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Michael Nichols - The tallest trees, fotografiando la madre de todas las Sequoias en Redwood


Tuve la oportunidad de conocer el excelente trabajo como fotógrafo naturalista de Michael Nichols a través de sus numerosos trabajos realizados principalmente para la publicación National Geographic.

Mas concretamente fue su reportaje de documentación sobre las sequoias gigantes realizado en el reserva natural Redwood en el estado de California, proyecto para el que tuvo que adoptar medidas de seguridad con las que tratar de no revelar la localizacion exacta de algunos de estos colosos de la naturaleza. 

Cuyo uno de sus mas emblemáticos ejemplares había sido mutilado parcialmente poco tiempo atrás. Obteniendo como resultado un excelente trabajo de docomentacion, tanto en lo visual como en lo tecnico.


Excepcional documento para el que tuvo que desplegar una serie de medios técnicos y buena parte de sus conocimientos como fotógrafo especializado en aceptar encargos relacionados con la naturaleza.

Desplegando sus mejores habilidades con las que abordo graficamente cada una de las tomas realizadas. Seleccionado las mejores y las más optimas localizaciones en las que emplazar su equipo, lo que le  proporciono una serie de instantáneas.



Los trabajos fotograficos Michael Nichols en el entorno del reserva  natural de sequoias gigantes de Redwood, nos muestra la fortaleza de la naturaleza a gran escala desvelando todos sus misterios y grandeza.


En las que como espectador se puede contemplar en todo su esplendor a estos colosos de la naturaleza. Debido al éxito que obtuvo Michael reedito la experiencia tres años después en 2.012, fijando esta vez su foco en un ejemplar de secuoia conocido como el Presidente. 

Ejemplos que por su singularidad su ubicación exacta permanece oculta incluso para los sistemas de geolocalizacion por satélite. En esta ocasión Michael decidió completar el reportaje en plena campaña invernal cuando las condiciones climatológicas plantean mas adversidades desde el punto de vista técnico. 

Dificultades solventadas gracias a las experiencias que supo atesorar de ocasiones anteriores. Logrando unas instantáneas donde la precisión en los detalles capturados, permitían apreciar cada uno de los muchos matices de un ejemplar que se transforma coincidiendo con la caída de las primeras nieves. Mostrándose desnudo en unas fotografías en las que Michael consigue recrear este proceso con Tomás cargadas de lirismo y belleza.

Andy Scott - Helix, como se construye la escultura equina mas grande del mundo


Helix es el documento audiovisual que sirve como resumen del trabajo escultural realizado por el artista Andy Scott. Con su recientemente finalizado proyecto Kelpies.

Un monumennto inmersivo inaugurado en Noviembre de 2.013, el conjunto compuesto por dos cabezas de equino realizadas a una escala colosal. Su ubicacación en un paraje en las afueras de la localidad escocesa de Falkirk. 

Los dos bustos fueron ealizados con laminas de acero que cubre un armazón que alcanza una altura de treinta metros pesando mas de 300 toneladas ca uno. Aparte de dar titulo al vídeo grabado en formato time-lapse, Helix hace referencia al parque del que forman las esculturas.


The River Spirit esta emplaza en la rivera del rio que la inspira

Y que esta ubicado en las afueras de la localidad. Una intervención mediante la que se ha recuperado un antiguo canal y su entorno natural, en cuyos terrenos se ha levantado un lugar de ocio dirigido a los habitantes de la comarca.


The Helix que puedes ver pulsando AQUI, es un documento visual que te muestra el proceso de construcción de una pieza tan asombrosa como unica y abrumadora diseñada por el escultor escocés Andy Scott, los Kelpies son un hito del diseño y la ingeniería. Cada Kelpie pesa 300 toneladas (el mismo peso que 350 caballos Clydesdale) y está construido con más de 18.000 piezas. 



Aparte de Helix en el entorno del parque escultórico se pueden contemplar una selección de esculturas de Andy como la, titulada River Spirit representa una figura femenina que parece estar saliendo de una base de árbol con sus manos formando el follaje en forma de cinta. Sin embargo, la cinta representa el río Forth que fluye cerca. 

La estatua también incluye, en el dorso de la mano, palabras del poeta escocés Jim Carruth

Lifeline es un conjunto escultural formado una madre y a un niño. Rinde homenaje a las personas que trabajan en los servicios de emergencia que ponen sus vidas en peligro para ayudar a otros y con la que Andy enriquece el recorrido escultórico con una narrativa mas social y comprometida.

Por su parte la pieza titulada  I Can See for Miles es una escultura inspiradora que representa a un adulto que está aupando a un joven. Simboliza tanto la historia industrial de la comarca. Representa una referencia que resalta la importancia de la industria de la zona incluyendo el carbón, el vidrio y los textiles.

Con mas de diez metros de altura Arria representa la concordia y la comunión con el paisaje

Para finalizar este breve recorrido por lo que se conoce por el ruta de arte publico de Clackmannanshire, nos aborda la pieza titulada Arria, también es nombrada a menudo como el Ángel de la Caldera. Sus brazos forman dos grandes arcos que se inclinan, desde las palmas de sus manos hasta el dobladillo de su vestido. 


Representa el nombre gaélico de Cumbernauld (comar nan allt), que se traduce como el encuentro de las aguas. En Arria también está grabado un poema de Jim Carruth, mientras caminas alrededor de ella, puedes leer el poema llamado Watershed.



ACERCA DE ANDY SCOTT:

Andy Scott nació y creció en Glasgow, Escocia aunque en la actualidad reside en L.A. Su padre era dibujante y su madre, auxiliar de enfermería. Se graduó con honores en la prestigiosa Escuela de Arte de Glasgow en 1986 y obtuvo un diploma de posgrado en 1987.  Estamos ante un artista figurativo escultor figurativo escocés que trabaja a gran escala en acero galvanizado, así como en bronce fundido. Sus obras suelen representar figuras animales.





Katsuki Nogami - Yamada Tarot Project, tu identidad como si fuera un iPad


La artista japonesa Katsuki Nogami sustituye las facciones de su rostro por una impresión digital mostrada en la pantalla de un iPad.  Capturada de los rostros anónimos.

Que la autora parcialmente cubierta por una capucha se encuentra por la calle. Realizada a caballo entre las ciudades de Berlin y Tokio.  Yamada Tarot Project es una experiencia inmersiva que cuestiona los estereotipos y la identidad del individuo en una sociedad masificada.

Katsuki utiliza de forma canalla la metáfora tecnológica que utilizamos habitualmente para establecer relaciones en entornos digitales. Estableciéndose en esa tenue frontera entre la realidad y la ficción, en donde como observador de una masa mutante y mediante la ironía, describe modismos sociales sus paradojas.


Nogami equipara y reduce a las personas a la pantalla de un iPad como semi-cyborg que son las representaciones de los avatar que utilizan en las redes, y tras los que ocultan su verdadera identidad.

Yamada Tarot Project aborda los aspectos oscuros de nuestras comunicaciones en la era digital y sobre como afectan a la percepción que tenemos de la realidad con la que habitualmente nos relacionamos y que ha quedado relegada a un segundo plano.


Katsuki Nogami es un artista japonés que estudió en el Institut Für Raumexperimente de Olafur Eliasson en Berlín y se graduó en el Departamento de Artes y Ciencias de la Imagen Musashino Art University en Japón. Actualmente es artista residente en Cite des Arts en París. Esta dilatada experiencia internacional, junto con sus obras de arte públicas instaladas permanentemente en varias ciudades de Japón, le ha dado un ángulo particular sobre la identidad y la pertenencia. 



Be Another Lab - Gender Swap, una experiencia virtual que explora nuestra identidad como genero


Una de las característica que nos hace humanos es nuestra capacidad de empatia para con nuestros pares o congéneres. Conducta a traves de la que seleccionamos aquellos/as inviduos que acabaran formando parte de nuestro mas o menos amplio y diverso circulo de amistades.

Algo, en todo caso que aparte de provocar la liberación de endorfinas, nos produce satisfacción. Tanto en terminos endogenos, como desde una optica cuya sinergia se desarrolla en un plano colectivo. Y por lo tanto nos ofrece la oportunidad de conocer otras realidades ajenas a la nuestra.

En otro el contexto el estudio de diseño audiovisual Be Another Lab, en su osadía va mas allá del individuo como entidad politico-social. Planteando la posibilidad de experimentar como nos sentiríamos en la piel de una persona, cuyo genero es el opuesto al neutro. 


Para eso ideado un dispositivo con tecnología inmersiva que se compone de una cámara que a través de la realidad virtual. Produce la sensación de estar viviendo en un cuerpo desde una perspectica del genero femenino/masculino se intercambia. Provocando una reflexión sobre los limites sociales que suponen los roles de genero. 



Titulada  Gender Swap y cuya filmación podeis ver AQUI, plantea como la tecnología puede modificar nuestra percepción sobre nuestro cuerpo y sus posibilidades de transmutarse a través del genero.


Realizada en el marco de actividades que forman parte de la muestra Experiment with The Machine to Be Another. Se trata de una experiencia que se recurre a la utilización de herramientas digitales, y técnicas neuropsicologicas, explorando los muchas veces ambiguos limites acerca la identidad y sus esterotipos sociales.

BeAnotherLab trabaja en la intersección de arte, ciencia y tecnología. Cuestionando las jerarquías, entre estas diferentes formas de las abordamos como cuerpos de conocimiento complementarios y superpuestos. Estan formado por un equipo multicultural entre los que figura Christian Betánzos, Christian Cherene, Norma Deseke, Daniel González, Daniëlle Hooijmans, Daanish Masood, Marte Roel y Philippe Bertrand.


Cada uno de sus componentes posee una rica experiencia en la producción de conocimiento, con diferentes conocimientos en las artes y las ciencias, que van desde Ciencia Cognitiva y Psicología, Diseño de Sistemas Interactivos, Artes Digitales, Ciencias de la Computación, Antropología Social y Cultural, Gestión Cultural, Filosofía y Resolución de Conflictos.

Bertrand Lanthiez - Sounds of Threads, cuerdas en el espacio para interpretar musica


Utilizando como elementos audiovisuales tan elementales como unas cuerdas que a modo de pentágrama interpretan una partitura.

O una tela fina de seda que interpreta una coreografía cuyos pasos están marcados por una melodía digitalizada. El artista Bertrand Lanthiez y compositor crea instalaciones interactivas donde el movimiento del objeto se activa.


En una suerte de perfomance inmersiva donde la sincronización del sonido  y la iluminación, ofrece una experiencia sensorial donde el expectador pasa a ser un componente mas en su ejecución. 


El propósito de su autor era provocar a los sentidos de los participantes para a partir del movimiento de sus cuerpos, creando una melodía hipnótica colectiva que reflejara su estado de animo. 


Sounds of Threads exhibidaen Reikiavik en junio de 2013, consistió en dos instalaciones, ambas involucradas en el impacto del sonido de múltiples maneras, para que la gente pudiera tanto sentir como crear música, escuchando, tocando y viendo el sonido.



Las perfomances que llevaban por titulo Sounds of Threads y Sounds of Threads Experiment fueron realizadas este verano pasado en París y en la capital islandesa Reykjavik. Permitían al espectador formar parte del proceso creativo enriqueciendo su identidad a través de objetos cotidianos y su relación.



Big Little World y Cuba, dos destinos turísticos en un mismo viaje visual


Big Little World from Paul Wex on Vimeo.

Esta semana la finalizamos como la comenzamos con un post sobre en el que la protagonistas son las islas. En el caso de los dos trabajos audiovisuales que os presentamos su realizador y también de sus respectivas bandas sonoras Paul Wax. Nos ofrece dos versiones diferentes de dos destinos que sin embargo guardan algunas similitudes, como por ejemplo el clima. 

En la primera pieza Big Little World nos sumerge en las aguas cristalinas de las anheladas islas Seychelles, donde aparte de mostrarnos la cara mas turística por todos conocida. Nos ofrece un breve recorrido donde el acento lo pone en mostrar las costumbres y a sus protagonistas. Gentes hospitalarias que siempre tienen un gesto amable con el compartir su cultura y su variada gastronomía, compuesta por una amplia gama de frutas exóticas y pescados.




 En la segunda cambia diametralmente de posición geográfica trasladandonos del océano Indico al mar Caribe y a su joya mas preciada la isla de Cuba. Donde utilizando los mismos elementos visuales y a ritmo de son fusionado con otros ritmos. Nos muestra la Habana con sus viejos carros (coches) que parecen extraídos de otro tiempo y que ya forman de la iconografía de la ciudad. Para según avanza la acción cambiar gradualmente de paisaje pudiendo contemplar los cafetales y los cultivos de tabaco que se reparten por buena de su geografía.


CUBA - Lost in Time from Paul Wex on Vimeo.


Bot y Dolly - Box, los antecedentes de la inteligencia artificial


Coreografía, luz, sonido y movimiento se conjugan como elementos narrativos en la ultima perfomance audiovisual realizada por el dúo artístico Bot y Dolly. Mediante la utilizacion de la proyección de objetos mapeados digitalmente  

Las figuras geométricas adquieren volumen desplazándose en 3D por un espacio neutro. La experiencia se planteo en un formato por la que se dividio en bloques la pieza titulada Box combina la robótica y la tecnología digital. Propuesta a través de lo que describe recurriendo a imagenes cargadas de belleza lírica fenómenos físicos como la teletransportación, la levitación o  la física cuántica.



Consiguiendo crear sugerentes efectos visuales donde la simetría de las imagenes holograficas se funden con la luz y los efectos sonoros. La acción que se desarrolla en una nave industrial es dirigida por uno de los artistas que interactúa dando forma al movimiento en función de la sintonía que se emite en paralelo.

Box cuyo vídeo recomiendo echarle un vistazo pudiendose ver íntegro en el siguiente enlace actualizado recientemente AQUI, explora la síntesis del espacio real y digitales a través de la proyección de mapeo de superficies móviles.

Bot y Dolly es un estudio de diseño e ingeniería digital con sede en la ciudad californiana de San Francisco. Especializado en la automatización, la robótica y la cinematografía. Su planteamiento creativo consiste en avanzar en los procesos técnicos. Aplicandolos como herramientas creativas en diversas áreas audiovisuales.



Amy Casey - Down Roots, en busca de la ciudad tras el tsunami


Las pinturas que forman parte de la serie titulada Down Roots (echando raíces) realizadas por la artista con sede en la ciudad americana de Cleveland Amy Casey, nos muestra una ciudad que se urbaniza a partir de una combinación de formas orgánicas.

Y donde su materia biológica es sustituida por materiales artificiales. Realizando trayectorias caprichosas que incitan a perderse en un laberinto formado por cientos de calles y edificios apilados, adoptando una arquitectura de efecto masivo.

Que monopoliza la atención del espectador, posición activa que le introduce en el intricado callejero formado por planos superpuestos. Que recorre con la imaginación buscando una salida de la ciudad flotante al borde del colapso.


En el vídeo que completa la serie y que se puede ver integramente AQUI, invoca al arte como terapia para enfrentarse a las catástrofes inevitables a las que todos nos expuestos alguna vez durante nuestra vida. 


El tsunami del Océano Índico de 2004, por ejemplo, cuyo dramático episodio la afectó profundamente, debido a que tenía amigos en Tailandia en esos momentos. 

Aparte nos muestra el minucioso proceso de elaboración de cada lamina en la que utiliza fotografías de edificiós, mediante las que Casey representa pequeñas ciudades imaginarias. Reconstruyendo un paisaje cercano con el que se relaciona y a través del que visibiliza las vulnerabilidades humanas.


El artista Quayola se inspira en los clásicos del arte para reinterpretarlos en clave digital


El artista con sede en Londres Quayola fusiona lenguajes narrativos como la videoinstalación, las geometrías o la música electrónica, con artistas flamencos como Rubens o del renacimiento como Caravaggio. 

Con otros mas recientes en el tiempo y contemporáneos entre los que se  podría citar a Kandinsky, Paul Klee o Oscar Fischinger. Produciendo artefactos audiovisuales donde el color producto de la mezcla de pigmentos con las que se crearon algunas de las obras, mas la historia del arte. 

Se pixelan adoptando un formato gráfico donde se incorpora el sonido realizados con programas de edición digital como banda sonora. La materia en su obra se reinventa como  escultura digital a través del tiempo. Dando como resultado una celebración de la materia misma. 


La sustancia de todas las cosas físicas describe una articulación dinámica, continuación de un bloque sólido basada en formas primitivas. Una obra maestra que nació como el avant-garde que se ha convertido en un icono clásico universal y ahora se considera el puente desde lo clásico a lo moderno. 

Esto provoca sucesos multimodales en la percepción de una obra ya conocida por el publico, que hace una relectura donde la obra se contextualiza como un fenómeno donde el sonido y el movimiento se añaden a lo estético, en una experiencia enriquecedora de una referencia artística conocida.

Las imágenes producidas ceden parte de su exclusividad relacionandose con la acción de la accionn que transcurre al dictado de la melodía interpretada a  partir de una partitura digital. El software ofrece un control con más de quinientos parámetros visuales diferentes, así como algoritmos para la creación de cientos de tonalidades diferentes complementando la paleta de colores como herramienta de trabajo.
  

Cod.Act - Cycloed-E, cuando el sonido y el movimiento se convierten en poesía mecánica


La instalación Cycloed-E se crea pequeñas piezas compuestas a partir de los mecanismos que producen movimientos ondulatorios que generan ondas acusticas emitidas por los tubos equipados con una selección de fuentes de sonido y una diversidad de instrumentos musicales.


Un péndulo compuesto por segmentos articulados horizontalmente. Los segmentos del péndulo se convierten en tubos metálicos equipados con fuentes de sonido y con instrumentos de medición capaces de hacerlos resonar de acuerdo a sus rotaciones. 

Una sucesión de movimientos inesperados se suceden de forma constante. El equilibrio en los intercambios de energía entre los segmentos es casi perfecta; las trayectorias son sorprendentemente naturales. Produciendo una fascinante e hipnótica danza.

Cycloed-E en este contexto delimita el espacio de las órbitas de sonido y crea una pieza cinética cuya obra polifónica, se inspira en Cosmic ballet a la que el físico Johannes Kepler se refiere en su libro Harmony Mundi (La música de las esferas) de 1619. Tratado que ofrece una larga disertación mayormente sobre astrología, a traves de la que formula su tercera ley del movimiento planetario.

Portada de la primera edición de Harmony Mundi

Kepler propone además una especie de teoría musical divina en relación con las leyes que descubrió, y que manifiestan la influencia de sus creencias religiosas y la filosofía de Pitágoras y Platón (la música de las esferas), según la cual cada planeta produce un tono de sonido durante su movimiento alrededor del Sol y que la frecuencia del tono varía con la velocidad angular de los planetas medidas con respecto al Sol.


Cycloïd-e delinea el espacio de las órbitas sonoras y crea una obra cinética y polifónica única, a semejanza del Ballet Cósmico al que se refiere el físico Johannes Kepler en su Música de esferas en 1619.


Cod.Act a menudo se inspiran en fenómenos científicos. Sus ideas surgen principalmente de la observación de estos mecánicos. Tratando de captar sus mecanismos para presentarlos al público como eventos espontáneos. Sus performances e instalaciones siempre asocian el sonido y el movimiento llegando a una fusión perfecta entre ellos.



Creada en 2.010 por el colectivo suizo Cod.Act, la instalación Cycloed-E recibió una Distinction Award en el Ars Electronica 2010, el Gran Premio en el Media Arts Festival 2010 y el premio a la mejor instalación audiovisual por parte de CYNEART 2010. El objetivo era crear un sistema musical en el que participara por una parte la máquina y su importancia relativa, y en el otro lado la naturaleza de sus movimientos. 



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