Nomada Q : installation performance

installation performance

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Hace poco mas de cuatrocientos años en el bosque de Pendle, el cual se encuentra en una región boscosa localizada en el noroeste de Inglaterra y perteneciente al condado de Lanchashire.

Se ejecutaron a diez personas por brujería, acusadas de asesinato nunca se encontró evidencia alguna de los supuestos horrendos asesinatos cometidos por estas impias y pecadora alcahuetas.

En el mismo sendero donde las crónicas sitúan estos desagradables acontecimientos, en un claro del bosque. El escultor y paisajista Philippe Hardford con el propósito de conmemorar su adniversario creo una serie de esculturas inspiradas en seres exotéricos y en animales mitológicos endemicos del lugar.

Lo que comenzo siendo un homenaje tres años después se ha convertido en un espacio expositivo. En el que cada temporada se añaden nuevas esculturas, que empleando materiales orgánicos.

Principalmente madera extraída de los ricas reservas de acebo que son operadas por una notable industria maderera que hay en la región desde hace siglos, suponiendo la principal actividad económica de la comarca.

El recorrido propiamente dicho se divide en diferentes secciones que acogen obras de una variedad de artistas que como Philippe se expresan artísticamente mediante intervenciones de Land Art.

Actividad creativa con la que se está logrando revitalizar la actividad económica de las numerosas pedánias locales. Recibiendo cada temporada decenas de miles de turistas, que atraídos por las numerosas leyendas.

Se acercan a visitar las instalaciones en su mayoría de carácter permanente. Entre las piezas más destacables de la colección que el visitante puede encontrarse entre arbustos, setos y pequeños arboles frutales como los arándanos.

Están las dos versiones de Reconnected, estas esculturas elaboradas con cuentas de madera. Estan formadas por dos grandes arcos que serpentean en el aire. La instalación, construida evoca una sensación de movimiento perpetuo capturando el espíritu del bosque adormecido.

Abierto al publico durante todo el año se recomienda su visita durante la primavera o los meses de verano, pudiendo asistir a los actos que se organizan en homenaje a las brujas de Pendle.

Una de las ultimas incorporaciones es la realizada por la artista Sarah McDade, que ha diseñado diez mosaicos de cerámica, a través de los que se homenajea a todas y cada una de las personas condenadas como brujas.

Cada mosaico está colocado sobre un tocón de madera el cual esta adornado con una muestra de las hierbas y plantas utilizadas en 1612. El artista Steve Blaylock por su parte, ha creado varias criaturas del bosque en acero inoxidable, incluyendo murciélagos, un búho y una araña que espera pacientemente posada en su telaraña a que caiga su presa.

Representada en veintiocho ciudades de los cinco continentes a lo largo de los últimos quince años. La perfomance X-times people chair visibiliza aquellos colectivos de población que debido a su avanzada edad quedan relegados a un plano secundario socialmente.

O directamente son miembros que pese a su experiencia y utilidad social son invisibilizados. Realizadas por la artista Hiesl Angie y el coreógrafo aleman Roland Kaiser, las intervenciones actúan sobre el espacio publico como estas estatuas vivientes.

Que recuerdan estéticamente a las esculturas del artista español Juan Muñoz. Salvo en el matiz relativo a tratamiento de los volúmenes y su concepto expresivo. En el primer caso el contexto se modifica pues se trata de una performance.

Que en su narrativa hay una dimensión socio-politica a través de las que sus autores muestran su compromiso social. Con una propuesta interactiva estableciendo un dialogo a través de unas estatuas que cobran vida para asombro de los viandantes, que alzan la vista entre estupefactos y desconcertados ante lo que ven.

Encaramados en cornisas los testigos sentados a sillas blancas atornilladas a las fachadas de los edificios. Se comportan como personas anónimas realizando tareas cotidianas, como leer el periódico, hacer punto, doblar ropa.

La experiencia pretende analizar los cambios y comportamientos de una sociedad donde el sentido de lo colectivo esta siendo sustituido por las necesidades del individuo y su aislamiento del resto de los ciudadanos con los que apenas se comunica.

Se trata de intervenciones que poseen un fuerte componente casual, cuyo enfoque está orientado a dinamizar el entorno urbano utilizando herramientas creativas, como vehículo a partir del que crear un sustrato reflexivo y crítico en el sujeto.

Que ya sea motivado por la curiosidad o por qué siente identificado con el discurso al que asiste se aproxima, con espíritu empatico y se pone por un instante en el lugar del otro. Reflejándose a través de una óptica que no carece de cierta cadencia poetica

En realidades que aunque puedan tener peculiaridades locales le sitúan en un escenario producto de un entorno, donde la globalización tiende a diluir diferencias independientemente de los fenómeno sociales que se describan.

Temáticamente, sus coordenadas se encuentran en la relación entre el lenguaje corporal y el espacio en el que se expresa. Así como en la relación entre los individuos y su respectivo entorno cultural, social, político volátil y refractario.

Suspendidos los troncos que permanecen en posición horizontal apenas se pueden apreciar su silueta, se muestran de forma etérea como si fueran trofeos de caza o naturaleza.

De esta peturbadora impresión tiene buena culpa a una celosía cubre un bastidor de madera. Esta tela liviana actúa como niebla haciendo de barrera física alterando la composición del paisaje urbano y modificando la percepción del objeto que parcialmente oculta.

Creada por el estudio brasileño Vazio S/A para la ultima edición de la Noche en blanco celebrada el 14 de Diciembre pasado en la localidad brasileña de Belo Horizonte. La instalación titulada Dead Garden, se muestra como un accidente espectral que nos habla desde el pasado.

Se trata de un corredor temporal estratégicamente posicionado en el césped entre el parque municipal y el Palácio das Artes, que une los dos sitios. Cuyo tránsito supone tomar conciencia de todas las huellas que nos han precedido en nuestra larga y accidentada evolución.

Vistitar la primera versión de Dead Garden es una experiencia sensorial en la que el lenguaje visual completa el entorno dando como resultado una composición en la que la poesía estética cobra sentido en la contemplación del mensaje implícito de la obra.

La instalación se aparta del paisaje existente y exuberante follaje podado para ofrecer elementos horizontales sin vida. las ramas se obtuvieron de la base y después se suspendió en una forma que provoca una pérdida de conexión, lo que provocó un nuevo sentido de circulación dentro del paisaje.

El artista de Land Art Grab Michael crea sorprendentes torres y orbes de rocas equilibradas con poco más que paciencia y un sentido asombroso de la proporción. El arte de la piedra en equilibrio ha sido practicado por diversas culturas alrededor del mundo durante siglos, siendo una actividad con efectos terapéuticos y meditativos.

El elemento fundamental para encontrar un "pegamento que desafíe a la gravedad", como define Grab a su forma de interactuar con su entorno natural redifiniendo el paisaje del territorio sobre el que opera. Una actividad que empezo a realizar como consecuencia de lo que el denomina un "accidente feliz".

Que sufrio mientras exploraba el paraje de Boulder Creek en EE. UU. Un episodio en principio tragico, que sin embargo actuo detonante para iniciar una carrera creativa. Que le ha permitido reencontrarse consigo mismo a traves de una practica que fomenta habitos saludables con la naturaleza.

En un sentido físico se trata de encontrar algún tipo de hendidura o base que impida que se precipite al vacio. Cada roca está cubierta por una variedad de pequeñas a grandes fisuras que pueden actuar como un trípode lo que le permite mantener el equilibrio.

Para conseguir esta especie de "nirvana" homoestatico entre las piedras y la presion medio-ambiental, se requiere de la contemplación de los elementos mentales y físicos al mismo tiempo, y el conocimiento de las características de las rocas con las que se están trabajando. El truco esta en jugar y experimentar con diferentes tipos de pieza hasta lograr equilibrar el conjunto, esto implica mantener una estrecha relación con el entorno.

Gravity Glue es un proyecto que en sintesis como un acto de reparación y contemplación tanto en terminos endogenos como exigente. Sin embargo, a través del tiempo y la experiencia, el ethos cultivado de GG parece demostrar un proceso de aprendizaje para fluir como una función integral de la meditación y comunión con nuestro origen natural.

Aprovechando los huecos de unos tanques de lavado de pieles (en desuso), situados en la plaza de Coiros en la localidad de Guimarães en Portugal como un lecho marino improvisado. El colectivo de arte urbano Travesías de Luz creo la instalación titulada Mar Marea.

La idea de la intervención en modificar el paisaje urbano a través del arte urbano. Añadiendo elementos ajenos al patrón de la ciudad, en este caso las oscilaciones que produce la marea del mar, debido a que Guimarães es una ciudad de interior, simboliza esta aspiración de transformar el entorno urbano.

Exhibida a lo largo de la primera semana de 5, 6 y 7 de octubre, en el evento cultural NOCNOC que pertenece a la programación de Guimarães capital europea de la cultura 2012. Realizada con plásticos transparentes iluminadas con diodos LED, Mar Marea es una metáfora geográfica inspirada en el agua que nos muestra las posibilidades creativas del espacio.

Con el elocuente e irónico titulo de How Much Do I Owe?, (¿Cuanro le debo?) la entidad para la promoción del arte contemporáneo en el espacio publico No Longer Empty, ha organizado una exposición en la que han seleccionado un total de 26 artistas de 15 países, pretende reflexionar sobre las causas y consecuencias del actual periodo de depresión económica y de valores

Para exhibir las obras en sus diferente formatos(instalación, escultura, mural, perfomance, vídeo instalación...), han seleccionado como escenario las instalaciones del antiguo Banco de Manhattan en Long Island en New York. No Longer Empty pretende revitalizar las comunidades a través del arte. Organizando exposiciones en lugares específicos, relacionados con la temática de la actividad o con la comunidad donde se desarrolla.

Inaugurada el 12 de Diciembre del año recién finalizado, se podrá visitar hasta el 13 de Marzo de este año, ubicada en el sótano donde situada la cámara acorazada del banco, símbolo y vehículo de la muestra, cuya función era almacenar el dinero hasta que se traspasaron sus depósitos.

¿Cuánto le debo? echa una mirada no sólo a la infraestructura de las finanzas, sino cómo su arraigo en nuestra cultura y en nuestras interacciones diarias. ¿Cuánto le debo? " Es una pregunta que nos hacemos todos los días, de una forma u otra. Ya sea realizando transacciones comerciales o devolviendo el reembolso de un préstamo, estamos constantemente poniendo un valor monetario a nuestras acciones mas cotidianas.

La instalación titulada Points of Contention realiza una exploración del tiempo, el movimiento y la física. Creada por el artista con sede en Baltimore (USA), Jonathan Latiano se trata de una obra especifica que investiga la línea cada vez más difusa entre lo orgánico y lo inorgánico, así como los límites espaciales de donde comienza y termina lo estético.

Formas convergentes de cristalino en plena deflagración se proyectan desde el interior en el espacio fragmentándose. Elaborada con plástico, espuma de poliestireno y cristales de sal. Se trata de una pieza realizada para la exposición de 2.011 organizada por School 33 Art Center

En la ultima instalación de la artista Ann Hamilton, en exhibición hasta el seis de Enero de 2.013 en el Armería de Park Avenue, emplea la retorica de la puesta en escena y el espíritu circense clásico.

Dos elementos sirven como eje para que el publico participe activamente de esta perfomance. Por un lado los trapecios suspendidos a poco mas de un metro, que accionan mediante unas poleas situadas en el techo un inmenso telón de tul blanco que se eleva.

Provocando un efecto que en términos visuales causan un gran impacto en el espectador. El cual se muestra más o menos sorpresivo en función de la cantidad de trapecios que se balancean en cada momento en la sala de exposiciones.

Este formato inmersivo desarrolla un lenguaje coreográfico entre diferente volumenes, en el que la ubicación de los elementos ejecutan la secuencia, ciñendose a la presencia del sujeto que se convierte de esta forma en parte activa a la par que complice del discurso y el mensaje implícito en la instalación.

Como en muchas otras intervenciones Ann en The event of a thread busca crear una complicidad involucrando activamente al público presente.

Ann combina la presencia efímera del tiempo con la tactilidad material creando una aventura multisensorial, la obra reúne las lecturas, sonidos, y eventos en vivo dentro de un campo de oscilaciones que juntos invitan a conectarse a la acción, en una experiencia singular y colectiva.

Las esculturas orgánicas del escultor natural de Oklahoma Patrick Dogherty, son huellas de un tiempo ancestral que las vinculan con los totem y las primeras manifestaciones artísticas rupestres de nuestros antepasados. Esta característica étnica se observa tanto en los materiales, los que recolecta en los alrededores de su vivienda en el bosque de Chapel Hill en Carolina del Norte y cuyo diseño representa su opera prima.

Es esta vocación por la artesanía y la arquitectura lo que le decide abandonar su trabajo como administrador sanitario, para retomar a la edad de treinta y seis años los estudios de arte en la Universidad de Carolina, donde desarrolla un estilo donde el paisaje influye en el resultado final de su obra.

Estilo que evolucionó rápidamente de piezas únicas sobre pedestales convencionales hacia representaciones monumentales a escala del medio ambiente. En los últimos treinta años, ha construido más de 230 de estas obras exhibiendose en los cinco continentes.

Treinta y ocho de estos trabajos se recogen en "Stickwork", una monografía, publicada por Princeton Architectural Press. Acompañadas de narraciones y anécdotas, te describen el proceso de elaboración de cada obra así como sus motivaciones.

Los "Stickworks" (de ahí el titulo del libro) como los define Patrick son producto de los elementos que les proporciona su entorno y la energía de la gente además del lugar donde esta trabajando. Al igual que otros artistas coetáneos, Dougherty cree que la naturaleza es el lugar idóneo para la expresión artística. Pero a diferencia de muchos ellos, su actividad artística casi en su totalidad es ajena a los circuitos comerciales.

Te imaginas ir por las aceras avanzando dando piruetas y brincos. Seria divertido además fomentaria la realización de ejercicio físico, quizás pueda parecer una idea descabellada pero con la suficiente practica y coordinación. Además de contemplar las medidas de seguridad idóneas.

Seria un modelo de movilidad urbana que nos ahorraría tiempo y dinero. Eso al menos nos sugiere el estudio de arquitectura estonio Salto. Realizada para el encuentro de arte urbano Archstoyanie Festival, que se ha celebrado recientemente a las afueras de Moscu.

La instalación titulada Fast Track (vía rápida), explora las posibilidades de desplazamiento y su interacción con el medio. Elaborada con un material dúctil, la pasarela cubre una distancia de 51 metros de largo. Esta diseñada para calibrar la masa del cuerpo proyectandola a una longitud y altura ponderada.

La cinta tensada sobre el terreno esta sujeta mediante cabos a un andamio de acero. La performance es un intento de crear una infraestructura inteligente a la par que emocional, la cual refleja el paisaje humano y social, dando al usuario una experiencia diferente de percibir el movimiento y el medio ambiente.

Después de maravillarnos con su instalación titulada Waste Landscape, con la que reproducía un mar a partir del reciclaje de decenas de miles de carátulas de CD donados por cientos de parisinos. Para su reciente intervención la artista Elisa Morin ha elegido el cauce de un rio. Mas concretamente el tramo de canal de agua artificial conocido Mlýnský Nahon, que cumple la función de drenaje en época de lluvias que se producen en la ciudad de Kosice en Eslovaquia.

Que mejor escenario en el a través de una manifestación de arte urbano, formular un nuevo alegato advirtiendo de la escasez de agua potable en el mundo, y de la importancia para el desarrollo de la humanidad. Para recrear este elemento en su estado solido, como unidad simbólica de representación cinco mil tubos de ensayos donados por diferentes laboratorios próximos.

Realizada como parte del programa de actividades de la Noche en Blanco que se celebro en diferentes puntos de la localidad. Los tubos encajados forman la figura que pretenden evocar los cristales de las gotas de agua. Rellenos de líquidos fluorescentes cuando llegaba la noche se iluminaban como los rótulos de neón. El mensaje implícito de la instalación era advertir del estado de degradación en que se encuentran muchos acuíferos.

Elise Morin es una artista francés que trabaja con materiales de desecho, creando instalaciones establecidas en lugares específicos y luego modificados para conjurar nuevos paisajes en tres dimensiones. Estos proyectos visualmente atractivos tienen un trasfondo ecológico importante. A través de la interacción del sueño, el agua, la luz y el espacio, las creaciones de Elise revelan otra dimensión de los lugares y medios sobre los que trabaja y representa.

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Quizás dos años y medio para construir la habitación de un escriba pueda parecer excesivo a cualquiera, pero como una buena historia la instalación del artista argentino Pablo Lehmann, requiere dedicación y algo más de tiempo.

Además de ciertas dosis de disciplina y paciencia. En The Scribe’s House. En la obra con la que Pablo debutara en la próxima edición de la Art Basel de Miami, tan importante es la materia con la que esta creada.

Como la idea general alrededor de lo que gira el planteamiento de la instalación, y lo que por lo tanto desea transmitir al espectador. Que se acerca a la obra no tanto desde una óptica artistica, sino observándola como algo familiar.

La totalidad del espacio del apartamento (diseñado a escala real) está completamente amueblado y decorado con muebles vintages que provienen de reciclaje. Pintado en diferentes tonos neutros además de amarillo y el marrón, con los que consigue crear una atmósfera hipnotica.

La cama, bañera, cortinas. Así como el resto del mobiliario esta impreso con motivos y y diferentes tipologías con las redacta mensajes. Voces mudas que parecen cobrar vida ante la presencia del visitante, que se puede llegar abrumado ante tal cantidad de texto aparentemente sin sentido.

Lo que Pablo Lehmann hace con el lenguaje The Scribe’s House, es construir una narrativa estética y creativa, quizás tratando de emular lo que hacen los pintores con pigmento. Materiales frágiles a los añade el uso de papel de capas y la tela sintética.

Para cualquier amante de la literatura, el libro es una fuente inagotable de emociones, recuerdos, efemerides, momentos, historias... Un tesoro valioso que amplia los límites del lenguaje, un mecanismo que revela los universos creados por el poder de las palabras. Para Pablo Lehmann, el libro es a su vez, un generador de imágenes, formas encubiertas e infinitas posibilidades de interpretar la realidad trasladandolo a un contexto artistico.

Las instalaciones cinéticas del artista Reuben Margolin reproduce patrones de movimiento inspirados en fenómenos de la naturaleza. Realizadas a partir de la observación Ruben traslada a un plano físico utilizando principios mecánicos creando efectos mágicos, que combinan la ilusión y la ciencia.

Aunque es conocido por sus serie de Wave, intervenciones que se pueden visitar en numerosas instituciones académicas y culturales, concentradas principalmente en los Estados Unidos, en cuya plantificación y ejecución puede llegar a emplear hasta nueve meses.

Además cuenta con una interesante selección de retratos realizados en oleo y un hobby que consiste en reciclar piezas de bicicletas, creando curiosos vehículos modificados que posteriormente emplea para transportar los materiales con los que creara sus obras.

Las esculturas accionadas por un sistema de poleas y cuerdas, están realizadas a partir de la recolección de materiales de deshecho como envases de refrescos, botellas o cuentas, aunque el principal recurso que emplea la madera, con los que crea narraciones geométricas sincronizadas a partir de variaciones aritméticas, contextualizando el espacio donde se desarrolla transformando su función.

Seleccionado como valor emergente en la ultima edición de los premios TED. Los inicios de Ruben en el mundo del arte se produce tras abandonar sus estudios de matemáticas y física en la universidad, e ingresar en la escuela de arte donde encuentra su verdadera vocación.

Inspirado por el movimiento de una pequeña oruga verde, comenzó a tratar de capturar los movimientos de la naturaleza dotándoles de movimiento a través de la escultora. Ahora, en su estudio en Emeryville, California, hace grandes instalaciones ondulantes de madera y material reciclado.

En la lejanía guarda cierto parentesco con el monumento megalítico de Stonehenge, en este caso el dolmen en vez de estar construido con piedras de arenisca, el arquitecto y artista Alexander Brodsky listados de madera y puertas recicladas para el exterior y ladrillo para la chimenea del interior.

Pintado integramente en blanco el pabellón ovalado tiene dos versiones, la titulada Rotunda realizada para la edición de 2.009 del Archstoyanie Festival (que se celebra anualmente a las afueras de Moscu) y una segunda versión a escala reducida instalada en el Museo de Arte contemporáneo de la localidad rusa de Permm.

Alexander Brodsky crea metáforas impresionantes de la realidad contemporánea que siempre tienen el aire de lo eterno y de la melancolía de otro mundo. El lenguaje visual de Brodsky afirma lo sublime, que surge de las cenizas. Muchas de sus obras se realizan desde la destrucción, y en contacto constante con la pérdida, transmitiéndonos la verdad inmutable sobre nosotros mismos.