Friedrich van Schoor y Tarek Mawad - Bioluminescent forestal, el fenomeno de bioluminiscencia como nunca se habia filmado


Inspirados por el fenómeno de la bioluminiscencia, fenomeno singular de la naturaleza. Por el que determinadas especies animales y vegetales conservan la propiedad de emitir luz iluminando sus cuerpos.

Los artistas digitales Friedrich Van Schoor y Tarek Mawad se trasladaron a un bosque permaneciendo por un periodo de seis meses. En el transcurso de este tiempo se dedicaron a seleccionar paisajes, donde registrar la serie de imagenes mas adecuadas con las que posteriormente de vuelta a su estudio.

Montarían la secuencia de poco mas de tres minutos que se puede ver Bioluminescent forestProyecto en el que emplean herramientas digitales con las que mapean las cortezas leñosas de ejemplares de coníferas. trazando redes arteriales iluminadas en diferentes tonalidades que recorren su interior en forma de savia.


O haciendo un barrido perfectamente uniforme y acompasado por una pradera de flores silvestres, que irradia una intensidad variable de luz en función de la música que acompaña el fotograma. Re
plicando las cualidades bioluminiscentes de animales como medusas y luciérnagas, que generan su propia luz mediante reacciones químicas.



Bioluminescent forestes una sinfonía visual donde la luz cobra movimiento producida por lo mas intimo de los procesos biológicos


Con este enfoque utilizaron una técnica de iluminación llamada proyección cartografía también conocida como realidad aumentada espacial. Esto implica el uso de software para crear proyecciones de vídeo animado que están programadas para proyectar imágenes en movimiento de luz a través de superficies irregulares.




Church Brigade convierte una iglesia en una pista de skate con la que evita la que frena la despoblacion de un pueblo


Presidida por una aureola de misterio que le ha convertido en una iglesia maldita, donde se han realizado psicofonias con el objetivo de rastrear espectros desorientados en su transito hacia el mas allá.

El edificio construido en 1.912 y en cuya nave central se estuvieron realizando oficios de carácter litúrgico, hasta esta que finalizada la contienda civil quedo en desuso. Como practicamente todos los edificios que formaban el polígono industrial donde esta enclavada en la localidad asturiana de Llanera.

Y de los que tras medio siglo apenas se mantienen edificios en pie, siendo el templo del que se conserva la mayor parte de su fachada e instalaciones originales, ademas de su fachada y estructura principal. Habiendo sido transformada en su ultima etapa en el lugar de reunión, donde los aficionados a la practica del skate se congregan para deslizarse sobre la pista que ocupa la nave central.


Resultado de la iniciativa de la asociación Church Brigade, en su interior aparte de organizarse sesiones de skate, sus gestores además están programando eventos culturales relacionados con las música. Con cuya actividad esta propiciando que un edificio singular que tras ser abandonado por sus antiguos dueños, pueda reinventarse adoptando nuevos usos mas acordes con los habitos sociales y de ocio que se practican en la actualidad.


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    Con cientos de usuarios la pista de skate construida en la antigua iglesia se llena todos los días de vida y actividad sana, con la que sus usuarios han conseguido sacar al pueblo de una situación de deterioro debido a la despoblacion que sufre la comarca


Ahora llamado Kaos Temple, o simplemente La Iglesia Skate, los benefactores de la iglesia incluyen a la compañía de bebidas energéticas Red Bull y donantes anonimos, que contribuyeron con más de veinti y cinco mil ede uuros al proyecto. 




Ewan David Eason - Mappamundi Series, mapas circulares dorados para reflejar la igualdad


Mirados desde arriba a una distancia prudencial los fragmento de callejeros de diferentes grandes ciudades del mundo que forman la serie Mappamundi Series, parecen muestras de laboratorio observadas a través de la ampliación de una lente de microscopio.

Realizados por el artistas Ewan David Eason, cada mapa delimitado por un perímetro circular, es un disco dorado donde los nombres que hacen referencias a las denominaciones de las calles. Han sido eliminados en un intento por universalizar su lectura.

El proyecto que todavía no esta completado esta inspirado en el mapamundi medieval, un término general  que sirve para describir los mapas del mundo. Tomado de las palabras en latín mappa (tela o tabla) y mundi (de los mundos).


La mayoría de los mapas conservan su trazado circular haciendo referencia a los versículos bíblicos de Isiah 40:22 "El está sentado sobre el círculo de la tierra ..." 


Desde 2010, el artista londinense Ewan David Eason ha creado imágenes abstractas de la realidad, inspirándose especialmente en patrones orgánicos y artificiales creados en la cartografía. 


Mediante el dorado con metales preciosos o el uso de colores complementarios, busca que el espectador se concentre en la sacralidad y la diversidad de nuestros paisajes vivos. La precisión y la dedicación son esenciales en la construcción de las obras, lo que enfatiza su condición de arte como documentación.


Formado por cerca de 50 mapas circulares con los autor realiza su propia interpretación de la globalización.


Mientras observaba varios mapas históricos, Eason descubrió el Mapa descriptivo de la pobreza en Londres de Charles Booth de 1889. Booth se propuso definir los niveles de pobreza y riqueza en Londres, casa por casa, utilizando un sistema de códigos de colores. Ejemplos de estos colores incluían el negro que define la clase baja; el rojo que define la clase media y el amarillo que define la clase alta. Continuando con el tema de crear imágenes abstractas de la realidad, Eason descubrió que los colores definidos se convertían en una imagen abstracta en sí mismos. 

Al eliminar los colores y reemplazarlos con un color; el dorado, se inspiró en la naturaleza igualitaria de la ciudad. Desde esta primera obra de arte de Londres, la ciudad donde reside, ha utilizado mapas actuales e históricos de ciudades significativas y ha redefinido los edificios en dorado. El contexto de estas obras también representa una instantánea de nuestro paisaje en constante cambio que potencialmente podría reescribirse por completo en tan solo una década.

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Architectural Association - CALLIPOD, crean un algorimo para reproducir elementos naturales aplicados a la construcción


Aunque pueda parecer lo contrario, los procesos por los que cualquier organismo vivo se desarrolla e interactúa con su medio. Implican una serie de sinergias que han sido perfeccionadas por la evolución a lo largo de millones de años.

Realizado por el estudio Architectural Association y exhibida en el marco de la ultima edición AA DLAB 2014, cita que tuvo como escenario de operaciones los alrededores boscosos de la localidad britanica de Dorset

El pabellon CALLIPOD es el resultado arquitectónico de trasladar, el conjuntos de procesos de origen biológicos implicados en el crecimiento orgánico que se observan en el entorno natural, más concretamente en las raíces de los arboles. A un lenguaje arquitectónico que permita diseñar y construir una estructura funcional.


El andamio de Callipod fue construido con hormigón, es el resultado de una investigación que ha explorado el rendimiento de los materiales tradicionales de construcción integrandolo como modelo constructivo en el paisaje natural. 

Callipod es un experimento arquitectónico que emula el crecimiento de las raíces de los arboles, un ensayo bio-constructivo donde el objetivo es observar el rendimiento de materiales de construcción tradicionales como el cemento a la hora de reproducir formas propias de la naturaleza.


Siendo el resultado de analizar el comportamiento estructural del hormigón bajo parámetros observados en la naturaleza. Registros que posteriormente fueron traducidos a algoritmos informáticos, arrojando como resultado un edificación solida. Que combina elementos artificiales y patrones orgánicos emulados tecnologicamente.


La programación algorítmica de las exploraciones de diseño reflejan las características de autoorganización que se observan a distintas escalas en los sistemas biológicos. Basados en los sistemas de ramificación y agrupación de sus componentes. 

Una influencia clave en el trabajo con sistemas de ramificación ha sido poder contextualizar el resultado del diseño en el entorno natural. Las simulaciones digitales presentan una progresión a partir de los experimentos de trayectorias analógicas optimizadas de arquitecto Frei Otto. Un precursor de la bio-construcción junto con Vladímir Shújov, Buckminster Fuller y Frank Gehry y la introducción en la arquitectura contemporanea de soluciones construcciones basadas en formas orgánicas.



Έργα, Grecia apuesta por la autonomía energética


Uno de los escasos efectos beneficiosos consecuencia de la crisis que se inicio a finales de 2.008. Es que en amplias capas de la sociedad se esta observando un cambio de tendencia a la hora de afrontar los problemas de formas colectiva.

Y a partir de propuestas que se adoptan de formas autogestionada y que actuan sobre aquellas basicas como la energia, la salud o la alimentación buscando la autonomia de sus miembros. Operativa en diferentes areas geografica de Grecia, uno de los paises en que debido a las medidas de austeridad y recortes sociales que se han aplicado.

Mas acusado ha sido el deterioro social y económico, Νέα Γουινέα actúa a partir de la implantación de modelos participativos en ámbitos tan diferentes como la sanidad, la educación o la producción de energía renovable. Apartado con el que han conseguido crear una red de instalaciones híbridas compuestas por soluciones fotovoltaicas, termosolares y eólicas principalmente a través de su proyecto Έργα.


Con el que han logrado que miles de familias a las que las compañias de suministros energéticos habían desahuciados energeticamente. Tengan la posibilidad de acceder recursos energéticos obtenidos de forma limpia y autónoma. Aportando los conocimientos adquiridos de forma compartida entre sus participantes y que supone el reflejo de su experiencia tecnológica ejercida en su vida provisional trasladada a un plano domestico.

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Έργα representa un modelo de autonomía energética, resultado de la aplicación de herramientas tecnologicas y de la inteligencia social de sus miembros



Arne Quinze, formas anidadas en el vació de un paisaje crepuscular


Formadas por miles de travesaños y laminas apiladas aparentemente de forma arbitraria. Las instalaciones monumentales por su gran escala del artista belga Arne Quinze, emulan a la naturaleza tanto en su ejecución como en su estética. 

Elaboradas en madera cuyos extremos son apuntalados siguiendo un riguroso patrón, con el objetivo de conseguir su estabilidad estructural frente a los elementos climatológicos. Pero sin perder de vista el componente estetico de la propuesta.


Con este proposito en ocasiones añade juntas de acero con las que reforzarlas y resinas con efectos fluorescentes, con la que consigue que refulgan en la oscuridad destacando sus siluetas entre las sombras. Dejando a la instalación de un componente visual que aparte de embellecer el conjunto de la obra atrapa la atención del espectador.

La intervención Uchronia en mitad del desierto de Black Rock en Nevada marco un punto de inflexión en la carrera de Arne

Debido a que se tratan de instalaciones que debido a su magnitud, precisan de grandes superficies y espacios abiertos donde ser instaladas. Pero que a la vez estén protegidas por edificios, con los que evitar accidentes como los producidos con motivo de una muestra organizada en la localidad de francesa de Moms y que servía como prologo del calendario de actividades organizadas para celebrar su sede como capital cultural europea 2.015. 


Caos, relación con el espacio y arquitectura confluyen en intervenciones que actúan sobre el paisaje urbano tansformandolo en una experiencia visual de efecto masivo.
 

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Arne Quinze es un artista contemporáneo, pintor y escultor belga. Su obra abarca desde pequeños dibujos y pinturas, esculturas de tamaño mediano hasta instalaciones masivas. Quinze nació en Bélgica en 1971 y actualmente vive y trabaja en Sint-Martens-Latem, un pueblo cercano a la ciudad belga de Gante. Su carrera inicial en la década de 1980 como artista urbano. Desde sus inicios exploro la posibilidad de concebir el papel de nuestras ciudades como museos al aire libre. Su obra evolucionó rápidamente del arte callejero al arte público con temas recurrentes como la interacción social, la urbanización y la diversidad.


Lo que impulsa a Quinze es la creencia en la posible realización de una sociedad idealista donde todos los individuos se comunican e interactúan, con el objetivo de unir a las personas y empujarlas a un diálogo vigoroso. Las esculturas de Arne Quinze son el resultado de numerosos encuentros personales con la belleza desenfrenada de la naturaleza. Simbolizan su reflexión sobre las diferencias cada vez mayores entre la diversidad de la naturaleza y la expansión continua de las ciudades monótonas.


La gigantesca construcción de madera Uchronia, que él y su equipo construyeron en el desierto de Nevada (EE.UU.) para el festival Burning Man de 2006, puso de relieve su búsqueda de la coexistencia entre cultura y naturaleza. A esto le siguieron numerosas esculturas y exposiciones que incluían tanto grandes instalaciones como pequeñas pinturas y esculturas. 



Vincent Gibaud - Le Son des Flammes, una metáfora ritual sobre el tránsito hacia una nueva vida

Narrado en un tono poético Le Son des Flammes, nos relata el ultimo viaje de su protagonista. Acompañado por la melodía interpretada por un Kora

Un viaje de ida y vuelta en un tránsito de la vida a la muerte y viceversa, que se iniciará cuando se interne en lo profundo del bosque, en su camino de retorno a la naturaleza. La que en su infinita sabiduría le asignara una nueva forma.


Cumpliendose un ciclo vital infinito, donde lo orgánico como la energía no se pierde sino que se transforma fundiéndose con su origen natural. Y cuyo resultado visual podéis ver si pulsáis AQUI.

Dirigido por Vincent Gibaud el corto es un canto a la vida, en el que las imagenes se suceden acompasadas por las notas interpretadas por el viejo jefe de la tribu en su ultimo ritual. El cual le acabara trasladando a otra dimensión en la que participara en una danza en la que sera purificado por el fuego en un ritual. 

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Le Son des Flammes es un emotiva obra visual, que muestra de forma natural los últimos momentos de su protagonista antes de iniciar un ciclo de transformación hacia una vida.



Antonio Scarponi - Harvesting Station, una solucion para tener tu invernadero en la ciudad

Harvesting Station es un dispositivo urbano que fusiona la arquitectura y la estética creativa con una función social. Obteniendo un activo productivo que revierte en la comunidad, en la que actúa de catalizador entre sus miembros modificando sus habitos de consumo.


Diseñado por el activista del diseño urbano Antonio Scarponi, la estructura adquiere la forma de un invernadero. Con apenas cuatro metros de superficie, la instalación construida con materiales reciclados.

Se completa con un deposito que recoge el agua de lluvia, destinada a cubrir las necesidades de regadío de los cultivos interiores, así como de los residentes y sus necesidades domesticas.


Distribuidos en jardineras, los usuarios pueden cultivar pequeñas hortalizas, especias, y plantas aromáticas. Que tras su periodo de cultivo y cosecha serán distribuidos de forma solidaria entre los miembros de la comunidad.

Harvesting Station representa un concepto innovador en el paisaje de nuestras ciudades, combinando lo estético y lo ético e incorporando nuevos usos en el espacio publico desde una óptica solidaria y comprometida.


De fácil transporte e isntalación cada unidad modular de 
 Harvesting Station, se integra sobre el tejido urbano conservando su autonomía e identidad. Convirtiéndose en un lugar de encuentro activo desde el que sus miembros se interrelacionan con el medio.

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Cities at Night ayuda a identificar ciudades desde el espacio

Una de las principales actividades aparte de las tareas propias que realizan los astronautas, asignados a la Estación Espacial Internacional. Consiste en disparar miles de instantáneas panorámicas de la corteza terrestre.

Hobby que les distrae de su disciplinado planing de tareas y de su labor en los laboratorios. Sesiones fotográficas que se pueden extender horas sin que necesariamente este presente su autor, razón por las que muchas de las capturas y sus localizaciones quedan sin identificar quedando guardadas en un cajón.

El proyecto Cities at Night (Ciudades de Noche), basa su funcionamiento en la utilización de herramientas digitales a través de la red. Permitiendo al usuario colaborar como desde su lugar de conexión, ubicando aquellos topónimos que permanecen anónimos.

El objetivo principal es catalogar las fotografías, con las que formalizar una base de datos de consulta. Esta plataforma abierta para el estudio, permitiría entre otras cosas estudiar los efectos e intensidad de la contaminación lumínica que proyectan los núcleos urbanos, y su incidencia sobre sus habitantes.

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   Cities at Night es un proyecto que utiliza procesos colaborativos combinando la tecnología y la inteligencia colectiva.

Edgardo Madanes - Choose, la fisica de la naturaleza como inspiración para el Land Art


Como en muchas otras ocasiones tienes la oportunidad de conocer el trabajo de autores, con los que inmediatamente te identificas. Pero de los que apenas encuentras referencias.

Este es el caso del artista y profesor universitario argentino Edgardo Madanes. Que a pesar de contar con una interesante trayectoria como artista de Land Art, apenas encuentra reseñas a partir de los que redactar un post.

Algo que en su caso se compensa con la fuerza estética y dinamismo de sus intervenciones. Realizadas con varillas de mimbre o pita se trata de esculturas que se caracterizan por sus geometrías, con las que actúa sobre el espacio mapeandolo a partir de materiales orgánicos. Aunque buena parte de su producción esta destinada para se exhibida en espacios cerrados. 

Obra titulada Circulando realizada en 2009

Cuenta con excepciones como la instalación titulada Choose (elegir). Compuesta por el andamiaje de una esfera, la obra parásita el tronco de un árbol desde el que se proyecta en su entorno redifiniendolo.

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Las obras de Edgardo Madanes reproducen fenómenos físicos observados en la naturaleza, en los que las formas se fusionan con el paisaje a partir del vacío y la luz con las activa el espacio a traves de volúmenes etereos.


Nacído en 1961 en la ciudad de Buenos Aires, Aparte de su faceta como artista, dedica parte de su tiempo , la investigación y la docencia. A pesar de crecer en una gran ciudad tiene la oportunidad de realizar salidas periódicas al entorno natural, lo que le permite incorporar a su sensibilidad creativa.



Un conjunto de experiencias que acabara formando de su identidad como artista, en la que se percibe un fuerte vinculo con los mecanismos y geometrias que se observan en la naturaleza. Y en las que el se inspira para crear formas tridimensionales tan frágiles como sugerente.



Este contacto con lo mas intimo de una forma continua y aparentemente endeble lo resuelve con la flexibilidad del mimbre, con el que traza figuras con las que nos ofrece un dialogo que desde lo endogeno y lo casi imperceptible en el que la forma crece de una forma ontologíca emulando al medio natural.


Con los que crea un relato estetico y simbólico en el que las varillas de nombre se comportan de una forma casi coreografica reflejando la arquitectura que se representa a escala y en un contexto natural. Aunque su primeras obras estan inspiradas por el trabajo de autores como Alexander Calder.


En las que el protagonismo son materiales como el poliéster y la resina, esta etapa introductoria es breve finalizando cuando descubre el potencial y la aparente fortaleza del mimbre. Con el que teje estructuras semivacias en las que la luz rellena los huecos con un volumen provocando que se generen órbitas como ecos formativos de lo que finalmente se representa ante nuestros ojos.