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Marl Thomas - Tree Canopy Walk


Con una altura media sobre el nivel del suelo que oscila entre los diez y quince metros, ofrece al visitante la oportunidad de caminar a ras de las copas de miles de arboles centenarios. Que conforman una de las reservas naturales mejor conservadas de Sudafrica.

Situada a excasos kilómetros de la ciudad de Cape Town, los responsables del parque natural The Kirstenbosch National Botanical Garden con motivo de la celebración del primer siglo de funcionamiento. Encargaron al arquitecto local Mark Thomas el diseño de una atracción que supusieran para sus usuarios una experiencia que les permitiera comprender los valores conservacionistas de la reserva y reflejara su espíritu e identidad.

El resultado es Tree Canopy Walk una pasarela cuyo recorrido sinuoso serpentea abriéndose camino entre la masa forestal, se integra en el paisaje ofreciendo una nueva perspectiva desde la que valorar los diferentes habitats que lo componen. Apoyada sobre diez columnas de acero galvanizado los pocos mas de 130 metros de largo construidos integramente en madera extraídas de las plantaciones autóctonas, completan un trazado que visualmente permite abarcar la totalidad de las instalaciones.

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Abierta al publico desde el año 2.013, la estructura levita sobre los senderos y afluentes del parque,  como una solución especifica  que se adapta al paisaje actúando de forma armónica con el entorno



Happy City Birds, es un proyecto de conservación de fauna urbana


El ultimo proyecto del artista y diseñador urbano Dambo tiene como escenario los alrededores la ciudad de Copenhague, donde ha ejecutado varios proyectos. Se trata de una intervención de largo recorrido que se inicia en el Invierno de 2012.

En esta ocasión el objeto de la intervención fue la fachada lateral de una vivienda, donde Dambo adoso un árbol realizado en madera, de cuyas ramas colgaban decenas de nidos donde la siguiente primavera podrían procrear cientos de parejas pertenecientes a las diferentes especies que pueblan la zona. 

Bautizado con el nombre de Happy City Birds, las casas de anidación fabricadas con productos de deshecho, forman parte de un conjunto de actuaciónes a través de las que mostrar a los miembros de las diferentes comunidades que residen en la zona. La increíble variedad que forman las numerosas colonias que se han adaptado a las condiciones de nuestras ciudades, y que habitualmente pasan desapercibidas a nuestra atención.

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Cuando culmine el proyecto se habrá creado una red de 3.000 nidos, que situados en diferentes zonas verdes de la ciudad. Supondrán un equipamiento divulgativo excelente, desde el que observar las diferentes fases de crecimiento y el comportamiento de las aves que aniden.



Gilles Clement un pionero que concebido el paisajismo como una práctica inclusiva


La verdad es que tras un arduo trabajo y una encomiable labor de investigación, tratando de crear una narrativa que a partir de un conjunto de técnicas que se definen tanto por su valor estético como artistico

El paisajista francés Gilles Clement despues de una trayectoria que abarcar más de cinco decadas, ha conseguido sentar cátedra logrando reunir a través de innumerables proyectos de paisajismo y ajardinamiento. Crear un legado de incalculable valor que es obligada consulta.

Si uno desea convertirse en un profesional dentro del difuso y por momentos ambiguo del ámbito del paisajismo y ajardinamiento. Un sector que en los últimos años ha experimentado un crecimiento que corre paralelo al interés que se ha suscitado alrededor.

De lo que se conoce como "el urbanismo verde", movimiento que ha supuesto que cada vez más administraciones y colectivos sociales. Contemplen como prioritario la incorporación en el espacio publico de áreas de esparcimiento y oxigenación urbana. 


Movimiento del que Gilles ha sido un pionero y uno de sus más comprometidos valedores. Compromiso que transmite a través de la descomunal cantidad documentación que a lo largo de su dilatada trayectoria ha podido reunir.

Un trabajo que en muchas ocasiones ha podido resultar cuando menos y hasta cierto punto frustrante. Pero que desde un enfoque consultivo reúne un fondo. Del que no me he podido resistir redactar  este escueto post.

En el que voy ha tratar de recomendaros algún que otro título como el reciente La sabiduría del jardinero o el más "enciclopedico", no tanto por el volumen que presenta (apenas 130 paginas), sino por ser un compendio de su investigación Una breve historia del Jardin. Dos títulos de obligada lectura si quieres adquirir las nociones mínimas sobre cómo planificar un espacio en términos paisajisticos.


Los libros sobre jardines no hablan de los animales en libertad, salvo para explicar cómo luchar contra ellos. De los habitantes naturales no se dice nada. Los libros los omiten obstinadamente y no mencionan los topos de Babilonia, las libélulas de Versalles, las culebras de la Alhambra. Y a pesar de ello, deben todavía encontrar morada en esos lugares. 


Que ofrece un relato repleto de reflexión muy personales y elocuentes acerca de las razones y fundamentos, por los que considera que es relavante mostrar, las motivaciones de la importancia de transmitir la idea de contemplar nuestro entorno natural como un espacio creativo, pero a la vez inclusivo en términos de fauna y flora. 

Por su carga simbólica y vernácula que representan diferentes arquetipos culturales y sociales representados de forma artística a través de los arboles y su potencial expresivo. Se trata una referencia ineludible  si uno se quiere aproximar al credo del paisajista francés Gilles Clemente. Especializado en investigar los diferentes usos que se les ha dado a los jardines, a lo largo de la historia. 

Tema que ha tratádo desde diferentes ángulos en relación con su origen, el propósito con que era concebidos. O desde un enfoque sociológico analizandolos en función de su contexto cultural e histórico. Y que si tienes oportunidad de visitar su site, tendrás oportunidad de acceder a la abundante con la que cuenta. 

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Según muchos autores, sería difícil separar la formación de los primeros jardines y la aparición de las primeras creencias y ritos que se ofrecen a los dioses y la naturaleza. Cuando el hombre logro asentarse y desarrollar la agricultura, comenzó a transformar su entorno, el paisaje y creó los primeros jardines.



Konstantin Dimopoulos y sus árboles azules, un paseo a otra dimensión


De carácter itinerante y efímera la instalación performance The Blue Tree refleja los estados ambiguos entre lo artificial y natural. Un dilema que definen a las sociedades contemporáneas.

Realizada por primera vez en el transcurso de una exposición al aire libre celebrada en Melbourne, Australia en 2005. Su autor el artista de origen griego nacido en Egipto y residente desde niño en Australia Konstantin Dimopoulos, pinta en su totalidad de esmalte azul las ramas y los troncos hasta las bases de los arboles, esterilizando su figura.

En una de las ultima ocasiones que se realizo la intervención fue con motivo de la celebración de la Bienal de Arte en 2.011 que tuvo por escenario la ciudad canadiense de Vancouver. Konstantin eligió una hilera de arboles situada en uno de los muchos paseos que definen, causando autentica hilaridad entre sus habitantes.

Los arboles se muestran como dispositivos autónomos con capacidad para modificar su identidad, en función de las propiedades del lugar. Vestidos de azul mate parecen elementos extraídos de un relato infantil sugiriendo al espectador una interpretación surrealista del paisaje con el que habitualente se relaciona.

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  El color azul con el que son pintados los arboles, contrasta con las tonalidades que ofrecen los colores naturales que manifiestan los árboles del alrededor. Dependiendo de su época estacional y su floración.



Ellie Davies - Between The Trees, tesoros de vída entre paisajes de niebla


Inmersos como estamos en pleno Otoño las fotografías de Ellie Davies evocan nostalgia y distancia. Realizadas en los bosques que circundan los alrededores de Londres.

También transmiten cierta atmósfera de misterio que no deja de ser hasta cierto perturbador y tetrico. Transmientiendo cierto aire amenazante, a través de retratos taciturnos y levemente desenfocados. 

En los que los arboles despoblados de hojas y sitiados en la mayoría de las ocasiones por una espesa niebl. Se muestran como figuras tan anodinas como tétricas, dando la sensación de que en cualquier instante pueden cobrar vida y cobrar su deuda.


En el fondo y en sintesis las fotografías de Ellie son como breves relatos narrativos, que inducen una diversidad de emociones, como la incertidumbre acerca de lo que nos podrá llegar a acontecer más allá de la escasa vision. Que nos ofrece un escenario húmedo y poblado por una variedad de sonidos que apenas podemos identificar.


Realizadas en 2.014 las instantáneas que forman parte de las series Between The Trees ponen el acento en subrayar y
representar paisajes donde lo onírico se fusiona con un aire de nostalgia propia del Otoño

Elli madruga y muy temprano, durante la madrugada a primeras horas de la mañana, cuando los primeros rayos del Sol, apenas comienzan a despuntar dibujando la tenue frontera de un horizonte que clarea pixelando y marcando la hora exacta y nuestro rumbo.

Se sitúa de forma casi de forma furtiva tratando de no perturbar a ninguna de las criaturas y seres que habitan en cada recoveco del bosque que los todavía débiles rayos del sol, reflejen. De esta forma consigue registrar una paleta de los colores característicos del otoño, tonos ocres y tenues que transforman un presidido por la reciente finalizada canícula en uno lisergico. En el cual las hojas caídas sobre el terreno indican que se ha completado un ciclo eterno.


Bronwyn Berman, arte de raíz en las antipodas


En las intervenciones del artista Australiano Bronwyn Berman se utilizan elementos pertenecientes a la biodiversidad autóctona. A través de la que trata de fijar vinculos sentimentales entre su entorno y los paisajes que lo componen. Y como influyen en las costumbres que se generan.

De esta forma utiliza la flora nativa como discurso arquetipo. Recogiendo vainas de semillas de origen local como por ejemplo la de la Banksia o acacia comun. 

Con los que crea encapsulaciones como en la instalación titulada Geopod, mediante la que el artista representa la fecundidad de la madre tierra y su rendimiento creativo. Ámbito en por el que ha mostrado sus inquietudes artisticas desde que comenzó su carrera. 

En su prolífica obra también se observan referencias a elementos que condicionan la actividad sobre el territorio. Como puede ser el curso de un rió, o factores climáticos locales como el viento y su incidencia sobre la vegetación del lugar y su diversidad.



El espacio de cada muestra representa una transición entre las encarnaciones materiales sucesivas y su origen orgánico. Actuando de interfaz entre el ser humano y el mundo natural. Así como las prácticas artesanales tradicionales y su capacidad para crear un sentido de comunidad.

Nacida en 1961, Berman creció en la periferia de los bosques de Sídney y estudió de 1995 a 2000 en la Universidad de Nueva Gales del Sur College of Fine Arts. En 2000, Berman se mudó a las Tierras Altas del Sur, donde pasó ocho años diseñando y construyendo.


En las obras de Bronwyn Berman se combina la expresión propia del Land Art y las practicas tradicionales. Con el que el autor describe su entorno mas proximo y cotidiano.


Berman en su estudio trabaja en una amplia variedad de estilos que comprenden escultura, instalaciónes, proyecto de paisajismo y diseño de joyas. La artista comprometida con el arte social afirma que las formas en que el expresión artistica puede ayudarnos a enamorarnos de la tierra de nuevo y mejorarnos como individuos son únicas ofreciendonos múltiples alternativas y oportunidades.

Vildan Turalic - geschacht (chequered), contempla el paisaje como un tablero de ajedrez


Pañuelos blancos reproducen un escenario que modifica un tradicional paisaje otoñal. Compuesto por una densa población de arboles, de los que se han desprendido sus hojas, cumpliendo con un ciclo vital que se repite cada temporada.

Un tapiz donde se alternan cuadrados artificiales y orgánicos en una matriz híbrida que representa la tensión y la fusión de dos entes antagónicos. Pero de cuya relación se benefician ambas partes en un proceso híbrido y simbiotico.

Y que es representado en forma de un tablero de ajedrez donde las geometrías se anidan en el paisaje. Reflejando la tensión entre su origen ancestral y un mundo cada vez más artificial dominado por los elementos tecnologicos. 

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Realizada por la artista serbio Vildan Turalic emigrado a Austria en 1.992. En geschacht (chequered) utiliza diferentes técnicas para actuando sobre el territorio transformarlo en una versión de matrix.

En el cual el paisaje se comporta como una entidad que se adapta a un entorno dominado por la incorporación de expresiones más elaboradas . Consiguiendo un efecto visual de profundidad ampliando el paisaje. 



La obra de Tuaralic se basan en una estética minimalista que deriva de ver lo poético en lo cotidiano. Esta óptica la traslada en términos creativos empleando una diversidad de motivos repetidos tales como líneas serpenteantes, espirales, círculos y agujeros.


Nacida en la ex-Yugoslavia, en la ciudad de Gradiška en Bosnia y Herzegovina. Tuvo la oportunidad de emigrar a Austria en la primavera de 1992. Donde estudio en la escuela técnica superior de gráfico y diseño. Formación que alternaba con su trabajo en Linz.






AMDL - Expo 2015 Icon


Este es el año de Milan, la celebración de la Exposición Internacional en la capital Lombarda. Esta suponiendo que la ciudad proyecto su mejor cara a través de la organización de miles de actividades.

Realizada por el estudio de arquitectura AMDL, como preámbulo y presentación de la muestra. Icon es una instalación que combina materiales de reciclaje y funcionalidades energéticas que actúan como un elemento dinámico del mobiliario publico.

La torre se levanta sobre troncos de madera finalizada en una plataforma circular, cuyo diámetro lo comparten una instalación fotovoltaica y un anillo exterior vegetal. Compuesto por pequeños arbustos en un conjunto paisajístico escultural, donde las energías renovables y valores ecológicos ofrecen una solución integral.

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 Icon es una propuesta que actúa de forma dinámica sobre el espacio publico, proporcionando energía limpia y renovando la calidad del oxigeno


Kaija Kiuru, delicadas formas orgánicas en un paisaje cuantico

Nacida en Laponia en un lugar privilegiado no solamente por su patrimonio vegetal y sus extraordinarios paisajes. Sino por que debido a sus coordenadas geograficas proximas al Polo Norte

Se produce unos de los fenómenos naturales en el mundo en términos visuales al que podemos asistir. Como es el de la Aurora Boreal, espectáculo astrofísico que congrega a miles de visitantes cada año. 

La artista Kaija Kiuro paso la mayor parte de su infancia paseando y jugando entre los miles de arbolos, muchos de ellos centenarios. Que forman las extensas poblaciones de los frondosos bosques situados en las proximidades de su casa. 


Relación que ha volcado a lo largo de su trayectoria, reflejandose en sus delicadas esculturas. Donde la materia principal la conforman residuo forestal, hojarasca e incluso hongos que posteriormente trata. 

Creando piezas cuya estética transmite cierta fragilidad en el observador. Obras livianas donde se conserva la estética e identidad orgánica, suponiendo el valor estético de cada obra. 


La artista visual Kaija Kiuru, ha estudiado escultura en el Instituto de Bellas Artes en Lahti entre 1987 y 1991 e historia del arte así como educación medio-ambiental. La relación con la naturaleza en su infancia y juventud y su formación, constituyeron el sustrato de su expresión y compromiso creativo con la naturaleza.


Sus obras son por lo general explora la idea de la interacción humana y del medio ambiente. Una relación marcada por la volatilidad y la agresión ecológica y que funciona de interfaz cultural entre la naturaleza y quien la ejecuta.

Creando tensiones que se nutren mutuamente a partir de accidentes provocados por la presencia humana y la reacción que provoca en su entorno. Casi siempre desfavorable y toxica para el entorno natural que invade y parasita.




Stanley Donwood - Tree Bath

Lo primero que me llamo la atención de este mural realizado recientemente en la localidad británica de Bath, es su profundidad con lo que su autor el artista Stanley Donwood consigue un efecto de espesura en la reproducción de lo que es un sendero flanqueado por arboles de los muchos que existen en los alrededores.
  
Aprovechando como soporte expresivo una valla publicidad Stanley que al poco de finalizar esta intervención, fue detenido por las autoridades locales. Transforma en paisaje urbano el mobiliario que siendo publico se encuentra en desuso, convirtiéndolo en una ventana desde don el transeúnte poder asomarse viendo un fragmento de naturaleza.

Conocido por ser colaborador en el diseño de algunas de las portadas de los discos del grupo de pop británico Radiohead. Dan Rickwood su nombre real es además es conocido por su faceta de escritor y artista, ha sido atraído como otros muchos por la capacidad expresiva que pose el espacio publico y su potencial para comunicar con el gran publico.


Olga Ziemska - Stillness in Motion, la mujer árbol y su totem como mensaje medio-ambiental


Stillness in Motion (Quietud en movimiento), es una escultura de apariencia totemica realizada con material orgánico y por lo tanto hasta cierto grado efímera y perecedera. Firmada por la artista con sede en Cleveland en el estado americano de Ohio Olga Ziemska


Para su elaboración empleo ramas de sauce que tras ser seleccionadas sirvieron para dar forma y crear los contornos de figuras de complexión  humana más o menos complejas, que encarnan a las criaturas y los espíritus del bosque y su mitologia. 


Sus obras exploran conceptualmente y se nutren de referencias más o menos complejas que se inspirán de ámbitos como la escultura, la filosofía y la ciencia y su interés en las bases místicas de la existencia. Olga trata de hacer visibles los conceptos o propiedades que son imperceptibles a simple vista.


Tales como las células que constituyen de cualquier organismo vivo o las particulas a escala atómica que forman de los campos magnéticos. Elementos con los que establece asociaciones visuales entre lo visible y lo invisible o microscópico.


Asociaciones que ella traslada de forma poética en términos artistico poniendo de relieve la interrelación simbiotica que existe entre todas las cosas. Stillness in Motion se instaló en 2003 en el Centro de Escultura de en Oronsko en Polonia. 



Segun palabras de Olga la actividad creativa nos permite percibir e interpretar la realidad con la que nos relacionamos desde una posición subjetiva. Además de cuestionar y analizar una diversidad de conductas desde un enfoque ético que empleamos en un contexto cotidiano.


Provocando que nos comprometamonos con nuestra comunidad. El arte tanto en términos odontologicos como estéticos nos proporciona la experiencia y las herramientas que nos ayudan a entender y ver más lejos en la naturaleza del mundo que nos alberga.


La piezas de Olga Ziemska que se circunscriben entre la escultura y su rendimiento en términos de expresión corporal y tendencias más vanguardistas y comprometidas como las del Land Art, tienen como propósito tender puentes entre nosotros y nuestro entorno natural, provocando una epifanía en nuestra conciencia más allá de la imagen que refleja el espejo de nosotros mismos abriendo la puerta al infinito. 


En este sentido utilizamos la ciencia para explicar nuestro mundo físico, pero el arte puede dar volumen y contexto con lo mas profundo y desconocido de nuestra humanidad. Revelandonos arista de una realidad poliédrica cuyo tejido es etéreo y volatil.    

Por ejemplo responden a una imagen romántica por la que creemos que las estrellas están hechas de  polvo interestelar en vez de campos de fuerza a escala atómica. Una posición que es producto de la idealización que reproduce una y otra vez el pequeño inquisidor que llevamos todos dentro y que se niega a reconocer los efectos de sus acciones y el paso del tiempo.



Bosque Molai, un hombre, un bosque de 500 hectáreas y 30 años de conservación en la India



Todo comenzo hace 30 años, cuando un adolescente que respondia al nombre de Jadav “Molai” Payeng, decidió emprender un proyecto de conservación y recuperación del hábitat.

En una region en la que antaño se había gozado de un ecosistema rico y variado. La razón que le motivo ha acometer esta colosal empresa de reforestación de una superficie, que a día de hoy cuenta con 1.360 hectareas.

Fue un hecho trágico, unas terribles inundaciones asolaron la mayor parte de la región de Assam, situada al norte de la India. Como consecuencia de la erosión del terreno, se produjo una deforestación que acabo con la mayor parte del bosque, lo que propicio que las lluvias de 1.979, mas intensas que de lo que eran habitual. Abnegaran cultivos y parcelas, donde entre otras muchas especies, perecieron miles de serpientes, perdida que impacto al joven Molai. 


Hoy con 47 años Molai, es considerado un héroe por los miembros de la comunidad donde reside, una localidad llamada Jorhat. Situada a unos 350 kilómetros del núcleo más poblado del estado Guwahati

Con su esfuerzo y aplicando los conocimientos heredados de sus antepasados ha conseguido, que los rinocerontes, elefantes, además  de las incontables variedades de serpientes que existen en la zona y gran cantidad de aves repueblen con el paso del tiempo. 

El campo yermo en el que se había convertido el entorno de su aldea. Molai eligió para instalarse y emprender su labor conservación ista un humilde banco de arena situado en un recodo del rio.


Ha llevado una vida de aislamiento trabajando en la reforestación del bosque. Sembrando las semillas a mano, regando las plantas día y noche, cubriendo una proporción de terreno de cultivó estéril en una reserva natural exhuberante de vida. 

Después de unos años, el banco de arena se transformó en un bosque de bambú. Con el transcurso del tiempo en la reserva se ha repoblado con una gran variedad de flora y fauna. Incluyendo a una diversidad de animales en peligro de extinción.


Como el rinoceronte y el tigre de Bengala. Después de doce años, se vieron las primeras parejas de buitres y las aves migratorias volvieron anidar estableciendo colonias reproductoras.


Sorprendentemente, el  departamento forestal del estado de Assam no tuvo conocimiento de la existencia los bosques hasta 2008, cuando una manada de unos 100 elefantes salvajes perdidos en desbandada propiciaron las protestas de un grupo de vecinos de un pueblo cercano.

Que se manifestaban debido a los destrozos ocasionados por los paquidermos desatados y enfurecidos que reivindicaba su territorio. Fue entonces cuando las autoridades tomaron conciencia de la magnitud de la empresa, apoyando a Molai, frente a las pretensiones de los vecinos. 


Que encolerizados, cuyos hogares habían sido destruidos por la manada de elefantes, querían talar el bosque. A pesar de que la mayor parte de su vida la ha dedicado a la siembra y  conservación de la reserva natural, Molai no ha obtenido ningún beneficio económico, invirtiendo lo poco que ganaba en mantener la selva y sus instalaciones. 

Demostrando una comprensión profunda del equilibrio ecológico, creando un ecosistema viable y equilibrado que conserva su armonía natural. Pronto el banco de arena árido se transformó en un entorno habitable repoblándose con especies autóctonas. 

El bosque, conocido como el Bosque Molai, ahora sirve como un refugio seguro para numerosas aves, ciervos, rinocerontes, tigres, elefantes y especies, muchas de ellas en riesgo de extinción por la pérdida de hábitat en otros lugares. Brindándoles la posibilidad de desarrollarse en un en entorno natural y seguro.  

El artista Giuseppe Penone la materia organica como materia vital


En la instalaccion titulada The Hidden Life Within (En la vida escondida dentro), el artista italiano Giuseppe Penone injerta el tronco tronco de un árbol joven, para rellenar con su materia el de un árbol que por su antigüedad tras debilitarse y caer al suelo.

Fue despojado de toda la madera que albergó a  lo largo de su vida. Como producto de esta generosa transfusión de meteria, el viejo arbol tiene la oportunidad de revelar su pasado. A través de las ramas del árbol de menos edad

Operación a través de la que se nos muestra como la identidad se transforma y se desarrolla en su interior. De modo que en el presente y de alguna forma el árbol decrépito tiene la oportunidad, de en un sentido poético tener la facultad de vivir de nuevo.  


Inspirado por la lentitud del crecimiento en el mundo natural, el artista nos invita a parar un momento para detenerse y pensar sobre el concepto del tiempo. Asi cómo de la forma en que hay una fuerza vital que a traves de la que todos los seres vivos están conectados.


Giuseppe Penone nació en 1947 en Garessio en Italia. Completo sus estudios coincidiendo con el nacimiento del movimiento Arte Povera Italia, corriente de la activista paralelo a la de década de los años 60's del siglo pasado. 

Al igual que muchos otros miembros pertenecientes al grupo, Penone utiliza materiales simples de origen natural. Con los que crea una narrativa a través de las que explora las fronteras entre arte y naturaleza. 

A finales de los sesenta Penone creó el primero de sus Trees (Árboles): árboles en crecimiento que son alojados en arboles cuyos anillos superan los suficientes años para convertirse en el anfitrió de un retoño y compartir su memoria. Esta primera serie ha adoptado una diversidad de enfoques, a medida que Penone refinaba sus técnicas y experimentos con diferentes tamaños e instalaciones. 


Los trabajos de Giuseppe Penone transmiten a la vez una mezcla de asombro y admiración. Piezas más o menos formales con las que muestra su compromiso con su entorno natural. 


Realizadas con materiales solidos como la piedra o el hierro, que tras ser tallada y tratado repectivamente. Establecen un diálogo con otros más accesibles como la resina, el cuero y sobre todo la madera. 

En esta instalación en concreto, Penone ha labrado la madera para revelar su pasado, que muestra el árbol que crecía en el interior para que pueda renacer en el presente. En lugar de imponer una forma, el artista en contraste con otras expresiones creativas el espacio actúa de forma secundaria, otorgándole una lectura y un rol diferente.