda contigua. Visión casi surrealista de una persona que recupera (no sin cierta osadía) la memoria de un espacio y su uso. 


Realizadas en un periodo de tiempo que cubren los últimos veinte años, se trata de propuestas donde se cuestiona el concepto de arquetipo en relación a su espacio preasignado, vulnerando este código social muchas veces rigido hasta lo absurdo cuando se debate sobre las mitaciones entre lo público y lo privado. 


Este dilema público/privado se acentúa aún más si cabe en aquellas propuestas donde el espacio pierde su horizontalidad como en inside Outside de 2015 que es sucesora de Tableau Vivant de 2008, donde está dualidad se representa visualmente de forma casi plástica. Cómo casi se tratara de cuadros colgados de una pared expuestos para que cualquiera los pueda admirar. Creando un sustrato donde la ficción se confunde con lo doméstico y viceversa. 





Dorothy, ilustra la cultura Pop creando mapas a partir de sus antecedentes tecnologicos


Ya sea empleando como medio narrativo un viejo sintetizador analogico Mimimoog, uno de los primeros fabricados en su rango. Comercializado en 1970, este destacaba por ser compacto no como su antecesor y por ofrecer un sonido de caracter grueso y timbre calido.


Con el que grabaron bandas como Pink Floyd, Electric Light Orchestras, cantautores como Silvio Rodriguez o solistas como Charlie Garcia o Gary Neuman (pionero de la musica electronica). El iconico modelo Air de Nike, o uno de los mas emblematicos prototipos de Apple Macintosh en 1984, cuya aparicion en un mercado (el de los ordenadores de sobremesa).


Suposo toda una revolución para epoca a pesar de contar solo con 120k de memoria. O como en su ultimo y laberintico diseño presentado en 2020 en el que representa a traves de un diagrama de un amplificador de guitarra electrica, que se comporta analogamente como un arbol genealogico la historia de un movimento como es de la cultura Rock.


Haciendo un recorrido por su historia a través de una diversidad de etiquetas que hacen referencia a su vez a los más variopintos estilos. Su autora, la diseñadora grafica Dorothy una entidad creativa cuyo trabajo contempla una amplia gama de formatos y estilos, se remonta a los primeros antecedentes de generos tan añejos como el Blues mencionando nombres tan iconicos como Muddy Waters, uno de sus mas destacados representates.

Dorothy dedica una diversidad de láminas a la cultura Pop y Rock


Para usarlo como acervo y nexo comun de cuyo origen y raiz brotan y fluyen infinidad de corrientes, generos y estilos con los que casi la practica totalidad de nosotros (en mayor medida nos podemos sentir identificados.) Si por ejemplo en la ilustracion dedicada a la historia del cine, en la que emplea como soporte expresivo una camara Arriflex 35 II


Cuya aparición tras finalizar la II Guerra Mundial introdujo notables características y calidades que mejoraban su optica y movimiento, las cuales se adaptaban a los requisitos de los directores adscritos a generos tan innovadores para la época como el New Wave movimiento con el que se identifica a el mismisimo Stanley Kubrick, Dorothy recurre a objetos y personajes como medio.


De cada proyecto de la ilustradora Dorothy emana una mirada hacia un pasado mas o menos proximo cuya contemplación supone un paseo la cultura de los ultimos cien años y por nuestras experiencias como individuos. 


A traves del que ofrecernos una cronologia basada en antecedentes pertenecientes al orbe del septimo arte, cuyo dato y efemerides se ofrecen de forma caotica, convirtiendo su exploración en todo un juego visual donde se desafian y ponen a prueba tus conocimientos acerca del mundo del celuloide.

La arquitectura es un tema recurrente en sus trabajos


En el colosal diagrama musical trazado sobre una pizarra (que por cierto, como el resto de sus trabajos se pueden adquirir a traves de su dirección web.) Dorothy prescinde de cualquier artificio, recurriendo unicamente a generos y nombres otorgandoles (mas o menos espacio), en función de la notoriedad que estima su autora. 


Formas de representación mas o menos elaboradas. O como la mas minimalista empleada en la confección de un poster en el que graficamente utiliza todas y cada una de las letras del abecedario, con la variedad de tipografias acuñadas a traves de algunas de las bandas mas importantes de la historia de la musica contemporanea.


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Pero que a pesar de esta sencillez conceptual consigue inmediatamente establecer un vinculo emotivo y sensorial que nos remonta como sujetos a nuestra memoria acumulada a traves de hechos vividos tanto a nivel individual como clectivo, cuya gratificación compartimos en experiencias en las que determinados sonidos, acontecimientos o peliculas forjan y forman parte de nuestra existencia.    

 



17000, activismo artistico y objeto como reflejo del drama de la inmigración


El fenómeno de la inmigración ha pasado de ser vinculado a situaciones puntuales a convertirse en un drama global cuya magnitud y complejidad adquiere especificaciones muy concretas y en algunos casos su tratamiento politico resulta dificil de entender.

Dependiendo del área geográfica donde nos situemos, por ejemplo a lo largo de 2019 las autoridades suecas decidieron adoptar una serie de medidas que suponían un claro retroceso, en el reconocimiento de los ya de por si escasos derechos, de los que se habían podido beneficiar los diferentes colectivos de inmigrantes que hay en Suecia.

Quizás la mas grotesca y kafkiana de esta batería de políticas adversas a los intereses de las decenas de miles de inmigrantes que ya tienen su residencia a lo largo del país, haya sido iniciar los tramites cuyo objetivo único es deportar a 17000 personas (todas menores de edad).

De las 23500 solicitudes de asilo que a lo largo de 2016 y desde entonces ya habían sido tramitadas y aprobadas por las autoridades competentes y que de forma abrupta decidieron revocar, creando un gran trastorno a esos miles de adolescentes muchos de ellos huertanos.
 

LA INMIGRACIÓN Y EL SINSENTIDO DE LA BUROCRACIA

Cuyas vidas después de muchos años de incertidumbre y tragedias acumuladas ya comenzaban a ver la luz al final del túnel, viendo de repente como por una determinada y arbitraria decisión política su existencia da un vuelco devolviendoles a la casilla de salida.

Y a un limbo burocrático donde la incredulidad y la impotencia ante la toma de decisiones de las que han sido deliberadamente excluidos, desconcierto que se refleja en cada uno de los 34 bastidores que conteniendo 500 objetos cada uno 

Donados por todos y cada uno de las miles de personas que esperan como si una espada de Damocles se tratara, a que finalmente se confirme su orden de deportación, forman la instalacción de efecto masivo titulada de forma suscinta 17000.


LOS OBJETOS COMO TESTIMONIOS DE UN DRAMA

Gestionada por el colectivo de artistas con sede en Estocolmo Skaparkollektivet Forma, se trataba de denunciar a través de una acción colectiva en la que mediante estrategias creativas se trataba de dar respuesta a una situación dramática e incongruente.

Exhibida en la Liljevalchs art gallery hasta finales del año pasado, estamos ante una obra activista en la que los aspectos estéticos son secundarios imponiéndose el discurso simbólico cuya narración discurre entre los social y lo afectivo.


La instalacción 17000 producto de la aportacion altruista realizada por otros tantos deportados, refleja los desequilibrios de los que adolece un marco jurídico y diplomático desbordado por el drama de la inmigración.


Y cuyo proposito es provocar en el espectador una reflexion serena sobre diferentes incoherencias que se estan produciendo en la actualidad en un mundo globalizado, donde a pesar de que las distancias son cada vez mas cortas.

Cada vez parece mas complejo en determinadas circunstancias desplazarse libremente por el, teniendo que estar sometido a una maquinaria burocrática ante la que en la mayoria de las ocasiones te sientes como ciudadano indefenso teniendo que apelar a la solidaridad y la fraternidad de aquellos con los que compartes tu vida.
  
   
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Michael Johansson, crea obras de arte críticas con el consumo aplicando un patrón del juego tetris

Michael Johansson emplea como base la superficie de una figura geométrica. En la mayoría de las ocasiones, un simple cubo rectangular, que posteriormente lo rellena de objetos diversos.

Seleccionados y recogidos del vertedero. Objetos reciclado que tras ser organizados en un orden escrupuloso, se convierten en la materia prima con la que elabora sus instalaciones. 

Piezas de aspecto sólido en la mayoría de los casos, tanto las realizadas  para exterior como las destinadas a ser exhibidas en espacios interiores. Construyendo narrativas pragmáticas y por momentos minimalistas a través de las que nos describe  a una sociedad marcada por el consumo.


Realizando una critica implícita al afán que tenemos por acumular cosas, como en el mal de Diógenes. Conducta toxica por la que se tiende almacenar todo aquello que habitualmente ya no empleamos en nuestra vida cotidiana.

podemos hasta que nos deshacemos de ello. Representaciones que de alguna forman subrayan este tipo de conductas. Por las que Michael crea artefactos pintorescos y de escasa utilidad, piezas que cumplen con la premisa de desbordar los espacios limitados.

Nacido en Trollhättan, Suecia, Johansson estudió en la Academia de Arte de Trondheim, la Kunsthochschule Berlin-Weißensee y el Real Colegio de Arte de Estocolmo, Antes de completar su MFA en Malmö Art Academy en 2005. Incluido dentro de la corriente de artistas como Tony Cragg, Bill Woodrow y Allison Wilding. En su caso crea piezas de Tetris trasladandolo a un espacio fisico. Con las describe arqueologías de la vida cotidiana comprimidas en formas geometricas.


Basura que tras ser reciclada a través de procesos creativos modifica su percepción convirtiéndose en toda una obra. Cuyo diseño pese a no presentar unos estándares estéticos ni muy formales y ortodoxos del el punto de vista estilistico.

Si  te inducen a reflexionar como espectador sujeto sobre diferentes aspectos sociales, ya sea desde una óptica militante y critica. O más comprometida de porque necesitamos seguir consumiendo. 

Excitados por  un mercado siempre dispuesto alimentarnos de novedades. Las cuales en mayoría de las veces no son mas que sucedáneos, argumentando un ciclo infinito en el que participamos irreflexivamente.