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Camila Carlow - Eye heart and spleen, de lo organico a lo que nos hace humanos


Recogidos a primeras horas de la mañana para evitar que el calor del sol los marchiten y poder trabajar mejor con ellos, los elementos con los que trabaja la artista Camila Carlow. Son producto de excursiones por los alrededores de la ciudad británica de Brixton.

Tras realizar una selección de las mejores semillas, hojas, flores y raíces. Camila confecciona órganos donde a modo de receta natural a los que va añadiendo ingredientes, con los que reproduce los diferentes órganos del cuerpo humano. Las vísceras  y mus culos son sustituidos por material igualmente de origen bio-organico.

Pero en este caso el contraste de los tonos se enriquece, con las diferentes partes de las plantas usadas. La serie titulada por Eye Heart and Spleen compuesta por 13 fotografías, muestra la fragilidad del cuerpo humano estableciendo una relación análoga con el mundo natural al que nos une y con el que compartimos su recursos.


En octubre de 2013, la colección Eye Heart Spleen, que tuvo mucho éxito en la galería Fromeshaw de Frenchay, pasó a formar parte de la colección permanente del hospital más grande de Bristol. Tanto el personal como los pacientes quedaron muy impresionados con la obra, por lo que el comisario de la exposición del hospital adquirió la colección, que ahora se exhibirá en su nuevo emplazamiento en Southmead.


En Eye heart and spleen conviven diferentes plantas, como flores y hojas, que ya son organismos vivos únicos, transformandose en un órgano humano. Es interesante verlo como una alegoría de nuestra especie y el lugar que en el mundo, solo para que nuestros cuerpos sean consumidos por la tierra.


Aunque nacida en Guatemala reside actualmente en la ciudad inglesa de Bristol. En la que ha tenido la oportunidad de formarse como artista plástica, habiendo estudiado en Chelsea College of Arts, Goldsmiths University, y la Universidad de Bristol. Tras finalizar su periodo de formación ha desarrollado una identidad creativa que se caracteriza por su versatilidad en la selección de materiales, con los que ha creado un discurso estetico y conceptual en el que lo organico esta vinculado a la naturaleza de la forma y sus mecanismos vitales.



Walipini, ventajas de los invernaderos subterráneos, una experiencia en el altiplano Boliviriano


Estamos habituados a ver invernaderos realizados sobre todo típo de superficies, muchos de ellos elaborados bajo patrones tradicionales. La mayoria en regiones que presentan una diversidad de condiciones climatológicas.

Características que influyen a la hora de abordar su gestion, lo que obliga a una planificación y tener que decidir cuál es la mejor opción para construir una explotación agrícola con las mejores garantías. 

Explotaciones que a menudo ocupan grandes superficies de territorio cuya estética es observable desde grandes distancias. Por lo que es necesario disponer de una logística equiparable que asegure el rendimiento y mantenimiento de los cultivos.

En el caso de los invernaderos hay que contemplar una serie de medidas específica. Estas preocupaciones son debido a que por desgracia este modelo de cultivo bajo techo presenta serias limitaciones en aquellas áreas geograficas donde el patrón de clima es adverso. 


Con el objetivo de explorar nuevas formulas que permitan la implantación de invernaderos en áreas en las que hasta el momento resultaba inverosímil y cuya instalación reduzca sus coste. 

En diferentes zonas de América del Sur se viene desarrollando en las ultimas dos décadas un sistema conocido como Walipini (termino indígena empleado por la etnia Aymara y que traducido significa "lugar de calor"). Y creado por un suizo llamado Peter Eseli, el cual tras más de veinte años viviendo en La Paz en Bolivia. Desarrollo un modelo de cultivo bajo tierra que tuviera en cuenta las exigentes condiciones que se observan en el altiplano. 


En la practica se trata de horadar parcialmente el terreno hasta conseguir crear un hueco estanco  lo sufientemente grande y profundo que permita a los productores. Cosechar durante toda la temporada aun en las condiciones mas desfavorables.
Se trata de huertos que aprovechan las cualidades geotermicas para dosificar el volumen de humedad y de temperatura en su interior. Una solución ancestral cuya técnica ha sido heredada de padres a hijos. Y que estructuralmente combina los principios de la calefacción solar pasiva con la protección que proporciona una construcción subterránea.

Usando con matices los mismos principios utilizados en la agricultura en invernadero. En este sentido un huerto walipini utiliza los recursos de la naturaleza para proporcionar un ambiente cálido estable, y bien iluminado.


Factores que garantizan una cosecha a lo largo del todo el año. Para eso captura y almacena la radiación solar durante el día, regulando su temperatura en horario nocturno.

Forradas las paredes interiores con una gruesa de tapial (una antigua técnica de construcción empleada por las culturas mesoamericanas y aunque también se ha observado su uso en algunos asentamientos de la cuenca mediterranea consistente en edificar muros de arcilla roja). 

Ligeramente mas elevado, uno de los muros situado en uno de los extremos, provoca que la cobertura exterior caiga dibujando un leve inclinación sobre el terreno. Lo que facilita que los rayos del sol penetren en su interior regulando su temperatura.

Los walipinis son una alternativa económica y muy eficaz para climas fríos y extremos, en el que hay que tener en cuenta como referencia principal su orientación. Con el propósito de aprovechar el máximo de radiación solar, en el hemisferio sur. La inclinación de la cobertura del techo deberá orientarse hacia el norte y en el hemisferio norte hacia el sur. De tal manera que el largo de invernadro coincida con el eje este-oeste. 

En el siguiente vídeo que podéis ver pulsando en el siguiente enlace desde  AQUI. Se describe una experiencia en primera persona, de como funciona la técnica desde una óptica practica, explicada paso a paso y de forma detallada sobre el terreno 

Martin Andersen - Solar Mirror, un enorme espejo para iluminar un pueblo en Rjukan, Noruega


Según avanzas hacia el circulo ártico la exposición a la radiación solar disminuye, repercutiendo sobre la duración de las horas de sol que en conjunto se reducen drásticamente respecto a otras zonas horarias del mundo.


Donde debido a la inclinación de la tierra respecto al astro rey permite que disfruten de un horario diurno mas extenso, y por lo tanto la cantidad de exposición a la radiación solar incrementa su intensidad. Lo que se traduce en una cosecha de fotones que garantiza aparte de gozar de iluminación natural un aporte de vitamina D optimo.


En la localidad noruega de Rjukan debido a su proximidad al polo Norte en Invierno los días suelen ser algo anecdótico. Para paliar este déficit solar el artista Martin Andersen utilizando tecnología solar y en colaboración con sus vecinos puso en marcha el proyecto Solar Mirror.


 Esta pequeña localidad incrustada entre montañas tradicionalmente ganadera aprovechado su entorno natural, con el objetivo de proyectar los rayos solares en dirección a su localidad. Situados a uno 500 metros de altura en la cima de la montaña, una instalación compuesta por paneles solares reflejan los rayos en dirección a la aldea iluminando sus calles.


Enfocados en dirección a la plaza, el tríptico de espejos de este proyecto piloto se orientan mediante un programa informático, consiguiendo el mejor ángulo asegurando el mas amplio grado de iluminación sobre la plaza.



 La instalación que se realizo bajo el patrocinio de la iniciativa artistica KORO, se compone de espejos/helióstatos (los que se suelen utilizar habitualmente en los parques por concentración solar). Poseen la capacidad de reflectar el rango de luz a mas distancia con lo que se consigue mas profundidad, alargando de paso el horario diurno.


Sun Mirror en Rjukan del que podeis ver un video AQUI es también el único proyecto de arte contemporáneo del mundo que está en camino a la lista del patrimonio mundial de la UNESCO, y el único proyecto con valor artistico por el que ha mostrado la NASA. Cuyos ingenieros se interesaron por los sistemas informáticos que controlan los espejos, que siguen las órbitas del sol sobre Rjukan.

Una urbanización construida en el interior de un campo de béisbol en la ciudad japonesa de Osaka


Sede del equipo local de béisbol, la franquicia de los Nankai Hawks antes de trasladarse a su actual sede en 1.999. Jugo durante varias décadas en el estadio de Osaka sus encuentros de la liga regular. Un instalación que debido a los nuevos desarrollos urbanísticos de la ciudad nipona y a lo escaso de su aforo fue clausurada.

Tras casi una década paralizado debido a los elevados costes que representaba la demolición y a la caída de los precios de la vivienda. Su dueño, un acaudalado empresario local. Decidió rehabilitarlo economicamente, destinado su parcela a otros usos.

El exterior que conserva su aspecto original, ha sido dividido en locales de diferentes tamaños destinados principalmente a la actividad comercial y a la explotación de oficinas. Rehabilitando las plantas inferiores como un enorme parking subterráneo con capacidad para dos mil vehículos.

Como fruto de la iniciativa de una comunidad local, la cancha de béisbol triangular donde en su viejos tiempos fue terreno donde se consumaban carreras y "strakes". Fue remodelada y su superficie tratada para ser objeto de una intervención cuando menos sorprendente.


UNA CIUDAD DENTRO DE LA CIUDAD


Como si una ciudad convencional, su campo de juego acoge una de las intervenciones urbanísticas mas singulares que se hayan podido realizar. Rodeado por las gradas originales, las agrupaciones de casas adosadas se disponen sobre la superficie como una pequeña aldea.


Su presencia que se mantiene oculta hasta que se accede al interior del estadio, reune todos los servicios; agua, electricidad y servicio de recogida de basuras es compartido con las dependencias exteriores, contando con parking privado en el interior.


Distribuidas  a partir de una vía central, las unidades familiares se distribuyen a ambos lados abarcando la totalidad del espacio. Construidas utilizando diferentes tipologías, las casas están protegidas por el perímetro original del antiguo estadio, que convierte a la urbanización en una replica de las aldeas amuralladas construidas en la edad media.



Mike Hewson - Homage to the Lost Spaces, homenaje a los espacios perdidos


Mike Hewson de profesión ingeniero cielo, compagina su jornada laboral en la que busca soluciones a complejos problemas que se producen en el tejido urbano con el street art. 


Quizás sea este producto conocimiento de la arquitectura y de la experiencia social que implica, los detonantes que caracterizan sus intervenciones urbanas. Principalmente realizadas en las localidad neozelandesa Christchurch donde reside habitualmente y sus alrededores. 


Mike empapela con reproduciones de fotografías donde aparecen los residentes, las fachadas de sus viviendas humanizandolas y personalizando la estructura de la vivienda, lo que permite su identificación con los que la habitan.


Realizadas  a escala natural, cada intervención implica la realización previa de una entrevista del candidato. Como una plantilla la foto refleja a través de diferentes elementos que definen el carácter de su inquilino, sesgo que a su vez se distinguen en las características estéticas que se observan en cada vivienda.


En otras ocasiones como en la serie titulada Homage to the Lost Spaces el objeto de la intervención es la recuperación de la memoria, de una vivienda cuya demolición esta programada, en donde el componente emocional es el nexo entre el paisaje arquitectónicos y su actividad.


Cranmer Court fue construido entre 1873 y 1876 para albergar la Escuela de Christchurch. El edificio era, hasta hace poco, uno de los edificios patrimoniales más significativos de Christchurch. Dañado por el terremoto de 2011, fue catalogado junto con muchos otros, para la demolición. Aparte de la escuela, Cranmer Court en un momento albergó una comunidad de artistas, que vivieron y trabajaron dentro de la arquitectura de estilo gótico. 


Homenaje a los Espacios Perdidos fue una intervenc del ingeniero civil convertido en artista Mike Hewson en los meses previos a la demolición del edificio. Se pretendía evocar las historias recientes de los edificios de Christchurch dañados por terremotos, y rendir homenaje a las vidas y prácticas creativas que albergaban los edificios. 


Pingualuit, un lago producto del impacto de un meteorito


Enclavado en un paraje lunar que se caracteriza por alternar extensas áreas de tundra donde apenas existe vegetación, con elevaciones de mediana altura formada en su mayoría durante el periodo que abarca el Pleistoceno (unos 2.588 millones de años). El viajero puede encontrar enormes estribaciones perforadas en el subsuelo.

Estos cráteres producto del impacto de meteoritos con el paso de tiempo se han convertido en lagos cuyos habitats debido a sus características singulares representan entornos naturales únicos. Que pese a su aislamiento contienen una increíble variedad de especies que han sobrevivido en condiciones en ocasiones muy adversas.

Debido a la imposibilidad para poder acceder a ellos por medios terrestre. Estos accidentes geograficos han permanecido ocultos hasta mediados del siglo XX, siendo descubiertos en expediciones aéreas o coincidiendo con el inicio de los vuelos comerciales, que al sobrevolarlos eran avistados por casualidad en su ruta de vuelo. 

Situado geograficamente en el Parc National des Pingualuit, una reserva natural que pertenece al estado de Quebec en Canadá, cuyos territorios constituyen una península erosionada durante cientos de millones de años debido las mareas que produce la bahía de Hudson.

El cráter  Pingualuit, conocido en lengua nativa por la nutrida colonia Inuit como Crystal Eye de (ojos de cristal), debido a lo transparente de su aguas acumuladas a lo largo de millones de años de precipitaciones, que han conformado un entorno natural habitado por pequeños moluscos y una interesante comunidad microbiotica. 

Descubierto en 1.943 por la tripulación de las fuerzas armadas de los Estados Unidos, que estando en una misión de exploración en la costa, se desviaron de su rumbo quedando maravillados ante lo que definieron como anillo azul. Explorado en busca de minerales y diamantes por el empresario Frederick W. Chubb.

El cráter Pingualuis tiene un diámetro de casi tres kilómetros y medio de cuerda y una profundidad de mas de 400 metros, lo que le proporciona una elevación sobre el terreno circudante de alrededor de casi 160 metros. Barrera natural que le ha permitido conservar un micro-clima único diferenciado de su entorno exterior.

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Alain Delorme - A bird ballet, fotografiando la lirica de las bandadas de pajaros


Las colonias de aves cuando están época de aparearse, antes suelen efectuar largas migraciones. Travesias cuyos prolegómenos pasan por un ritual que se suceden todas las estaciones. Y que consisten en agrupar en colonias los pajaros. 

Bandadas que llegan a estar formadas por decenas de miles de parejas. Que como parte de su cortejo dibujan en el aire sugerentes patrones de vuelo. El fotógrafo francés Alain Delorme apostado en diferentes azoteas y en un alarde de paciencia ha capturado estas coreografías, congelando el momento preciso en que el ejercicio ejecutado alcanzaba su máximo momento de sincronización. 

Ofreciendo un espectáculo natural donde la acción del movimiento y el instinto de los ánades, cristalizan en cabriolas donde la inteligencia colectiva guían las diferentes trayectorias que ejecutan como si fueran consumados bailarines pertenecientes al ballet ruso del Bolshoi.


Inspiradas visualmente por obras cinematográficas como American Beauty (1999) o el clasico The Birds de Hitchcock de 1963. Ambos juegan con la inversión de la perspectiva: el Maestro del Miedo construye su trama sobre la inexplicable agresión de animales realmente inofensivos, mientras que la escena capturada por Alan parece revelar la belleza y la delicadeza de un gesto coordinado a traves de una inteligencia colectiva.



La serie de fotografías que forman A bird ballet y el vídeo que lo completa y que podeis ver íntegramente AQUI. Combinan la poesía visual y la bio-escultura orgánica reproduciendo caprichosas formas en el aire ocupando el espacio antes vació, redimensionando el paisaje con el volumen de las agrupaciones y su vuelo.



Alain Delorme es un fotógrafo francés. Estudió fotografía en la Ecole des Gobelins y luego en la Universidad de París VIII. Vive y trabaja en París. El trabajo fotográfico de Alain Delorme muestra los fenómenos de normalización y estandarización llevados por nuestra sociedad de consumo. A traves de fotografías que oscilan entre el realismo y la ficción.




Sharon Davis - Centro de oportunidades para mujeres de Kayonza en Ruanda


Evocar a un país como Ruanda suele responder a connotaciones, cuyos acontecimientos mas conocidos nos hace sentir una mezcla de estupor y vergüenza por nuestra condición de seres humanos. 

Pero mas allá de sus diferencias étnicas, producto de un pasado colonial cuya época, se caracterizo por exacerbar las diferencias entre las etnias mayoritaria que lo componen.

Es un país que desea dejar atrás su pasado, para lo que se esta apoyando en la principal riqueza que tiene como país; su gente, su historia y su diversidad y patrimonio natural. Diseñado por el estudio de arquitectura de Sharon Davis con sede en New York. 

Quizás a ojos de un extraño parezca inverosímil el hecho de que un arquitecto que trabaja con parámetros occidentales, pueda concebir un edificio cuyas especificaciones estructurales y funciones sociales. Se adapten a la indiosincracia local.


Situado en una parcela en las afueras  de Kayonza, un poblado que dista a 150 kilómetros por caminos polvorientos de la capital Kigali. Levantado sobre una parcela rodeada por cactus y vegetación baja, sobre la tierra arcillosa y urbanizados con jardines bordeados por senderos enlosados. 

El nuevo y famante Centro de oportunidades para mujeres de Kayonza, es un claro ejemplo de arquitectura producto de las tipologías locales y el empleo de materiales de construcción tradicionales como el adobe o la hoja de palma.  



Y otros importados como son los ladrillos o el metal en una mezcolanza que permite, conservar la identidad propia del lugar incorporando nuevos usos foráneos.


Siguiendo un modelo ancestral los pabellones se alinean como las chozas tradicionales de la tribus que han poblado durante miles de años creando un vinculo estético. Que se completa con un diseño cuyas formas están inspiradas por estas comunidades nativas. A los que se han añadido unas instalaciones de energía y tratamiento de agua autónomas que facilitan su operatividad.

El proyecto que es producto de la colaboración de las autoridades locales y la organización no gubernamental Women for Women International. Tiene como propósito promocionar los valores de las mujeres con las que trabaja, mediante el desarrollo de programas acordes con las necesidades planteadas por los miembros de las entidades locales.



Melons, Trucks and Angry Dogs, Europa a prueba de bici a traves de la Race Transcontinental,


Antes de que las grandes vueltas por etapas protagonizaran la temporada de ciclismo. Ya se organizaban pruebas donde se ponía a prueba la destreza y resistencia de sus participantes sobre una bicicleta.


 Esta pruebas organizadas con escasos medios y de forma aleatoria, se caracterizaban por carecer de apenas normas en el desarrollo de su competición, y por cubrir grandes áreas de territorio llegando abarcar varios países. Ganaba el que habiendo hecho acto de presencia en todas y cada una de las ciudades marcadas como etapa en el recorrido.

Lograba llegar el primero a la recta final donde era agasajado entre multitudes. Salvando las distancias temporales y técnicas los organizadores de la primera Race Transcontinental, han aplicado un modelo similar. 


En el que cada un los osados participantes, que participaran en su salida de Londres el pasado el 9 de Agosto de 1.914, tras cruzar la mayor parte de territorio tiene que finalizar en Estambul.


El plazo de inscripción cuyo plazo todavía esta vigente tendrá entre sus paticipantes a su actual ganador Kristof Allegaert. 


Que consiguió completar el mejor recorrido en un tiempo de siete días y casi catorce horas, estableciendo el primer record de la prueba, que tiene como escenario algunos de los paisajes mas abruptamente bellos del viejo continente.

Producido por ERTZUI el corto documental Melons, Trucks and angry Dogs, que podeis ver AQUI nos muestra el proceso de organización y algunas de las imagenes mas plásticas sucedidas en el transcurso de los mas de 3.000 kilómetros y los catorce fronterizos, que separan el corazón de la City y la capital de la desembocadura del rió Bosforo. 





Moment Factory - Megaphone, tecnología y activismo en el espacio publico



Hoy vamos a ver como las estructuras arquitectónicas y el mobiliario con las que conviven en el espacio publico, se pueden convertir en el soporte discursivo y en la plataforma. Desde las que los ciudadanos transmiten sus denuncias y deseos de cambio. 


La instalación Megaphone realizada por el estudio Moment Factory, proponía utilizar como escaparate una de las zonas mas concurridas de la ciudad canadiense de Toronto. Reinventando el concepto de ágora griego.

Añadiéndole un entorno digital donde los mensajes realizados por sujetos anónimos a través de un altavoz, se proyectara en la fachada del edificio del Kennedy President que alberga la sede de la UQAM.


Mensajes que podian ser leídos desde cualquier punto de la ciudad. Megaphone fue una actuación que combinaba la agitación social y el activismo mediatico, que se realizo en el marco de actividades organizadas por la entidad local Promenade des Artistes. 

Se trata de una intervención inspirada en el formato de reunión empleado por las asambleas populares creadas a principios del siglo XX, modelo participativo a partir de las que se vertebro la ciudad en distritos. La instalación interactiva pretendía revivir el espíritu de solidaridad de aquella epoca.

 Un megáfono conectado a un interfaz informático registraba las misivas de los ciudadanos que se acercaban, trasladandolas en forma de proyección que tenía como escritorio la fachada principal del edificio. Empleándose en su redacción diferentes tipografías y colores.


Megaphone es una experiencia colectiva a través de la que se dejaban una huella visual que modificaba el paisaje urbano del entorno donde se desarrollaba humanizandolo.


Los diseñadores Étienne Paquette y Alexandre Lupien son los creadores de MF. Un estudio que se dedica con sede en Montreal, que se ha especializado en la creación de propuestas multimedia en entornos interactivos en los espacios públicos. Habiendo realizado intervenciones de carácter global en ciudades del todo el mundo. Trabajos que se caracterizan en su mayoría por su vocación social.



Bertrand Lanthiez - Sounds of Threads, cuerdas en el espacio para interpretar musica


Utilizando como elementos audiovisuales tan elementales como unas cuerdas que a modo de pentágrama interpretan una partitura.

O una tela fina de seda que interpreta una coreografía cuyos pasos están marcados por una melodía digitalizada. El artista Bertrand Lanthiez y compositor crea instalaciones interactivas donde el movimiento del objeto se activa.


En una suerte de perfomance inmersiva donde la sincronización del sonido  y la iluminación, ofrece una experiencia sensorial donde el expectador pasa a ser un componente mas en su ejecución. 


El propósito de su autor era provocar a los sentidos de los participantes para a partir del movimiento de sus cuerpos, creando una melodía hipnótica colectiva que reflejara su estado de animo. 


Sounds of Threads exhibidaen Reikiavik en junio de 2013, consistió en dos instalaciones, ambas involucradas en el impacto del sonido de múltiples maneras, para que la gente pudiera tanto sentir como crear música, escuchando, tocando y viendo el sonido.



Las perfomances que llevaban por titulo Sounds of Threads y Sounds of Threads Experiment fueron realizadas este verano pasado en París y en la capital islandesa Reykjavik. Permitían al espectador formar parte del proceso creativo enriqueciendo su identidad a través de objetos cotidianos y su relación.



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