Nomada Q : london

london

Mostrando entradas con la etiqueta london. Mostrar todas las entradas

Con 81.000 metros cuadrados de superficie Franconia Sculpture Park, se ha convertido en algo mas que un espacio expositivo de escultura comtemporanea. Fundado en 1.996 por el artista y educador John Hock, el proyecto cuyo origen fue la creación y desarrollo de una comunidad de artistas donde intercambiar, se ha convertido en toda una institución con proyección internacional.

Ubicado cerca de una comarca conocida como Taylors Falls, en la región de St. Croix River Valley de Minnesota. Un paraje dominado por una frondosa vegetación, interminables bosques e idílicos valles, cruzados por cientos de cursos de agua que descienden de las montañas nevadas buena parte del año, y que poblados por una variada flora y fauna.

Aparte de las instalaciones expositivas don hay instaladas mas de cien obras de su colección permanente. Cuentan con un excelente programa de becas, que se inicia a primeros de año y que ofrece diferente convocatorias, este programa formativo dirigido esta dirigido tanto a artistas consagrados, como estudiantes de arte, para poder acceder a una plaza los aspirantes tienen que presentar un proyecto, basado en el pliego de condiciones.

Abierto al publico 365 días al año. Su misión principal es fomentar un ambiente de inspiración para los artistas a ampliar sus habilidades y promover la educación pública de arte tridimensional. La entrada al recinto es de carácter gratuita, ofreciendo un ambiente único para que el público interactúe con los artistas y su trabajo.

Debido a la gran producción y lo heterogeneo de sus propuestas (en este post mostramos solo una pequeña muestra de las obras realizadas las dos ultimas temporadas, salvo alguna excepción), como la que encabeza el primer párrafo, o la titulada Wake firmada por Michael Mcgillis. En la que enormes montones de leña comúnes en el medio oeste, forman una hilera de troncos perfectamente alineados convirtiéndolo en un espectáculo inesperadamente bello.

Una buena parte de las obras son donadas a otras organizaciones, o subastadas para obtener recursos con los que financiar sus actividades. divulgación y la introducción de programas de educación en el arte contemporáneo cuyas becas cuestan entre 3.500 y 5.000 dolares por alumno y curso.

Utilizar determinados elementos con el propósito de hacer una lectura artística de la realidad puede causar estupor, o en su peor versión puede quedar en un ejercicio de artificio.

Combinar fetichismo militar, iconografía religiosa e inocencia femenina como hacen el dúo de arte urbano Enzo e Nio, aunque el escenario de sus intervenciones urbanas sea NY, la ciudad mas mundana de la tierra, puede convertirse en objeto de la critica mas feroz.

Para eso imprimen imprimen fotomontajes a diferentes escalas realizados en estudio, pegándolos sobre paredes grafiteadas, con lo que consiguen una yustaposición de estilos con estilo urbano utilizando como decorado el espacio publico.

Te imaginas poder disponer de verduras, hortalizas, especias e incluso pequeños frutales cuyos alimentos frescos estén cada mañana en tu mesa, sin tener que acudir cada jornada a tu mercado. Pensándolo bien eso ya es posible, existen miles de soluciones que te facilitan cultiva un huerto de interior, pero suelen engorrosos y suelen requerir un espacio especifico en tu vivienda, con la logística que ello implica.

Herbed Windows es un ingenioso sistema que facilita el cultivo de interior, sin por eso tener que sacrificar parte de la vivienda. Colocado como un aplique en el marco de la ventana, consta de una bandeja abatible que se orienta en función de la inclinación del sol.

Diseñado por Hsu Hao-Po, Chang Yu-Hui & Chang Chung-Wei, el huerto portátil fabricado con materiales ligeros soporta hasta doce cultivos en su bandeja, que a la vez cumple la función de toldo impidiendo la entrada excesiva de calor en el interior de la vivienda.

Seleccionado para la ultima edición del Red Dot Award en Taiwan, en el que se le ha otorgado el premio al mejor diseño conceptual. Su concepto representa una combinación muy singular y poco convencional, que permite disponer de un huerto casero en nuestras vivienda, a la vez que adaptarse al paisaje urbano.

Todos conocemos la propiedades energéticas de los alimentos, tanto en términos dietéticos como el uso de diferentes cultivos para la producción de bio-diesel. Pero lo que nos revela el fotógrafo Caleb Charland con su serie es la facultad de las frutas y verduras para producir electricidad.

Sus proyectos fotográficos relacionados con la electricidad, el fuego y el magnetismo, experimentan con serie de fuentes de energía alternativas creadas a partir de frutas, monedas, e incluso vinagre para alimentar diodos LED, con lo que consigue fotografías larga exposición, invirtiendo en cada sesión hasta catorce horas.

Las baterías orgánicas extraen la energía, utilizando como filamentos semiconductores cables de cobre, enlazados a clavos galvanizados recubierto de zinc. Los electrones fluyen desde el electrodo de zinc (donde el zinc reacciona), llegando a producir alrededor de 5 voltios, alimentación de un LED durante varias horas.

"Hay una energía vibrando en el espacio existente entre nuestra percepción del mundo y el potencial que la mente percibe para nuestras invenciones. Esa energía es el origen de todo arte y toda ciencia verdadera, genera momentos sorprendentes que nos permiten sentir lo extraordinario en lo cotidiano."

Caleb Charland se crió en una zona rural de Maine (EE.UU.) y pasó parte de su infancia ayudando a su padre en su empresa de reformas, y de ahí surgió parte de su curiosidad y de su capacidad para la utilización de los materiales de forma creativa.

Caleb además, combina su curiosidad científica con la creatividad fotográfica para captar imágenes de objetos cotidianos que interactúan con las fuerzas físicas fundamentales. El resultado es a la vez estético y didáctico.

Distribuidas en nueve urnas, las reproduciones a escala de miniatura de la serie End of fun (fin de fiesta), representan la interprepretación que realizan los artistas Jake and Dinos Chapman de uno de los episodios mas turbios de la historia de la humanidad.

Como fueron los campos de exterminio nazis, durante la segunda guerra mundial. Uno episodio muy turbio del que los artistas realizan una interpretación entre creppy y un tanto descafeinada, pues por momentos este siniestro se representa como si fuera un set cinematografico, incorporando incluso motivos y elemento que forman parte de la cultura Pop contemporanea.

Realizadas en 2.010 la colección forma parte de la restropectiva que ha organizado de los artistas británicos el Hermitage Museum de San Petersburgo. Muestra que en principio estara abierta hasta el 13 de Enero de 2.013.

Se trata de una propuesta irreverente a la altura de los iconoclastas artistas británicos Jake y Dinos Chapman, así como sus la mayor parte de los proyectos que forman parte de su dilatada trayectoria. A través de End Of Fun examina, con ingenio punzante diferentes pasajes de la historia contemporánea.

Lectura ácida y que puede causar estupor y de la que no se libra estamentos sagrados como la religión y su cuestionada posición moral durante un conflicto, durante el que en un breve intervalo de tiempo. Murieron millones de seres humanos de forma atroz.

Las maquetas que forman End of Fun estan formadas por decenas de miles de figuras de dos pulgadas de alto, que están minuciosamente elaboradas. Cada una de ellas es una fugaz muestra del horror.

Que adquiere mas un aire de carnaval esperpentico donde los actos de extrema crueldad, recuerdan a las litografías y grabados de la serie Los desastres de la guerra de Goya.

Como construir un ático en una casa baja con techo a dos aguas, el estudio Japanese architects ON Design, en 2.010 recibe de diseñar para un futuro propietario una vivienda encaramada de un desfiladero que presenta una acusada inclinación, la zona esta sometida a unas condiciones climáticas adversas, experimentando constantes rachas de viento.

Para reducir la sensacion de aislamiento estético y conservar bio-climaticamente el interior de las estancias, proponen una estructura de dos alturas mas atillo, en la planta se parcialmente resguardada por el voladizo del enorme tejado a dos aguas, se ubican la cocina, el hall, el comedor y un pequeño trastero.

En la planta ático lo que primero llama la atención es su gran altura, y la sensación de espacio debido a la iluminación natural proyectada por las ventanas y claraboyas que se reparten ocupando buena parte de la superficie de ambas, en las alternando comparten oquedades al vació donde se han fijado diferente especies arboleas.

Las dos escaleras con las que cuenta la vivienda una principal y otra auxiliar, proporcionan autonomía a sus residentes, tres estancias recorren de norte a sur la vivienda. Un gran vestidor orientado al sur, seguido de una habitación multiusos y una bodega que también funciona como despensa cierra la entre planta

En la planta ático una gran ventanal panorámico sustituye a la terraza proporcionando unas excelentes vistas del entorno. Convirtiéndose en la pieza angular de la vivienda una gran sala de estar hace las veces de comedor, a continuación una sala de lectura da acceso al baño.

Realizada en 2.011 la intervención de arte urbano Yo ♥ Guindalera, ideada por el colectivo Basurama, tuvo como escenario el barrio de la Guindalera en Madrid, utilizando un artefacto creado híbrido bautizado Bicinecleta los vecinos proyectaban sus deseos o mensajes sobre la pared en una muestra de arte efímero.

En la que la interactividad con el espacio tenia como propósito denunciar los numerosos lugares existentes en el barrio en desuso, pese a las reivindicaciones de los miembros de la comunidad para que se dotara de equipamientos.

Utilizando material de deshecho, los mensajes, vídeos proyecciones o sombras chinescas, se proyectaban sobre la pared desnuda, transformando el entorno aunque solo fuera por un instante.

Construido en 1.934, el edificio que alberga el Museum of the Seam en la milenaria Jerusalem, simboliza el conflicto árabe israelí. Expulsados de su propiedad en 1.948, los que se consideran sus legítimos dueños la familia palistani Baramki siguen reclamando su resistitución.

Desde la azotea del museo, se puede ver a través de la Línea Verde a Jerusalén Este, justo enfrente de lo que era Mandelbaum Gate, el único punto de cruce entre los dos lados de la ciudad en ese momento.

La estructura del edificio así como la fachada semi derruidos "conserva" los arañazos y cicatrices de los numerosos ataque a los que se ha visto expuesto. Debido a que se utilizó como un puesto de avanzada militar israelí entre 1948 y 1967 ya que se sitúa justo en la frontera de entonces entre Israel y Jordania.

Elegido por su relevancia en la tensa convivencia que mantienen los pueblos israelita y palestino. Creado en 1.999, esta dirigido por su fundador el comisario de arte Raphie Etgar cuenta con la financiación de la Fundación Jerusalem.

Es a partir de 2.005 cuando desarrolla una actividad con la organización de importantes muestras anuales como Dead end (2005), Equal and less equal (2006), Bare life (2007/08), Heartquake (2008), Nature nation (2009) o las dos ultimas HomeLessHome y The Right to Protest que datan de 2010. Con cada una de las muestras se ha pretendido buscar tender puentes entre las partes enfrentadas.

El museo se compromete a evaluar la realidad social dentro de nuestro conflicto regional, para promover el diálogo frente a la discordia y al fomento de la responsabilidad social que se basa en lo que todos tenemos en común, más que lo que nos separa.

La colección permanente incluye obras de artistas de 11 países - entre ellos Israel -Palestina, Irán, Corea del Sur, China, Francia, EE.UU. y Sudáfrica - usando formatos como fotografía, vídeo, instalación o escultura.

En la actualidad disponemos de la mas avanzada tecnología, cámaras digitales o smartphones, nos permiten realizar trabajos fotográficos comparables en muchos aspectos a los creados por los profesionales. Quizás guiado por la nostalgia o el deseo de experimentar con tecnicas que se podrían considerar que forman parte de un proceso arqueologico.

El cineasta y fotógrafo Harry Taylor, se embarco en el proyecto American tintype una pieza documental breve, donde nos describe sus impresiones de haber recuperado la tecnica del ferrotipo, embrión de la fotografía, para la elaboración de su ultima serie de instantáneas, en la evocando a la época también en el plano estético, nos muestra una serie de retratos tanto en interior como exterior, donde se pueden apreciar las imperfecciones propias de la tecnica, trasladandonos en un viaje en el tiempo a la época que se creo pero con modelos actuales.

El Parque Nacional del Bosque de Baviera cubre una extensa superficie que comprende los montes de Lusen y Rachel, un mar de árboles que conforma el bosque bávaro, bohemio se despliega a través de cientos de kilómetros. En un día claro y soleado, incluso se pueden otear los picos del norte de los Alpes.

Rodeado de abetos que llegan alcanzar los 45 metros de altura, muchos de ellos ejemplares centenarios, la Tree Tower, una cúpula de forma ovalada domina el paisaje bávaro. La estructura fabricada integramente con madera extraída del propio bosque, se recorre a través de una pasarela adherida a los postes curvos, culminando en una plataforma.

Abierta al publico en 2.009, la trayectoria de la rampa en espiral rodea tres enormes ejemplares de abeto, recorriendo una distancia de 500 metros de largo. Permitiendo a los visitantes obtener una vista panorámica de los frondosos bosques

El parque ocupa un vasto territorio situado en la esquina sur-oriental de Alemania, alberga el primer parque nacional del país, que fue fundado en 1970 y ampliado a su tamaño actual de 243 kilómetros cuadrados en 1997.

Con más de 300 km de senderos claramente marcados, casi 200 km de rutas para la practica del ciclismo y a unos 80 km de pistas de esquí de fondo, sus instalaciones, ofrecen una diversidad de actividades dirigidas a todo tipo de publico.

La diversidad biológica de los bosques, el proceso de descomposición de los residuos forestales, el bosque primitivo, y la lucha por la luz, son temas adicionales presentados en diversos puntos de interés, donde los visitantes encontrarán información, tambien se ofrecen las caracteristicas y pautas de comportamiento de las principales especies que puebla un habitat unico.

El vídeo artista Johan Rijpma crea pequeñas piezas audiovisuales utilizando elementos cotidianos, dos buenos ejemplos son sus ultimo trabajos, titulados Tape Generation y División, en los que empleando cintas adhesivas y una simple folio realiza coreografías donde el movimiento y la banda sonora lo generan los materiales que lo protagonizan.

En cada uno de los proyectos realizados con elementos digitales puede llegar a tardar hasta seis meses. Tras realizas miles de fotografías las monta creando fascinantes secuencias de movimiento, donde la ilusión óptica progresa con el movimiento creando una dimensión diferente de los objetos que anima.

Johan Rijpma nacido y criado en holanda en 1984, Países Bajos, licenciandose en bellas artes en la Escuela de Artes de Utrecht (Facultad de Arte, Medios y Tecnología). Sus películas mezclan la animación, y el vídeo musical, siendo el resultado de su fascinación por la exploración del proceso creativo de objetos inertes y su imprevisibilidad.

Vivimos tiempos de cambios que modifican el como percibimos la realidad y de como interactuamos con nuestro entorno, esta transformación implica la utilización de la terminologia apropiada, uno de los términos mas empleados desde que comenzo este cambio, ha sido el termino versatilidad otro es diversidad.

Un buen ejemplo es el ultimo proyecto compartido por los estudios de arquitectura SOA y HoldUP, por el que pretenden construir y poner en funcionamiento un ecosistema compuesto por un centro cultural, un área educativa completandose la experiencia socio económica llamada Ferme Darwin con las instalaciones para el diseño y puesta de un huerto vertical.

Situado en la ciudad de Burdeos (Francia), con este modelo de explotación y a través de la diversificación de las plataformas productivas que integra, los responsables de esta iniciativa de economía social y sostenible, tienen como estrategia modificar los habitos de consumo de los miembros de la comunidad donde ejercen su actividad.

En términos arquitectónicos el edificio de cuatro alturas también sigue los mismos patrones en cuanto a la distribución de las áreas que lo compone, utilizando diferentes tipologías estructurales, dependiendo del cometido asignado. En la planta baja se concentra la actividad de ocio y comercial además de la sección administrativa.

Construida con plataformas modulares ensambladas, una sala multiusos insonorizada para la organización tanto de conciertos como representaciones artísticas, se puede destinar para la exhibición de muestras de todo tipo. Este espacio continuo se divide a través de muros moviles.

La zona comercial esta conectada con el huerto urbano, un invernadero que ocupa las tres alturas restantes, y donde se cultivan todo tipo de verduras y hortalizas completandose con frutales. Otro interesante programa con el que cuenta Ferme Darwin, es su sección de laboratorio donde se estudia nuevas tecnicas de agricultura biológica.

Con el aumento del empleo y los métodos de cultivo biológico inteligentes, el proyecto tiene como objetivo proporcionar un modelo para un futuro en el que la producción de energía "verde" pueda coexistir con nuestras necesidades sociológicas.

El sistema adaptable implementa un uso eficiente del agua mediante un proceso de reciclaje, el uso amplio y eficaz de la energía solar, y un método de producción de alimentos sostenible que reduzca en gran medida la necesidad de transporte y sus recursos consiguientes.

Una de las características positivas que presentan las energías renovables, es que es una tecnología que ofrece múltiples posibilidades de obtener energía de forma limpia y barata, criterio que se puede trasladar al terreno de la investigación. Donde las combinaciones muestran escenarios que casi superan las tramas de los relatos mas arriesgados de ciencia ficción.

¿Os imaginais que un día se comercialicen placas solares con elementos orgánicos?. Desarrollado por los estudiantes del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) Hyunjung Yi y Xiangnan Dang, coordinados por la profesora Angela Belcher han conseguido desarrollar un sistema fotovoltaico híbrido compuesto por grafeno y un virus modificado.

Los investigadores han utilizado un virus modificado genéticamente para producir estructuras que mejoran la eficacia de la célula solar en alrededor de un tercio, encontrando una manera de hacer mejoras significativas en la eficiencia de conversión de energía de las células solares utilizando un virus diminuto para realizar trabajos de montaje detallado a nivel microscópico.

Utilizando una versión genéticamente manipulada de un virus llamado M13 han podido controlar la disposición de los nanotubos de carbono adheridos a estructuras de carbono, que conforman las células solares de modo que el transporte de electrones sea más eficiente y por tanto se produzca más electricidad en una superficie de nanotubos separados de carbono.

Los fotones solares golpean un material captador de luz en una célula solar, que libera electrones que pueden producir una corriente eléctrica. La investigación de este nuevo estudio se basa en los hallazgos de que los nanotubos de carbono pueden mejorar la eficiencia de captura de electrones de la superficie de una célula solar.

Lo que han observado los investigadores es como el virus M13 realiza una función reguladora evitando la fricción de los dos tipos de nanotubos (los semiconductores y los cables) que conforman la estructura de las celdas solares, facilitando el ciclo semiconductor de los electrones, experimentando un aumento de la eficiencia de hasta un 30 por ciento, del 8 al 10,6 por ciento.

Los virus en realidad realizan dos funciones diferentes en este proceso. En primer lugar, poseen proteínas cortas llamadas péptidos que pueden unirse fuertemente a los nanotubos de carbono, manteniéndolas separadas entre sí. En segundo lugar cada virus controla entre cinco y diez nanotubos, usando unas 300 proteínas.

Además, el virus se ha diseñado para producir un recubrimiento de dióxido de titanio (TiO2), un ingrediente clave para el tinte de las células solares sensibilizadas, sobre cada uno de los nanotubos, poniendo el dióxido de titanio en las proximidades de los nanotubos transportando los electrones.

La investigación financiada por la compañía italiana Eni, a través de MIT Energy Initiative’s Solar Futures Program. El equipo que utilizo anteriormente versiones modificadas del mismo virus para mejorar el rendimiento de las células, sin embargo el método utilizado para mejorar el rendimiento de la célula solar es el mismo, reduciendo los costes de fabricación y producción de energía.

Realizado en el marco de la convención del Instituto de Arquitectos Americanos de 2.008, el diseño de Wall Hangging Green fue fruto de la colaboración de los diferentes estudios de arquitectura cuya sede se encuentra en el área de Boston, donde se celebraba el encuentro.

Su composición presentaba una estructura poco común para un diseño de esta características, lo tupido y anárquico de muchos muros verdes, en WHG adopta un patrón ordenado, donde el fondo de la pared se alterna con paneles vegetales suspendidas de un cable de acero que cubría las cinco alturas del edificio donde se hospedaban las delegaciones.

La instalación de carácter efímero, pretendía redefinir el paisaje publico y los materiales manufacturados que lo componian, añadiendo elementos orgánicos modificando su percepción visual y textura así como la gama de beneficios ecológicos, incluido el aislamiento, las mejoras acústicas, el tratamiento de aguas pluviales, y la mitigación de los efectos climáticos.

La experiencia sirvió para mostrar cómo las superficies ladrillo pueden convertirse en oportunidad para que el arte público humanice la ciudad. mejorando su potencial visual y ambiental.

Una de las ultimas tendencias que se están popularizando en muchas ciudades de los Estados Unidos, sobre todo en las grandes urbes de la costa oeste, es la celebración de carreras ciclistas nocturnas. Buena parte de estas concentraciones son clandestinas, por lo que se convocan con muy poco tiempo de antelación, en ocasiones en el intervalo de unas pocas horas. Para su celebración se utilizan instalaciones en desuso o lugares donde existe poco trafico.

Las diferentes series que componen la competición se desarrollan en un ambiente distendido en las que tanto participantes como publico asistente comparten su pasión por la bicicleta. Aunque existen diferentes modelos de competición, el mas extendido es la competición contrareloj, en el que los competidores (casi todos ciclistas aficionados), se dividen por géneros masculino y femenino.

El premio simbólico, consiste en la entrega de las familiarmente conocidas como chapas, placas de las que sirven para identificar a los marines que sirven en el frente. El colectivo de ciclismo urbano Wolfpack Hustle con domicilio en Los Ángeles comenzo a organizar veladas ciclistas en 2.007, siempre sin el consentimiento de las autoridades, hasta esta temporada que han conseguido del consistorio los permisos necesarios para su celebración.

Realizado con el corcho que se emplea para fabricar los tapones de las botellas, en la sala de proyecciones Centipede Cine el espectador accede al interior del mini cine introduciéndose por un orificio, en el que permanecerá de pie mientras se exhibe el cortometraje programado. Con las luces apagadas y apoyado en el borde del tubo comparte una experiencia inusual con otros dieciséis expectadores, en la que el continente tiene tanto significado como el contenido.

La inatalación concebido por el profesor Colin Fournier de la Bartlett School of Architecture de Londres, en colaboración con la artista polaca Marysia Lewandowska y estudio NEON, pretende homenajear a la asociación CineClube que a pesar de la represión de la dictadura de la década de los 50's consiguieron desarrollar una actividad cinematográfica en plena clandestinidad.

La estructura ha sido creada en el marco Capital Europea de la Cultura 2012, que se desarrolla en la ciudad portuguesa de Guimaräes, pudiéndose visitar desde el veinte de Octubre. En el diseño de cine hay una clara influencia del medio ambiente local y las industrias tradicionales de la zona.

El cine esta montado a partir de un marco de acero, cubierto de corcho local para promover la diversidad del material. Portugal es el principal productor mundial de corcho, pero con el uso cada vez mayor de corcho sintético en el embotellado del vino, la industria está buscando maneras de diversificar su oferta.

En los retratos de rasgos hiperrealistas de la ilustradora Innes McDougall, son sobresalientes por la perfección del rostro de las retratadas, de la intención, de su gran fuerza y de la sensualidad que proyectan sus miradas que le otorga un halo de misterio sugerente. Residente en el Reino Unido, Innes se muestra como una consumada experta en la utilización de programas de tratamiento de imagenes, con los que tras un elaborado proceso convertir la belleza en algo mas una que una pose, reflejando sus matices. En su porfolio disponéis de un extenso catalogo de ilustraciones donde os muestra el proceso y el resultado de cada trabajo realmente sorprendente