Nomada Q : ilustracion

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Apesar de que es uno de los eventos con menos citas convocadas hasta ahora, si sumamos desde 2008 que se celebró su primera edición en la ciudad italiana de Turin, hasta la última que ha tenido como sede la ciudad Española de Valencia se puede contar con los de las manos.

Se ha convertido en uno de los encuentros internacionales de diseño más dinámicos del calendario a nivel internacional. Quizas sea debido a que los fundamentos sobre los que empezo ha celebrarse el World Design Organization (WDO), se basan en un ideario marcado por una serie de principios que exploran las casi infinitas posibilidades de crear las pautas y criterios, con los que desarrollar un movimiento de diseño a nivel global.

Cuyo espíritu y fin último sea promover la profesión del diseño industrial y su capacidad para generar mejores productos y sistemas, fomentando procesos en un contexto económico e industrial tan competitivo como colaborativo, con el objetivo principal de ampliar las virtudes de un diseño que cuntribuya a una mejoría en el medio ambiente y la convivencia en terminos sociales.

Impulsando una vanguardia que aboga por promover un compromiso que se base en un diseño sostenible a la vez que creativo. Desde el inicio del proyecto hasta su materialización en términos industriales y su posterior comercializacion, involucrando en definitiva desde una enfoque socio economico a todos los actores implicados en sus diferentes ambitos poniendo el acento en la innovación.

Por esas razones la ciudad Meditarrenea de Valencia ha convertido a lo largo del último año sus calles en el escenario, donde sus ciudadanos han podido participar a través de diversidad de formatos. En los que el ingrediente principal es la participación y la interacción con una amplia variedad de propuestas que ha tenidos el espacio público y sus posibilidades como el ingrediente más significativo.

Entre estas diversidad de propuestas, la que más me atrajo fue la que presentaron el departamento de Diseño de Producto de la Escola Superior de Disseny de València en colaboración con World Design Capital Valencia 2022. Básicamente está elección tiene que ver con que el rendimiento que ofrece una propuesta como es la que representa el Eco Contenedor. Un diseño polivalente que subraya aspectos sociales muy relevantes, debido a que su motivación y consecución esta destinado a un sector de la población que se encuentra en peligro de exclusión social.

La lámpara de sobremesa que formaba parte del contenedor presenta una clara influencia de la escuela BAUHAUS

Ideado para garantizar un techo habitable aquellos colectivos de población que por una variedad de circunstancias, se encuentran en riesgo de vulnerabilidad social. Como son principalmente aquellas personas sin techo que son praticantes de mendicidad de larga duracion, y por lo tanto presentan en su mayor parte un grado de aislamiento y falta de asertividad y resiliencia en un régimen de convivencia regular y estable.

Todo un reto desde el punto de vista arquitectónico y humanitario que se podría abordar con relativa facilidad, si se reutilizaran los alrededor de casi 300 millones de contenedor maritimos, que se calculan que en la actualidad hay en desuso, o simplemente abandonados. Una ingente cantidad de material que gestionados de forma eficiente, se estima que ahorraría miles de millones en la extracción de los minerales que se destinan al ámbito de la construccion.

Conducta y cambio de hábitos a los que aspiran proyectos como el gestionado por el equipo de Diseño de Productos de la Escola de Superior de Valencia dirigido por Maria Navarro Diego. Aunque cabe recordar que en el desarrollo del proyecto han conlaborado aparte de instituciones publicas, entidades y asociaciónes de carácter civil como AMBIT.

Coincibiendo el diseño como una herramienta funcional, comprometida con los enormes retos sociales y medio-ambientales a nivel global, la edición Valencia Capital Mundial del Diseño, ha tenido un fuerte impacto en lo económico y en el tejido social de la ciudad.

O empresas vinculadas directamente con el ámbito de la construccion como FINSA, el estudio de maquetas Océano Naranja o el proveedor de contenedores Dos Días Container. Que han puesto sus conocimientos y recursos individuales en común con el propósito de explorar estrategias destinadas a ofrecer soluciones habitacionales bajo un enfoque social.

Abierto al público hasta finales de Septiembre del año pasado en la céntrica Plaza Músico López Chávarri. El contenedor concebido bajo los parámetros de corrientes tan influyentes a lo largo del siglo XX como la BAUHAUS, la Domus Academy o la Ecole Nationale Superieure des Arts Decoratifs. Se basaba en dos ejes básicos de ejecución, por un lado la sostenibilidad en la reutilizacion de materiales y en otro sentido la busqueda de soluciones de convivencia en espacios limitados.

Siguiendo las metodologías sobre diseño social, de por ejemplo el colectivo Design Thinking y las teorías de diseñadores tan eclécticos como Gui Bonsiepe, Viktor Papanek o Enzo Mari sobre mobiliario autoproducido, códigos abiertos e innovación social. El alumnado de Diseño de Producto de la Escola Superior de Disseny de València ha desarrollado diversas propuestas para dar respuesta, a través del diseño, a las necesidades de colectivos cuyo poder adquisitivo es prácticamente nulo.

Cartel de prestación de la colección de postales de Getting From Parcs Naturals

Otros de los aspectos destacables del proyecto estaba relacionado con la mejora sustancial en la autonomía energetica. Aspecto este que se suele obviar en propuestas de carácter social, y que en este caso se ha convertido en una prioridad. Habiendo contado con la compañía líder en el sector IreSol, que ha aportado los elementos necesarios con los que garantizar, el suministro de energía que precisa el contenedor.

Siendo consecuente con otro de los principios por los que fue seleccionada la candidatura de la ciudad de Valencia como Capital Mundial de Diseño presentada por la Associacio Valencia Capital del Disseny. Y que tiene que ver con el objetivo de fomentar dinámica que mejoren las interacciones y movilidad en el espacio publico a través de la aplicación de una didáctica basada en el diseño creativo con la vocación de generar tejido y actividad social en el ámbito artístico atendiendo a expresiones populares locales.

Se presenta la obra audiovisual titulada Metatron, un experimento que inspirado por la larga tradición de bandas y orquestas de música de caracter tradicional, que se pueden encontrar en buena parte de las localidades de la Comunitat Valenciana. Un proyecto que contempla la mezcla de musica, imagen y disciplinas científicas como las matematicas.

A lo largo de casi un año la ciudad de Valencia tuvo la oportunidad de mostrar al resto del mundo su potencial en el ámbito del diseño en todas sus vertientes.

Creado por el diseñador Pepe Gimeno y el animador Carlos Cueto en el ámbito plástico y artistico, y la compositora Sonia Mejías que se encargo de componer la musica. En la obra Metatron se contempla la geometría como vehículo conductor de una pieza, pues la elección del título es utilizado en términos geométricos para designar un cuerpo formado por 13 círculos y ocho líneas que unen cada uno de sus centros, en su versión tridimensional está formado por todas las figuras geométricas que se observan en la creación del Universo.

Inspirada por el Cubo de Metatron, el origen místico de este cuerpo geométrico ha tenido aplicaciones tanto en el campo científico como en el de la alquimia e incluso en las escrituras religiosas como el de la Cabala, siendo utilizado en ritos de exortizacion. Compuesta por cinco tiempos que según sus creadores como un proceso organico, cuya composición cíclica se puede aplicar a las diferentes franjas horarias de un día completo.

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Otra propuesta altamente sugestiva a la que no pudimos asistir fue la campaña titulada Greetings from..., que aprovechando el calendario de actividades incluyeron para esta edición un collage compuesto por ocho postales ilustradas titulada Greeting from Parcs Naturals, que representan la diversidad medio-ambiental de la comunidad valenciana, a través de la selección de sus ocho espacios protegidos más representativos.

La muestra coordinada por la arquitecta e ilustradora Virginia Lorente. Se proponiq recuperar la buena costumbre de enviar postales, desde el lugar de origen vacacional. Creados tanto en formato digital como físico la colección pone énfasis en acercar los diferentes paisajes de la comunidad mediterránea al público en general.

La delicadeza es un término que a mi particularmente me provoca una inmediata emoción cuando se aplica al arte. Esto que en ocasiones puede ser considerada una apreciación totalmente subjetiva que tiene que ver con una percepción personal.

En otras oportunidades es un criterio compartido que inspira a muchas personas. Una de las combinaciones de "colores" cuyo resultados suelen transmitir cierto grado de delicadeza, suele ser dos, el blanco y el negro. Dos colores tan básicos como neutros, que por separado no se suelen utilizar. Pero que cuando se combinan, independientemente del contexto suelen dar buenos resultados, e incluso suelen resultar elegantes.

Algo que aunque parezca que en una primera impresión carezca de mérito aproximandote más a una sencilla caricatura, sobre todo si estamos mirando los trazos rectilineos de un dibujo que se extienden sobre la superficie de un papel. Experiencia que en la mayoria de las ocasiones nos resulta cuando menos poco enriquecedora dejándole de prestar atención al instante.

Si suele suponer un aliciente extra si lo que se expone ante nuestros, se presenta de forma bidemensional, este cambio de perspectiva en relación a su plano e lo que proporciona a la obra propundidad. Cualidad está que bien tratada en términos creativos por el artista. Suele suscitar cierto grado de curiosidad en el que se detiene a verla.

Ya que está profundidad suele venir acompaña de una recreación más rica en matices que un simple dibujo sobre un papel o un lienzo, por muchos motivos que añada información sobre lo que se pueda estar representando en la obra. Esa diferencia cobra notoriedad si el objeto de la narrativa sobre el que se trabaja es una obra arquitectonica, con sus estructuras y medidas espaciales tridemensionales.

Donde debido a la relacion de cotidianidad que hemos establecido con el espacio que denominamos hogar, provoca que por defecto nos atraiga más una obra (que independientemente del formato en que esté realizada.) Si lo que refleja (en este caso una representación, ya sea de la fachada exterior de un edificio o de sus elementos interiores.)

Aunque de épocas muy dispares, los objetos pierden su antigüedad pareciendo de una misma etapa

Cobra vida y movimiento desplegando más de una dimensión sobre el lugar que se ha elegido para su exhibición. Si a estas consideraciones en el proceso creativo le añades la sutileza de la luz, puedes lograr que el destinatario último de tu creación (el espectador), pueda abstraerse por un momento de la realidad en la que se encuentra instalado y sumergirse en un estado de ensimismamiento y asombro.

O en otro sentido puede dejarse llevar por sentimientos vinculados con su trayectoria vital y seducido por la nostalgia, recuperar a través de la obra expuesta algún momento preterito. Que ya forme parte de alguna situación o episodio de la que ha sido testigo recientemente, o por el contrario de algún pasaje que anidado en los más profundo de su memoria aflora retrotrayendole a un momento más o menos reciente en su vida.

Segun la artista Anastasia Parmson con sede en Sydney. Sus representaciones casi minimalistas de los diferentes espacios habitacionales que pueden formar un casa arquetipo, se apróximan mucho más a este segunda version. Ya que según ella cada una de las delicadas piezas que completan su hogar dulce hogar, estarína más próximas a indagar en la nostalgia que siente un individuo respecto a su pasado.

Aunque no se trata de obras inmersivas, cada instalación de Anastasia, si funciona como una maqueta con la que deseas interactuar dentro de las posibilidades que te ofrece el espacio.

Concretamente en el poso de recuerdos y vivencias acumulados por una artista nacida en un país que presenta unas dimensiones geograficas relativamente pequeñas como es Estonia. Una de las tres ex-repúblicas ex-sovieticas que se encuentran en el mar Baltico. País del que está artista con raíces siberianas tuvo que marcharse, formándose artísticamente en Paris.

Ciudad que tras varias escalas finalmente fue sustituida por la ciudad australiana donde reside en la que actualidad, y desde la que se ha dado a conocer. Principalmente a través de una selección de cuidadas y refinadas instalaciones a la vez que lúdicas e interactivas, a través de las que recrea fragmentos de lo que podría ser perfectamente su hogar familiar en Estonia.

Recuerdos vespertinos que plasma en formas tridimensionales que te podría por momentos recordar a las figuras de origami realizadas en papel. Si no fuera por que en sus propuestas añade el trazado de un lápiz o un rotulador. Que bien en términos inconscientes reflejan una sucesión de recuerdos que no fueron gratos a lo largo de estas primeras etapas de su vida.

En las reproducciones de Anastasia los detalles son relevantes a la hora de contextualizar la obra

Recreaciones que por otra parte incorporan todo tipo de elementos pertenecientes a lo que podría ser cualquier vivienda de la época en su país natal. Así como electrodomésticos de todo tipo, muchos de ellos prácticamente obsoletos como la clásica televisión de tubo con una pantalla cuyos ángulos levemente curvados y gris, que se complementa con objetos más vintage como un radiocasete de una pletina y doble baffle, cuyo dial todavía es manual.

Y que situado sobre una cómoda antigua con espejo y jarrón ya no desentona, como podria haber resultado en la epoca. Estancias donde predomina las vetas de los listones de madera que producto del paso de los años o décadas se convierten en las arrugas de una casa, y que contrasta con las muestras de vegetación que ya se muestren parasitanndo un rincón en el fondo del salón-comedor, o acompañando a objetos decorativos en estantes.

Construidas en madera la recreaciónes ilustradas de las partes interiores de un hogar de la Anastasia Parmson, crean una narrativa donde la memoria nos vincula al espacio que habitamos en algún momento de nuestras vidas.

Que en conjunto crean un micro-universo al que añade una colección de marcos con fotos y cuadros, que aunque apenas perceptibles en sus formas al ojo humano. Si contribuyen a la hipertextualizacion de la instalacion aportando la suficiente información para que como espectadores nos pongamos en contexto historico al respecto de lo que se nos está mostrando.

Efecto retroactivo donde acentúa aún más si cabe su faceta de ilustradora, que también es análogo en sus obras más intimistas. En las que se recrea en la reproduccion de piezas que abarcan todo tipo moiliario. Así como se atreve con la figura humana la cual reproduce a escala natural adoptando diferentes posiciones, pero casi mostrándose de forma conciliadora con su entorno.

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Su manera de afrontar la realización de cada pieza diferencia entre el arte y la ilustración, estableciendo una tenue barrera entre ambos ámbitos creativos. En este sentido la ilustración de Anastasia es una representación de la dualidad de la memoria y el espacio exogeno-endogeno del que se nutre. El arte, en cambio, es la expresión de algo interiorizado, menos tangible y más subjetivo. Por lo tanto ella esta facultada para cruzar ambos campos, porque el medio de dibujo es también una de las principales herramientas utilizadas para la ilustración.

Ya sea empleando como medio narrativo un viejo sintetizador analogico Mimimoog, uno de los primeros fabricados en su rango. Comercializado en 1970, este destacaba por ser compacto no como su antecesor y por ofrecer un sonido de caracter grueso y timbre calido.

Con el que grabaron bandas como Pink Floyd, Electric Light Orchestras, cantautores como Silvio Rodriguez o solistas como Charlie Garcia o Gary Neuman (pionero de la musica electronica). El iconico modelo Air de Nike, o uno de los mas emblematicos prototipos de Apple Macintosh en 1984, cuya aparicion en un mercado (el de los ordenadores de sobremesa).

Suposo toda una revolución para epoca a pesar de contar solo con 120k de memoria. O como en su ultimo y laberintico diseño presentado en 2020 en el que representa a traves de un diagrama de un amplificador de guitarra electrica, que se comporta analogamente como un arbol genealogico la historia de un movimento como es de la cultura Rock.

Haciendo un recorrido por su historia a través de una diversidad de etiquetas que hacen referencia a su vez a los más variopintos estilos. Su autora, la diseñadora grafica Dorothy una entidad creativa cuyo trabajo contempla una amplia gama de formatos y estilos, se remonta a los primeros antecedentes de generos tan añejos como el Blues mencionando nombres tan iconicos como Muddy Waters, uno de sus mas destacados representates.

Dorothy dedica una diversidad de láminas a la cultura Pop y Rock

Para usarlo como acervo y nexo comun de cuyo origen y raiz brotan y fluyen infinidad de corrientes, generos y estilos con los que casi la practica totalidad de nosotros (en mayor medida nos podemos sentir identificados.) Si por ejemplo en la ilustracion dedicada a la historia del cine, en la que emplea como soporte expresivo una camara Arriflex 35 II.

Cuya aparición tras finalizar la II Guerra Mundial introdujo notables características y calidades que mejoraban su optica y movimiento, las cuales se adaptaban a los requisitos de los directores adscritos a generos tan innovadores para la época como el New Wave movimiento con el que se identifica a el mismisimo Stanley Kubrick, Dorothy recurre a objetos y personajes como medio.

De cada proyecto de la ilustradora Dorothy emana una mirada hacia un pasado mas o menos proximo cuya contemplación supone un paseo la cultura de los ultimos cien años y por nuestras experiencias como individuos.

A traves del que ofrecernos una cronologia basada en antecedentes pertenecientes al orbe del septimo arte, cuyo dato y efemerides se ofrecen de forma caotica, convirtiendo su exploración en todo un juego visual donde se desafian y ponen a prueba tus conocimientos acerca del mundo del celuloide.

La arquitectura es un tema recurrente en sus trabajos

En el colosal diagrama musical trazado sobre una pizarra (que por cierto, como el resto de sus trabajos se pueden adquirir a traves de su dirección web.) Dorothy prescinde de cualquier artificio, recurriendo unicamente a generos y nombres otorgandoles (mas o menos espacio), en función de la notoriedad que estima su autora.

Formas de representación mas o menos elaboradas. O como la mas minimalista empleada en la confección de un poster en el que graficamente utiliza todas y cada una de las letras del abecedario, con la variedad de tipografias acuñadas a traves de algunas de las bandas mas importantes de la historia de la musica contemporanea.

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Pero que a pesar de esta sencillez conceptual consigue inmediatamente establecer un vinculo emotivo y sensorial que nos remonta como sujetos a nuestra memoria acumulada a traves de hechos vividos tanto a nivel individual como clectivo, cuya gratificación compartimos en experiencias en las que determinados sonidos, acontecimientos o peliculas forjan y forman parte de nuestra existencia.

En ocasisones se tienen que dar las circunstancias para que algo con lo que habitualmente te has estado relacionando, ya sea algo intelectual, estetico, social, mediatico... Cobre un valor especial por el que la labor de ese autor/a.

Te transmita o haga aflorar en ti una serie de emociones que en todo el tiempo transcurrido hasta ese momento no te habia provocado, a pesar de que hubiera sido una presencia constante a lo largo de buena parte de tu existencia. En mi caso uno de esos momentos reveladores, en el que no todo parece cobrar sentido.

Pero si al menos hay una parte que da cosistencia al discurso cotidiano por el que damos relevancia a determinadas cosas o necesidades sin las que nos sentiriamos un poco mas huerfanos, fue la "publicación" coincidiendo con la celebración del dia de "las librerias" el pasado 13 de Noviembre de una ilustración.

De una ilustración dominical (La que amable lector/a puedes contemplar unos reglones mas abajo, más concretamente tras esta primera ilustración que conduce directamente al corazon.) Cuyos motivos (como no podia ser de otra forma,) hacen referencia a las connotaciones que te puedan sugerir como asiduo comprador de libros o no. En este caso fue una ilustración que a horas vespertinas tuve oportunidad de ver en el timeline de una red social.

Los elementos que acompañan a los retratos nos habla de su personalidad o vida profesional

El autor cuya biografía era para mi desconocida en ese momento comenzo a dibujarse en mi por momentos saturada memoria, cuando pulse en el enlace que figura en su perfil, saltando inmediatamente a su espacio en la red. Donde en principio esperaba encontrar los trabajos de un creativo novel, hallazgo que enseguida se disipo.

Hayando en su lugar un sustancial porfolio cuyo trabajo contenido resumia una trayectoria que abarca alrededor de cuarenta años, que bien podriamos dividir en dos partes bien definidas en función de dos realidades contextuales diferentes. En la primera etapa que transcurre durante la decada de los 80´s en un Madrid excitante y efervescente.

Las ilustraciones de Fernando Vicente huye de las parabolas y artificios adoptando al sujeto retratado como protagonista que se describe en un instante emocional especifico.

Un incipiente ilustrador que respondiendo al nombre de Fernando Vicente (y de formación autodidacta) comienza a darse conocer a traves de participar y contribuir a la cosmologia de diferentes movimientos urbanos como la conocida como La Movida Madrileña, etapa que aparca momentaneamente coincidiendo con el cambio de decada.

Periodo profesional donde se dedica a trabajar en el ambito de la publicidad hasta que en 1999 retoma su faceta expresiva como ilustrador y pintor, aceptando encargos para rotativos como El País. Medio donde se ha podido ver initerrupidamente sus trabajos hasta el momento en sus diferentes suplementos.

Ilustracion publicada coincidiendo con el día de las librerías 2020

Aparte cuenta con varios libros editados, además de una extensa obra bibliografica en donde aparecen una diversidad de los trabajos de ilustración realizados para multitud de clasicos de la literatura (tanto titulos destinados al publico infantil como adulto), también cabe mencionar que ha participado en el diseño de portadas de discos.

Conjunto de obras que salvo alguna excepción, presentan como principales caracteristicas la de emplear un mismo procedimiento de trabajo. Que consiste en trabajar de pie, tecnica que en el caso del retrato de un modelo sobre un lienzo no llama la atención, ya que se puede considerar habitual adoptar una posición erquida frente al caballete o bastidor sobre el que se pinta.

Pero que para realizar un trabajo de ilustración es altamente inusual que alguien que se dedique a la ilustración lo haga de pie, quizas sea porque de esta manera obtiene una mejor perspectiva de todos y cada uno de los sujetos que pueblan su particular Universo. Siendo este uno de sus rasgos caracteristicos.

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Y que no es otro que la de colocar en primer plano de la escena que ilustra a una persona, efecto que domina la narrativa visual de Fernando, y con la que a lo largo de su prolifica carrera ha conseguido humanizar en todo tipo de contextos. Ya sea en series de retratos donde los protagonistas son personajes ilustres.

O en el retrato de personas anonimas en las situaciones mas informales y domesticas, independientemente de que aplique un enfoque mas o menos sofisticado de la conducta que se representa. La escena y su desarrollo gira alrededor de un concepto donde las facciones y gestos del sujeto sirven para definir la función del objeto al cual hace referencia el pasaje ilustrado.

Contemplando los retratos cinematograficos de Federico Babina te preguntas hasta que punto la filimografia de un determinado director ha influenciado en la estetica de su creador y viciversa.

Como en otras muchas series dedicadas a los mas diversos temas, aunque a mi me atraen aquellas en las que inspirado por disciplinas creativas Babina se sumerge en la personalidad de los personajes retratados, creando ilustraciones que desconstruyen su obra a traves de aquellos elementos por los que se hicieron Universalmente conocidos.

Así por ejemplo en la serie titulada Archits City dedicada a reflejar la vida y obra de algunos de los mas representativos artistas plasticos del Siglo XX recurre a una estetica donde combina la corriente artistica por la que fue conocido con su interpretación (en este caso arquitectonica.) De esta forma la villa que hubiera diseñado Picasso seria una version adelantada en el tiempo de algunos de los muchos edificios firmados por Frank Ghery el mas vanguardista de los arquitectos.

El retrato de Orson Wells recuerda por su atmosfera taciturna a los retratos del Greco

Y la casa soñada por Andy Warhol el maximo representante del Pop Art se traduciria en una vivienda de corte Modernista, en la que destacaria la fachada con una hilera de ventanas que tintadas en colores vivos reflejaria el espiritu hedonista y trangresor de su residente.

O en secuela, la serie Archidesign en la que introduciendo una atmosfera producto de combinar la estetica zen con la de la novela negra, Babina reproduce una sinergia similar que en la anterior pero en esta ocasión realiza una analogia en el que la arquitectura de por ejemplo LeCorbusier se adapta a los criterios de un diseñador y tambien arquitecto contemporaneo como Van Der Rohe, en plena efervescencia creativa como los hermanos Bouroullec.

Realizadas desde principios conceptuales diferentes las series de ilustraciones Archidirector, como la de retratos Directportrait de Federico Babina, rinden homenaje al mundo del cine a traves de una seleccion de sus principales directores.

En el caso de la serie de 2.018 titulada Directportrait aunque reedita algunos directores como Hicthcock, Lucas, Fellini o Bergman aparecidos en Archidire de 2015. Serie dedicada a rendir homenaje a algunos de sus directores de cine favoritos, Babina se centra en realizar retratos donde los rasgos de los nombres seleccionados se completan con objetos que hacen referencia aquel titulo emblematico que le catapulto al estrellato convirtiendole en un mito del celuloide.

Siendo un trabajo que complementa a las 28 laminas que componia Archidirector, y con las que Babina completaba un proyecto en el que tomando la arquitectura como hilo conductor mostraba su propia versión de diferentes corrientes arquitectonicas que marcaron la profesión en los ultimos cien años.

Lamina perteneciente a la serie Archidirector dedicada al director de cine Tim Burton

Hibridandolos paralelamente con otras tantas manifestaciones creativas cuyo aparición y apogeo tuvieron lugar en la misma linea de tiempo, dando como resultado la creación de una versión hipotetica e intermedia de lo que finalmente conocemos.

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Hay otros que se suman a tan ilustre galeria de maestros del celuloide (casi todos mas proximos en el tiempo), como son Tarantino, Almodovar o Allen, compartiendo casi todos una caracteristica comun aparte de la que (mas o menos) pertenecen a la misma orbita generacional.

Siendo que su filimografia que comenzo con titulos que se consideraron en su momento ajenos a los canones del cine mas comercial, siendo calificados por un amplia mayoria de criticos como producciones alternativas, o directamente de culto. Ampliamente con el tiempo han pasado formar parte del selecto grupo de directores que conforman los pioneros del mundo del cine, siendo retratados por Babina (como en una mayoria de sus encargos,) utilizando una gama de colores fuertes e intensos, con los que obtene unos semblantes que destacan por su dramatismo y donde el objeto que los acompaña simboliza su carrera.

JUMP INTO THE FUTURE:

For his latest series entitled ARCHYOGA published this 2023 the graphic designer and graphic illustrator Federico Babina of whose singular works we have already offered you samples that you can see HERE and HERE. It combines the body language of yoga adapting the asanas to a diversity of architectural typologies. For this occasion he has also created an animated version that you can see from this LINK. A piece that visually maintains a lyrical yet intense rhythm thanks to the collaboration of the composition of the musician Cesc Miralta, who has created harmonious chords endowing the volumes with an evocation and symbolism that emerge when the human body interacts with the space on which it acts.

ALSO IN SPANISH:

Para su ultima serie titulada ARCHYOGA publicada este 2023 el diseñador gráfico e ilustrador gráfico Federico Babina de cuyos singulares ya os hemos ofrecido muestras que podéis verá AQUI y AQUI. Combina el lenguaje corporal del yoga adaptándolo las asanas a una diversidad de tipologías arquitectonicas. Para esta ocasión además ha creado una versión animada que podéis ver desde este LINK. Pieza en la que visualmente recurre a una narrativa coreográfica que mantiene un ritmo lírico a la vez que intenso gracias a la colaboración del composición del músico Cesc Miralta, que ha creado unos acordes armoniosos dotando a los volúmenes de una evocacion y simbólismo que afloran cuando el cuerpo humano interactúa con el espacio sobre el que actua.