All post

Collective House - Livre échange, cabinas colgadas para leer en el espacio publico


Colgadas de las ramas de los arboles unas sencillas casetas de plástico realizan la función de biblioteca publica, donde los usuarios pueden intercambiar libros cuando ellos así lo deseen. 

Este singular mobiliario publico ha formado parte de las actividades de la ultima edición de la Bienal internacional del diseño que como es habitual se celebra en la ciudad de Saint-Étienne en Francia.

Diseñado por el estudio Collective House, su presencia permite a los transeúntes intercambiar libros de forma gratuita. El proyecto fue presentado como una colección de cajas transparentes suspendidas de los árboles. 


De esta forma a los usuarios se les facilitaba el acceso y uso de la biblioteca, pudiendo depositar escoger un libro de una de las cajas. Así como sustituirlo por uno de los suyos  depositando lo comodamente. 

En combinación con el mobiliario urbano, la instalación de Livre échange promueve el acceso libre a la lectura. Aunque el concepto de bibliotecas urbanas libres es una practica habitual en ciudades de todo el mundo.

En este caso especifico sus creadores han reinventado su diseño contemplando una solución que permitiera la conservación de los los libros expuestos a los elementos exogenos. Protegiéndolos de las inclemencias del clima.

MOOM, un pabellón que imita al caparazón de un animal


Levantado sin columnas y armazón la estructura que sostiene el pabellón MOON realizado por los setenta estudiantes de la facultad de arquitectura de la Universidad de Tokio, representa una propuesta de práctica arquitectonica experimental. En cuanto a la selección de los materiales y su disposción sobre el terreno 


Una estrategia que tiene por objetivo proteger el pabellon de la exposición a los elementos climatológicos adversos. Dirigidos por el arquitecto Kazuhiro Kojima perteneciente al estudio de arquitectura C+A coelacanth and associates. 

Moom se desplegó en una jornada en una parcela del campus universitario. Extendiéndose a lo largo de una franja de veintiséis metros de largo, Moom tan sólo preciso de una lona donde se realizo un montaje preliminar para observar su comportamiento.

El volumen presenta una planta libre de elementos, su membrana exterior esta elaborada de poliester elástico de 0,7 milímetros de espesor, en las que se injertaron barras de metal aplicando una formula que reproducía un relieve geológico. Estos nodos colocados utilizando un sistema por tectónica de tubos crean una estructura basada en la tensegridad.

MOOM ES UN PABELLÓN DE ESTRUCTURA GEODESICA 
El termino tensegridad viene de tensional integrity, término acuñado por el arquitecto Fuller, el cual es conocido por diseñar la cúpula geodésica. Se trata de un sistema estructural constituido por elementos de compresión discontinuos conectados por elementos de tensión continuos.

En este caso en vez de utilizar cables para equilibrar y evitar que la cúpula se deformara, era la cubierta la que cumplía esta función de comprension y tensionado de la estructura. perfilando su estética inspiradas en formas estratificadas. Las ciento treinta y una barras con las que se sustenta la carpa de varias longitudes no se tocan, creando una síntesis de la piel y de la estructura a través de un sistema de vainas en que los módulos estructurales se deslizan en función de la presión exterior ejercida por el viento.

En total Moom tiene un peso de seiscientos kilos, cubriendo un área de terreno de ciento cuarenta y seis metros cuadrados. el pabellón admite una amplia cantidad de luz mientras deliberadamente evita la radiación ultravioleta. El efecto  etéreo, tectónicamente se manifiesta como una franja de luz difusa. En la noche, la relación de los nodos y la piel se invierte creando un patrón de nervaduras fracturada.



Fotografía: Sadao Hotta

Jurgen Kuipers - Sawyer BICI, la bicicleta IKEA

El modelo elegido por el diseñador holandés Jurgen Kuipers para servir a sus potenciales clientes la Sawyer Bici recuerda a los kits que te vendía en sobres en los quioscos, y que tras abrirlos en casa suponían un doble juego primero tenias que montar el juguete y luego imaginar una tramas en la que cada miniatura representaba un papel especifico, casi siempre un soldado de infantería, un indio o un viejo vaquero.
En este caso la idea es que el usuario se relacione con su bicicleta, conozca cada una de las piezas que compone la SB. Una bicicleta elaborada de forma artesanal, con un marco realizado integramente en madera que le proporciona una increíble robustez y seguridad.
Aunque el diseño es básicamente único, cada cliente puede incorporar sus requirimientos, personalizando una montura que hace referencias algunas motos clásicas de las marcas Chopper o Harley Davidson. Un gran manillar y un sillín bajo provoca que el conductor adopte una posición mas cómoda con los brazos extendido, aunque el esfuerzo en el pedaleo recaiga integramente en las piernas.

Presentada en la ultima edición de IBDC/IF Award 2013, donde ha obtenido el premio por su concepto de diseño innovador. Con un aire retro la Sawyer Bici pesa alrededor de 25 kilos, pudiéndose adquirir a través de la pagina de su creador. Donde ofrece dos versiones la original y una versión a escala 1:10 destinadas a coleccionistas.

El artista Reena Kallat representa a la sociedad hindu como una tela de araña



Originario de Nueva Delhi, el artista Reena Kallat vive en Mumbai, una ciudad caótica con cerca de veinte millones de habitantes. Lo que que la convierte en la ciudad más densamente poblada de la India y por supuesto del mundo. 

Una megalópolis donde el progreso y la sociedad de castas, la riqueza y la pobreza porfían una tenue frontera social donde los dogmas y la vida occidental se abre paso provocando contrastes notables.


Esta tensión por delimitar el territorio desde el punto de vista de la diversidad sociológica, ha sido el punto de partida a partir del que Kallat ha realizado su ultima propuesta. Una enorme instalación que representa el callejero de la ciudad. 

Inspirada en la tela de una araña, su forma radial esta compuesta por quinientas cuentas que hacen referencias a calles de la ciudad. Titulada Cobweb/Crossings se desplego cubriendo la mayor parte de la fachada del  Dr. Bhau Daji Lad Museum. 

La mas longeva institución cultural de la ciudad, fundada en 1855 como una subsede de Victoria and Albert Museum londinense. La estructura a gran escala se compone de grandes sellos de goma, copias de resina de los utilizados en el pasado para imprimir los nombres de las calles en los edificios de la ciudad. Los sellos imprimidos con los nombres de las calles coloniales de la época en la que era conocido como Bombay se han sustituido por otros de origen indio.

El montaje narra la estratificación del tiempo, la historia y su memoria sobre el tejido de las relaciones que impregnan la ciudad. El uso de sellos de goma también transmite los conceptos de ciudadanía y de identidad, y muestra el sistema burocrático que rige en su administración. 

La estructura simbólica de la instalación fue inspirada por el antiguo parque zoológico, un lugar con jaulas y pajareras que conserva el encanto y que se encuentra aledaño a las instalaciones del museo. Es esta proximidad la que inspiró una forma orgánica para la instalación, no solamente semejante a la de un animal, sino también a la de una ciudad palpitante y en constante mutación.




 

La compañía Sheerwind presenta la turbina Invelox, que genera hasta un 600% más de energía que las convencionales


Los prototipos que conocemos de aerogeneradores eólicos generan energía a partir de las corrientes de aire que se generan en altura. Hoy vamos a presentarlos los alentadores resultados que ha presentado la compañía Sheerwind respecto a su turbina de superficie Invelox.

Según sus responsables en los últimos ensayos realizado se han logrado tasas de un 600% mas de energía producida que la turbina eólica más avanzada. Una cifra que comparandola con los aerogeneradores que actualmente hay en el mercado, supone un incremento espectacular, reduciendo los costos de producción de forma sustancial.

 La turbina Invelox como ya hemos citado opera en superficie capturando la brisa y canalizandola por una trompa o túnel del viento que la acelera el flujo del viento exponencialmente. Esta aceleración se produce debido al diseño en forma de embudo que propicia que se incremente su intensidad debido a la inercia, además se garantiza su funcionamiento en condiciones de viento mínimas.

CON UN DISEÑO PENSADO PARA EVITAR QUE LAS AVES SUFRAN ACCIDENTES

Publicado en la edición digital de Phys.org. El proceso de producción de energía se resumen en tres términos capturar, acelerar y concentrar. Expresando la esencia de este enfoque en que se basa la tecnología que se aplicado en el diseño que integra Invelox.

El viento a medida que pasa a través de las palas de un rotor, es capturado con un embudo dirigiéndolo a través de un pasaje que lo acelera de forma mecanica. Esta corriente de energía cinética, acciona un generador que está instalado a nivel del suelo creando corriente eléctrica.  

Menores costos, aerogeneradores más baratos y seguros contra huracanes. Ese es el futuro de la energía eólica marina prometida por Sheerwind, una empresa que fabrica turbinas eólicas. Estas nuevas turbinas tienen capacidades integradas en su estructura destacando por su robustez. Su tecnología de anclaje abre un prometedor horizonte donde antes era difícil de alcanzar para la recolección de energía eólica.

Otra ventaja este prototipo de explotación es su capacidad para adaptarse a una variedad de escenarios y necesidades de producción energética. Siendo una solucion adecuada tanto para su uso en grandes parques eólicos, como una versión compacta destinada a micro-generación en el ámbito domestico. 



El artista Quayola se inspira en los clásicos del arte para reinterpretarlos en clave digital


El artista con sede en Londres Quayola fusiona lenguajes narrativos como la videoinstalación, las geometrías o la música electrónica, con artistas flamencos como Rubens o del renacimiento como Caravaggio. 

Con otros mas recientes en el tiempo y contemporáneos entre los que se  podría citar a Kandinsky, Paul Klee o Oscar Fischinger. Produciendo artefactos audiovisuales donde el color producto de la mezcla de pigmentos con las que se crearon algunas de las obras, mas la historia del arte. 

Se pixelan adoptando un formato gráfico donde se incorpora el sonido realizados con programas de edición digital como banda sonora. La materia en su obra se reinventa como  escultura digital a través del tiempo. Dando como resultado una celebración de la materia misma. 


La sustancia de todas las cosas físicas describe una articulación dinámica, continuación de un bloque sólido basada en formas primitivas. Una obra maestra que nació como el avant-garde que se ha convertido en un icono clásico universal y ahora se considera el puente desde lo clásico a lo moderno. 

Esto provoca sucesos multimodales en la percepción de una obra ya conocida por el publico, que hace una relectura donde la obra se contextualiza como un fenómeno donde el sonido y el movimiento se añaden a lo estético, en una experiencia enriquecedora de una referencia artística conocida.

Las imágenes producidas ceden parte de su exclusividad relacionandose con la acción de la accionn que transcurre al dictado de la melodía interpretada a  partir de una partitura digital. El software ofrece un control con más de quinientos parámetros visuales diferentes, así como algoritmos para la creación de cientos de tonalidades diferentes complementando la paleta de colores como herramienta de trabajo.
  

Roel de Boer - Boomwonen, algo mas que un refugio en la ciudad cuya arquitectura se inspira en la naturaleza


Observando como diferentes especies silvestres de aves, utilizaban las hendiduras y recovecos que se habían creado en la corteza de los arboles para anidar. El diseñador holandés Roel de Boer ha creado unas  vainas que se nutren del ecosistema existente en los arboles.

Facilitando las condiciones para que residentes humanos puedan pasar largas temporadas viviendo en un árbol en comunión con la naturaleza. Las cápsulas orgánicas se pueden elaborar de diferentes tamaños en función del ejemplar de árbol donde se vaya anidar. Fabricadas a partir de materiales híbridos compuestos por deshechos orgánicos y reciclados como cartón.


Su presencia en el espacio publico generaría conciencia sobre la importancia del entorno natural en nuestras ciudades. Las unidades residenciales sobre las que esta trabajando Roel precisarian de la mínima infraestructura para su mantenimiento, disponiendo de la mayoría de los servicios en módulos situados a pie de calle. 


Con el objetivo de que la habitabilidad en la cápsula no suponga un deterioro irreversible para el arbol que lo alberga, y por otro lado se generaría actividad social a través de la relación de sus medios. 


Boomwonen o casa árbol  se reduce a lo esencial. Un lugar para sentarse y dormir, el resto de la casa se extiende a través de la ciudad en la que diferentes equipaciones contienen los elementos necesarios: restaurante, cine, sauna, biblioteca ... y así sucesivamente.


De esta forma servicios domésticos como lavandería, restauración o aseo personal se concentrarían en un solo punto siendo gestionados por los propios residentes. Que adoptan las decisiones en función de las necesidades que surgen en una comunidad donde sus miembros participan activamente.





Maico Akiba la evolución del mundo en miniatura y su mensaje medio-ambiental


Las miniaturas de animales simbioticas de la artista y escultura koreana residente en Japón Maico Akiba, nos describe los efectos del paso del tiempo y la evolución que implica sobre objetos y organismos vivos. 


Idea y preocupación ecológica constante en la trayectoria de la joven artista y sobre la que ya trabajo en las series tituladas 100 YEARS LATER o WALL of 100 YEARS. Conjunto de piezas por reproducciones de animales en las que el paisaje natural incorpora elementos domesticos.

Con los que la artista denuncia la parasitacion del medio natural por parte del ser humano. En Sekai (Mundo) esta preocupación la plasma mediante la reproducción de miniaturas que representan especies animales, algunas extinguidas o pertenecientes a la era prehistórica.


LA GRANDEZA DEL REINO ANIMAL RETRATADA EN MUNDOS EN MINIATURA

Hechas a partir de materiales reciclados, la totalidad de las figuras son producto de nuestra herencia y evolución, mundos que Maico representa en forma de fragmentos que como tejidos adiposos se han adherido a los cuerpos de los animales.
La artista en un alarde de audacia e imaginación convierte la espaldas de una longeva tortuga en un singular ecosistema en movimiento, donde una pareja de enamorados disfruta de un agradable día de pic-nic.


Inspiradas por recuerdos campestres vividos a lo largo de su niñez y adolescencia, se tratan de escenas idílica y lúdicas donde sus protagonistas,un oso panda, un elefante o una tortuga (entre otros) viven ajenos a los problemas medioambientales que padece el planeta tierra.


El proceso de creación de cada figura consiste en crear sets o escenas utilizando como fondo la anatomía de los animales los cuales se pintan con acrílicos. Creando un efecto visual al de un diorama, un mundo accesible pero poco verosímil en el que sus personajes en el  fondo dependen de los demás para sobrevivir.

Cada figura nos traslada a nuestra infancia, donde fruto de nuestra imaginación y de la influencia de lecturas juveniles creábamos islas desiertas donde compartiamos mil aventuras con el resto de los animales que la habitaban. En una especie de equilibrio en el que reinaba la armonía entre iguales.



NeoLucida, la cámara lucida reinventada como un clásico moderno a través de una plataforma de crowfunding


Descrito su mecanismo por primera por el fisico Johannes Kepler en 1.611, la cámara lucida fue patentada por Sir William Hyde Wollaston en 1.806. Para quien desconozca su funcionamiento se trata de un aparato óptico.

Empleado para reproducir y trasladar imagenes reales a un dibujo en papel. Básicamente el dibujo es un calcado de una imagen óptica proyectada sobre una superficie plana normalmente un folio.

Aunque su uso en la actualidad es anecdótica, limitandose al circulo académico siendo o utilizadas como recurso pedagógico por los estudiantes de arte. Que la utilizan para perfeccionar sus técnicas de dibujo. Debido a que practicamente son piezas de coleccionistas su precio desborda el presupuesto de cualquier estudiante o aficionado que precise usarla.
 


NeoLucida es un proyecto de tecnología social ideado por los profesores universitarios Pablo García del Instituto de Arte de Chicago y Golan Levin de Carnegie Mellon que se han unido para diseñar un prototipo actualizado de la cámara lucida.

Un aparato revolucionario en su momento y que se reinventa como gadget financiado con ayuda de los afiliados de la conocida plataforma social de crowfunding Kickstarter. 

El propósito de sus promotores es facilitar el acceso a sus estudiantes para la adquisición de este instrumento de dibujo, cuyo precio oscila entre 260 y 450 euros. Precios en muchos casos prohibitivos existiendo la posibilidad de que debido a su estado se pueda estropear.

Por poco mas de 30 dolares la nueva NeoLucida se compone de un prisma plateado, optimizado para obtener la mejor óptica, un soporte de aluminio anodizado personalizado que contiene el prisma. El cúal es soportado por un brazo de cuello de cisne altamente ajustable y una abrazadera de metal resistente. 

Inspirado en el diseño original la NeoLucida utiliza un perno roscado 1/4 -20 conectado al brazo articulado del prisma circular, lo que permite utilizarlo fácilmente como un soporte de cámara estándar. Para llevar a cabo este proyecto se han utilizado los modelos de la colección personal de Pablo, adquiridas en el transcurso de una década, piezas que datan desde 1.820 hasta 1.930, sirviendo de base para la investigación del diseño de NeoLucida.
 

Javier Riera - Naturaleza geométrica dentro de la luz


En las proyecciones realizadas por el artista asturiano Javier Riera existe un afán por delimitar el espacio geometricamente a través de la utilización de la luz, con las que crea sugerentes series con las que camufla el paisaje original. 

Este sucedáneo se inspira en las formas fractales que se pueden observar a escala microscopica de cualquier organismo vivo. En este caso la obra de Javier lo amplia exponiendoselo al ojo espectador de forma natural.

Introduciéndole en el fascinante universo de las geometrías, de las que esta compuesto cualquier ser orgánico a una escala perceptible adecuada para la capacidad visual humana.


Enmarcado en el movimiento Land Art, sus intervenciones son interpretaciones de un lenguaje donde la luz proyectada y ampliadas a través de diapositivas compuesta por geometrías abstractas que provocan una mezcla de sosiego y asombro, induciendo un estado meditativo donde la materia se transforma en el volumen paisajística.


Riera entiende la geometría como un lenguaje natural anterior a la materia, capaz de establecer con ella un tipo de resonancia sutil y reveladora.


El trabajo de Javier Riera se basa en proyecciones de luz de forma geométrica, realizadas directamente sobre la vegetación y el paisaje, trabajo que busca la relación entre geometría y naturaleza adquiere en este trabajo un carácter meditativo, apelando a una convivencia del público con el poder de sugerencia de la modificación del paisaje a la que asiste, que aspira a ampliar su percepción, tendiendo puentes hacia cualidades y dimensiones ocultas de los espacios en los que se produce. Riera entiende la geometría como un lenguaje natural anterior a la materia, capaz de establecer con ella un tipo de resonancia sutil y reveladora.


Desarrollan celulas solares fluorescentes que aumenta un 38 la absorción solar


Los anales solares existentes hoy en día en el mercado, están limitadas al menos del 20% de eficiencia en la conversión de luz solar en electricidad, y por lo general existe una correlación entre el aumento de eficiencia y el coste económico. Esta baja tasa se debe de eficiencia es debido a que los semiconductores presentan una limitación material que le impide captura todo el espectro de luz que se emite.


Dirigidos por el ingeniero André D Taylor un equipo de investigadores pertenecientes al Yale Climate & Energy Institute, ha logrado aumentar un 38% la eficiencia energética emplean un colorante orgánico fluorescente a las celdas fotovoltaicas, absorbiendo y convirtiendo la luz en energía reduciendo los costes de producción.

Este colorante conocido como escuaraína aumenta la absorción de luz y recicla los electrones, mejorando de la conversión de la luz en energía. Los resultados sugieren una nueva vía para el desarrollo de una nueva generación de células solares de bajo costo

Publicado en la edición de Nature Photonics este estudio revela un nuevo enfoque inexplorado. Las células solares son una tecnología que convierte directamente la luz en electricidad. Fabricadas utilizando diferentes polímeros basados en silicio,  son atractivos por su bajo costo, peso, área, y  flexibilidad mecánica. 
Pero son ineficientes perdiéndose la mayor parte de la energía principalmente debido a que sus redes de polímeros no están suficientemente alineadas como para permitir que la energía sea aprovechas. Basado en el mecanismo bioquímico de Förster de transferencia de energía de resonancia (FRET), los investigadores lograron un aumento del 38 por ciento en la eficiencia de conversión de energía.

Basadas en heterounión este polímero es capaz de migrar de una molécula a otra a través de largas distancias. El medio de contraste, que es altamente absorbente en la región del infrarrojo, amplíando el espectro de absorción de las células solares y mejora la transmisión de electricidad.

Esta tecnología permite a los diferentes materiales que absorben la luz para trabajar en sinergia dando lugar a redes de polímeros bien ordenadas, sin necesidad de post-procesamiento, en comparación con las células solares de polímeros tradicionales.

Esta estrategia resuelve varios problemas al mismo tiempo. Al combinar estratégicamente diferentes materiales que han sido utilizados con éxito para absorber energía solar, obteniendo tasas de alto rendimiento sin aumentar el coste de su producción.

Laura Ellen Bacon, el paisaje dentro del paisaje



Cada una de las esculturas realizadas por la artista británica Laura Ellen Bacon sugiere formas de crecimiento orgánico a partir de materiales naturales. En la que un huésped generalmente un árbol parece proporcionarle los elementos necesarios para su supervivencia en un medio hostil.


En este proceso simbiotico donde el espacio adopta una identidad paisajista que lo transforma en algo con personalidad y autonomía propia. La carga emotiva que transmite cada una de las instalaciones es equiparable.

A la de descubrir hasta ese momento un lugar desconocido en que cada visión es susceptible de asombro y motivo de exploración. De esta forma mimbre y tallos de bambú se tejen ciñéndose a las formas de tejos, olmos y castaños ademas de a las piedras milenarias.


En la intervención titulada The Swarm (El enjambre) una pieza temporal, creada sobre una pared de piedra seca cerca de un río. Laura confecciona una montura a medida del muro complementando la estructura original de piedra a la que viste destacando una simple piedra en el paisaje. 



Sin embargo en la intervención Split Forms en la que la artista invirtió mas de dos meses de trabajo, empleando una variedad de sauce local llamada Dicky Meadows. Mientras que las formas tienen un impacto desde el exterior del edificio. 


También se diseñaron para tener una presencia en el interior de su estructura arquitectonica con sus formas musculares presionando a través del cristal. Laura que cuenta con una amplia selección de libros y reportajes publicados, reside en la apacible localidad inglesa de Derbyshire. 

Se graduó en bellas artes en 2001 por la Universidad de Derby. Comenzo a hacer sus primeras obras sobre las paredes de piedra seca, posteriormente colonizo árboles, riberas y cercados. Lo que permite que la estructura elegida (ya sea orgánica o artificial) sea convertida en el anfitrión perfecto. 


Atenistas - Sepolia Park, ajardinando espacios en desuso para expresiones colectivas en Atenas


El termino crisis suele tener connotaciones peyorativas,  maxime en países como Grecia donde las consecuencias de la misma ha supuesto la precariedad para buena parte de sus ciudadanos y la practica desaparición de la clase media. 

Pero a pesar de que el contexto actual y las previsiones no son nada alagüeñas, capas importantes de la población civil se han unido creando un tejido cooperativo mediante el que canalizar proyectos dirigidos a mitigar las grandes carencias de todo tipo que ha provocado la crisis.


Planificado y urbanizado en el transcurso de una jornada matutina, el proyecto de Sepolia Park participaron alrededor de un centenar de voluntarios residentes en un distrito de Atenas que da nombre al parque comunitario. Logrando recuperar para uso publico una parcela que llevaba décadas en deshuso por parte de las autoridades municipales. 


Dirigido por miembros de la asociación Atenistas, la superficie sobre la que se intervino, un solar que media poco mas de una hectárea en pésimas condiciones de conservación y que suposo el desbroce previo de matorral y vegetación.  Realizado durante la ultima semana de Mayo de 2.013, Sepolia Park como muchas otras iniciativas gestionadas por Atenistas, se logro realizar con éxito gracias a las donaciones altruistas de diferentes entidades económicas y sociales y una cuenta crowfunding.


Desde primeras horas de la mañana los vecinos y vecinas distribuidos en varios grupos, a los que se les asigno una tarea Determinada. Con este método de trabajo se conseguía agilizar el proceso de trabajo. Sepolia Park se divide en dos zonas claramente diferenciadas por el material emplea en su urbanización.


En el área infantil se empleo piedra fina ligeramente pulida, facilitando su uso por parte de usuarios infantiles. En las áreas destinadas a jardines se esparció tierra y estiércol completandose con arboles que proporcionaran areas de sombra en los días calurosos. Delimitando las zonas de paso en las veredas se emplearon palets obtenidos de una obra próxima paralizada, debido a que la constructura se había declarado en quiebra.

Columpios, papeleras, balizas solares, neumáticos y bancos elaborados con maderos y troncos cortados completan el mobiliario. Para las muros que cierran parcialmente el parque se opto por una decoración alegre compuesta por series  de cuadrados pintados en diferentes colores.

Atenistas es una comunidad abierta compuesta por ciudadanos de Atenas, que aman su ciudad. Ellos creen que su iniciativa representa una opción para los ciudadanos de Atenas para que expresen su deseo de obtener una mejor calidad de vida mediante acciones reales. Las cuales incluyen parques pop-up, limpieza y renovación de edificios públicos (principalmente escuelas), intervenciones artísticas, seminarios, cursillos dirigidos a desempleados... 

Suscribirse a: Entradas (Atom)