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Los espejos espectrales de Rob Mulholland que reflejan vestigios del pasado



Aunque cueste imaginarlo donde en la actualidad hay marismas, dunas, manglares y zonas de bosque durante la época en que se produjo la ultima glaciación de la Tierra, estuvo cubierto por extensas placas de hielo.

Tan largas, solidas y gruesas que cubrían la distancia entre lo que actualmente se conoce como Moracambe Bay en el Este de Inglaterra, y las costas de Irlanda. Siendo consecuencia este exhuberante paisaje del retroceso del hielo y del incremento de las temperaturas.

Que se acabo ordenando un territorio farragoso cuya expresión paisajistica sigue dominando por el agua, pero  esta vez en estado liquido, estando su presencia estrechamente vinculada a las diferentes actividades y asentamientos que habido en la zona desde hace siglos.

EN EL REFLEJO DEL PASADO A TRAVÉS DE SUS HABITANTES

 
Presencia humana que practicamente ha desaparecido habiendose convertido en un espacio protegido en términos medio-ambientales, donde además a lo largo de buena parte del año se programan eventos. Tanto de índole artística como de ocio y tiempo libre. 

Agenda que gestiona la asociación Headlands to Headspace, que programa diferentes actividades en las que participan artistas plásticos en general, o mas específicos como creadores de Land Art. Intervenciones periódicas ya sean temporales o cuyas obras se incorporen a la colección del parque de forma permanente.

Intervenciones que en una mayoría de ocasiones están inspiradas en las características propias de la reserva natural, o  haen una referencia a la historia de los diferentes asentamientos humanos que hubo a lo largo de su historia.



HUELLAS DE ESPEJO QUE HABITAN EL PAISAJE

Entre los invitados de la campaña de 2018 tuvimos la oportunidad de asistir a la propuesta del artista local Rob Mulholland, que como en trabajos anteriores creo un conjunto de seis esculturas, en las que la materia que lo formaban era una combinacion de espejos con los que trazaba las siluetas de diferentes figuras humanas.

Asi como el contorno de las casas tradicionales que habitaban las familias, y lo mas esencial el paisaje que se refleja en la superficie del espejo. Paisaje casi perpetuo pese a los muchos cambios producidos ya sean por la intervención del ser humano o por los factores medio ambientales y
geológicos acaecidos a lo largo de su historia.

Y que Rob trata de forma lírica, primero documentandose con los datos técnicos y despues con los que ha registrado sobre el terrenoo los estadísticos que anota en su inseparable libreta.


Siendo representados en figuras de aspecto etereo y fragil con los que habita un paisaje desnudo, y con los transforma en pulsos de luz cuyo eco retumba en todas las direcciones de la escala espacio temporal la memoria de una comunidad que se resitse a desaparecer.

Maravillando con una síntesis de ideas cuya propiedad oblicua produce en el espectador la sensación de que cruzando una de esas esculturas casi transparentes, en un salto mágico podrá trasladarse a otra escala temporal.

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Las intervenciones de Rob Mulholland se convierten en una extensión del paisaje que refleja, ya sea a través de sus antecedentes humanos o las sucesivas transformaciones que ha experimentado el territorio sobre el que actúa.




Las figuras de alambre de Chris Mason que escalan buscando el cielo como Spider Man


Dependiendo de la posición que adopte una figura en el espacio sobre el que actúa y su orientacion, suscitara en el que la contempla una determinada serie de reacciones más o menos cargadas de emociones.

En el caso de las frágiles figuras realizadas por el artista  Chris Mason, la acción de la escalada ofrece la oportunidad de mirar a la figura suspendida en el espacio, para poder verla desde ángulos diferentes. 

En este acto lúdico entras creando un vínculo cómplice entre lo que el artista trata de transmitir y lo que tu como sujeto deseas ver. Parece una prueba sutil en la que guiado por el optimismo.

El espectador trata de hacer coincidir su interpretación en mayor o menor medida con la idea aproximada del que tras largas horas de praxis creativa estuvo alumbrando la obra. Que finalmente es liberada en el espacio tiempo, para que tu te deleites admirandola o por el contrario muestres tu más absoluta indiferencia o desaprobacion.



Realizadas por el artista Chris Mason con residencia en la ciudad californiana de Los Ángeles, con alambre ovillado sobre un armazón de acero. La instalación Social Climbing, reune las dos constantes que han influido en su carrera.

Por un lado el tratamiento que realizaban los artistas del Renacimiento, de la figura humana dándole volumen y una acción narrativa. Y por otro lado su otra gran afición, el comic y los super-héroes de la editorial Marvel, de los que eligió a Spider-Man para "modelar" a sus intrépidos escaladores hacia la cumbre.


Chris natural de New York, ha hecho arte con cualquier material que estaba disponible, pintura, dibujo incluso en la playa hizo esculturas de arena. Un día se encontró con un carrete de hilo en su cajón de herramientas. 


Del tipo del que se utiliza para colgar marcos de fotos, con lo hizo dos pequeñas figuras de escalada.  A las que bautizo con el nombre de Wire hangers regalandoselas a su  primo por su cumpleaños. Desde entonces ha creado numerosas esculturas con las que ha participado tanto en muestras colectivas como individuales.



Choi Xoo Ang, manos que vuelan


En las figuras elaboradas con arcilla de polímero y aceite de resina. Lo más sugerente son aquellos elementos oníricos a los que recurre su autor, el artista Choi Xoo Ang.


Se percibe sus inquietudes por explorar diferentes facetas de la conducta humana, construyendo un relato en el cual lo que de forma cotidiana se camufla bajo la hipedérmis. Haciendolo aflorar a través de formas que son tan perturbadoras como transparentes y delicadas.


Piezas que provocan un shock visual en el espectador, no tantó por lo explícito de las conductas y posiciones que adoptan sus modelos. Sino por lo raro y ajeno que nos pueden llegar a resultar ese tipo de comportamientos, que como sujetos y pese a lo  literales e inmediatas que parecen, desconocemos en nuestra cotidianidad más proxima.

Choi es un escultor con sede en Seúl, que ha convertido el lenguaje corporal en una fuente de expresión artística y rendimiento creativo. En la que selecciona cuerpos tan extrañamente reales como desconocidos para el común denominador. 


Quizás sean sus gestos que parecen exagerados, quizás para enfatizar el lado mas poético de la existencia. Choi es conocido por usar el arte como medio de comprender las conductas patológicas que experimenta el individuo en algún momento de su ciclo vital.



Por una de sus obras más conocidas titulada Islote de Asperger serie, que se exhibió por primera vez en Seúl en 2010. Fue amenazado por una posible demanda por tomar presta el nombre Asperger. Episodio que tras aclarar el malentendido, tras declarar Choi que se inspiró en la raíz etimológica del término que significa, tener problemas con la comunicación pero también ser muy especial.


Obras que han formando parte de muestras tanto colectivas como individuales, y que se han visto en galerías del mundo. Los detalles de los excesos del individuo en su relación con su entorno social. Choi selecciona personajes cotidianos y exagera sus acciones de manera bizarra y grotesca. 


Ningún tema o pensamiento es demasiado tabú para el, sus esculturas hiperrealistas sugieren preguntas sobre la existencia del sujeto en un entorno social tan versátil como volatil. 



Sean Henry - Folly (The Other Self), la presencia de lo real y lo deseado hecho materia


Una casa de una sola habitación sin tabiques ni ventanas, en su interior una "persona", viviendo dos experiencias en el mismo intervalo de tiempo. El hombre real yace en la cama, esta durmiendo placidamente mientras tanto proyecta su misma imagen en una esquina del escenario.

Donde de pie mirando a un lugar indeterminado con las manos alojadas en los bolsillos, una tercera imagen parcial de la misma persona se representa de perfil en la pared, mientras en una esquina, de pie esta vez, otra representación de la misma persona que duerme se muestra como una escultura a escala. En este contexto Folly (The Other Self), es una secuencia en la que podemos tres estados de un mismo sujeto que se desdobla.

Por lo tanto estamos ante un conjunto escultural que se comporta ante nuestros ojos como una instalación performance que funciona como una sesión de psicoanalis. Cuya concepción multidisciplinar que comenzo a gestarse en 2.006, pero no es hasta 2.011 cuando se ha exhibido en diferentes localizaciones.


Concebida tanto para interiores como exteriores. Presenta una atmósfera teatral, estableciendo parámetros que la vincula con una representación dramática debido a su narrativa plastica y lenguage corporal con la que se percibe como un discreto acto a traves de la que su autor mantiene un pulso cómplice con el espectador.


Firmada por el artista Sean Henry, como en otras ocasiones recurre a materiales esenciales para esculpir sus esculturas como el barro, que tras moldearlas las baña en bronce y pinta. Este enfoque a la hora representar la figura humana real en el fondo es herencia de una larga tradición de la escultura policromada. 


La casa desnuda es una estructura de traviesas blancas que nos legitima para comportarnos como vougeurs por unos instantes difuminandose la tenue frontera entre la esfera privada y publica. Un gesto contemplativo acentuado por una tensión latente que se manifiesta a graves de la naturaleza surrealista de la composición y sus posibles interpretaciónes. 




Shayna Leib y sus tapices de poesía y cristal



Shayna Leib es una artista que emplea como materia prima de su trabajo el vidrio, labor que realiza de forma tradicional. Aplicando como cincel moldeador el aire que exhalan sus pulmones y en ocasiones la ayuda de un fuelle tradicional.

Sobre un vidrio candente (al rojo vivo,) con el "teje" tapices de estalactitas de cristal superfino, que se mecen al viento como la hierba en un día de viento. Fragmentos de paisajes donde el elemento como el fuego, la fuerza del viento y la fluidez del agua crean un entorno donde la luz y el color son los protagonistas.


Dos de los elementos más poderosos de nuestro planeta son casi imperceptibles para el ojo humano, sin embargo, son innatamente consciente de su presencia. Su capacidad para calmar y para destruir, y su propiedad para moldear la forma de lo que toca. 

Viento y el agua no poseen color propio, son claras, hasta el punto de la invisibilidad, y sin embargo se mueven por el espacio. No podemos ver su forma misma, pero se puede detectar la huella a través de las formas que sobre los objetos con los que se relacionan. Su carácter es contradictorio y voluble, que abarca la fragilidad y la violencia, la placidez y la turbulencia.


Ya de niña Shayna vio como se trabajaba con el vidrio, terminados sus estudios en el instituto se matriculo como estudiante en la California Polytechnic State University en San Luis Obispo, California.  Donde obtuvo una licenciatura en filosofía. 

Completo su formacion con un doctorado en filosofía en la institución educativa SUNY Binghamton, donde eligió especializarse en vidrio a nivel de postgrado y pasando a Madison, Wisconsin. Etapa durante la que completo sus estudios MFA en mayo de 2003. Su trabajo en esa etapa exploro la exploración del vidrio como objeto escultórico, conocimiento que ha contribuido de forma notable a su identidad creativa.



Mark Jenkins/Paint Your City, la ciudad como interpretación subjetiva


En la intervención urbana más reciente de Mark Jenkins con motivo de la celebración de la ultima edición de la reunión OpenART, contempla el espacio publico como un lugar expositivo.

Un lugar dinámico y expresivo en el que se puede narrativas cuyas motivaciones pueden suscitar una diversidad de interpretaciones. Dependiendo de las inquietudes de quien sea el observador.

La serie de performances tuvo como escenario  las calles de la ciudad sueca de Örebro, reúne un conjunto de "esculturas" humanas que abordan al transeúnte de forma casual. 


Titulada Paint Your City (Pinta tu Ciudad) se trata de una acción informal a través de la que establecer un diálogo visual con la gente de la ciudad. Mostrándoles diferentes situaciones cotidianas con las que cualquiera nos podemos identificar.

Mark, en primer lugar trabaja el lenguaje de los modelos, un punto esencial que forma parte del proceso creativo, por lo tanto se trata de un trabajo colaborativo en el que la observación de las conductas que se exhiben en la calle suelen ser el detonante de un relato comun.

Después ya en el estudio Mark realiza los moldes de las diferentes partes del cuerpo que acabarán formando del concepto, de las figuras que se instalarán en los emplazamientos urbanos seleccionados.


Situadas en la calle para interactuar con la gente y la arquitectura siendo una manera convertir la ciudad en una especie de escenario. Bañadas en pintura blanca, un "color" neutro que evita que el curioso que se aproxima a la figura no se distraiga con detalles inexistentes.

Antony Gormley/Exposure, hombre caca o la necesidad de disponer de tu tiempo


En cuclillas mirando la linea del horizonte, percibiendo el rumor de las olas, oliendo en salitre del mar, así es como el artista ingles Antony Gormley percibe el entorno donde emplaza a sus totems contemplativos.

Realizado a partir de una osamenta de acero en posición fetal, en actitud expectante que trata desde sus mas de veintiséis metros de altura abarcar con la cuenca donde se sugieren unos ojos como faros lo infinito que traspasa su figura desprovista de tejido, de vísceras, de materia.

En su ultima escultura Exposure, se siguen concitando las mismas pautas que en a lo largo de su trayectoria artística se han observado. La exploración de las posibilidades del cuerpo en relación al espacio que habita y las interrogantes que plantea.


Ubicada al final de una lengua de tierra en la localidad holandesa de Lelystad, esta colosal figura esta compuesta 5.000 piezas unidas mediante 14.000 tornillos. Montada in situ se preciso de un despliegue logístico compuesto por una cuadrilla de veinte operarios distribuidos en varios turnos.


Al tratarse de una estructura de grandes dimesiones para Exposure, que recuerda a algunos del escultor Jaume Plensa. Preciso de la participación de varias grúas de gran tonelaje con las que ensamblar las piezas.

Otro de los factores que se tuvo que tener en cuenta fue el de las características propias del suelo donde se instalaría. Al estar compuesto por sedimentos depositados por las corrientes marinas, esta sometido a constantes variaciones en su composición. Provocando frecuentes corrimientos, que podrían destabilizar la verticalidad de la instalación.

El proyecto que ha supuesto cinco  de años de trabajo, se instalo en el transcurso del verano de 2.010, recibiendo el apelativo por parte de los lugareños, que lo han llamado cariñosamente  "poepende man" que traducido viene a significar el "hombre caca".

En los trabajos de Antony Gormley compuestos por esculturas, instalaciones y obras públicas se explora la relación del cuerpo humano con el espacio y su rendimiento creativo. Compromiso crítico tanto con su propio cuerpo como con los de los demás, de manera que confronta cuestiones fundamentales de dónde se sitúan los seres humanos en relación con la naturaleza y el cosmos. 


Willy Verginer, esculturas humanas que reflejan estados de animo


Las esculturas humanas del artista Italiano Willy Verginer resultan inquietantes, pese a que su semblantes irradian serenidad. Se tratan de figuras esbeltas pero a la vez casi hiperrealistas.

Muy pulcramente modeladas, esculpidas en madera de tilo, en algunos casos talladas con pulcritud. Su semblante contemplativo puede recordar vagamente a los trabajos del escultor Juan Muñoz

Sino fuera por que las piezas de Willy presentan un matiz estético que la caracterizan y definen, y que consiste en cada figura destaca por las bandas de color que parcialmente cubre diferentes partes de su anatomía y para lo que emplea papel de oro y pintura acrilica.


Realizadas a escala real, las composiciones adoptan diferentes posiciones, pero siempre con una actitud pasiva, meditativa. Como si anhelaran conectar con el equilibrio del espacio donde se ubican.


En otras presenta una actitud cordial o más comprmetida, exhibiendo una diversidad de motivos u objetos. Con los que su autor elabora un discurso específico. 

En su serie iniciada en 2010 utiliza la expresión italiana A fior di pelle, con la que describe la hipersensibilidad y significa textualmente (A flor de piel). Un significado muy poético para expresar la fragilidad de la juventud y la capacidad de soñar.


JUMP INTO THE FUTURE:

Por ejemplo en las piezas que forman parte de la serie titulada After Industry, iniciada en 2015. La actitud es activa construyendo un discurso a través del que denuncia los efectos nocivos de la actividad industrial y petrolera tanto sobre el sujeto como el paisaje que habita.