Inti, arte urbano chileno desde lo local a lo global

Aparte de participar en el encuentro de arte urbano Graffiti Porteño que se celebra de forma periódica en la ciudad chilena de Valparaiso, donde reside el artista urbano Inti Castro INTI


El cual se ha convertido en uno de los representantes mas importantes del street art iberoamericano. Gracias en buena medida a sus enormes murales, en los que se observan entre otras cosas.


Ajgunos de los iconos pertecientes al acervo cultural local, en los que los matices cálidos de los colores. Cuyos tonos se reflejan en su obra realzando estos rasgos propios de la cultura autóctona.  


Initi diplomado en bellas artes cuenta con cerca de catorce años de experiencia en el graffiti. Una dilatada carrera que destaca por estar influenciada por la cultura local con la que crecio.


Construyendo una narrativa compuesta por una iconografía en la que combina un discurso de origen latinoamericana y clásica del graffiti. Desarrollando con estos elementos un trabajo con personalidad local que caracteriza a sus trabajos. 


Aunque la mayor parte de su producción se ubica en su tierra natal, es habitual que anuncie colaboraciones con otros artistas callejeros, habiendo participado en numerosos encuentros de street art en Europa y América de Norte.



Adam Martinakis un pionero del arte digital basado en la IA, inspirado por Paul Klee y Albert Camus


En las composiciones digitales del fotografo Adam Martinakis, habitan cuerpos etéreos que se proyectan en el espacio y elementos oníricos que se nutren de sueños. 

Adam nació en Luban, Polonia aunque desde la edad de 10 años está viviendo en Atenas, Grecia. Una mudanza que supuso un cambio radical en su vida  pues supuso tener que adaptarse a un entorno y habitos prácticamente nuevos.

Pero aún así se acabó matriculado en el instituto de artes decorativas de la capital Helena, donde estudió diseño de interiores. Paralelamente desde que finalizo su formación ha explorado nuevos campos creativos incorporando soluciones digitales en 3D.


Técnicas  que Aplicadas a sus trabajos ha logrado perfilar su identidad y discurso creativo. Enriqueciendola con ambientaciones donde destacan unas atmósferas cargadas de lirismo y en las que el lenguaje corporal que describen a seres que se están buscando constantemente.


Describiendo visualmente una odisea de deseos, pulsiones y desencuentros de siluetas androides que trazan coreografías en la nada. Inspirado por artistas como Paul Klee, el arte griego y el Renacimiento desde el inicio de sus estudios de arquitectura de interiores, este entusiasta de los viajes y la astronomía descubrió las posibilidades expresivas del arte digital.


El se define como un artista post-humanista que ya coquetea con herramientas de inteligencia artificial. Que contempla como una poderosa solución a través de las que observar, analizar y tratar de trasladar en términos visuales la complejidad de los afectos y emociones que albergamos y experimentamos habitualmente en nuestras relaciones sociales.  


JUMP INTO THE FUTURE:

For his latest proposal of this 2023 composition entitled Caustics of Perception, he resorts to one of the many existentialist quotations of the French playwright and essayist Albert Camus. Which translated would be something like "In the middle of winter, I discovered that there was, inside me, an invincible summer". This quote is part of the following paragraph from his book entitled The Summer, published in 1954: 

In the middle of hatred it seemed to me that there was within me an invincible love. In the midst of tears it seemed to me that there was within me an invincible smile. In the midst of chaos there seemed to me to be within me an invincible calm. I realised, in spite of everything, that in the midst of winter there was inside me an invincible summer. And that makes me happy. Because no matter how hard the world pushes against me, inside me there is something better pushing back.

Summer is one of Camus' most fragmented and polydramatic essays. This text appears as a mosaic as "Minotaur or the halt in Oran" are almost contemporaries of the , as is the case with Nuptials or The Right Side and the Wrong Side; others were written in the 1940s, such as "Los almendros" (1940), "Prometheus in the underworld" (1946) or "Helen's exile" (1948); and others belong more or less to the period of the publication of Verano, such as "The Enigma" (1950) and "Return to Tipasa" (1953). This reinforces the impression of a mosaic in which the nature of the texts take the form of travel narratives, 

ALSO IN SPANISH:

Para su ultima propuesta de este 2023 composición titulada Caustics of Perception, recurre a una de las muchas citas existencialistas del dramtururgo y ensayista francés Albert Camus. Que traducida sería algo como "En medio del invierno, descubrí que había, dentro de mí, un verano invencible". Cita que forma parte del siguiente párrafo contenido en su libro titulado El Verano editado en 1954: 

En el medio del odio me pareció que había dentro de mí un amor invencible. El medio de las lágrimas me pareció que había dentro de mí una sonrisa invencible. En medio del caos me pareció que había dentro de mí una calma invencible. Me di cuenta, a pesar de todo, que en medio del invierno había dentro de mí un verano invencible. Y eso me hace feliz. Porque no importa lo duro que el mundo empuje en mi contra, dentro de mí hay algo mejor empujando de vuelta.

El Verano es uno de los ensayos más fragmentados y polidrico de Camus. Este texto aparece como un mosaico como "Minotauro o el alto en Orán" son casi contemporáneos del , como es el caso de Nupcias o El lado derecho y el lado equivocado; otros se escriben en la década de 1940, como "Los almendros" (1940), "Prometeo en el inframundo" (1946) o "El exilio de Helen" (1948); y otros pertenecen más o menos al período de la publicación de Verano, tal es el caso de "El Enigma" (1950) y "Regreso a Tipasa" (1953). This reinforces the impression of a mosaic in which the nature of the texts take the form of travel narratives and others are written from an autobiographical point of view.


Bjarke Ingels Group participa en el diseño de Superkilen


Estamos acostumbrados a que los parques y espacios destinados al esparcimiento en las ciudades, esten protagonizados por los tonos verdes de los arboles y los jardines. Vegetación que contribuye a enriquecer el paisaje urbano y contribuir a la calidad de vida de los ciudadanos que los disfrutan. 

Pero no necesariamente tiene que ser así, Superbiken es un equipamiento publico ganado a un área industrial en Cophenhague. Una franja de terreno que se extiende en diferentes tonalidades configurando un parque donde los arboles y demás especies vegetales brillan por su ausencia


Se trata de una intervención urbanistica situada en el noroeste de la ciudad recientemente terminada, de un parque urbanizado con diferentes tonalidades de rojo. Para reflejar las muchas culturas que forman parte de la comunidad que conviven en la ciudad, el parque está cuenta con elementos de mobiliario publico, árboles de hoja perenne, bancos, mobiliario infantil, equipamientos deportivos. que hacen referencia a las 57 nacionalidades representadas en la ciudad. 



Diseñado por los estudios Superflex, BIG (Bjarke Ingels Group) TOPOTEK1, el parque urbano ocupa una área alargada dividida en una zona verde y un área de color negro, además de la zona roja. Cada sección facilita las diferentes actividades. Las fronteras en la Plaza Roja las delimita un polideportivo y centro cultural. Este "mercado urbano" es un espacio social relajado donde los niños pueden jugar en la línea de visión de alguno de sus progenitores recostado en uno de los bancos que salpican la plaza.


El mobiliario urbano juega un papel clave en este proyecto. El tramo de la tercera y última sección (de la que aún no se ha comenzado la construcción,) es un parque muy largo verde que sube y baja en un paisaje de pliegues sutiles. 

Concebido como un parque urbano, se puede usar como un merendero, lugar para tomar el sol y la realización de deportes urbanos. Las diferentes superficies y colores de la zona se integran de manera que se conviertan en un telón de fondo para una variedad de actividades destinadas a los ciudadanos. Este telón de fondo es neutral en el momento de distintivo y discreto, integrando en el entramado urbano. 



Agostino Lacurci - Cuento Graffiti

El patio de una cárcel, el recreo de un colegio, el recinto de una plaza. En los murales del artista italiano tan Agostino Lacurci tan importante es el tema sobre el que desarrolla la obra, como el concepto espacial donde las ubica. Esta relación entre el espacio y su consecución tiene que ver con el movimiento de lo que sucede en cada uno de los fragmentos que compone un todo narrativo compuesto por viñetas en las que cuenta una historia. Donde el trazo plano con los que están dibujados los personajes y elementos que los protagonizan, a través de la aplicación de una escala cromática de colores lisos no muy extensa, rojo, negro, verde, naranja, casi siempre las mismas tonalidades,  criterios con los que consigue un estilo reconocible y único, con el que se ha creado un nombre.

Nacido en Foggia, en 1986, vive y trabaja en Roma, donde estudió Ilustración y Taller de Animación en B5, de la Academia de la Ilustración y Grabado en la Academia de Bellas Artes, de Roma. Su obra es variada, desde la ilustración hasta los murales, desde el grabado a la escenografía. Como ilustrador colabora con los editores locales e internacionales, agencias de publicidad, compañías, revistas y estudios de animación. Desde 2008, ha hecho enormes murales en espacios públicos, con los que ha conseguido participar en múltiples encuentros y certámenes. 

Mark Reigelman: Manifest destiny!, habitats a escala para una ciudad masificada


Con sede en Brooklyn el artista Mark Reigelman, en colaboración con el arquitecto Jenny Chapman y el ingeniero Paul Endres, han concebido "Manifiest destiny!". 

Una instalación que busca zonas en el territorio arquitectónico. Reclamando para el establecimiento de un frente en los huecos restantes de una ciudad San Francisco, California donde se ha realizado.

La pequeña cabaña está fijada a un lado del Hotel des Arts, flotando por encima del  Central  restaurant  como una consecuencia anómala del paisaje urbano contemporáneo. El uso de un estilo arquitectónico del siglo 19 y los materiales de época de construcción, la estructura es a la vez un homenaje al espíritu romántico del mito occidental y un comentario sobre la arrogancia de la expansión hacia el oeste. 

El espacio interior de la casa pequeña puede ser visto de día y de noche a través de la cortina ventanas, una luz solitaria en el paisaje denso de la ciudad, y una visión incongruente, inquietante desde abajo. La instalación permanecerá en su lugar y se transforma lentamente por los elementos a través de octubre de 2012.

Reigelman es una referencia emergente en la nueva escena de arte arte público.   Práctica aspectos creativos comunes del entorno construido y ofrece interpretaciones alternativas de la historia y la identidad locales. Su trabajo es impulsado por temas y siempre hay una fuerte correlación entre la inspiración y la producción formal. 

Cada proyecto es un sitio específico que favorece el proceso de investigación, exploración y el descubrimiento sobre la promoción de agendas personales artísticas. Esto conduce a un conjunto variado de trabajo en equilibrio entre la abstracción y la representación literal, pero siempre guiado por una base conceptual clara. 


Fotografía de: Cesar Rubio

Danny Quirk - Self- Dissections, una mirada al interior del cuerpo humano como nunca antes se había visto

Mirando los primeros trabajos que forman parte de la Self- Dissections. Un proyecto anatómico-artístico con el que según su autor el artista Danny Quirk


Aspira a convertirse en ilustrador medico, o eso es al menos lo que deduce de las laminas tan delicadas como frágiles, a la vez dramáticas. Ya no sólo por la fuerza expresiva de como interpreta las diferentes partes de un cuerpo humano.


Sino por la expresividad que consigue a través del que articula un lenguaje corporal, en el cual lo más intimo e inaccesible de nosotros mismos. Aflora, en este caso de forma fluida y natural. 

Trabajos que recuerdan a los antiguos modelos de plástico que había en los colegios. Esqueletos en los que se mostraban diferentes órganos de la anatomía humana y que en rara ocasión se utilizaban.


Porque causaban aprensión en aquel que por primera vez tenía la oportunidad de contemplarlos. Sin embargo en las ilustraciones de Danny, los torsos parcialmente descubiertos nos muestran las "supuestas" vísceras de lo voluntarios. 


Que de forma altruista adoptan una posición posando durante jornadas como musas para su autor. Las sensaciones que transmiten son de naturalidad pese a lo violento que en principio puede resultar, sus gestos son serenos pese a la tensión de la situación. 




LuminAID Solar Light


La idea de la luz solar LuminAID se originó en un estudio de diseño en la escuela de arquitectura de la Universidad de ColumbiaEl estudio se centró en el desarrollo de una solución autónoma que proporcionara luz, en casos de desastre, siendo el precedente el terremoto acaecido ende Haití. La luz solar LuminAID se infla cono la luz solar, produciéndose una  calidad de luz similar a una linterna. Su duración ronda las 5 horas de luz y se puede cargar completamente en 6 horas. 

La lámpara en sí es muy simple, La bolsa se infla conforme se carga un sensor indica cuando el volumen esta completo,  la difusión de la luz intensa del interior LED. Una vez cargado por la luz solar, la puede durar con una emisión de 35 lúmenes de luz (alto) durante cuatro horas y 20 lúmenes  seis horas. La batería esta garantizada por 800 ciclos útiles, lo que le confiere una larga durabilidad.

La bolsa puede ser plegada y transportada de manera que un pequeño paquete, de hasta 50 unidades ocupan el mismo espacio que alrededor de ocho linternas. La bolsa inflable distribuye la luz del LED y reduce el deslumbramiento. Debido a que es resistente al agua, puede ser utilizado en condiciones meteorológicas adversas. Patrocinado por Indiegogo, una web de patrocinio de ideas y proyectos en la que ya se han recaudado casi 40.000 dólares (de los 15.000 necesarios). ¿El precio de LuminAID? 25 dólares que servirán para enviar una a tu casa (gastos de envío de 15 dólares adicionales para pedidos internacionales.

Cuppetelli and Mendoza - Nervous Structure, creando una identidad desde tu interior

Realizadas entre 2.010 y 2.011 las vídeo instalaciones interactivas que forman Nervous Structure (estructura nerviosa). Giran en torno a la idea de la interfaz construyendo narrativas visuales que establecen el punto de contacto entre dos entidades diferentes a través de la imagen. 


Creadas por los artistas Cuppetelli and Mendoza. Las obras constan de varias interfaces que convierten al espectador en un creador en el contexto de una interfaz humano/computadora, entre lo real y lo virtual (la estructura física y su relación con la estructura proyectada).


La intervención de carácter inmersiva se desarrolla entre el primer plano y el fondo (interfiriendo con la proyección de su sombra). Las piezas con las que se interactúa están fabricadas con una estructura blanda hecha de elástico o spandex y un proyector que ilumina con gráficos generados por ordenador. 

Los espectadores interactuan con la pieza al moverse en el campo de visión de una cámara que está conectada al ordenador; este movimiento es transformado por el software en estímulos nerviosos.


Sus instalaciones combinan la artesanía tradicional y los materiales comunes con proyecciones de vídeo interactivos y procesos computacionales de diseño. 


Annica Cuppetelli (EE.UU.) y  Cristóbal Mendoza (Venezuela) son dos artistas centrados en la creación de sitios específicos. Instalaciones multimedia que abordan cuestiones de espacio, la interacción y la materialidad. 


Sus performances se centran en el análisis de las cualidades formales de un sitio determinado. Cuppetelli obtuvo su MFA de la Cranbrook Academy of Art en 2008, y Mendoza en la Rhode Island School of Design en 2007. 



Daniel Brunet & Douste Nicolás - Bad Toys II


Bad Toy II, tiene titulo de secuela, que enseguida aocias con producciones no muy lejanas de acción, donde como en este corto de animación firmado Daniel Brunet y Douste Nicolás, (El primero estreno en 2.011 la comedia francesa Lose Actually) las persecuciones de coches es un ingrediente en la trama. En estos casos el guión es lo de menos, no te cuentan una historia con moraleja, pero si resulta interesante por el enfoque que le han dado sus creadores. Combinando elementos del comic, animación e imagenes reales han conseguido realizar una excelente animación en  stop motion, y post-producción interpretada por una suerte de juguetes que en su huida se enfrentaran a múltiples obstáculos. 

Studio Aisslinger - FineCube

El FinCube es una  vivienda modular, sostenible y multifuncional que ofrece alojamiento de carácter paramente aunque este construida aplicando métodos y materiales prefabricados. 

El edificio encaja en el paisaje rural y alpino, sin perder el diseño moderno y contemporáneo. Diseñada por el estudio con sede en Berlín Aisslinger, esta casa modular de diseño atractivo se ha construido casi 4.000 metros sobre el nivel del mar. Situado cerca de Bolzano en el norte de Italia, que cuenta con unas magníficas vistas de las montañas Dolomitas.


El aspecto modular de Fincube le permite ser emplazada en una variedad de paisajes como bosques, prados y laderas de montañas. La combinación de larga duración  del diseño y la opción de cambiar su ubicación hace de ella un  opción flexible adaptandose a multitud de situaciones. La casa está hecha de madera local suponiendo un coste mínimo. Un triple acristalamiento de 360 ​​grados permite una orientación total, dándole al edificio un aspecto muy elegante,  proporcionando unas vistas únicas a sus residentes.

El edificio dispone de casi 50 metros cuadrados de espacio habitable con una huella mínima de CO2. Las principales prioridades en la planificación y realización del interior son principalmente la sencillez y la funcionalidad. El espacio de 3 m de altura y está organizado en una estructura helicoidal: la zona de entrada se mezcla con una cocina abierta con un espacio generoso, a la vuelta se entra en el dormitorio y más abajo se encuentra el cuarto de baño espacioso.

Emilio Ballesteros "Destellos"


Qué difícil es ver
a humanos caminando satisfechos;
casi tanto como es
alcanzar con palabras el silencio.


Tocó con sus palabras
los hilos de otros mundos.
El tiempo y el olvido
ya lo han dejado mudo.


Palabras como gotas
de lluvia en la laguna
que se juntan por miles
y no encuentras ninguna.


Cuando el silencio toma
de repente el asiento
es como si callaran
los motores del tiempo.


Stefano Bonazzi - Smoke, cuerpos inspirados por el humo


El lenguaje corporal ofrece un componente visual y estético que se caracteriza por su plasticidad y belleza, aparte de poseer una capacidad de comunicación innata. Puede ser un inspirador creativo. 

La serie de fotografías titulad Smoke firmadas por artista digital  Stefano Bonazzi, están realizadas bajo este prisma en el que el lenguaje corporal, inspira todas y cada una de las formas que las volutas de humo expresan de forma arbitraria.

Las cuales por otra parte podrían formar parte de una campaña para la concienciación de los efectos del tabaco sobre la salud. Estos retratos etéreos, llenos de humo, utilizando una combinación de la fotografía digital, edición fotografica y dibujo al carboncillo. 


Nos muestran cuerpos disolviéndose mientras interactúan con un medio hostil que les envuelve en una cortina de humo. La imagen engañosa de una falsa realidad cargada de "colores" artificiales, que su autor prefiere observar como una sucesión de imágenes caprichosas productos del azar. 



Seth Wulsin - 16 Tons, caras desaparecidas


En la arquitectura aparte de su diseño, de la estética que presenta y de la función para la que es destinada,  es concebida para ser habitadas por personas, representado esa humanidad una parte importante de la identidad del edificio y en muchos casos su historia. La cárcel de Caseros en Buenos Aires, fue un edificio que como su propio nombre, durante la dictadura Argentina, sus instalaciones albergaron a los presos políticos encarcelados por el régimen del general Videla. Sus siniestros muros son testigos de algunas de las paginas mas sórdida de aquella época.
Para evitar que fuera demolida por las autoridades en 2.010, el artista Seth Wulsin utilizo los orificios circulares que componen las vidrieras en los extremos de las fachadas, para "dibujar" cuarenta ocho retratos pixelados que simbolizan la barbarie y la sin razón de la dictadura. Los rostros que aparecían y desaparecían en función de la posición del sol y su incidencia sobre las vridriera, fueron realizados primer sobre una plantilla, que después fue ejecutada eliminando parcialmente de las teselas circulares, logrando un efecto sobrecogedor con el que se homenajeaba a los miles de personas presas que pasaron con diferente suerte por sus instalaciones.