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SLIDES, el primer proyecto de África para el Solar Decathlon Europe


Cuando queda poco mas de un mes para la edición 2.012 del Solar Decathlon, cita en la competición diferentes universidades del todo el mundo, con proyectos que combinan las ultimas técnicas en arquitectura y la mas innovadora tecnología en energías renovables, repitiendo sede en Madrid, aunque en una ubicación diferente. 


Se van confirmando los equipos participantes, para la presente convocatorias existen un par de novedades, es que no se ha presentado ningún equipo representando a las universidades americanas, la razón quizás hay que buscarla en que la organizacion ya cuenta con un evento similar en los Estados Unidos, y la inscripción después de mucha incertidumbre, del primer equipo Africano que participa en la Solar Decathlon Europe.


Representando a la Universidad Americana de el Cairo en Egipto, su proyecto de vivienda solar Slides, que debido a los acontecimientos relacionados con la primera árabe sucedidos en 2.011, y por los que casi retiran su candidatura, debido a la falta de financiacion, para desarrollar un prototipo, que es producto de la fusión de la arquitectura tradicional árabe, con elementos mudéjares, sobre todo en carcasa exterior, una practica estructura móvil, que facilita la climatización en su interior. Y  la incorporación de soluciones verdes en el suministro energético del edificio.


La fachada de doble capa perforada, fundida en un tono arena con infusiones de color amarillo. Las perforaciones de celosía son un rasgo arquitectónico árabe, pero también cumplen la función con la que se regula la ganancia solar creando sombra. Los paneles se pueden deslizar para ajustar los niveles de sol que penetran en el interior.

En el diseño y montaje de la vivienda han participado 50 personas, coordinadas en diferentes turnos por el Dr. El-Gabry, verdadero promotor e impulsor del proyecto. El equipo de  estructura ha estado llevando a cabo pruebas en un polímero reforzado con fibras para el material de construcción. El compuesto está hecho de plástico reciclado cuyo origen son residuos y desechos de madera. 

El plástico utilizado para el refuerzo está elaborado con bolsas de plástico de desecho. La madera proviene de los residuos de desecho producidos en los talleres de carpintería locales. El otro material con el que ha estado investigando y que tiene que ver con el antiguo Egipto, es el papyrus. El equipo ha explorado el uso del papiro para la fabricación de la pantalla móvil de la casa.



Slides está totalmente alimentada por el sol, con un techo revestido de paneles solares térmicos y células fotovoltaicas. En conjunto, se convierte en una estructura de energía neta cero, proporcionando energía suficiente para mantener un sistema de refrigeración muy necesaria en zonas desérticas. La escasez de agua también es común en la zona, por lo que un filtro de aguas grises recicla el agua para riego por goteo y aseos.


Un sistema de calefacción y sistema de refrigeración pasiva. regula durante el verano la temperatura, la pantalla se mantiene cerrada por día para minimizar el calor que entra en el interior, mientras que una salida de ventilación en el techo del edificio ofrece una vía de escape para el aire caliente. en la noche, las ventanas se abren para permitir la circulación de aire fresco. Durante el invierno, la pantalla se mantiene en posición abierta para maximizar la captación solar y la absorción de calor, mientras que al calor de la noche es almacenado en el suelo de la masa térmica utilizándose para calentar el espacio interior.






Chiharu Shiota/Ventanas al pasado, para no perderse en la memoria



Creadas a lo largo de la primera década del siglo XXI, por la artista japonesa Chiharu Shiota. El triptico de instalaciones compuestas  Room of Memory, Flowing Water o House of Windows. Tres actuaciones que guardan cierto paralelismos no solamente en lo estético, sino en lo concentual.

Y como es evidente en lo relativo a la selección de materiales. Pues están realizadas con marcos de ventanas reutilizadas, dispuestas en diferentes estructuras arquitectónicas. Son instalaciones esquemáticas y monumentales representando cierta uniformidad, el otro es la memoria y el olvido.

Producto del sueño, las huellas del pasado de una infancia, donde Shiota fue testigo de excepción del incendio de la casa de sus vecinos. Siendo testigo de como ardía un piano, tragedia que se grabo en su mente todavía inmadura. 

Shiota utiliza diferentes medios para dar contenido a su obra y su poder simbólico. Pero en este caso las instalaciones realizadas enteramente de marcos de las ventanas, están hechas en Berlín. Shiota reune estas ventanas para formar una nueva estructura arquitectónica.

Que hace referencia a un acontecimiento histórico, como fue la demolición de edificios que sucedió tras la caída del muro de Berlin en 1989. Estas imágenes, estas ventanas son aberturas por las que las personas que vivían en el antiguo Berlín Oriental miraban al otro lado soñando con una vida diferente en otro tiempo y espacio. Imbuido de los recuerdos de sus antiguos propietarios, que ahora actúan como huellas, cicatrices de lo que sucedió antes.

Ben Sollee, un músico en bicicleta por la America mas profunda


Los paisajes sus olores,  sus texturas, las sombras que proyectan, los objetos, sus texturas y formas, el carácter y miradas de la gente de los lugares donde hace escala con su bicicleta, y por supuesto los sonidos que forman de todos y cada uno de las ciudades y pueblo.

Donde el músico Ben Sollee nacido en Kentucky, interpreta sus canciones, que cuentan historias, sencillas, próximas, donde las melodías evocan serenidad y madurez, mezcla de Jazz y Folk.

Llegué a la bicicleta como un músico. La mayoría de mis técnicas de conducción e incluso el conocimiento de reparación han sido interpretadas a través de mi experiencia como instrumentista. Identifico con tensión de la cadena con las cuerdas de mi cello.


Con cuatro discos editados y a punto de editar su próximo trabajo titulado Half Made Man. Este moderno trovador de ciudad, siempre que el recorrido de la gira lo permite y las distancias  no son muy largas entre las ciudades donde tiene programado un concierto, empaqueta sus bártulos, entre los que le acompaña su inseparable violoncello y se embarca en su siguiente proyecto, realizando un recorrido vital en el que  el viaje en bicicleta complementa a su faceta artística y viceversa.


Half Made Man, album que esta presentando en la gira

Su estilo es una mezcla de la música de los Apalaches, que oyó durante su infancia en su ciudad natal y R&B que completa con su voz y unas letras reflexivas, creando un nexo entre las comunidades que visita y la música que compone. Ben ha compartido escenario y/o estudio de grabación con artistas como My Morning Jacket y Bela Fleck.


Las canciones son producto de los lugares donde reside y los elementos con los que se relaciona, nos transmiten las múltiples facetas de un ser humano y el mundo que le rodea. A medida que viajamos con el narrador no revela todo acerca de sí mismo, de lo que ve, de lo que escucha, de lo que le preocupa o de lo que le emociona.

Pese al esfuerzo físico y exigencia que supone, este modo de realizar las giras, en ocasiones llegas justo coincidiendo con el inicio del espectáculo, y de como esa falta de puntualidad puede afectar econimicamente al proyecto. Ben sostiene que con la experiencia y el conocimiento se puede realizar una plantificación, acoplando los horarios al medio que se utiliza para los desplazamientos en este caso la bicicleta y un remolque para los instrumentos. Sin embargo, las recompensas, se encuentran en la satisfacción personal y la respuesta positiva de la gente.







Marco Stefanelli - Brecce, arboles reciclados con iluminación LED


Para su colección Brecce, el diseñador italiano Marco Stefanelli ha ideado una ingeniosa manera de reciclar los  desechos madera del aserradero.


Transformándoles en tacos de resinas resinas perfectamente esculpida, a los que añadido iluminación LED incrustadas. Las lámparas obtenidas conserven el carácter orgánico de su forma original.


Presentando un diseño original y eficiente energeticamente, cuyo concepto además de cumplir funciones decorativas, se pueden instalar en exterior.


Un interruptor clásico sin duda habría amortiguado el romanticismo del objeto; para encender el Brecce y modular la luz no debe presionar los botones, sino simplemente acariciar el clip de metal, conectado a un sofisticado sistema.


Marco Stefanelli es un artista y diseñador turinés. Nacido en 1974, desde 2006 experimenta con materiales con diferentes poéticas: la maleabilidad de las resinas, la naturaleza orgánica de la madera, la expresividas del metal. 


La investigación sobre cementos y pigmentos durante su larga estancia en Nápoles lo condujo a una representación más abstracta del espacio, con evidentes influencias y contaminaciones cromáticas. Sus obras, en continua evolución, combinan la naturalidad de ciertos elementos con diferentes tecnologías, en una estrecha relación dialéctica.

Demos Arquitectos - El Caracol Kindergarten, colegio en Bogota cuya arquitectura es inclusiva y emocional


El proyecto del Jardín Infantil Kennedy, construido en Bogota (Colombia), parte del planteamiento de que la estructura arquitectónica, debe formar parte del proceso educativo del niño. Enclavado en el distrito que da nombre al centro el conjunto modular.

Se convierte así en una miniciudad, que integra las características del entorno donde ejerce su actividad, estableciendo un vinculo con el mismo, con el que los usuario se identifican. Según los responsables del diseño, el estudio  Demos Arquitectos. La aplicacion de este concepto arquitectónico, facilita la adaptación de los alumnos a su nuevo entorno, en el que conviviran buena parte de su vida escolar. 

Los accesos en el interior del centro, desde donde se distribuyen las aulas y las dotaciones deportivas, son dos pasarelas longitudinales situadas ambas flancos del edificio, emulando a las calles en pendiente del exterior, manteniendo un contacto visual con el paisaje urbano. Esta extensión de la ciudad.

Comprende las instalaciones comunes y el patio, donde los alumnos rompen con el arquetipo diferencial de la escuela, como un edificio compartimentado, donde tener que desempeñar un rol diferencial. La circulación es organizada desde la llegada a un lugar denominado la plaza publica. 

Donde la relación previligiada con el vacío se experimenta, a través de los grandes ventanales, convirtiéndose en un lugar de reunión, donde los padres y los niños aprenden mutuamente pedagogía a través de las emociones. Convirtiendo el espacio académico en un sitio inclusivo y zona de usos múltiples. Esta área lleva directamente al patio entre edificios y, la calle principal que construye el proyecto, en esta zona los niños se cruzan en el cambio de clase.


Las relaciones espaciales juegan un papel crucial en el proyecto. La vida del barrio, las actividades académicas, recreativas y de juego. La calle y su importancia como elemento de organización.

Láminas minas perforadas permiten el paso de luz natural y el flujo de aire de forma controlada. Los edificios donde están las aulas se diseñaron aplicando una secuencia del elemento modular simplificado en la forma, dada la simplicidad de las formas que han optado por una serie de agujeros de apertura. Que sobresalen de la fachada, rompiendo la uniformidad de la superficie. Cada uno de los orificios se ve reforzada por el uso del color.



Jilly Ballistic, convierte el espacio público en un relato activista


Como espectros del pasado, la artista urbana Jilly Ballistic imprime viejas fotos en blanco y negro, escalándolas a diferentes tamaños dependiendo de la ubicación final donde se van a exhibir, aunque tiene una especial fijación con las instalaciones del metropolitano. 

Esta evocación recurrente pasado recupera parte de la memoria de la ciudad, actualizandola a través del arte urbano. Construyendo un discurso narrativo donde el mobiliario en ocasiones hace alusión a la imagen seleccionada, teniendo un efecto terapéutico sobre el que la observa compartiendo esta dualidad pasado/presente.

Otro de los artificios que utiliza con frecuencia y por el que empieza a ser identificado su trabajo,  consiste en pegar menús informáticos, descontextualizando el mensaje impreso en las vallas de publicidad. Esta forma de contrapublicidad tiene como objetivo desviar la atención del usuario del bombardeo constante de esloganes publicitarios.

Jilly Balística, es una artista callejero cuyo trabajo se puede ver y descubrir en alguna de las muchas estaciones del metropolitano de Nueva York. Donde se ha convertido en un sospechoso habitual. Por lo que en la mayoría de las ocasiónes sus intervenciones parecen estar realizadas de forma urgente y furtiva. 

Está premeditación e inmediatez se traduce en que buena parte de actuaciones, al ser tachadas prácticamente de actos vandalicos operan en el espacio público de forma muy efimera. Realizadas en lugares tan tangibles como los depósitos de residuos o soportes publicitarias, sus creaciones son una forma de establecer una comunicación con la opinión pública.

EL MENSAJE SE OCULTA DETRÁS DE LA MÁSCARA DE GAS
Aunque no rechaza la tecnología porque de hecho ella comenzó a mostrar sus inquietudes creativas en el mundo de la fotografia, relación que se puede percibir en muchos de sus proyectos. Paulatinamente lo fue dejando en un segundo plano.

Segun su palabras este distanciamiento se produjo en el momento en el que la era digital convirtió el acto de tomar fotografías en un hecho inocuo y compulsivo donde la realidad se convertía en una imagen carente de contexto. Rompiendo esa relación momentáneamente. Situación que está cambiando volviendo a obtener esa profundidad perdida. 

Decía el pensador y escritor Mark Fischer - Que el espacio público ha sido consumido y reemplazado por algo similar al "tercer lugar" ejemplificado por los cafés de franquicia. Estos espacios son siniestros solo por el poder que tienen para replicar su mismidad. 

La monotonía del ambiente Starbucks es a la vez reconfortante y extrañamente desorientadora; dentro de esa cápsula, literalmente es imposible olvidar en qué ciudad se está. Lo que he llamado nomadalgia es la sensación de ansiedad que estos ambientes anónimos, más o menos iguales en todo el mundo, provocan; el malestar de viaje producido por el movimiento entre espacios que podrían estar en cualquier lugar. Mi, yo… ¿qué ocurrió con Nuestro Espacio, o con la idea de un espacio público que no es reducible a una sumatoria de preferencias de consumo?

Los mensajes cargados de ironía diluyen el sentido del mensaje original sustiyendolo por otro que lo desvirtúa su enfoque netamente comercial, sustiyondole por otros que aunque aparentemente sin pretensión alguna, pudiendose incluso catalogar como un tanto naif. Si poseen un evidente discurso político y activista.  

Jilly Ballistic, turns public space into an activist narrative.



Like specters of the past, urban artist Jilly Ballistic prints old black and white photos, scaling them to different sizes depending on the final location where they will be exhibited, although she has a special fixation with the installations of the metropolitan. 


This recurrent evocation of the past recovers part of the city's memory, updating it through urban art. Constructing a narrative discourse where the furniture sometimes alludes to the selected image, having a therapeutic effect on the viewer, sharing this duality past/present.


Another of the artifices that he frequently uses and by which his work is beginning to be identified, consists of pasting computer menus, decontextualizing the message printed on the billboards. This form of counter-advertising aims to divert the user's attention from the constant bombardment of advertising slogans.


Jilly Ballistic, is a street artist whose work can be seen and discovered in one of the many stations of the New York subway. Where he has become a regular suspect. So in most of the occasions his interventions seem to be made in an urgent and furtive way. 


This premeditation and immediacy is translated in that a good part of actions, being practically branded as vandalism acts, operate in the public space in a very ephemeral way. Made in tangible places such as waste dumps or advertising media, their creations are a way of establishing a communication with public opinion.


THE MESSAGE HIDES BEHIND THE GAS MASK

Although she does not reject technology because in fact she began to show her creative concerns in the world of photography, a relationship that can be perceived in many of her projects. Gradually she was leaving it in the background.


According to her words, this distancing occurred at the moment when the digital era turned the act of taking photographs into an innocuous and compulsive act where reality became an image devoid of context. Breaking that relationship momentarily. A situation that is changing, returning to obtain that lost depth. 


READ IT IN SPANISH: Jilly Ballistic, convierte el espacio público en un relato activista  


The messages loaded with irony dilute the sense of the original message substituting it for another that distorts its purely commercial approach, substituting it for others that although apparently without any pretension, can even be catalogued as somewhat naive. They do have an evident political and activist discourse. 


Harmowind, la solución eólica para los consumidores domésticos

De un tiempo a esta parte se esta observando como los aerogeneradores de eje vertical, se pueden convertir en una alternativa real, sobre todo en el mercado domestico, donde el consumidor que apuesta por la autonomía energética, se tiene que limitar a instalaciones solares, ya sean células fotovoltaicas o termosolares. La razón principal que puede parecer peregrina, es que las turbinas para ser eficientes energeticamente, tienen que alcanzar una altura mínima, lo que dificulta enormemente su instalación en espacios reducidos.

Diseñada por Hailan Li, la turbina eólica Harmowind, que pretende establecer un estándar que se adapte a las condiciones de espacio de una vivienda unifamiliar, cubriendo con garantías la demanda de energía de sus miembros. El proyecto Harmowind es una turbina eólica independiente que hace uso de la turbulencia del viento para generar electricidad. A diferencia de los comunes turbinas de eje horizontal de viento que conocemos, el Harmowind funciona óptimamente pese al pequeño radio de giro que precisa.

Según el creador el primer prototipo de eje axial, instalado en una granja holandesa a pasado el examen con notable, aun estando colocada a una altitud muy baja, los registros de producción de energía, hacen pensar que sus diez metros de altura son suficientes para producir energía aprovechando velocidades de viento muy bajas. Algo que ya hemos podido ver con el modelo McCamley, que operando a velocidades muy bajas conseguía una ratios de generación de energía excelentes.


La diferencia con esta es que la Harmowind adopta una forma mas próxima a la turbina de eje horizontal gracia a su mástil de reducida altura, utilizando una hélice en forma axial, que permite recoger aire independientemente de la dirección que sople el viento. El concepto de aerogenerador reduce la desigualdad de fuerza aerodinámica y el efecto de la sombra que produce la turbina eólica también se minimiza. Las cuchillas se han diseñado para minimizar el efecto centrifugo  durante la rotación.

Hell's Kitchen Farm Project, un huerto urbano encima de una iglesia en New York



A pie de calle el peatón no percibe nada diferente, trafico denso, polución, ciudadanos estresados de camino al trabajo y miles de comercios abriendo sus puertas a la espera de miles de clientes. Nueva York en estado puro.

Pero si ascendemos por encima de los edificios, podemos observar como se esta produciendo una autentica revolución con la proliferacion de cientos de huertos urbanos. Sembrados sobre cubiertas los cuales sumados llegan a abarcar decenas de miles de hectáreas.

Conjunto de explotaciones formadas  por huertos urbanos gestionados en su mayoría por organizaciones sin animo de lucro. Que trabajan con miembros de las comunidades donde desarrollan una diversidad de proyectos vinculados a la agricultura en el ámbito urbano y la autonomía alimentaria.

Iniciativas de carácter civil en las que en ocasiones participa la administración publica, que aplicando sus normas y recurriendo a su logística burocratica. Delimita el rango de activaciones y negocia los plazos de tiempo y regula las condiciones sanitarias de las explotaciones agrícolas.


Incluido en la iniciativa Five Borough Farm, que realiza estudios sobre como mejorar las instalaciones y los métodos de producción en los huertos urbanos de la ciudad. Hell's Kitchen Farm Project, es un iniciativa colectiva que trabaja en programas que fomenta la automia alimentaria de sus miembros.

Para cuyos inicios hay que remontarse a operar en 2.010, a partir de la colaboración de diferentes entidades con los miembros de la comunidad que gestionan el huerto. Diseñado sobre una superficie 1000 metros cuadrados, el equivalente a poco mas de un campo de futbol. Los cultivos que componen el huerto se distribuyen en grandes tanques circulars, conectados a un sistema de riego por goteo.  


Situado entre Authority Bus Terminal y el Lincoln Tunnel, en pleno centro de Manhattan. La iglesia baptista que acoge el Hell's Kitchen Farm Project, tiene como objetivo, la creación de un centro de agricultura urbana donde cultivar verduras y hortalizas.


Contribuyendo a una mayor seguridad alimentaria en el barrio, mientras que proporciona una plataforma para la educación sobre  nutrición y  sostenibilidad ambiental en el entorno urbano.


El proyecto es un esfuerzo por crear un espacio ecológico que represente un espejo donde se puedan mirar iniciativas similares, actuando desde diferentes enfoques para la implementación de un sistema alimentario sostenible en la ciudad de Nueva York. En las huertas se emplean métodos tradicionales de cultivo, adaptadolas para obtener resultados positivos en un entorno urbano, examinando la evolución de las relaciones entre ciudad y sus fuentes de alimentos.
 


Marcos Saboya y Gualter Pupo/aMAZEme, un laberinto de libros



En ocasiones el adentrarse en las historias que se relatan en algunos libros, supone iniciar una experiencia que puede transformar su percepción sobre el mundo con el que te relacionas. En otras ocasiones ese efecto catártico es sustituido por la contrariedad y la desorientacion que te produce el texto que lees. 

Como si las paginas fueran las galerías de un laberinto, que recorres tratando de encontrar una salida. Creada por los artistas Marcos Saboya y Gualter Pupo la instalación titulada aMAZEme, ha precisado de la donación de hasta 250.000 libros, la mayoria usados.

Con los que se han construido las paredes de un laberinto en forma de espiral que ocupa un total de 500 metros cuadrados de superficie. Una extensión de terreno nada desdeñable, y que ha supuesto largos meses de planificación e intenso trabajo. 

Expuesta en Southbank Centre de Londres, la muestra forma parte de los eventos culturales organizados para el London 2012 Festival, pudiéndose visitar hasta el 26 de Agosto. aMAZEme es un intervención inspirada en la cita del escritor Jorge Luis Borges "Siempre me he imaginado que el paraíso será una especie de biblioteca."

Al entrar en la instalación, el público descubre nuevas texturas, imágenes y emociones, quedando hipnotizado por medio de palabras y pensamientos, diseños y patrones. Parece que hay secretos que se esconden en las paredes de la instalación.

Paredes que alcanzan una altura de hasta 2,5 metros de altura. Construidos a partir de miles de libros, que forman un gran laberinto. La construcción del dedalo así como la participación del público han sido filmada por cámaras de vídeo y enviado a aMAZEme. 

Así como a las redes sociales. Desde el comienzo deseaban que la experiencia fuera lo más inmersiva posible. Siendo conducida por una narrativa que combinará el juego y lo ludico. Las pantallas táctiles instaladas buscan información y contenidos en la pantalla, que también se muestra en los monitores situados a lo largo de la instalación. 


 

Gerry Barry/Anillos de agua y fuego cumpliendo con el ciclo Solar


El agua es un elemento clave tanto en términos creativos como conceptuales en la obra de Gerry Barry. Asociada con la pureza y fuente de la vida, Barry a menudo crea piezas sobre el lecho de un río o un lago.

O en las proximidades de algún manantial, dependiendo de las propiedades de los materiales que emplea, para crear formas circulares. A través de los que simboliza el ciclo infinito propio de cualquier criatura que habita en el bosque. 

Cuidadosamente seleccionados los cantos rodados y piedras de diferentes tamaños y calibre se disponen siguiendo la forma curvilenea, más o menos de un circulo. Que siempre orientado hacia el Sol le rinde pleitesia.


Emplazados casi siempre en un las proximidades de la costa. Las mareas inundan de forma lenta pero inexorable las instalaciones, revelando formas caprichosas sobre el terreno. 

Transformando estéticamente la propuesta en un acto espontáneo de renovacion efecto de la interacción con el medio. Las intervenciones en este contexto se mimetizan con el paisaje, completandose un ciclo que se repite una y otra vez.

Provocando que el paisaje circundante se renueve a partir de actuar desde un enfoque creativo. Patrones circulares y valles poco profundos se excavan en el anillo como un molde que posteriormente ser cobijo para algún animalillo. 


Debido a que muchas de sus obras están destinadas a ser efimeras, se las deja a merced de los elementos, en descomposición y envejecimiento de forma natural. Dependiendo de la intensidad con la que sopla el viento, el agua y el sol. 


Al igual que los principios del movimiento de la tierra, las instalaciones están destinadas a convivir con los elementos de la naturaleza, que son en sí una obra siempre cambiante. Las instalaciones Gerry Berry de esta forma cumplen con la ley de armonía que se observa en la naturaleza.

Gerry Barry nació en el pueblo irlandés de Castlegregory. Interesándose por el  Land-Art ya desde su juventud. Ámbito creativo que utiliza para establecer un diálogo no invasivo con su entorno natural. Muchas de sus piezas aun pueden visitarse, aunque en la mayoría de los casos se percibe de forma evidente el desgaste y erosión que produce su relación con su entorno.


Kevin Erickson/Rope Pavilion, un refugio para combatir el frío del crudo invierno


A su paso por localidad de Winnipeg de Canadá, el río Assiniboine se hiela formándose un pista de patinaje, considerada la mas larga del mundo. Esta condición la convierte en un lugar de peregrinación.

Para cerca de cuatro millones de visitantes por temporada que se acercan para disfrutar del patinaje en unas condiciones excelentes. Coincidiendo con la temporada de invierno se celebra un curioso concurso de refugios para alta montaña.

El Warming Huts: An Art + Architecture Competition, en el que participan principalmente estudiantes de escuelas de arquitectura de todo el mundo. En la edición de este año se ha alzádo como ganador el proyecto llamad Rope Pavillion. 

Propuesta firmada por Kevin Erickson antes de se instalado a orillas del rió Assinibone. Fue exhibido en el NEXT LANDMARK Floornature International Contest,  lo que valió el pasaporte para ganar en su categoría por lo que sera exhibido en la XIII Architecture Biennale in Venice que arranca el 29 de Agosto.


Se trata de un edificio que combina materiales simples como la madera. El pabellón crea una forma altamente versátil a pesar de lo limitado de su espacio. Reforzado con sojas de cuerda elaboradas con unmanila, que sirven para sujetar la estructura hecha con abedul.


Construyendo un refugio de apariencia frágil pero sólido en su comportamiento en situaciones adversas, conservando el calor en el interior y soportando las fuertes rachas de viento que se producen en invierno. 

El interior de madera crea una sensación de calidez a través del color y la textura, mientras que su exterior es capaz de acumular varias capas de nieve La cúpula de la cabaña debido a su forma optimiza la retención de calor. Propiedad que bajo la influencia de condiciones climáticas extremas es muy de agradecer.



David Lance - The Future Forms Of Life, el sueño de la forma en un futuro distopico


Las instlaciones cinéticas dotadas de movimiento del artista Theo Jansen tienen algo de cautivador y mágico, para el que las contempla. 


Sus movimientos acompasados poseen el ritmo de una coreografía, en la que cada pieza del autómata representa un gesto que se tiene que producir de forma sincronizada, el cual se repetirá infinitas veces. Basándose en los principios aerodinámicos de Theo, el animador y modelador David Lance.

Ha recreado en escenarios reales extraídos de la capital londinense,  a una criatura que experimenta una metamorfosis orinica, en paisajes urbanos cargados de electricidad. Cuya atmósfera surrealista nos traslada a un mundo interior en el que los elementos que los pueblan nos hipnotizan.  


En el cortometraje titulado The Future Forms of Life El cual podéis ver AQUI. Una fabula post/industrial, en la que el autor reflexiona sobre la conveniencia o no de que algunos sueños se puedan cumplir. Pues su resultados pueden ser realmente desagradables.


En su realización Lance ha utilizado aplicaciones de modelacion como  3Dsmax, Zbrush,  MatchMover o MD2. Consiguiendo un efecto realista que transmite al espectador la sensación de estar participando en  el relato que estás viendo. 

Una mención especial merece la banda sonora que acompaña todas y cada una de las imágenes del corto. Música que es una mezcla de electrónica y étnica que está firmada por Tomas Dobrovolskis.

David Lance es un estudio creativo centrado en la animación arquitectónica. Crea proyectos creativos e imaginativos para clientes que provienen de una variedad de orígenes, incluyendo arquitectura, ingeniería y desarrollo inmobiliario. Con quince años de experiencia en visualización arquitectónica y animaciones, cuentan con una larga experiencia con encargos realizado para clientes de Oriente Medio, Europa y América del Norte.



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