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Barbara Licha - Passage, en los márgenes del lenguaje corporal


En las ultimas intervenciones de la artista nacida en Polonia de adopción australiana, país en el cual reside desde 1982 Barbara Licha utiliza materiales maleables con el alambre. Creando esculturas donde el paisaje se convierte en el hilo narrativo y soporte de su obra. 

Como en la mayor parte de su trayectoria Barbara sigue explorando de forma suscinta la complejidad de la condición humana. Presentándola a través de formas en las que el lenguaje corporal.

Se convierte en el componente discursivo de figuras etereas en su concepción que transmiten fragilidad, creando un fuerte contraste con el vació con el que se relacionan y cuyas limitaciones espaciales parecen desear eludir constantemente.


 Su obra influenciada por el expresionismo sobre por el de origen alemán y su enfoque dramatico. Aunque ella se seguidora incondicional del trabajo de escultores más o menos cercanos como el italiano Giacometti, influencia que se percibe en los primeros encuentros que tiene el espectador con su obra.



Concebidas tanto para interior como para exterior, los sujetos encapsulados en cubos de la artista Barbara Licha. Nos hablan de anhelos y deseos no realizados en una sociedad cada vez más vertiginosa y encapsulada.


Donde sus estándares se actualizan atendiendo a criterios sociales contemporáneos. Son obras que por definición exploran los límites tenues entre lo étnico y lo tribal. Que describen visualmente coreografias, que enlazadas ascienden al unisono alcanzando el cielo, y que creativamente se nutre del trabajo de la coreógrafa alemana Pina Bausch cuyo trabajo la ha influenciado en el abordaje de muchas de sus obras otorgandoles una sensación de movimiento. 

Second Nature, arte conservacionista en el zoo

En total han sido artistas visuales los que altruistamente han participado en la muestra Second Nature.
 
 Con el objetivo de reflexionar y concienciar al publico que hasta el 31 de Octubre de este, tendrá la oportunidad las diferentes propuestas. Sobre la perdida de diversisidad que implica la deforestación de grandes áreas de los cinco continentes y la desaparición de miles de especies, muchas de ellas en peligro de extinción.

 Organizada por el zoológico de la ciudad de Philadelphia en colaboración con la Foundation Flux (de la que recientemente hemos reseñado otro de sus proyectos en estas paginas ). Todas y cada una de las esculturas han sido realizadas, empleando materiales obtenidas a partir de reciclaje. 

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  Las obras representan a tamaño naturales especies animales que posan, junto a sus homólogos vivos que reside en el zoo. Suponiendo su presencia un alegato ecológico en favor de la conservación.

Gerry-Stecca, árbol pret a porter que se inspira en el paisaje


Las intervenciones del artista  de Land Art Gerry-Stecca consisten en vestir los troncos de los arboles, con vestidos que representan patrones geométricos que emulan y realzan el paisaje en el que actuan de forma no invasiva.


Para eso utiliza objetos cotidianos como las pinzas de madera, que se utilizan para tender la ropa. Con las que confecciona trajes que se ciñen a la rugosa corteza de diferentes especies arboleas modificando su identidad. 

 En otras le sirve para trazar en el aire caprichosas formas, con las que crea espectaculares esculturas que se proyectan en el vació como si fuera un ente vivo.  Piezas con las que trata de emular los elementos que hay en el paisaje que desde era pequeño en la ciudad venezolana de Caracas le fascina.



Entusiasmo que cultivo cuando se traslado a California para completar sus estudios en la Universidad de San Diego, en la que se convirtio en un observación y absorbiendo todos y cada uno de los matices que le estimula, para diseñar sus obras. Las cuales abarcan una amplia gama de formatos.



Influenciado por un entorno familiar orientado a la ciencia, Gerry de origen venezolano esteriliza la figura de los arboles dotándoles de una estética singular que los convierte en identificables


Y que alguna manera reproducen diferentes aspectos de la naturaleza que eventualmente se funden en las profundidades imaginarias del espacio, la línea, el color y la composición de sus obras. Obras inspiradas por las experiencias que fue adquiriendo a lo largo de su vida en la que la practica cientifica, le ha permitido crear sus propios entornos tangibles pero nebulosos. 


La cadencia de un proceso escultórico repetitivo que utiliza miles de pinzas de madera, conectadas por un proceso de costura de alambre, se refleja en mis pinturas de varias capas. En conjunto, sus obras representan experiencias táctiles y multidimensionales que desde el principio crecen de forma organica y que simbolizan el compromiso de su autor con los procesos que emanan de la naturaleza.

El escultor Hugo França realiza mobiliario escultural reciclando arboles amazónicos

La región de Trancoso es un área geográfica situada en Brasil, donde aparte de encontrarse Sao Paulo. Se pueden visitar algunos de los bosques pertenecientes a la biodeversidad de la selva amazónica mas variados y ricos de la región. 


Siendo el lugar de operaciones del que extrae el artista y diseñador urbano Hugo França su materia prima, con la que elabora piezas únicas que combinan una función ornamental con su actuación social como parte del mobiliario publico. 

 El proyecto con mas de 25 cinco años de duración es fruto de la colaboración con la administración local. Con la que Hugo trabaja en la localización y diseño de los elementos adaptandolos a los criterios del espacio, donde prestaran su servicio.


Una historia que se inicia cuando Hugo decide cambiar drásticamente de vidad, tanto en lo personal como en lo profesional, renunciando a un puesto bien remunerado como ingeniero industrial en São Paulo. Así como su lujoso apartamento.


El mobiliario de Hugo compuesto por bancos, mesas así como el más específico destinado a uso infantil. Son tallados como si de esculturas se trataran a partir de troncos de arboles autóctonos.

Que tras amortizarlo en una venta urgente, destina el dinero a la adquisición de una hacienda en la región de Trancoso, más concretamente en el área de la costa de la ciudad de Bahía. En la que se instala conviviendo con los últimos supervivientes de la tribu aborigen de los Pataxó. De los que aprende a tallar la madera desarrollando su propia tecnica.

Con la que realiza sus primeras esculturas iniciando una trayectoria como escultor de madera. Actividad que tanto en el espacio publico como en el ámbito privado ha supuesto que sus trabajos se hayan concretado en una diversidad de encargos hecho con el residuo producto de la de forestación que sufrió la mayor parte de la región desde décadas precedentes. 

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Eva Jospin bosques de cartón como utopía de una naturaleza perdida



No es hasta que te aproximas para poder observarlos mejor, cuando te das cuenta de que los tupidos bosques, presentados como setos rigurosamente recortados. 

En realidad son laboriosas esculturas realizadas con retales de cartón reciclado, que reproducen fragmentos vegetales domesticados, como cubos artificiales de forma rectangular. Realizadas por la artista francés Eva Jospin, ella de forma sutil representa delicados y magicos fragmentos que imita a la naturaleza. 

 Su autor los define como formas encapsuladas que redifinen la naturaleza que reflexionan sobre lo importante lo que es recuperar la presencia de la naturaleza en nuestras vidas. Elaboradas sobre planchas de madera reproducen paisajes inertes donde los materiales elaborados vuelven a iniciar su ciclo vital. 


El espectador puede adentrarse en esta arquitectura artística e inmersiva donde se revela un universo único e íntimo, que camina entre el tenue horizonte y el borde del realismo y la ensoñación. Un paisaje imaginario, una locura rural donde el ojo vaga sin brújula entre la maleza, del bosque a la cueva de Platón en un ciclo sin fin. 

El virtuosismo de la creación de Eva Jospin encuentra aquí su expresión más monumental y notable, explorando las profundidades visuales y metafóricas del cartón, su material preferido, para transformarlo en un viaje de descubrimiento por la yuxtaposición y superposición de múltiples capas que han sido esculpidas, cortadas y moldeadas. 

Los bordes corrugados del cartón forman una textura convincente que reproducen la corteza de los árboles, y el color natural del papel funciona combinando con los colores ocres de un bosque otoñal. El proyecto de Jospin es valioso no solo como una intrigante obra de arte, sino también porque nos recuerda el verdadero origen de los productos de papel que tan a menudo damos por sentado.

Una obra espectacular, atemporal y universal, convirtiéndose en la estela proyectada por un faro, en la ultima llamada para viajar en el espacio y el tiempo y poder contemplar en todo su esplendor el paisaje primigenio Una invitación dirigida a todo aquel que esté dispuesto a renunciar por un instante a este mundo artificial, y andar por el camino de la imaginación. 


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 Jospin utiliza un material que a pesar de que no es duradero, robusto ni fuerte, posee la capacidad de describir la fragilidad aparente de mundo natural.

Chris Labrooy - Tales of Auto Elasticity, coches convertidos en coches de plastilina


Si en anteriores proyectos de los que aquí podéis ver una muestra, el artista digital Chris Labrooy, diluía materiales como el acero con el que se construye un avión. Transformándola en una balsa de materia que se expande sin contención perdiendo su identidad

En la serie titulada Tales of Auto Elasticity, el objeto elegido es una selección de vehiculos y rancheras. A los que Crish dota de cualidades flexibles alargando su forma y modificando su fisonomía y comportamiento en relación al espacio que ocupa y su función.

En un trabajo que sigue explorando las posibilidades de transformación de la materia gracias a la utilización de herramientas digitales. Con las que tunea objetos de consumo cotidianos adoptando formas caprichosas en imagenes visualmente impactantes y sugerente, en las que utilizando un lenguaje basado en la ficción modifica la realidad.


Tales of Auto Elasticity, de Chris Labrooy, es una cautivadora serie inspirada en los viajes californianos por carretera a lo largo de interminables autopistas que atraviesan desérticas tierras yermas. En el imaginativo mundo de Labrooy, camionetas de colores vibrantes desafían las leyes de la física, estirándose y retorciéndose hasta adoptar formas imposibles. 

En el conjunto de fotografias que forman las series tituladas Tales of Auto Elasticity y Land of the free respectivamente, su autor Chris Labrooy nos vuelve a sorprender transformando la materia. En este caso coches y picabs que se muestran como esculturas casuales cuya función original se sustituye por una artistica.

Estas falsas y brillantes esculturas son representaciones de vehículos manipuladas digitalmente, que traspasan los límites de lo que percibimos como realidad. Otra intrigante obra de Labrooy es Land of the Free (Tierra de la libertad), donde los vehículos recreativos se apilan y organizan en estructuras tipográficas3. Su obra combina a la perfección el diseño automovilístico con la expresión artística, creando un festín visual para la imaginación.

Sculpture by the Sea, esculturas sobre la arena


Las playas de Bondi a Tamarama Beach aparte de por su atractivo para los turistas y de ser lugar de encuentro, donde miles de surfistas realizan su deporte favorito. Se convierte en lo que dura el verano austral. En un museo al aire donde artistas del todo el mundo exponen su obra.

Situadas a medio camino entre las ciudades australianas de Sidney y Perth, en sus blancas arenas desde hace 18 ediciones se celebra una muestra. En la que han tenido oportunidad de exhibir su obra mas de mil autores venidos de los cinco continentes, en una muestra multicultural y global que cada vez tiene mas adeptos.
  Los artistas realizan su trabajo in situ, en permanente contacto con el publico en lo que supone una experiencia enriquecedora para ambas partes.

Para la ultima edición de Sculpture by the sea (no confundir con el museo arte libre que hay en la costa danesa y del que aquí hemos hablado) entre toallas, sombrillas y cremas de protección social, se han podido contemplar proyectos de mas cien artistas tanto locales como foráneos. Que en horarios de mañana y tarde realizan su trabajo in situ, en permanente contacto con el publico en lo que supone una experiencia enriquecedora para ambas partes.

 Aunque la mayoría de las obras son de carácter efímero, trasladandose de lugar porque son adquiridas por algún particular o  porque se las queda el autor para su colección privada. Otra parte pasa a formar parte de la colección permanente, pudiendo ser visitada por el publico en general estando accesible en cualquier época del año.

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Anthony Howe realiza espectaculares esculturas cinéticas que danzan con el paisaje

Aunque Anthony Howe comenzo a realizar sus primeras muestras de arte cinético, construyendo piezas moviles con los restos de un viejo ascensor en New York. Es en el entorno rural de la localidad Eastsound, donde sus esculturas cobraron vida. 

Inspirado por los paisajes y las aves que sobrevuelan su vivienda, Anthony encuentra en la interacción con el medio y en su observación los patrones que utilizara de forma artistica. Para crear esculturas que interaccionan con el paisaje, en el cual se comporta como si ejecutará una coreografia.

Compuestas en algunos casos hasta por miles de piezas, el método de elaboración comienza el mapeo digital de cada pieza, teniendo en cuenta sus características y función. Proceso que tiene que ser muy exhaustivo, pues la coordinación es algo esencial.


Si se quiere evitar que alguno de los mecanismos implicados en la estructura falle, algo que resulta realmente frustrante en este tipo de proyectos. Los cuales están caracterizados por su alto grado de elaboración que se basan en prácticas artesnales.


Aplicando un principio creativo basado en una en una narrativa de aprovechamiento de materiales y la economía circular, Howe construye objetos cuyas referencias visuales van desde la parafernalia de ciencia ficción y la tecnológia hasta modelos microbiológicos o astronómicos. 


Estas piezas fabricadas en acero inoxidables tienen que encajar perfectamente, si se quiere lograr el efecto de movimiento deseado cuando en el exterior interactúen con el medio. Donde cada obra representa un fenómeno extraído de la naturaleza, creando una coreografía autónoma dirigida por la voluntad de las condiciones climatológicas existentes, en una ilusión visual cuyo valor hipnótico donde el reflejo del acero inoxidable refleja el entorno.




Planning Korea - The forest

  
The Forest es una vivienda de efecto envolvente donde las transparencias tienen como propósito conectarse a sus usuarios con su origen orgánico. Siguiendo la misma tendencia que otros tantos proyectos del estudio de arquitectura  Planning Korea, donde lo modular racionaliza la forma y el espacio interpretándolo a partir de geometrías rituales. 

Distribuida en seis volúmenes de forma hexagonal los muros han sido sustituido por ventanales trípticos que muestran una panorámica única de una misma realidad, dependiendo de a donde se mire. Cada habitación esta ambientada según su cometido y función, pero que guarda una atmósfera cuyo argumento natural es común, convirtiéndola en una contruccion dinámica cuyo entorno inunda el conjunto de la vivienda.
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El diseño arquitectónico de El Bosque se ha elaborado a partir de la característica única del bosque Gotjawal en la isla coreana de Jeju y cuya especie única de arboles crecen, apoyandose unos en otros agarrándose las raíces a las rocas. Por que representa el dinamismo de las raíces de los árboles entrelazados, creando un microcosmos en el que pequeñas criaturas viven dentro en una estructura básica de cristales hexagonales. 



Andrea Hasler - Perishable Goods, denuncia los métodos de la industria carnica


Cuando los desprevenidos lugareños, recios habitantes de los Alpes suizos vieron por primera los dos enormes volúmenes cuya materia principal, parecía ser carne prensada sujeta con gruesas cadenas engarzadas con eslabones bañados en oro. 

Inmediatamente pensaron, por acto reflejo lo asociaron con el oscuro pensamiento. De que un oligopolio cárnico unilateralmente hubiera decidido.

De que los miles de ejemplares que forman su iconica cabaña de vacuno con denominación, se triturar a convirtiéndose en carne picada. Destinada a un basurero en el cual tras ser prensada acabará siendo bloque solido.


Firmada por el artista Andrea Hasler, los dos cubos de grandes dimensiones asentados sobre unos palets. dispuestos sobre ambas laderas de una montaña. 


Es aunque no los parezca una obra titulada Perishable Goods (mercancía perecedera), más concretamente una escultura creada para el museo al aire libre gestionado por 3-D Foundation. 


Formada por dos monolitos simbolizan utilizando un lenguaje irónico en clave de alegato ecológico, lo mecánico y despiadado de los procesos de manufacturación empleados en el tratamiento de los excedentes cárnicos que se comercializan hoy en día.


Nina Lindgren - Floating City, ciudades de cartón sobre Islas flotantes


La posibilidad de habitar en comunidades flotantes en el espacio, megaciudades interestelares construidas artificialmente para albergar comunidades de cientos de miles de habitantes, con las que colonizar otros universos. 

Es un anhelo y escenario que se ha representado innumerables veces a través de narrativas alimentadas por la ficción y de las que  se nutre el imaginario colectivo. Un mecanismo de evasión al que se ha recurrido infinitas veces para tratar de vislumbrar como seria habitar otros mundos mas allá de nuestra vía láctea.

La artista Nina Lindgren se inspira en la iconografía y diseños de una de las primeras y mas emblemáticas producciones de cine dedicadas al genero de la ciencia ficción como es Metrópolis obra iniciativa de Fritz Linz. Para describirnos su propia versión de los hechos.


Su propia interpretación de lo que sería abordar el colonizar un planeta en principio desconocido, inhóspito y hostil para los seres humanos. Y de como sería la major manera de abordar este desafío desde una perspectiva adaptativa, contemplando este paso evolutivo en la historia de la humanidad desde  una óptica subjetiva.

Realizado con laminas de cartón refrzado, las arquitecturas en las que se basan la ciudad de flotante de Floating City. Sin embargo poco o mejor dicho nada tiene que ver con la imagen futurista que transmiten las películas, siendo por el contrario de formas muy reconocibles e incluso se podrían consideradas cotidianas.


La escultura se expuso por primera vez en una galería de arte de Copenhague en la primavera de 2014. Cuando el evento llegó a su fin, la escultura no aparecía por ninguna parte. Aún no está claro qué ocurrió realmente; si fue robada o simplemente tirada a la basura. Por lo que se volvió a construir. No son visualmente idénticas en los detalles, pero no deja de ser la misma obra de arte: fue reciclada y renació.


Producto de los viajes realizados por Nina, ella se inspiró en estilos como el Brutalismo y su estética sobria y texturas y geometrías contundentes. Conjunto de propiedades que traslado y represento en un volumen producto de la forma arquitectonica que funcionarían como islas autónomas, las cuales podrían permanecer en un mismo sitio por un determinado intervalo de tiempo o  desplazarse en el espacio en busca de un nuevo destino en el que prosperar.



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