Nomada Q : installation

installation

Mostrando entradas con la etiqueta installation. Mostrar todas las entradas

Los usuarios de una biblioteca realizan de consultas sobre los mas peregrinos y variopintos temas, sus archivos tanto físicos como digitalizados son en esencia los predecesores de los buscadores en Internet. A través de términos y etiquetas sirven para catalogar todas y cada una de las referencias que lo componen, ya sean libros, material fonográfico o índices cinematográficos tienen un autor, un titulo y un genero que orienta al usuario sobre el contenido que busca.

Creada por el colectivo artístico E/B Office, la isntalación Filament Mind se basa en este sistema de catalogación, esta diseñada para visualizar las preguntas colectivas de visitantes de la biblioteca a través de una escultura espacial interactivo y dinámica.

Instalada en la Biblioteca del Condado de Teton en Wyoming, Estados Unidos ilumina las búsquedas con un destello de luz y color a través de haces brillantes de cientos cables de fibra óptica. Siempre que un visitante de la biblioteca pública en cualquier parte del estado realiza una búsqueda en el catálogo de la biblioteca se ilumina uno de los mil cables de fibra óptica que cuelgan.

Para su montaje se empleo una solución LED y un total de más de cinco kilómetros de cable. Los títulos de las categorías se muestran en texto en las paredes norte y sur del vestíbulo conectados a través cables de fibra óptica con los registros que formulan los usuarios, crean una sinfonía en la que se alternan las etiquetas iluminadas en diferentes colores y las que permanecen en espera.

Compuesta por cinco paneles en los que se muestra la evolución de una nube, el espectador pasea entre ellos seducido por un azul celestial deslumbrante, limpio, casi inocente. Nuvem es una instalación creada por el artista brasileño Eduardo Coimbra, realizada para el programa el Arte en la Ciudad, iniciativa que parte de la administración publica de la ciudad de Sao Paulo, que desde su inicio en 2.010 tiene como objetivo promocionar el arte en el espacio publico.

Como muchas de sus obras Nuvem es una instalación específica, una piezas de gran formato que explora la idea del paisaje como construcción sintética que representa la realidad. Su trabajo está relacionado con el espacio en un sentido más amplio, muchas veces forzando los límites entre el interior y el exterior de patrones ordinarios de exhibición.

Para la creación de Nuvem, el artista utiliza la impresión de hierro, lona traslúcida, lámparas fluorescentes, y espejos, que se distribuyen en cinco módulos de luz que mide unos diecisiete metros cuadrados cada uno. Durante el día, los paneles de espejo reflejan las luces brillantes de un día soleado, mientras que en las últimas horas. Los paneles se iluminan para imitar ese mismo brillo, en contraste con la oscuridad de la noche.

LA POSIBILIDAD DE TOCAR Y CONTEMPLAR EL CIELO

Eduardo Coimbra nacido y residente en Rió de Janeiro, comenzó su carrera en la década de 1990, con obras en las que los objetos familiares fueron rescatados del anonimato mediante el uso de pequeños motores, luces y mecanismos eléctricos. Con los años, sin embargo, el foco de la acción del artista se ha desplazado gradualmente hacia a las grandes obras.

De acuerdo con estas premisas, se puede decir que el artista reflexióna sobre el paisaje, más concretamente en la representación del paisaje, con ramificaciones interminables, en particular, la relación entre el paisaje naturalista y el paisaje imaginario, y el lugar de producción en la historia contemporánea de una iconografía clásica.

Creada para la exposición organizada por Architectural Association con sede en Londres, la instalación interactiva HORTUS, propone al visitante participar en un experimento donde se mezclan elementos orgánicos, tecnologicos y energéticos.

Ingredientes que contribuyen al desarrollo de un entorno autónomo y donde el visitante se convierte en un cyberjardinero. Abierta entre el 14 de Enero y el 11 de Febrero de 2.012 la intervención firmada por EcoLogic Studio (Claudia Pasquero y Poletto Marco).

Representaba un ente vivo que a partir de la utilización de las energías renovables y la agricultura urbana, y por un período de cuatro semanas. El intervalo de tiempo que necesitaban los flujos de energía (radiación de la luz), la materia (biomasa, dióxido de carbono) y la información (imágenes, tweets, estadísticas).

Para interactuar induciendo múltiples mecanismos de autorregulación y evolucionar creando nuevas formas de auto-organización. Compuesta por 325 bolsas transparentes o "fotobiorreactores" que contienen nueve tipos diferentes de algas, se mantienen colgadas de una catenaria hecha de material acrílico. Cada una tiene un largo tubo de plástico transparente por el que visitante sopla, nutriendo las algas con dióxido de carbono.

Cada fotobiorreactor tiene un código QR conectado a un sensor, que al ser escaneado por un teléfono móvil informa de su estado, teniendo la opción de mandarlo como Tweet, además se ha creado un entorno virtual donde se muestra su evolución y diferentes parámetros biológico relativos a su estado.

Representaciones de animales, seres surrealistas y antigüedades comparten el espacio narrativo con elementos digitales que dota de movimiento a la ultima instalación Mecaniques Discursives, creada por los artistas visuales franceses Jacquet Yannick y Fred Penelle.

A partir de un discurso donde el material exhibido crea un microcosmos, el visitante se convierte en un espectador que interpreta su propia versión en un escenario que se proyecta hacia delante ocupando el resto de la sala.

Mecaniques Discursives es la continuación de Paleodictyon una instalación de caracter especifico fruto de la colaboración con el artista digital Simon Geilfus y el compositor Thomas Vaquié. La obra perfomance digital fue creada para ser proyectada sobre la cubierta del museo francés Centro Pompidou Metz representada en el marco de la celebración de pasado Nuit Blanche en Metz, Francia.

Su proyecto conjunto consistió en crear un reino visual inquietante y decididamente contemporáneo, trascendiendo edades y modas. Desarrollaron un vocabulario sofisticado a la vez que osado y un tanto petutbador, en el que fusionaron el grabado y el arte digital más ecleptico. Se trataba de trabajar con diferentes conceptos de forma que el resultado fuera lo más espontáneo posible.

Sus obras en ocasiones aparte de dramas a medias plantean respuestas inadecuadas a problemas importantes como el aislamiento social las desigualdades sociales. A menudo pinta escenas con figuras que emprenden acciones inútiles y no relacionadas para remediar el problema inspirando humor y sátira, siendo un reflejo de mis preocupaciones generales como artista

Las obras se crearon en su mayoría in situ, adaptándose de forma natural a los sitios, paredes y espacios que las albergaban, y convirtiendo las limitaciones técnicas en una fuerza creativa. Después de haber mostrado su trabajo en más de setenta exposiciones, Fred Penelle y Yannick Jacquet cuyo resultados aparte de lo artístico permitieron crear una biblioteca a partir de la que abordar y estudiar el subconsciente del individuo a través del arte.

Aires industriales y orinicos son constantes en sus trabajos

Paleodictyon cuenta con una aplicación para el smartphone, que facilitan aquellos que la instalen la posibilidad de experimentar la pieza de nuevo, esta vez desde otras perspectivas y puntos de vista.

Mecaniques Discursives es una obra que formo parte del programa del festival de arte audiovisual Mirage de 2013, mezclaba la proyección y grabación de vídeo, es una especie de maquinaria tan mecanica como poética que se reproducia en las paredes a la manera de un cadáver exquisito, tomando como punto de partida el principio de la reacción en cadena.

RELACIONADO: Explorando Ellis Island y su oscuro pasado a través del arte de JR

En los trabajos y colaboraciones de Jacquet Yannick los caminos están marcados por el deseo de renovar formatos tradicionales enriqueciendo el lenguaje visual utilizando el espacio y la luz como soportes de visualización.

Starlight es una instalación de grandes dimensiones realizada por Erich Remash, exhibida en la ultima edición de Burning Man 2012. Se trata de un conjunto de estrellas elaboradas en madera contrachapada.

Cuyos tamaños oscilan entre los dos y los cuatro metros de diámetro de madera contrachapada, Colocadas en la zona exterior del perímetro donde se celebra el BM en el desierto de Nevada Black Rock. Las siete estrellas reproducían la constelación de Orión.

Creando un sentido de pertenencia que vinculara el cielo y la tierra siguiendo la liturgia egipcia por la que alineaban las pirámides en función de las constelaciones. Las veintidós luces fluorescentes insertadas en el interior, en cada una de las estrellas reproducen un patrón diferente que modifica su intensidad al caer la noche.

El proyecto fue financiado bajo la modalidad de do-it-yourself. Que en la practica en fabricar o reparar cosas por uno mismo, invirtiendo la mínima cantidad dinero posible, y siempre utilizando plataformas y redes de conocimiento compartido. Se trata de una práctica muy extendida en determinadas zonas de los Estados Unidos.

La luz intrinsicamente todavia en términos científicos no existe un consenso sobre su composicion. El dilema a esclarecer consiste en determinar si sus rayos están compuestos por fotones unidos entre sí como una cadena eternamente luminosa, o si están formados por cuantos o fotones.

En todo caso en sus trazados o cuando se proyecta en una pared revelando nuestra sombra alargada, lleva implícita cierta narrativa poetica. Que nos induce a imaginar o directamente a experimentar visiones paranormales, que nos entretienen conduciendones por los sinuosos caminos de lo desconocido.

En el mundo de la práctica artística siempre, la luz, se ha postulado como un elemento determinante. Se podrían muchas figuras artisticas que sin la participación de la luz no hubieran ninguna forma de expresión artistica. Dos claros y meridianos ejemplos serían el genio holandes circunscrito al Barroco Veermer.

Cuya escasa producción conocida hasta el momento suponen todo un elogio a la luz, y más próximos en el tiempo el Hiperrealista Antonio Lopez, cuya relación con la luz casi que llega a extasis. Algo que se corrobora y plasma en el film titulado La luz del Membrillo. Toda una oda dedicada al proceso creativo y más específicamente al tratamiento que el pintor hace de la luz.

Y el megalomano James Turrell que ha convertido a la luz en su guia, a la hora de crear sus instalaciones que se comportan como autenticos templos. En cuyo interior casi que se venera a la luz.

En este caso y siguiendo los pasos de Luzinterruptus o Barry Underwood. El fotógrafo Lee Eunyeol, realiza intervenciones en paisajes iluminados con tecnología LED, que después trata con programas de tratamientos de imagenes.

El efecto que consigue visualmente es el de recrear la noche estrelleda sin duda inspirada por la original de Van Gogh. Cuyos rayos emergen de las entrañas de la tierra proyectando luz interestelar, atomos de los que se origino la vida y los sueños. Dibujando las estelas de figuras espectrales que se adueñan de la noche creando coloridos paisajes.

Aunque todavía hoy en día es difícil que un estudio de diseño se implique y acepte encargos de clientes, que deseen una solución cuyo enfoque sería más coherente y lógico abordará un despacho de arquitectura.

Lo cierto es que debido fundamentalmente a que de unos años a esta parte el sector de la construccion, está embarcado en un periodo en el que los proyectos de reforma de viejos inmuebles cada vez son más habituales. Intervenciones que se suelen caracterízar por ser diametralmente diferentes la una de la otra.

Además de que por lo general la embergadura de los proyectos por reforma aunque más elaborados en su concepcion. Suelen presentar parámetros de menor embargadura, por lo que debido a la escala menor de las obras.

Cada vez es más común que un diseñador acepte retos fuera su esfera creativa propiamente dicho, y participe en la creación cuyo modelo y función pertenecen más a una disciplina hermana como es la practica arquitectonica.

Chaos es una instalación funcional de carácter permanente, encargada por Custard Factory de la ciudad Birmingham en el Reino Unido al estudio del diseño Philip Watts. Inconformista creativo y planificador Philip diseñó la escultura que en realidad es la pieza central del patio edificio.

La escultura de más de cinco pisos de altura utiliza alrededor de tres kilómetros de tubería de acero, que ha sido pintada en blanco y está completada con tres pasarelas de vidrio en forma de T. Aparte de su exhibición, la estructura realiza la función de comunicar y dar acceso a las diferentes estancias que componen el edificio, facilitando la comunicación entre los diferentes departamentos del edificio.

Si bien el poema épico de Dante es una alegoría sobre el viaje del alma hacia Dios, la Divina Comedia, expuesta en el Harvard Graduate School of Design (GSD), es un viaje conjunto para explorar los temas de la Mente Olafur Eliasson, Historia Ai Weiwe y el Cosmos Tomás Saraceno.

Conceptualmente expansiva, se trata de una exhibición que tiene como marco la Universidad de Harvard con todo lo que eso implica. Situada en su campus principal, se trata de una exposición que pretende explorar la convergencia entre el arte y su capacidad creativa y su potencial como narrativa activista.

En el que la escala y la calidad de cada obra que se exhibe la convierte en una de las exposiciones más atractivas de la temporada. Igualmente la inclusión de Ai Weiwei, en particular, le da un sentido de urgencia porque, como es bien sabido.

En este momento está encarcelado por las autoridades chinas por ser un crítico del estado Chino, en particular haciendo obras como la que se incluye en esta exposición.

En esencia se trata de un triptico compuesto por tres obras, la primera es la propuesta de Ai WeiWei, titulada escuetamente Sin título, se trata de una instalaccion en la que se observan las constantes tanto estéticas como conceptuales que poseen muchas de sus obras.

Compuesta por un total de nueve grandes pilas de mochilas para niños que suman alrededor de cinco mil en total. Todas y cada una de ella representa a un niño muerto en el terremoto de Sichuan de 2008 en China, instalaccion de duelo que se completa con una pista de audio en cuya grabación se nombra el nombre de cada niño.

Por su parte la propuesta del artista danés Olafur Eliasson, con sede en Berlín, nos ofrece una pieza inmersiva titulada Three now en castellano Tres ahora, la instalación compuesta por cincuenta instrumentos científicos. Que invitan al visitante a interactuar con ellos y jugar con nuestras percepciones visuales y espaciales, como un espejo convexo que invierte imágenes.

Por su parte el siempre imprevisible artista argentino Tomás Saraceno nos eleva a traves Cloud City cuya traducción al español Ciudad Nube resulta más poetica. Compuesta por un enorme globo transparente inflado con helio y cubierto con paneles solares, encargadas de suministrar de energía a las cuatro diminutas luces led que hay en su interior. Saraceno responde con Ciudad Nube, objeto inflable y por lo tanto en constante cambio, movido por tecnología solar y sensores ambientales.

Bottles that transform into hedges, records that become a menacing dark wave of oil, thousands of pill bottles that form part of the design of a lamp, yogurt pots that pile up to draw the skyline of a big city.

Or more everyday things like peculiar alphabet books whose origin are obsolete keyboards that become a woven fabric with thousands of words. Almost any object in the hands of the artist Jean Shin can be recycled and given a new expressive opportunity, preventing it from being definitively lost or ending up polluting the tempestuous waters of the ocean.

The merit of Jean Shin's installations resides not in the fact of demonstrating his ability to transform waste into artistic material with which he creates ingenious sculptural pieces with which he transmits his concern for the environmental deterioration that is leading us as a civilization to a dead end, from which it is increasingly difficult to escape.

But in being able to articulate a coherent language that contains both an aesthetic and plastic lecture, through which he can articulate a discourse with empathetic capacity. As to seduce the viewer and subjectively transmits a specific idea on a particular topic that in the background creates a reflective aftertaste.

BIZARRE SCULPTURES WITH A MESSAGE OF ENVIRONMENTAL DENUNCIATION.

That allows him to create an opinion about, for example, the effects of living in a society where more and more voices criticize the unbridled consumption in which we live. Another of the qualities of his sculptures is that the observer is not limited to maintain a passive attitude to the work, inviting him to debate, challenging him to take an active stance, in this sense the touch is an elementary element as well as specific in the dialogue with the work enriching the information he perceives.

Although born in Seoul, South Korea, she spent most of her childhood in the United States, attending the Shin Skowhegan School of Painting and Sculpture in 1999, after the completion of which she received a BFA and MS from Pratt Institute in Brooklyn. He currently resides and has his studio in New York. Where he has become one of the most relevant names in the art scene, regularly participating in exhibitions organized by the galleries of the Big Apple.

READ IT IN SPANISH: El arte reciclado y activista del artista Jean Shin

In this sense, his work has been widely exhibited in major national and international museums, including solo exhibitions at the Scottsdale Museum of Contemporary Art in Arizona (2010), the Smithsonian American Art Museum in Washington DC (2009), the Fabric Workshop and the Philadelphia Museum (2006), and retrospective exhibitions such as the one dedicated to him by the Museum of Modern Art in New York (2004).