Nomada Q : arte

arte

Mostrando entradas con la etiqueta arte. Mostrar todas las entradas

Hace poco mas de tres meses tuve la oportunidad de mostraros el proyecto llmado Little Amal, proyecto creado y gestionado por Handspring Puppet Company, y cuya finalidad es concienciar sobre el drama que viven a diario y desde hace ya diez años los millones de refugiados producidos por el conflicto Siryo.

¿Por que lo recuerdo?, simplemente porque guarda muchas similitudes (salvo algun detalle, como el lugar geografico, ambito de acción, y la causa a la que obedece.) Aunque son bastantes mas los paralismos entre la muñeca que representa a una niña refugiada y la escultura que adoptando una posición meditabunda.

Ha estado instalada a miles de kilometros de esta, descansando sobre la cubierta del Instituto de Arte de San Francisco, mirando fijamente hacia la bahia, buscando con la mirada (mientras reflexiona) la fortaleza que situada en la isla de Alcatrazz albergo las instalacciones de la Prisión Federal (siendo mundialmente conocida).

Por considerarse practicamente inexpugnable habiendo sido clausurada hace decadas. Uno de estos paralismos esta relacionado con aspectos de justicia social, ya que al igual Little Amal, la escultura de titulada Leonard Peltier esta detonada por una serie de hechos que se inician con un episodio ocurrido entre 1969 y 1971.

Apoyada la cabeza en el mentón Leonard contempla la Bahia de San Francisco

Por el que un grupo de activistas pertenecientes a la organización pro-derechos civiles de las naciones indias Indians Of All Tribes ocupo el patio central de una penitenciaria que carecia de custodia, hechos que nos remite a la razon de ser de esta obra. Que segun su autor el artista Portugues Rigo23.

Realizada por el artista Rigo23, la estatua titulada Leonard Peltier es un homenaje a la figura de uno de los principales activistas en la defensa de los derechos de los indios-nativos-americano y su compromiso con la libertad.

Le inspiro para involucrarse en la realización de una figura que encarna al principal lider del movimiento nativo-americano. El mismo que es representado en posición de loto, y cuya gesto segun su autor esta inspirado en la famosa obra firmada por escultor Rodin.

Y que titulada El pensador forma parte de nuestro imaginario colectivo. Un preso politico que finalmente tras una agitada vida de compromiso politico fue encarcelado en 1977, acusado (segun el propio reo de forma falsa) de ser el autor "confeso" del homicidio de dos agentes del FBI.

La estatua de Rigo 23 dio a conocer el caso del líder indio americano

Asunto espinoso sobre el que todavia a dia de hoy no se han aportado pruebas contundentes. Que permitan esclarecer con certeza y sin ningun genero de dudas los hechos por los que lleva mas de 40 años preso en una celda que guarda las mismas dimensiones de la plataforma sobre la que se asienta la reproducción de su figura.

Habiendose convertido su situación en una causa que a lo largo de todo este tiempo ha sido denunciada por organizaciones como Amnistia Internacional, (cuyos activistas han pedido en diferentes ocasiones que se revise el caso). Caso que transcendio mediaticamente gracias a la implicación de estadistas como el mismisimo Nelson Mandela.

RELACIONADO: Vision in Motion, celebra la caida del Muro de Berlin a traves de la libertad de expresión

Y cuyo punto culminante sucedio en las diferentes paradas que esta estatua cargada de humanidad y solidaridad ha tenido a lo largo de estos tres años, en sitios como el campamento de Standing Rock en Dakota del Sur, la American University en Washington mas concretamente en la Katzen Arts Center, donde fue retirada momentaneamente por una orden emitida por la agencia federal de inteligencia, que finalmente fue revocada. Y cuya única finalidad es evitar el olvido sobre la situacion de una persona que simboliza la lucha de una comunidad y su identidad.

Quizas el otro gran acontecimiento que ha copado buena parte de la atención a lo largo de 2020 y paralelamente a la carrera por las elecciones presidenciales en los Estados Unidos.

Ha sido sin duda la reactivación de la lucha por los derechos civiles por parte del conjunto de la diversidad de minorias que conforman y conviven a lo largo y ancho del pais. Reinvidicaciónes que afloraron a raiz de la muerte de miembro perteneciente a la comunidad Afroamericana, que respondiendo al nombre de Goerge Floyd.

Murio como consecuencia de una serie de traumatismos producidos en el transcurso de una detención policial cuya actuación fue excesiva, un suceso luctuoso que produjo que practicamente se incendiara el pais convocandose multiples, marchas, concentraciones y manifestaciones que tuvieron su maxima expresión social.

En aquellas grandes cuidades donde se concentro el grueso del malestar ciudadano, dandose uno los principales focos en la ciudad de New York, mas concretamente en Manhattan. Cuyas calles se transformaron de un dia para otro, parapetando todo tipo de locales comerciales, los cuales adoptaron diferentes medidas preventivas.

Una de las avenidas de NY cubierta con paneles de madera

Cuyo objetivo era proteger la integridad de sus negocios, principalmente la de sus escaparates y cristaleras, optando por cubrirlas con secciones formadas por grandes paneles de madera que apuntalados a los marcos de los ventanales, evitaron en buena medida los destrozos, saqueos y actos vandalicos.

Que se habian observado en otros muchos lugares. Paneles cuyo precio ostilaba entre los cincuenta y noventa dolares, una cuantiosa inversión que en el momento de dar finalizadas las jornadas de protestas se retirando de las fachadas de los comercios, pasando a convertirse inmediatamente en residuos de los que deshacerse.

El proyecto Plywood Protecion Project combina aspectos sociales y artisticos añadiendo usos de materiales relacionados con el reciclaje, con el objetivo de exorcitar a traves de dinamicas participativas y creativas todo lo negativo que ha sucedido en el ultimo año.

Deshecho compuesto por miles de toneladas de paneles de madera que se apilaban en las aceras y que nadie sabia muy que hacer con ellos, hasta que es estudio de diseño social Wortheless Studios con sede en la gran manzana decidio reutilizarlos como medio de expresión artistica, una iniciativa que conguja la participación, la solidaridad y la optimización de recursos.

En un contexto donde el significado del objeto a reciclar se modifica a traves de la practica artistica, la idea puesta en marcha a finales del año pasado por el artista Neil Hamamoto bajo el nombre Plywood Protecion Project. Una convocatoria en la cual puede participar cualquier tipo de entidad, colectivo o ciudadano con inquietudes creativas.

El retrato de George Floyd como homenaje y memoria

Que desee expresarse a traves de la utilización de alguno de los muchos paneles que la organización de este proyecto cede de forma altruista, y cuyas obras de las que se ha realizado una seleccion se expondran en diferentes puntos de los distritos de la ciudad a lo largo de los meses de Primavera y Verano.

Las obras exhibidas abarcan una amplia gama de formatos y criterios, y dadas las caracteristicas de los materiales empleados en la realización de cada obra. Se ha optado por exponerlas predominantemente en el espacio publico como un acto de fraternidad en el que todos los ciudadanos tengan la oportunidad de contemplarlas.

RELACIONADO: Vision in Motion, celebra la caida del Muro de Berlin a traves de la libertad de expresión

Por lo tanto a la hora de distribuirlas en diferentes puntos de la ciudad se han aplicado diferentes parametros en función de sus caracteristicas, aunque la mayoria de las aportaciones se podrían considerar que estan enmarcadas dentro de lo que podriamos contextualizar como el arte ubano menos ortodoxo. Los organizadores han desarrollado un programa cuyas pautas estaban enfocadas.

A facilitar que los participantes en la muestra pudieran realizar obras en una diversidad de estilos como por ejemplo esculturas o instalacciones un poco mas sofisticadas, labor para las que en ocasiones se precisan añadir elementos logisticos con los que se facilite la realizacion de todas y cada una de las piezas instaladas en una diversidad de espacios expositivos, tanto en exterior como interior. Lo que exige contar con las pautas de trabajo adecuadas si se desea que la obra sea valorada de la forma más óptima por parte del espectador.

Una de los cambios que mas me han llamado la atencion como efecto del periodo de confinamiento producto del decreto de alarma sanitaria debido a la pandemia del Sars Covid-2, fue la transformacion paisajistica que se pudo observar en muchos lugares y rincones, fenómeno de parasitacion vegetal que sobretodo en las grandes ciudades.

Se trataba de la aparición de incipientes restos de vegetación que en muchos casos (la mayoria) asomaban a través de los alcorques de arboles, pequeñas hendiduras, recovecos o grietas en paredes o tabiques, pero que en otros muchos casos se podrian considerar que la marabunta y la voracidad de las plantas invadian cualquier tipo de superficie independientemente del material con el que estuviera fabricada.

Exhibiendo una capacidad de adaptación asombrosa en principio a un medio totalmente ajeno y adverso, a un entorno muy hostil respecto a las propiedades oeganicas de la diversidad de especies que han aflorado en nuestras ciudades en un intervalo de tiempo relativamente breve.

Si se analiza fríamente se podria pensar que estamos asistiendo a un acto de rebelión por parte del mundo vegetal, que reinvidica por derecho lo que considera legítimamente suyo, un conato de sediccion cuya prolongación en el tiempo será en todo caso efimera.

En total asistieron 2000 plantas como publicó representado a la totalidad de las especies de la ciudad

O una alegoría bíblica antesala de lo que nos espera como no nos concieciemos de la importancia de contrarrestar los efectos del cambio climático, pero en el fondo creo que representa un epitome, o si se quiere una reacción concruente vinculada a las mínimas condiciones de habitabilidad que precisa casi cualquier variante perteneciente al reino de vegetal para crecer e incluso transformar las características del paisaje urbano que le rodea.

Hasta el extremo de que lo que atentaba amenazando su supervivencia, lo convierten en su aliado de tal manera que les acaba favoreciendo, un proceso que en bucle lo completan una y mil veces dejando que la naturaleza fluya, una cadencia cuya armonia al final restablece el equilibrio natural.

La gala organizada en el Teatro Liceo de Barcelona con la asistencia como público de plantas que aborraton su aforo, simboliza la solidaridad del mundo del arte con la comunidad del ámbito de la sanidad publica y su dedicación a los demás.

Liberando la tensión, el nudo que les amenaza en forma de polucion, reconciliandolas con su entorno natural. Como lo que sucedió en junio del año pasado en el teatro el Liceo de Barcelona cuando el cuarteto UceLi Quartet, consiguió arrancar una ovación metaforica de las 2292 plantas.

De los diversos tipos de plantas que escuchaban atentamente y con rigurosa discreción, las notas embriagadoras de una bella y concisa pieza del compositor italiano especializado en la composición de libretos para ópera Giacomo Puccini. Que escribió en enero de 1890 esta breve (algo inusual en su trayectoria) pieza para cuarteto de cuerda en homenaje póstumo.

Tras finalizar el concierto las plantas fueron distribuidas entre los facultativos de un hospital local

Al segundo hijo del rey Víctor Manuel II, Amadeo de Saboya, duque de Aosta y rey de España. Titulada Crisantemi en referencia al tipo de plantas que suelen emplearse tradicionalmente cuando se produce una defuncion para honrar al fallecido.

RELACIONADO: El ilustrador Rafael Gonzales Jr. juega a la loteria con el Covid-19

Finalizada tan singular interpretación el público (no menos singular) a pesar de que no pudo ponerse en pie para aplaudir (por razones obvias) fervorosamente al cuarteto que tan virtuosamente había inundado con tan bella melodia cada rincon de este templo de la música que es el Liceo.

La iniciativa para la organización de esta velada partio del artista conceptual Eugenio Ampudia, una idea con la que ha querido reconocer el compromiso de la práctica artística con la labor desarrollada por el personal sanitario, por lo que tras finalizar la interpretación se entrego una planta a cada uno de los empleados del Hospital Cinic de la ciudad de Barcelona.

Aunque ha sido en el transcurso de la ultima decada cuando la Maison Ruinart, una bodega especializada en la elaboración de espumosos situada en las proximidades de la ciundad de Reims en el Noreste de Francia, ha dado cierta continuidad a su programa de becas para artistas invitando tanto a Liu Bolin 2018 como al diseñador Vik Muniz en 2019.

Ya en 1895 tras mas de cincuenta años desde que un monje Benedectino llamado Dom Ruinart plantara las primeras cepas de uva, se le encargo al artista checo Alphonse Mucha que se inspirara en los campos alfombrados por hileras casi infinitas, formadas a su vez por cientos de viñas rigurosamente alineadas, modelo que ha variado muy poco en todo este tiempo.

Para ilustrar un cartel alusivo a la actividad de una de las explotaciónes vinicolas mas antiguas del mundo, colaboración a la que han seguido multitud de participaciones en certamenes y muestras, lo que les ha permitido mantener un vinculo con el mundo del arte que se refleja en la gestión de sus marcas e imagen corporativa.

Una de las obras perteneciente a la serie Unconventional bubbles

Logotipos y tipografias que ha utilizado el artista visual britanico David Shrigley para eleaborar una seleccion de mas treinta obras en una mezcla de estilos y formatos que van desde dibujos, pasando por neones, ceramicas y hasta una vieja puerta que encontro en uno de sus vespertinos paseos por entre los viñedos de la finca.

Piezas que englobadas bajo el titulo de Unconventional bubbles y a traves de las que como en otras ocasiones desde que comenzara su trayectoria en 1995, le ha servido para explorar la conexión entre la palabra y el objeto, en una busqueda del significado y sus diferentes interpretaciones en función del contexto y el periodo de su uso.

La serie Unconventional bubbles del artista visual David Shirgley nos adentra en el mundo del cultivo de la vid, a traves de dibujos y piezas artesanales donde la palabra se convierte describiendo la acción del objeto a la que alude.

En el caso de la bodega Ruinart lo que le atraia era la influencia del paisaje y su relación con el termino y su sintesis, asi como las formas ancestrales de cultivar la tierra y producir champagne y de como paralelamente ha evolucionado la aplicación de diferentes criterios linguisticos en función de cada epoca, realizando de esta forma un recorrido por la historia del viñedo.

Desde que hace trecientos años comenzaran con herramientas hechas a mano de las que hoy no se utilizan habiendo sido sustituidas por sofisticados metodos de producción, donde un modelo industrializado ha relegado el tratamiento artesanal del vino ha tareas como la cata de diferentes muestras, pues aunque todavia hay algunas fanegas que se recogen manualmente.

Una de las muchas aportaciones ironicas del artista

Lo habitual ya es que buena parte del proceso este mecanizado, siendo esta disonancia temporal una de las razones por las David decidio trasladarse a un medio tan ajeno, pues el vive desde hace mucho tiempo en la ciudad de Brighton aunque nacio y paso sus primeros veintisiete años en la ciudad escocesa de Glasgow.

Donde ya cultivaba varias disciplinas artisticas lo que le ha convertido en uno de los creativos visuales mas polifacticos de su generación, otro de los rasgos que definen su proyecto es la incorporación de elementos ironicos a sus discursos, sentido del humor que se observa sobre todo en los enunciados que acompañan muchos de sus dibujos.

RELACIONADO: REVERSIBLE, las vallas que se le ponen al campo convertidas en artea

Retratos muchos de ellos de apariencia muy pueril que ya por su trazo parecen caricaturas realizadas por niños, pero que en el fondo revelan a modo de psicoanalisis matices de nuestra personalidad mas instintiva y visceral, artificio que en las obras que componen Unconventional bubbles han pasado a un segundo plano optando por el empleo del color a traves del que el autor representa los colores de su entorno. En concreto el de una especie de cavidades laberinticas llamadas "crayeres" y que desde antiguo se han utilizado para almacenar las barricas que contenian el caldo ya fermentado, grutas que con el paso del tiempo muchos casos han cambiado de actividad convirtiendose en restaurantes.

En los ultimos años de una larga trayectoria que cubre casi seis decadas la artista polaca Magdalena Abakanivicz, evoluciono hacia un terreno creativo definido por la monumentalidad de unas obras que definitivamente se expresaban a traves de la escultura.

Medio cuyas tecnicas que Magdalena Abakanivicz conocia perfectamente ya que habia cultivado en diferentes etapas a lo largo de su dilatada etapa, pero que este epilogo habia conseguido refinar lo que le permitio perfilar y definir un estilo propio.

Que se nutria de aquellos ingredientes basicos tanto en terminos materiales (donde predominaba el bronce, la madera o el acero inoxidable) como conceptuales, mostrando la artista nacida en 1930 en la localidad polaca de Falenty un compromiso ineludible con lo que habian sido sus principios basados en la democracia y en la diversidad.

El Agora conjunto historico que se puede visitar en la ciudad de Chicago

Y cuyo origen se pueden situar en los años 50´s y 60´s del Siglo pasado en los que para poder subsistir economicamente en un pais como Polonia, que en aquellos momentos debido a que se encontraba bajo la influencia por momentos inquisitorial de la Union Sovietica, tuvo que renunciar en numerosas ocasiones a expresarse en los terminos que ella deseaba.

Una auto-censura que le produjo una profunda crisis existencial tanto a nivel social como artisticos se reflejo en buena parte de su obra, amputación de la identidad que ya se reflejaba en sus famosos tapices, seleccion de trabajos con los que logro obtener un reconocimiento internacional en la muestra VII Bienal de Sao Paulo.

En la obra escultorica de la artista polaca Magdalena Abakanivicz, podemos ver reflejadas muchas de las preocupaciones e inquietudes que como individuos nos asaltan en la actualidad y de forma cotidiana.

Titulados Abakans se trataba de unos tapices tridimensionales biomórficos que se caracterizaban por su composición abstracta y su atmosfera totemica, obras donde se diluia esta identidad de forma dramatica producto de una deriva totalitarista, convirtiendose desde entonces en su principal eje narrativo.

Donde se pueden ver cuerpos fragmentados, sombras desconcertadas que apenas consiguen orientarse en un bruma densa de confusión tropezando una y otra vez o cayendo como el mito de Sisifo colina abajo con su pesada carga, aquella con la que pretende alcanzar la libertad.

Fragmento de uno de sus celebres tapices trimendionales

Figuras segmentadas que como ya he dicho en las ultimas obras recupera, pero con un matiz de forma, la artista de forma elocuente sustituye el dramatismo de la libertad abortada por un regimen dictatorial, por la indiferencia nihilista de un individuo que ha renunciado a ese espacio de libertades y de debate.

Descontrucción de una sociedad inmersa en una epoca vertiginosa cuya lectura precisa describe Magdalena Abakanivicz en el conjunto escultorico titulado Agora, obra que bien podria representar el oximoron de una vida dedicada al arte.

RELACIONADO: 17000, activismo artistico y objeto como reflejo del drama de la inmigración

Ya que en todas y cada una de las figuras forjadas en hierro y que con mas de dos metros cincuenta estan instaladas en un parque de la ciudad de Chicago desde 2006, bajo el titulo de Agora y de las que apenas podemos distinguir sus rasgos, invitandonos a reflexionar respecto un futuro donde tendremos que abordar numerosos retos para los que estamos sobradamente preparados, obteniendo como recompensa cuando alcancemos finalmente la cima y completemos nuestros objetivos cierto grado de libertad.

Utilizando como mensaje de bienvenida la archiconocida cita de Albert Einstein "Imagination is more important than knowledge" el letrero tallado en madera sintetiza todo aquello que representa el viejo poblado de Nimbin siendo prácticamente el ultimo resto que queda, de los edificios que conformaban quizás la ultima comunidad Hippie que quedaba en tierras Australianas.

Siendo devastada hasta sus cimientos por un aparatoso incendio acaecido en Agosto de 2014 y que redujo a cenizas en una sola jornada décadas de experiencias y de actividad artística. Una perdida irreparable pues tras escindir los últimos resquicios del fuego, los miembros de la comuna decidieron que el proyecto tocaba a su fin.

Debido a que los escasos recursos económicos con los que contaban eran insuficientes si se deseaba reconstruir el poblado tal y como lo conocían devolviendo su esplendor y patina original, por lo que se decidió reunir el máximo de piezas posibles y con este legado crear un fondo cuya colección.

Tuviera el suficiente valor y atractivo como para que se pudieran exponer en un museo donde se mostrar el legado a los cientos de personas que habían estado vinculados de una u otra forma, a un proyecto caracterizado por su humanidad y dinamismo creativo.

Las calles de Nimbim vuelven a ser un hervidero de vida y actividad social

Para comenzando prácticamente de cero recuperar la floreciente actividad económica de Mimble, equilibrio que tras mas de seis años de intenso trabajo ademas de mucha voluntad y fe en sus posibilidades. Han conseguido devolver a sus calles y plazas, en las cuales el visitante podrá contagiarse con la hospitalidad desbordante de sus habitantes.

Gracias a un plan urbanístico integral bautizado con el nombre de Nimbin's Sustainable Living Hub por el estudio de arquitectura Floate, y que a grandes rasgos obedecía al entramado curvo de las calles que había sido adoptado por los fundadores de Mimble. Que habían realizado el trazado de las calles en función de un calendario Solar.

Con casi cincuenta años de existencia Minbim es la ultima comunidad Hippie de Australia, a punto de desaparecer como consecuencia de un aparatoso incendio sucedido en 2014, siete años despue ha consguido renacer de sus cenizas.

Ademas de diferentes actuaciones relacionadas con la implementation de un sistema energético basado en la utilización de energías renovables y de tres puntos claves: Uno el Learning Spaces (espacio de aprendizaje), donde se ubicarían los equipamientos de recepción, exhibicion, reunion…..

Dos el Production Spaces (espacios de producción). Zona destinada a albergar las áreas commerciales y de ocio y por último el Landscape Spaces (espacios paisajisticos). Serie de actuaciones a través de las que se restaurarian las zonas verdes y las instalaciones deportivas de la ciudad, de las que hasta el momento de incendio gozaban en gran numero despareciendo la mayoria.

Ilustraciones de uno de los nuevos parques con los que cuenta la ciudad

Y que ha servido para devolver la identidad a esta singular comunidad que se encuentra situada al Oeste del pais, pasando la ciudad de Brisbane y que se encuentra rodeada de numerosos espacios protegidos como el Nightcap National Park o el mas extenso y situado mas al Norte el Border Rangers National Park.

La localidad de Nimbin se distribuye a partir de una arteria central conocida como Cullen St. Siendo donde el visitante podrá encontrar la mayoría de las tiendas y puestos de artesanía desde los cuales los miembros de la comunidad venden todo tipo de género, desde bisutería, una amplia gama de textil, todo tipo de artesanía aparte de ofrecer comidas y todo tipo de refrigerios.

RELACIONADO: Campi Flegrei, un respiro entre volcanes en el Sur de Italia

Aunque la principal atracción de Mimble y por la que la comunidad recibe decenas de miles de visitantes cada año es por que la ciudad acogió la cuarta y ultima edición de Festival Aquarius celebrada en 1973, pretendiendo ser una replica del celebre festival de Woodstock en Estados Unidos.

Otro de los polos de atracción de la ciudad esta en el descubrimiento reciente de algunas de las mejores olas que se pueden surfear en el Pacifico Sur, habiendose convertido en un lugar de reunión. Donde cada Verano se pueden ver a los mejores surfistas en Byron Bye, un lugar paradisiaco situado a poco mas de veinte kilómetros de Minbin.

Aunque la principal razon por la que la comunidad se ha hecho mundialmente conocida es por que es el único lugar en todo Australia donde el cultivo y el consumo de marihuana y sus derivados es completamente legal, teniendo su máxima expresión durante los actos de celebración del Nimbin Mardi Grass, evento de carácter anual que se celebra a primeros de Mayo.