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La visión de Formic es realmente sugerente visualmente, nos relata la historia en clave de fabula. En el que aficionado al skate y una diminuta hormiga son los protagonistas.

Tendrán diferentes encuentros en el que de forma involuntaria el trazado del skate perjudicara a la hormiga. Rodada y dirigida por Roman Kaelin Y Florian Wittmann, trabajan con las escalas parando la imagen con lo que logran un efecto espectacular.

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En Formic se inspira en la moraleja que dice, que el tamaño de un Skate no tiene nada que hacer frente al ingenio de una hormiga

formic from Crave on Vimeo.

Simon Kirschas es un artista digital que explora las posibilidades del movimiento en modelos corporales. Para eso desarrolla soluciones en las que combina aplicaciones de software y accesorios tecnologicos que en principio son ajenos a sus proyectos.

En la instalación multimedia titulada Anatomie Spiegel utiliza sensores de los que viene integrados en la consola de v2 Kinect. Simon Kirsch utiliza un interfaz que conecta a una pantalla reproduciend la musculatura del usuario, de los que captura sus movimientos a través de sensores de movimiento.

Obteniendo un conjunto de datos con los que el artista construye una narrativa en la que se generan diferentes patrones en lo que la expresión corporal se traduce en coreografías ineditas, en las que se combina la magia y la lírica en secuencias en las que el movimiento refleja la plasticidad del cuerpo.

Anatomie Spiegel se comporta como un espejo virtual que refleja las vísceras y órganos del cuerpo humano, representandolos en diferentes situaciones. Pudiéndose emplear los datos obtenidos en diferentes áreas como la salud, el deporte, el urbanismo o la moda.

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Modelados con aplicaciones como 3dsMax. Anatomie Spiegel ofrece una experiencia inmersiva a través de la que mapea el interior de la anatomía del cuerpo humano y sus movimientos.

Es esta conexión entre la actividad creativa y otros ámbitos productivos los que explora Simon a través de buena parte de sus propuestas, en las que la esencia de lo orgánico se combina con lo artificial de la máquina y su rendimiento expresivo. Siendo el reflejo de una sociedad que se encuentra en plena transición de lo analogico lo digital.

Descritos como un collar arquitectónico los dos arboles cibernéticos que forman parte de la instalación titulada Belvedere Trees. Representan una figura simétrica que refulge a la luz tenue de la luna.

Creada en 2.012 por el estudio Loop.pH en colaboración con el estudio de ingeniería Belvedere Vodka (Red) además de los ingenieros estructurales pertenecientes de Ramboll. La intervención es fruto de la aplicación de soluciones parametricas que al compás de la música, reproducía diferentes patrones de color.

Instalada en el centro de Manhattan, las dos esculturas lumínicas servían para conmemorar el día del VIH El árbol más de 6 metros de altura, con cientos de arcos compuestos de fibra y miles de LED se proyecta adoptando diferentes posiciones sobre un fondo estrellado.

Los arboles representados en Belvedere Trees simbolizan destacando en un paisaje urbano dominado por una sucesión anodina de edificios y calles, cuyos trazados y fachadas iluminan con la luz que desde sus frágiles ramas se proyectan abarcando el conjunto del espacio en el que operan.

Loop.pH es un estudio con sede en Londres aunque ellos prefieren apliclarse la definicion de laboratorio y experimentos que partiendo del diseño mas creativo, conciben el espacio publico y los elementos que lo conforman como un lugar de alto rendimiento. Tanto desde una optica expresiva como dinamica y comunicativa.

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Cuantas veces hemos adquirido un libro por que los motivos con los que esta diseñada la portada nos resulta más sugerente o atractivos, que la sinopsis o reseña que haya podido redactar nuestro crítico de novedades literarias de referencia.

O en cuantas otras ocasiones el detonante y motivación que nos ha empujado ha adquirir un determinado ha sido, la ilustración o el montaje fotografíco firmado por un artista de renombre que ha participado en la edición especial de algun clásico de la literatura universal.

Y es que aparte de la recomendación que puedes recibir de forma ocasional por alguna amistad cercana, o por haber tenido la oportunidad de leer la reseña en un medio especializado. Y que tras haber leído los primeros capítulos.

Llegamos a la conclusión de que su argumento, no solo no satisface nuestras expectativas como lectores, sino que su lectura nos aburre soberanamente lamentando el tiempo y el dinero invertido en su compra.

Lo que es evidente y notorio es que en la era digital y a las puertas de eso que se conoce ya como inteligencia artificial. El componente visual y creativo a la hora de editar un libro cada tiene mayor peso a la hora de llegar al consumidor.

The cover judges you, es un proyecto editorial, cuyo prototipo ofrece al cliente un formato de libro inteligente. Capaz de orientarle en sus gestos literarios, a partir del análisis de sus rasgos faciales

Influenciado o inspirado por este contexto de modificación en la percepción y preferencias del lector en términos estéticos. El Club de Directores de Arte de los Países Bajos. Ha desarrollado un proyecto por el que personaliza la portada de tu libro favorito con los rasgos de tu rostro.

Convirtiendote de alguna forma en protagonista de la historia cuyo relatos descubrirás, cuando empieces a hojear los primeros capítulos de ese libro que tanto te estusiasma. Reforzando a un más el vínculo que te une con los sucesos y experiencias que se narran en ese libro.

Que integrando un simple controlador arduino como solución tecnológica inmersiva en el libro. Es capaz de asociar por las propiedades de los rasgos del cliente, si este resulta ser o no un potencial lector destinado a la lectura de la historia que esta redactada en el libro.

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Como seres sociales estamos asistiendo a una revolución, que debido al usos de las nuevas tecnologías y las plataformas digitales. Están modificando nuestros patrones de conducta.

Este fenómeno que se observa en cualquier franja de edad y condición social, se hace mas patente durante la infancia y la adolescencia, siendo los colectivos donde con mas fuerza han irrumpido el uso de las nuevas tecnologías. Hecho que condiciona y establece nuevos estándares de comportamiento entre sus miembros.

El artista urbano iHeart i con sede en la ciudad canadiense de Vancouver, ni corto ni perezoso se lanzo a las calles. Retratando en sus paredes diferentes modismos y de relaciones sociales, en los que la presencia de las utilidades tecnologicas influye en su percepción de su identidad subjetiva.

Afin en terminos estéticos a la narrativa entre militante, comprometida e irónica de artistas urbanos como Banksy. En el caso de las intervenciones de iHearti añade pequeños textos alusivos a lo que trata de reflejar en su propuesta, frases con las que proporciona contexto a la composición realizada.

Los stencil realizados por iHeart i se nutren de las observaciones que registra, de como la tecnología nos influye en nuestra relaciones sociales. Ya sea a nivel individual o colectivo.

Heart, también conocido como I♥, es un artista callejero canadiense que utiliza el grafiti como medio para expresar sus opiniones sobre cuestiones sociales. Su arte consiste principalmente en estarcir las paredes con un símbolo distintivo en forma de corazón. En sus obras se invitan a la reflexión, iHeart ahonda en el impacto de la cultura de las redes sociales. Narrando la historia de una generación obsesionada con las redes sociales. Sus composiciones muestran a niños interactuando con Facebook, Twitter y mobiles, lidiando con hashtags, notificaciones de Instagram y problemas de autocorrección. Es una poderosa reflexión sobre cómo nuestras vidas digitales moldean a nuestra juventud y a la sociedad en general.

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Muchos estamos estudiando todavía el lugar donde pasaremos las vacaciones de este Verano recién comenzado. Otros muchos ya habréis cumplido vuestro con vuestro periodo de vacaciones, y quizás tengáis ya en mente el próximo viaje que vais a realizar.

De los que algunos habéis tenido la gentileza de hacernos llegar vuestras fotos, muchas gracias desde NQ. Para los rezagados como el que suscribe os vamos a sugerir un destino exótico, no solamente por las características únicas de un país como Vietnam.

Sino por las propiedades singulares de la arquitectura del establecimiento hotelero que desde aqui os descubrimos y os recomendamos para que si así lo estimais, hagáis la reserva y os hospedais. Pero tener en cuenta que tenéis que hacer la reserva con la suficiente antelacion.

Pues sus responsables lo suelen tener todo completo, la mayor parte del año. Sobre todo si se trata de temporada alte. La particularidad de este establecimiento hotelero, reside en que el espacio de sus habitaciones.

Es el resultado de haber horadado parcialmente el interior de la corteza de un árbol de un grosor más que notable. Las habitaciones del hotel Crazy House es una muestra surrealista y singular de arquitectura orgánica.

Aunque tampoco su aspecto implica que su presencia no sea imponente, dominando sobre el paisaje de la localidad de Dalat. Sus formas irregulares convierten la instancia en el Crazy House en una experiencia lúdica y diferente.

Donde el cliente tendrá la oportunidad de relacionarse con un entorno natural, sin salir de la habitación del hotel. Y el que se caracteriza por presentar una relación de especies, tanto pertenecientes a la fauna como a la flora. Que en muchos casos son endémicas constituyendo un ecosistema singular.

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Crazy House es un hotel que desafía los sentidos de quienes se hospedan en sus habitaciones o cabañas. Donde la arquitectura y la naturaleza se fusionan en un viaje original y llenos de aventuras y encuentros tan inesperados como sorprendentes.

Existen fenómeno atmosférico que por su imprevisibilidad y evolución, nos inquietan. A la vez que visualmente nos resultan enormemente atractivos, formando parte de nuestro imaginario de nuestro imaginario colectivo.

Registradas durante las temporadas de lluvias de 2.013 y 2.014 las fotografías realizadas por el fotógrafo Mike Hollingshead, que utiliza para sus gifs animados. Nos muestran diferentes masas nubosas en evolución. Sobre paisajes estáticos Mike suporpone diferentes cúmulos de nubes en movimiento, logrando un efecto dramático de una acción que se desarrolla en dos tiempos sobre el mismo plano.

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Especialista en fotografiar tornados, en sus últimos trabajo les ha dotado de acción, convirtiéndolos en GIF animados. Logrando un efecto realista que acentúa el carácter de la tormenta

Creada para la primera edición del festival de iluminación y arte Wiener Kunst-Licht-Spaziergang que se celebra en la ciudad austriaca de Viena de forma anual. Convirtiendo su espacio publico en un museo al aire libre por unos dias.

La instalación titulada Outline adosada a la cornisa del edificio Kommunalkredit, el cual está emplazado en una de las principales avenidas de la ciudad. Y que desde que finalizo su última reforma es la sede que alberga a una de las instituciones financieras más importantes del pais.

Actua de torniquete con la que se trata de evitar la fuga de la luz. Creada por la artista visual Brigitte Kowanz. La instalación está compuesta por una estructura formada por tubos fluorescentes, que actuan sobre el espacio de forma elegante y sutil.

Donde lo accesorio se transforma en rendimiento corporal ampliando el volumen de la fachada. Creando una narrativa multimodal en la se pone a prueba las capacidades sensoriales del espectador que abandona su tradicional rol de receptor pasivo ante la obra, para pasar a tomar un papel activo.

Kowanz, es una artista vienés que se ha ganado cierto prestigio en los circuitos y ferias de arte contemporáneo internacional. Conocida por sus intervenciones artísticas en las que contempla la estructura arquitectónica como un elemento creativo, a través del que crea instalaciones inmersivas que obedecen a parámetros conceptuales.

Kommunalkredit es una instalación cibernetica realizada a partir de diodos LED, suspendidos sobre el vacio. Donde el color es sustituido por una representacion en forma de luz.

Por los que se explora los límites de la tecnología y el uso que hacemos de ella. Actuaciones en las que emplea una diversidad de elementos tecnológicos como luces fluorescentes, monitores de sonido, accesorios de iluminación... Que incorpora a propuestas realizadas a gran escala. Obras donde la luz realiza las funciones de catalizador que transporta información codificada utilizando el lenguaje de los fotones.

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Cuantas veces caminando por el sendero de un bosque o sentados en lo alto de un promontorio, contemplando un paisaje. Tenemos la oportunidad de asistir a verdaderos espectáculos creados por la naturaleza, que nos conmueve y nos sugiere multitud de otras emociones.

En el caso del artista Nils Udo cuya obra navega entre el Land Art más ortodoxo y académico y la exploración del paisaje sobre el que actua, aplicando un enfoque en el que la lírica como rendimiento visual y la épica como estética seducen al espectador estimulando sus sentidos.

Se trata de obras que se inspiración en lo esencial que a nivel orgánico el ojo humano apenas puede percibir. Piezas que Nils redimensiona aumentando su escala para utilizarlas como materia prima con la que elabora "sofisticadas" arquitecturas naturales.

Su campo de acción se encuentra en la región germana de Baviera, en el que es experimenta nuevas formas de vida realizando intervenciones sobre el territorio de forma efímera. Nils utiliza elementos orgánicos propios del lugar donde trabaja modificandolos.

Elementos tan prosaicos como la hojarasca, las piedras, los restos de flores o las ramas que representan sobre el espacio figuras o objetos. Que al contrario que la obra de otros artistas similares, se comportan como sutiles accidentes que no alteran la identidad de forma sustancial ni las características intrinsicas del lugar.

Las obras de Nils Udo reproducen patrones uniformando señalizando el lugar sobre el que actúa, donde la materia se fusiona con la geometría actuando sobre el paisaje existente creando una versión verosímil del conjunto del entorno desde una óptica siempre sugerente y creativa.

En este sentido el blanco de la nieve conserva su color inmaculado convirtiéndose en material constructivo. Cambiando su significado hasta que las condiciones climatológicas propias de la estación en curso restablecen el orden de las cosas volviéndose a manifestar el paisaje original.

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Arquitecto, artista ocasional, practicante de skate, profesor universitario y recientemente nombrado editor jefe de una de las mas prestigiosas publicaciones, dedicadas al mundo de la arquitectura. Sinan Logie es un pionero del diseño con una visión propia que ha sabido mantener su identidad de forma flexible y comprensible.

Se trata de un trotamundos que desde que inicio su carrera en la ciudad turca de Ankara en 1.979, ha practicado el skate de cuya experiencia ha sacado experiencias. Que posteriormente aplicado a sus diseños como arquitecto, acuñando una nueva denominación conocida como Anarchitect.

Cuyas muestras mas representativas tal vez sean Gecekondoos, proyecto que se nutria del uso de contenedores como material de construción. Para desarrollar un arquitectura de emergencia, y que posteriormente fue utilizada como modelo urbanístico, utilizado por la administración turca para implementarlo como diseño estándar.

Y en otro sentido la pista de skate de Ursulines Square, prototipo de equipamiento deportivo urbano. Cuya construcción en el centro de Bruselas, fue fruto de la colaboración de diferentes entidades creativas. Siendo una instalación polivalente cuyos materiales y diseño, permite la organización de diferentes tipos de eventos.

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No es sólo un deporte, sino una manera de vivir el espacio, el skate de experimentar la ciudad y la relación con la arquitectura

Square des Ursulines / Ursulinenplein from Bruxelles Env. - Leefmilieu Brus on Vimeo.

Coincidiendo con el cambio de año el artista urbano Bordalo II, ha comenzado ha realizar una serie de interveciones. En las que se observa un proceso rupturista con su etapa anterior.

Que se caracterizaba por la realización de murales de carácter contumbristas, donde se retrataban en forma de caricatura estereotipas del lugar donde reside y con el que se relaciona. Y que Bordalo ha sustituido por intervenciones en tres dimensiónes.

Donde el mobiliario se convierte en la materia con la que se expresa. Convirtiendo en hilo narrativo unas veces con un resultado ingenioso otras mas elaborado y concruente, de una critica de la sociedad y sus automatismos.

Y de la actualidad de un día a día que se materializa y se diluye de forma vertiginosa ante nuestros ojos, sin dejarnos margen para reflexión. Con la producción y el consumo excesivos de cosas, que resultan en la producción continua de "basura" y, en consecuencia, en la destrucción del Planeta, son los temas centrales de su producción. Esta "basura" se asume como la materia prima insólita y única que Bordalo utiliza en la construcción de piezas de pequeña y gran escala que ha extendido por todo el mundo y que, sobre todo, pretende ser el vehículo de un manifiesto universal.

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Los últimos trabajos de Bordalo II, reflejan la realidad de forma incisiva creando espacios para el debate, donde el arte urbano se alterna con la critica que pone el acento en lo social

Artur Bordalo (Lisboa, 1987) utiliza el nombre del artista Bordalo II, que eligió como homenaje a su abuelo, el pintor Real Bordalo, con el fin de promover una continuidad y reinvención de su legado artístico.

Su juventud tuvo lugar entre las horas que pasó en el estudio de su abuelo Real Bordalo, quien tenía una pasión incesante por las acuarelas y los óleos y retrató paisajes y escenas típicas de la ciudad, y las aventuras alrededor del graffiti ilegal en el inframundo de la ciudad de Lisboa.

Asistió al curso de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Lisboa durante ocho años, sin haberlo completado nunca, pero dice que estos años le permitieron descubrir la escultura, la cerámica, y experimentar con una variedad de materiales que le han distanciado de la pintura, que lo había llevado allí en primer lugar.