Da Mind Tree, limpiando el EverestEverest de basura y reciclandola con arte


El pico Everest en la cordillera del Himalaya en las ultimas décadas ha pasado de ser un reto  simbolizado por ser la montaña mas alta del planeta tierra, a convertirse en un destino turístico para espíritus libres. 


Como consecuencia se ha pasado de la organización de unas cuantas expediciones por temporada, en las que el reto deportivo se mezclaba en ocasiones con la investigación científica, a una  situación insostenible desde el punto de vista ecológico, debido  a la acumulación de residuos abandonados por las decenas de expediciones que se organizan anualmente. 

Para reducir la mancha ecológica y el impacto medioambiental sobre un área de especial protección, se puso en marcha la iniciativa Saving Mount Everest Clean-Up Expedition llevadas a cabo durante las primaveras de 2011 y 2012 por la Everest Summiteers Association, una expedición formada por 65 porteadores recogieron y trasladaron en yaks hasta ocho toneladas de basura.

Una de las piezas de la colección Da Mind Tree, hecha con la basura recogida en el Everest

Tras realizar una selección de piezas quince artistas nepalies de un total de 75 esculturas, que fueron las que han formado parte de la exposición Proyecto Everest Art 8848 organizada por Da Mind Tree en la ciudad de Kamandu. Las piezas de diferentes tamaños salieron en subasta a precios que oscilaban entre los doce y los cien mil dolares.


Según la responsable del evento  Kripa Rana Shahi, el propósito es crear concienciar respecto a un área de especial protección como es el monte Everest y su entorno,  y que mejor que hacerlo que a través de una actividad artística, donde se combina el reciclaje y la creatividad.


Entre los muchos restos que se rescataron, un helicóptero que se estrelló en mil novecientos setenta y cuatro, mientras llevaba comida para los escaladores italianos. En total más de cuatro mil personas han escalado los 8.848 metros de altura que alcanza el coloso blanco, que se extiende entre Nepal y China, y cuya cima fue conquistada por primera vez por Edmund Hillary y Tenzing Norgay en 1953. 
Una pieza monumental se instalará en el Museo de las Montañas Pokhara. El título de este trabajo ya ha sido anunciado como La Puerta del Himalaya.





Desarrollan células solares orgánicas y reciclables


Las células solares se han convertido la manera más respetuosa con el medio ambiente para el aprovechamiento de energía y generar electricidad sin emisiones. Sin embargo, la fabricación de placas solares representan la paradoja de ser bastante anti-ecológica suponiendo un excesivo consumo de recursos hidráulicos y materias primas. 

Dirigido por el doctor en ingeniería Bernard Kippelen un equipo de   investigadores que trabajan actualmente en el Centro de Fotónica y Electrónica Orgánica en Georgia Tech en colaboración con la Universidad de Purdue afirman haber desarrollado células solares a partir de materiales vegetales.

En la actualidad el tratamiento de los residuos que producen la sustitución de las placas solares obsoletas por otras mas eficientes y avanzadas tecnologicamente, supone un desproporcionado impacto ecológico debido a que los materiales con los que están fabricados los componentes de las placas solares son muy dificiles de reciclar.

Utilizando los mismos sustratos orgánicos básicos que usan las plantas para el proceso químico que facilita la fotosíntesis, las nuevas células solares orgánicas convierten alrededor de 2,7% de la energía solar que reciben en electricidad. El número es bastante impresionante si tenemos en cuenta que se tratan de materiales químicamente orgánicos.

Una estructura fácilmente biodegradable llamada nanocristales de celulosa se utiliza para montar estos sustratos orgánicos que permiten que las células solares puedan ser recicladas usando nada más que agua caliente en su tratamiento. El equipo de investigación conjunta ha creado así una forma más respetuosa del medio ambiente para crear y reciclar la tecnología que se utiliza para proporcionar energía verde.

El equipo ahora está trabajando en tratar de obtener estos sustratos orgánicos para convertir la energía solar de manera más eficiente y, llegando a los dos dígitos de eficiencia de conversión energética en un plazo razonable. El grupo planea lograrlo mediante la optimización de las propiedades ópticas del electrodo, recubriendo estas células con una capa delgada con el propósito de proteger las células contra el agua y el oxígeno al que están expuestas.

Thomas Lamadieu - Skyline, el edificio como marcó para un retrato


Cuando vamos caminando por la calle, los peatones no tenemos por costumbre de alzar la vista por lo que nos perdemos una parte importante de lo que nos rodea. 

El artista digital Thomas Lamadieu sin embargo utiliza esta perspectiva, para mostrarnos la ciudad desde otro punto de vista. Ofreciéndonos un conjunto de fotografías que nos revela un fragmento a la cual y por lo general no solemos acceder.

Sus fotomontajes redibujan el paisaje de la ciudad,  mediante la aplicación de técnicas de fotocomposición digital, por las que yuxtapone fotografías realizadas en tonos tenues con ilustraciones hechas con estilográfica. 


Con este contraste entre el blanco y negro de los dibujos sobre escenarios urbanos reales, consigue el efecto de maximizar el campo visual. Unas veces desde una posición cenital y otras de frente. 

Thomas contextualiza las estructuras arquitectónicas como si fuera un molde a las que adapta las formas de ilustraciones con las que humaniza el espacio publico, rellenando las con retratos a cuerpo entero de ciudadanos anonimos. 

De esta forma el espacio vació adopta un papel activo, cornisas, patios, charcos de agua o la recortada silueta de un skyline se ocupan con volúmenes con figuras planas que rellena el horizonte.


Tsang Kin-Wah - Ecce Homo I, un análisis de la prensa y sus segos


Ecce Homo I forma parte de una serie compuesta por tres instalaciones, a través de las que el artista chino Tsang Kin-Wah realiza algo tan inusual como un análisis de los elementos implicados en un proceso judicial. 

Utilizando como medio de expresión diferentes tipografías que se cruzan sobre el plano blanco de unas paredes que dan forma a unas habitaciones desnudas de mobiliario, en las que únicamente hay varios espejos. Los cuales reflejan los conjuntos de letras desordenadas.

Los cuales representan conceptualmente una metáfora de la confusión que a veces tiende a provocar la prensa tanto la tradicional, como la que se ha incorporado debido a los nuevos nichos informativo que ha supuesto la irrupción de la era digital. Suceso que paradojicamente lejos de pluralizar el acceso a los flujos de información enriqueciendo el contexto que se ofrece de la misma, la ha empobrecido.


Realizadas a lo largo de 2011, Tang reflexiona sobre el papel de los entes mediaticos y su influencia en el desarrollo de cualquier tipo de causa jurídica. Al mismo tiempo, trata de representar las emociones del sujeto que está siendo objeto de juicio, y la atmósfera densa y tensa a lo largo de todo el proceso. 

Exhibida en 2012 en la sede que alberga la programación de Pearl Lam Gallery en Hong Kong. Inspirada en los sucesos  que precipitaron el derrocamiento y posterior juicio sumarísimo que supuso la ejecución del dictador comunista Nicolae Ceausescu, el cual gobernó Rumanía hasta la caída de la Unión Sovietica.


Tomando como fondo documental la casi mitológica frase Ecce Homo, utilizada por Poncio Pilato para sentenciar a Jesús en público antes de la crucifixión, la cual sirvió de inspiración para titular uno de los más manuales marxistas que más se consultan escrito por Nietzsche y que especula sobre el juicio final de Jesús y la filosofía de Nietzsche, los partes de prensa y las imagenes de televisión que se emitían de forma torrencial y en la mayoría de las ocasiones desde una optica sesgada y escasamente rigurosa, del derrocamiento de uno de los dictadores comunistas más déspotas de la antigua CCCP. Critica el papel de la prensa en la actualidad y su deriva idiologica. 

En este proyecto in situ se explora el tema del juicio y, en particular, la complejidad moral a la la hora de describir los hechos que acontecen de forma objetiva. Y hasta qué punto compromete nuestra dignidad como seres humanos. Tsang obliga al visitante a participar en la obra incitandole a la reflexión consciente en calidad de observador, pretende a través de la empatia ponerse en el lugar del otro y cuestionarse sus perjuicios morales.


The Recycled Orchestra, la historia humana de la Orquesta del Reciclaje



Las primeras formas de música de las que se tiene constancia se interpretaron utilizando instrumentos, elaborados con técnicas muy rudimentarias y materiales que por sus propiedades ofrecían unas prestaciones muy limitadas. 

Seguramente Bach hubiera tenido serias dificultades para crear composiciones tan sublimes y delicadas como su emblemático Preludio numero I, con este tipo de instrumentos tan rudimentarios y arcaicos. 

Pero sin embargo para los miembros de la jovencisima orquesta The Recycled Orchestra (La Orquesta reciclada), representa no solamente un handicap o reparo. Sino todo un aliciente interpretar sus partituras con instrumentos fabricados con materiales procedentes de reciclaje. 

Una experiencia singular a la vez que comprometida con su comunidad, la que tiene su origen en una pequeña aldea llamada Cateura, uno de los barrios más pobres de América Latina. 


Situado justo en las afueras de Asunción, Paraguay. Cateura está construida sobre un vertedero. Aquí, la gente vive en un mar de basura siendo la principal fuente de ingresos para buena parte de la población. 

De entre todos esos recolectores de basura uno, Nicolás Gómez (conocido como "Cola") encontró un objeto entre los restos de un contenedor de basura. Que por su forma parecía un violín y se lo llevó al músico Favio Chávez.

Guitarrista ocasional y que había sido destinado como técnico de medio ambiente, para realizar un estudio. Cuyo objetivo era el desarrollo de un proyecto de reciclaje en la zona.


Siendo el embrión y origen de la formación The Recycled Orchestra, una agrupación que desde su creación ha sido fiel a su concepción. Fabricando todos y cada uno de sus instrumentos. 


Formada exclusivamente por miembros en edad escolar, compaginan sus estudios con su participación en las actividades con la orquesta. En las que muchos de ellos han encontrado una familia donde apoyarse.

Esta historia de superación esta ahora siendo documentada a través de un proyecto audiovisual titulado Landfill Harmonic. Una idea que nace como consecuencia de un viaje realizado por los productores Alejandra Amarilla Nash y Juliana Penaranda-Loftus.

Que en 2009 en el transcurso de un viaje quedaron entusiasmados con las piezas interpretadas con estos instrumentos reciclados. Tras cuatro años de buscar financiación infructuosamente, deciden recurrir a este instrumento mágico llamado Internet para producir el documental. 

Logrando los recursos económicos con los que rodar el documental, que en estos momentos esta en fase de rodaje y del que ahora podéis ver AQUI un pequeño extracto del mismo.

En Landfill Harmonic se nos muestra desde un punto de vista humano, aparte de la historia de la orquesta. El proceso de diseño y elaboración de cada instrumento. Desde la recolección de los materiales hasta las pruebas de sonido y afinación. 

En otro bloque del documental se centra en realizar un retrato de los componentes de la orquesta en clave testimonial, narrando lo que supone para ellos participar en la orquesta. La mayoría de los chicos que participan en el rodaje son de Cateura, un pueblo esencialmente construido sobre un vertedero.

Por lo tanto la mayoría son recolectores de basura, que navegan entre los deshechos buscando chatarra o cartones. Siendo un lugar donde la precariedad representa el caldo de cultivo perfecto, para que los niños corran el riesgo de involucrarse con drogas o las numerosas pandillas que hay en la zona. 

Por lo que la orquesta les ha ofrecido a estos niños y jóvenes, una nueva alternativa de ver el mundo desde otra perspectiva alternativa a la que ya conocen enriqueciendo sus vidas.

 

Arup construye la BIQ House, el primer edificio que genera energía a partir del cultivo de algas

Situada en la ciudad alemana de Hamburgo, el edificio BIQ House incorpora una solución biotecnologica mediante la que se gestiona la climatología de la estructura del edificio. 

Diseñado por la oficina de ingeniería y arquitectura global ARUP. El proyecto anunciado hace tres años pretende convertirse en un estándar en la utilización de nuevos materiales de construcción.

La fachada verde está integrada por algas productoras de biocombustible. Realizada en colaboración con los estudios Splitterwerk, Colt Internacional y SSC Strategic Science Consultants. La estructura que emite cero emisiones de carbono. Funciona a partir de un sistema de persianas Bio-reactivas con algas. 

Además de proporcionar sombra para el interior del edificio, las persianas también permiten el crecimiento de algas de forma in-vitro y por un método que agiliza se crecimiento. Al mismo tiempo, el sistema proporciona aislamiento para la construcción y evita la contaminación acustica.


La construcción del edificio vino precedida de un estudio realizado por la propia Arup titulado It's Alive. Que analizaba como los descubrimientos en bioconstrucción transformarán la estética y el modo en que se gestionan los edificios en un plazo que cubre los próximos cincuenta años. 

Acontecimientos que van desde la incorporación de elementos robóticos a su mantenimiento. Pasando por la autonomia alimentaria mediante el cultivo y procesamiento de productos destinados al consumo humano en huertos urbanos. 


Al mismo tiempo, se prevé, el aumento de los dispositivos inteligentes. Sistemas basados en circuitos cerebrales que les permiten ajustarse automáticamente a las necesidades de sus habitantes.

Ese estudio también pronostica la reconversión del parque inmobiliario existente en un modelo evolutivo y simbiotico, que responde y se adapta a las condiciones que existen en su entorno. 


Situado en Hamburgo, Alemania (Am Inselpark, 17) El edificio BIQ House Esencialmente funciona como un organismo vivo reaccionando al medio ambiente local y la relación entre sus residentes. La Casa BIQ representa el primer paso importante hacia esa visión.


El edificio cuenta con biorreactores integrados en el panel de vidrio de la fachada. Cada uno de los biorreactores es una incubadora que contiene algas que generan biomasa y calor como fuente de energía renovable. 

También contribuyen a aislar el edificio termicamente y acusticamente. Los paneles están controlados por un centro de gestión de la energía en el que se cosechan calor solar térmica y algas, que se almacena para ser utilizado para generar agua caliente.

Las zonas verdes es otra de las características del edificio, ayudando a fomentar la biodiversidad en el espacio publico, mientras que los sistemas de agua se optimizan para el reciclaje y la reutilización reduciendo la emisión de partículas de contaminantes al medio ambiente.


Velokafi, tomarse un café en Zurich mientras te desplazas en bicicleta


Zurich en Suiza es una ciudad planificada urbanisticamente para poder recorrida en bicicleta, cuenta con un red compuesta por carriles bicis que permite a sus ciudadanos recorrer practicamente toda la ciudad sobre dos rueda.

Un tercio de todos de los residentes en Zurich utilizan la bicicleta una media de dos veces por semana, contando con una de las infraestructuras mas modernas de Europa, que incorpora innovadoras mejoras como semáforos que reconocen automáticamente la presencia de bicicletas cediéndoles el paso respecto al resto de los vehículos. 

Sin embargo, la ciudad quiere llegar aún más en el fomento del uso de la bicicleta como medio de transporte, a través del desarrollo de un plan que preve que para el 2025 el uso de la bicicleta haya desplazado al vehículo privado.




Plan Urbano 2025 contempla la puesta en marcha de diferentes iniciativas que incidan en la vida social de la ciudad, a través de la incorporación de elementos en el mobiliario urbano, que supongan un incentivo para los ciclistas, incluso en las actividades de ocio y tiempo libre como la de tomarse un café o un refrigerio en un bar. 


Velokafi es en innovador concepto en Zúrich que combina la bicicleta y el café! Se trata de una iniciativa cuyo objetivo es promover ciclismo en el espacio publico añadiendo atractivos relacionados con el consumo.

Al igual que la versión un drive-in que permite a los comensales de un restaurante comer sin salir de su coche, Velokafi es un soporte que permite a los ciclistas disfrutar de un café sin bajarse en sus paseos sobre las dos ruedas. Fabricado en madera el Velokafi es un parking para bicis que equilibra la bicis-tand incluye una mesa, y rieles laterales para descansar los pies.




Hands Project in Barcelona, arte comprometido contra la crisis


Desde que se inicio oficialmente la crisis en 2008, han existido múltiples y diversas manifestaciones artísticas que han reflejado esta situación. Realizada por los artistas Octavi Serra y Mateu Targa, con la ayuda de Daniel Llugany y Pau Garcia

El proyecto titulado Hands Project se enmarca en este contexto de depresión social y económico. En este caso lo hace en clave de denuncia, tratándose de intervenciones realizadas en la ciudad de Barcelona, que se caracterizan por una mezcla de lirismo y compromiso activista. 

Cubriendo una serie de reinvicaciones en las que utilizan el espacio publico como altavoz y campo de operaciones urbano. Todas y cada una de las manos ubicadas de forma furtiva, son actuaciones que tienen en común un hilo conductor como argumento simbólico y cuya tensión visual puede llegar a ser peturbadora.


Una mano mostrada en diferentes posiciones, pero siempre vinculada al valor del dinero y a como nos afecta. Elaboradas en escayola, cada figura ha tenido que ser realizada a partir de su propio molde para que adopte la forma e intención deseada por los autores. 

Situadas en lugares específicos de la ciudad, localizaciones a través de las que visualmente se refuerzan el mensaje explicito de cada intervención, y a los que se pueden acceder a su localización desde este callejero en el que se ubica cada pieza. 

Hands Project surge tras reencontrarse en 2012 en Barcelona los autores, que estaban en otros lugares por diferentes motivos y donde los efectos de la crisis habían tenido diferentes efectos y consideración. El ser observadores del grado de indignación y deterioro que había producido la crisis entre los ciudadanos de Barcelona.
 Actuó como detonante decidiendo realizar este proyecto, con el que pretenden mostrar su descontento con la forma en como se esta gestionando la crisis 




AtelierD - K-abeilles Hotel for Bees, un santuario para evitar la extinción de las abejas


Diseñado para la ultima edición del Muttersholtz Archi Festival celebrado en Septiembre de 2012. Una muuestra de arquitectura sostenible que se celebra en las afueras de la localidad Frances que da nombre al festival. 

K-abeilles Hotel for Bees es un refugio reproductor destinado a la conservación de este insecto que se encuentra en peligro de extincion. Pabellón formado por módulos hexagonales que se presento a concurso. 

Se trata de una estructura inspirada en los paneles exagonales de las abejas. Diseñado por el estudio AtelierD. Sus autores pretenden llamar la atención sobre el grave problema que esta afectando a la supervivencia de la especie, debido fundamentalmente a los efectos del cambio climático.


Construido en madera sus piezas en forma de panal, sirven como pabellón de recreo y refugio para los visitantes y excursionistas. Con una superficie útil de veinte metros cuadrados, el pabellón cuesta con dos zonas.

Aparte de madera se utilizaron en su construcción  ladrillos de arcilla, ramas, cañas, corteza y pajas. Los materiales compactados crean lugares ideales para las abejas silvestres que  buscan refugio. 


Las abejas salvajes son tan importantes para la polinización en la naturaleza como la variedad más domesticada y proyectos como K-abellies favorecen su conservación. 


Desde la parte trasera de los visitantes del pabellón también se pueden observar a las abejas de cerca y ver cómo evolucionan. El Hotel K-Abeilles para  abejas es una colmena de abejas que actúa como un refugio tanto para las abejas como para los visitantes.


Proyecto Carma, como convertir un Mercedes en una bicicleta

Cada año millones de vehículos son desguazados, triturados y prensados, coches viejos o abandonados que tras cumplir su ciclo vital se transforman en laminados para diferentes industrias. 

Proyecto Carma es una iniciativa que hace algo parecido, pero en su caso aplican la artesanía para a partir de las piezas extraídas de los vehículos fabricar bicicletas únicas.

Esta actividad que comenzo como un hobby en el que dos amigos empleaba buena parte de su tiempo libre, debido a la expectación creada se ha convertido en un prospero negocio, que utiliza como materia prima todo el material reciclado de todo tipo de vehículos.


La idea empresarial desarrollada por el emprendedor Leo Burnett, es fruto de la colaboración del colectivo ciclista Ricl a Bicicleta y la publicación especializada B-Culrura da  Bicicleta con sede en Lisboa (Portugal) y que se edita trimestralmente.


El proceso para la creación de cada bicicleta, se inicia con el diseño y la selección de las piezas de los vehículos, con las que se montara cada modelo único. Al ser modelos únicos su diseño y montaje son encargos particulares cuya entrega precisa la colaboración del cliente.


Aparte cuentan con una linea de accesorios para ciclistas, como por ejemplo guantes, viseras o bandoleras a precios muy económicos. Los servicios que ofrece Carma, se completa con un taller de reparaciones donde arreglan cualquier tipo de marca aparte de las propias. El objetivo es mejorar la movilidad de la ciudad y ayudar al cuidado del medioambiente.


Jon Kessler - The Web, el individuo frente a la tecnologia y su folklore


The Web es la instalación del artista Jon Kessler se trata de una experiencia en la que el elemento principal es la tecnología, intervención con la que el autor quiere mostrar hasta que punto influye en nuestros habitos y nuestras relaciones sociales todo lo relacionado con la era digital. 

Compuesta por elementos digitales, cinéticos y pantallas de ordenador alojadas dentro de una estructura de madera. En la que Kessler ha montado iPads, iPhones y otros equipos de Apple, mientras que las cámaras de vigilancia giran hacia atrás y adelante sobre soportes rotatorios.

Creando un perímetro supuestamente seguro que sin embargo no puede evitar que se oiga el zumbido silencioso de la maquinaria, que se ve interrumpida por el sonido emblemático de inicio un ordenador de Apple. El cual nos alerta como visitantes de que estamos inmersos en la nueva epifanía del siglo XXI.


En exhibición hasta el 28 de Abril en el Swiss Institute Contemporary Art de New York. Los visitantes también pueden descargar una aplicación para el iPhone, para poder exhibir las imágenes de su teléfono en los monitores. 


Monitores de televisión que apilados crean un caleidoscopio de imágenes, en el que los visitantes sin que ellos sean conscientes aparecen formando de una narrativa donde su identidad deja de ser anomima para a ser de dominio publico.


En las obras de Kessler a menudo se trata las relaciones sociales en un contexto contemporáneo, y la influencia de la tecnología y su utilización política desde  un punto irónico. Creando un relato crítico a la vez que comprometido en el que recurre a modos de presentación donde utiliza materiales de deshecho.


Convirtiendo la sala en un salón tecnológico de los espejos, el montaje de vídeo en directo y grabado produce un bucle confuso de personas que se observan a sí mismos y de paso a los demás. Mientras que ellos también son vigilados por esas mismas cámaras.


Jon Kessler empezó su trayectoria como becario en el instituto Guggenheim, en 1996 ocupo plaza como profesor en la Escuela de la Universidad de Columbia de las Artes. Esta actividad docente la ha compaginado con su carrera como artista exponiendo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1986), el Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh (1991), y el PS 1 en Nueva York (2005), entre otras. 


 

Fernanda Canales + Arquitectura 911 - Centro Cultural Elena Garro, una combinación perfecta de arquitecturas restauradas y cultura



Aprovechando la fachada de una casona de estilo colonial construida a principios del siglo XX, los estudios Fernanda CanalesArquitectura 911 han realizado un proyecto de dotación de equipamientos culturales en Cayoacán un distrito de México D.F., una zona acomodada de la ciudad que cuenta con varios edificios que por su valor arquitectónico, han sido declarados como patrimonio de especial protección.

Situada en una finca abierta a la calle rodeada de vegetación y setos, la obligación de respetar la integridad de la estructura original del edificio, provoco que se optara por una solución que ocupara parte de la parcela exterior para construir la Centro Cultural Elena Garro.

Creando un cubo de hormigón que define metricamente el edificio ocultando la fachada original en un segundo plano, y permitiendo la visualización de los estantes dedicados a catalogar los 20.000 libros que forman parte del índice de la colección de la biblioteca y los puestos de venta de la librería, mediante una gran cristalera que ocupa la totalidad de la fachada.



MILES DE LIBROS ENTRE ARBOLES CENTENARIOS   

Realizada en una sola planta se ha respetado los arboles centenarios, abriendo oquedades en la cubierta del edificio añadido. Desde el exterior del edificio se percibe como un gran vestíbulo público donde los libros, la vegetación y la fachada de la mansión se exhiben, sirviendo como preámbulo para el resto del equipamiento cultural.



El proyecto se distribuye en tres bloques principales, la parte delantera con un techo de triple altura es casi un espacio exterior. La casa destinada a ser una biblioteca, se convierte en un espacio de transición a la parte posterior, donde se sitúan el auditorio, aulas de estudio, servicios, oficinas y aparcamiento. 


Desde el exterior del edificio se percibe como un gran vestíbulo público donde los libros, la vegetación y la fachada de la mansión se exhiben, sirviendo como preámbulo para el resto de las instalaciones a las que se accede por una rampa con una pendiente leve que permite el acceso de todo tipo de publico.




Swarte - One Square Meter of Roots, retratos desde la raíz y de supervivencia


Cada una de las obras que forman parte de la colección One Square Meter of Roots del dúo artístico Swarte  con sede en Bucarest (Rumania), hace referencia a una condición humana; la maternidad, el trabajo, la inmigración, el trabajo, la libertad, el misticismo, la educación, el arte...

Cada composición esta completada con un texto descriptivo y su respectiva moraleja. El maquillaje y escenificación utilizado se basa en la documentación aportada tras una ardua investigación que ha abarcado el estudio de mas sesenta tribus del todo el mundo. Lo que supone una enorme cantidad de información que tras ser organizada nos dio como resultado un fresco de la gran diversidad de comunidades que todavía quedan en nuestro sociedad.

Y de la que debido a la inercia y vorágine de ese proceso social-cultural y económico que conocemos como globalizacion permanece en muchos casos ajena y al margen de nuestra cotidianidad, como si fueran antecedentes culturales que ya han desaparecido. Hecho que está muy distante de ser una realidad y que gracias a proyectos como los de la artista visual Corina Olaru y la diseñadora conceptual Manuela Volpescu.

Tenemos la oportunidad de constatar a través de esta serie de retratos donde los gestos reúnen una serie de matices que  a pesar de estar camuflados por la aplicación de un elaborado maquillaje, nos logra transmitir todos y cada una de las inquietudes y antecentes tribales y etnograficos que hay detrás de los miembros de todas y cada una de las comunidades que han inspirado. Esta selección de fotografías donde la plasticidad proyectada por las miradas nos habla de un ancestro comun.



El cual despierta de su silencio al calor del fuego fatuo creativo para invocar la palabra que se eleva y engarza un retrato, donde los términos comunión y memoria sirven para que nosotros como espectadores podamos tomarnos nuestro tiempo y contemplarnos a nosotros mismos. Acto que como es lógico provocará diferentes emociones dependiendo del enfoque del observador.

A través de historias como la de la etnia Jarawa que en diciembre de 2004, padeció un maremoto de tremendas proporciones que sacudió el Océano Índico, causando una gigantesca ola de tsunami que trajo muerte y devastación a las costas de innumerables islas y regiones vecinas. Cientos de miles de personas que habitaban las islas Andaman perdieron la vida tras el tsunami salvándose sólo unos cuantos cientos de miembros pertenecientes a los Jarawa, Onge y Sentineleses. Que habían recibido una revelación por parte de los chamanes de la tribu del desastre inminente y escaparon a las regiones más altas de la isla.


One Square Meter of Roots reúne a más de 70 tribus de todo el mundo que pese a los avatares pudieron sobrevivir y conservarse a lo largo del tiempo. El equilibrio entre emociones y símbolos varía de una obra a otra, ofreciendo reflexión personal e identificación desde y hacia el espectador con el mensaje y la historia de cada obra explicada. 


Basado en preferencias personales, uno puede decidir crear un viaje íntimo fuera de él, o reconstruir todo el proceso de una manera más introspectiva, mientras decide abordarlo junto con los demás o no. De cualquier manera, la resolución final debe convertirse en un compendio de recuerdos y sentimientos, una idea preciada sobre cosas que los individuos, separados o como grupo.

Que reunidos o no desean recordar y convertir en realidades esas asombrosas y por momentos desconcertantes cosas con las que sueñan. El fundamento de toda la visión radica en esta idea de que el recuerdo puede revertir determinados hábitos remitiendonos a un pasado más o menos próximo donde nos sentíamos más satisfechos con nuestro estilo de  vida.  

Este recorrido vital pretende embarcar al espectador en un viaje que hace escala en diferentes aspectos de la actividad humana, para eso las autoras vinculan cada pieza con un símbolo. En el que el lienzo es el propio cuerpo, que es pintado utilizando antiguas técnicas étnicas, a través de la que te describe facetas universales del individuo y su relación con sus congéneres.

Swarte es una iniciativa abierta a la imaginación, transformado imágenes mentales en arte, que sólo puede ser percibido cuando se involucra a los cinco sentidos a la vez. Conectándote con una gran cantidad de ideas, visiones y sueños que es traducido en obras que te conectan con tu yo mas intimo, a la vez que con lo más universal que reside en todos y cada uno de nototr@s
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