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Excalibur - La pared de escalada artificial mas alta del mundo desafia a los más consumados escaladores


Hace escasas fechas nos hacíamos eco del proyecto The Stone ejecutada por el estudio Råk-Arkitektur, el cual consistio en construir un edificio de carácter sacro que representará la espiritualidad global, diseño que se inspiro en la leyenda del reino de Camelot. 

Aplicando el mismo patrón conceptual, desde 2.010 los escaladores urbanos pueden escalar Excalibur una pared de escalada cuyo diseño se basa en la misma cosmologia del Rey Arturo. Pero en este caso sus diseñadores se inspiraron para construir la pared vertical en la que supuestamente yace clavada en una roca ubicada en las verdes y exuberantes llanuras de Groningen, en los Países Bajos. 

Este muro ondulante como una espiga de trigo alcanza una altura de 121 metros, presentando diferentes tipos de dificultad. Aunque esta recomendado su uso para escaladores experimentados, forma parte del centro educativo de Bjoeks de escalada. 



Su grado de dificultad se debe al trazado ondulado del rocodromo que posibilita que se pueda completar se ascensión a través de una diversidad de vias. Cada una de estas vías representa un desafío diferente y por lo tanto estimulante desde el punto de vista del escalador. 


El rocodromo Excalibur presenta una gran variedad de recorridos para escalar, entre ellos uno diseñado para principiantes y otro que está en un ángulo de 45 grados. El recorrido dual interior y exterior cuenta con un total de 117 presas 

La pared de escaladas Excalibur supone un desafió para los mas osados escaladores. Desde la base a la cima el paisaje permite obtener una panorámica de la mayor parte de Holanda, un país que apenas posee depresiones en su terreno y que por lo tanto ofrece una vista única. Diseñada por Gert Van Veen y su compañero infatigable de escalada Pols Alco, dos emprendedores que materializaron este proyecto en 1996. Desde entonces el Centro Bjoeks no ha parado de innovar al servicio de los amantes de esta disciplina deportiva.






LuzInterruptus, Agua potable corriendo por las calles, activismo en el espacio publico


En su ultima intervención el colectivo LuzInterruptus ha seleccionado uno de los elementos mas característicos del inmobiliario urbano, de la ciudad donde residen Madrid.

Como son las fuentes publicas, que distribuidas por diferentes puntos de la ciudad, han servido para ahuyentar la sed de sus ciudadanos. Una sana costumbre que según sus componentes se esta perdiendo.

Debido a su eliminación paulatina, siendo sustituidas por puestos de venta de refrescos. Con su ultima instalación callejera titulada Agua potable corriendo por las calles, quieren reinvidicar el uso del agua en el espacio publico.

Como un elemento destinado al consumo de sus ciudadanos, mas allá de convertirse en un mero reclamo ornamental que engalane sus calles.


Para eso seleccionaron cuatro fuentes de uso publico, que debido a su deterioro y abandono, están inoperativas. Engarzadolas una ristras realizadas con frascos ensartados, simulando el cauce de agua.

En el interior de cada envase una luz LED, logrando un impacto visual inmediato, con el que se pretende conciencia y dejar constancia de esta situación de escasez de fuentes destinadas al  uso publico y de lo importante de su presencia en las grandes ciudades, como símbolo de vida y convivencia. 



Esculturas de animales realizadas con relojes que simboliza la memoria

El reloj con sus manillas o con su interfaz digital, quizás sea el objeto que mejor simboliza el paso del tiempo. Representando en síntesis todos y cada uno de esos momentos que en mayor o menor medida podemos conservar en nuestra memoria.


Las monturas de los artefactos temporales, sustituyen a las arrujas, a los pliegues de piel, a las escamas del caparazón de la tortuga y al pelaje del conejo, en dos esculturas huecas que actúan como metáfora del tiempo. Las ingeniosas creaciones son una amalgama de objetos poco convencionales encontrados en la calle que han sido reutilizados.


Y por lo tanto, dado una nueva vida. El artista piensa que cada una de estas cosas, que solemos usar todos los días, una vez tuvieron una historia, hasta que fueron tiradas. Hay bicicletas que alguna vez fueron montadas, recogedores rotos, letreros de comerciales, paraguas perdidos....


Cada objeto tenía propósito y significado antes de ser arrojado. Tomando estas cosas que colecciona las conecta y crea piezas que tienen su origen en un mecanismo poetico, por el que un objeto inerte acaba adoptando una forma organica, en este caso la de animales.


El artista Natsumi Honda de la Tama Art University, creo en 2.010 dos piezas de orfebreria en las que empleando piezas de relojes antiguos obtenidas en bazares, modelo la fisonomía de dos animales una tortuga y un conejo.


Cada pieza empleada en el diseño de este particular zoo metafora del transcurrir del tiempo, posee un valor sentimental que lo vincula directamente con algun episodio vivido por el donante. Por lo que ese reloj se convierte en una semilla que germina a traves de una pieza la cual nos guia a traves de las experiencias vividas por sus donantes.



La fotografía publicitaria de Kevin Griffin y su version mas social

Kevin Griffin es un fotógrafo que incorpora elementos surrealistas con los que describe situaciones dramáticas, utilizando escenarios grandilocuentes.  


Sus fotografías manipuladas combina una mordaz ironía y un despliegue muy cinematográfico, con lo que  captura imagenes donde el movimiento y la acción  consiguen hacerte participe de la fotografía.    


Griffin nacido en 1964 en Londres. A los 18 años, compró su primera cámara. Trabajó como asistente del legendario fotoperiodista Don McCullin. Actualmente trabaja con las principales agencias de publicidad.  


Aparte de su faceta profesional Kevin tiene una vertiente mas de fotografo social a traves de la que muestra su lado mas humano y comprometido, con un entorno que el captura ofreciéndote en ocasiones una versión descarnada que observa de una realidad.


 En la que el paso del tiempo y la memoria, asi como las decepciones y la perdida caracterizan la mayor parte de las instantáneas.


Kevin utilizo todo tipo de cámaras que incorporan gran formato a digital. Para el proyecto Omey en Irlanda opto por un  negativo de color 4×5, esto ayudó al proceso de elaboración de cada retrato que construía logrando una patina de nostalgia. Las fotografías fueron tomadas durante un período de cinco años, 2008-2013.




Charles Marville - Rue de I'arbalètech, una Calle de París

La Rue de l'Arbalète es una calle de París, una de las muchas que retrato que fotografió Charles Marville a lo largo del siglo XIX. Uno de los considerados fotógrafos de la denominada ciudad de la luz junto a Henry Cartier Benson o Doisneau.


Y que en sus instantáneas pese a las limitaciones técnicas propias de la época, logro capturar toda la nostalgia y bohemia en fotografías realizadas en blanco y negro. En las que destacan una atmósfera onírica  presidida muchas veces por la bruma.


Aun así se puede percibir la bohemia de una vía angosta donde lo mas destacable de la vía es la casa conocida "a los artesanos". Comercio textil fundado en 1846 que vendió todo tipo de prendas de vestir confeccionadas a mano y hechas a medida.

Y que tenía una barbería en el lado opuesto de la acera. Entre esta instantánea y las intervenciones de arte urbano (la mayoría de autor desconocido salvo la de Speedy Graphito) que las acompaña, existe un salto en el tiempo de 150 años. Esa distancia en el tiempo no impide cierta concordancia. 


Los edificios que han sido sustituidos conservan practicamente el mismo estilo arquitectónico, sin embargo las aceras son en la actualidad mas anchas. 


La calzada de adoquines ha sido sustituida por el alquitrán, pero sin embargo la luz que baña las fachadas salpicadas de piezas murales. Te evoca el comienzo de movimientos pictóricos como el impresionismo o el expresionismo, corrientes a las que entrados el siglo XX le sucedieron muchos otros movimientos hasta nuestros días.



Leandro Albino Oliveira - Rota, bicicleta plegable y ligera


La bicicleta Rota es un modelo diseñado en 2.009, pero sin embargo no fue hasta finales de 2.011 en el ultimo encuentro de diseño creativo para estudiantes IDEA.


Organizado por el portal IDSA. Desarrollada por el diseñador Leandro Albino Oliveira, se trata de una bicicleta compacta que presenta una gran movilidad en el entorno urbano. 


Su diseño permite una conducción cómoda además de poder transportarse con facilidad, pero su mayor aliciente reside en que incorpora un mecanismo llamado Kick-Stand.

Un manillar con un doble estabilizador, que con un simple giro de la parte delantera se pliega la bike ocupando la mitad de espacio.  







VOLLAERSZWART - Embargo, sentarse en un abecedario en el espacio publico

Creada por el estudio VOLLAERSZWART, un estudio de diseño holandés que se centra en la intersección de la arquitectura y la comunicación pública y visual. Habiendo creado numerosos proyectos en exposiciones y festivales.


Así como esculturas y arte público, siendo, quizas la que lleva por titulo Evergreen , una de las mas sugetivas. Tanto en el tratamiento estetico como en el enfoque interactivo de una propuesta en la que el espectador por inruicion esta deseando sentarse en este jardin de letras artificial


Pues estamos ante una instalación escultórica permanente tipográfica destinada al patio de un colegio. Pero que presenta un valor funcional e incluso educativo, ya que se utiliza principalmente como asiento por los estudiantes y como un lugar de encuentro en un ambiente parecido a un parque. 


El jardín tipográfico encargado por el Colegio Thij de la localidad holandesa de Oldenzaal. Sirve como un espacio ludico para los niños de secundaria. El material generalmente plano de césped artificial logra la tridimensionalidad a través de las letras de gran tamaño que se extienden a través de un círculo de veinte metros. 


Formado por nueve letras que componen la palabra Evergreen, las cuales se agrupan de una manera que hace que el espacio funcione como un laberinto. La estructura se cubre con césped artificial y su forma circular se hace eco de la forma de la escuela sobre la que actua.



Los creativos Madje Vollaers y Pascal Zwart fundaron el estudio en 1991 como un lugar de diseño interdisciplinario y comunicación visual. VOLLAERSZWART explora la interacción entre diversas disciplinas como la arquitectura, la escultura, y la comunicación. Proponiendo proyectos que contemplen el espacio público como una entidad social desde un enfoque funcional a la vez que creativo.


Joseph Hodgson & Franck Aubry - Kiss - A Love Story, eclipse de amor inspirado por Paul Auster


Kiss - A Love Story, es una animación inspirada por una cita del escritor Paul Auster "El sol es el pasado, la tierra es el presente y la luna es el futuro." Contenida en la novela titulada El palacio de la Luna, perteneciente a la Trilogia de New York.


Básicamente nos muestra el supuesto encuentro de la luna y el sol mediante un eclipse, y como esta en el transcurso de ese breve pero intenso intervalo de tiempo oscurece al astro poniéndose a la altura de su órbita, haciendo coincidir ambos anillos en un fenómeno astronómico único. 


La pieza de apenas tres minutos representa el debut Joseph Hodgson & Franck Aubry, firmada en blanco y negro. La producción ha corrido a cargo de Racecar. La banda sonora la firma el grupo Bendik que aporta la canción Stille. 



El corto se propone explorar algo tan inocente como un beso. Producido con poco o ningún presupuesto, basado en un tema modesto pero omnipresente: una historia de amor. Inspirado en el mundo que nos rodea, y presentado en un mundo ominosamente oscuro donde su historia se desarrolla lentamente, dejando al espectador para hacer sus propias conclusiones sobre el resultado de la película.


Kiss - A Love Story es una propuesta que se puede ver AQUI, nos introduce en una historia iniciatica protagonizada por dos cuerpos estelares que en principio y aparentemente son radicalmente opuestos, desproporcionados en cuanto a su tamaño y asimetricos.


La animación dramatiza recurriendo a una narrativa presidida por una atmosfera y puesta en escena épica y hasta cierto punto grandilocuente. Pero en la que se narra de forma no exenta de lirica un eclipse que se convierte en metafora de un encuentro tan violento como romántico.




LAVA - Classroom of the Future, prototipo arquitectónico modular sostenible


Concebido como un espacio de aprendizaje para el futuro, el diseño residencial propuesto por el estudio LAVA se inspira en un principio que explora soluciones sostenibles en el ambito residencial que se integre con el paisaje.


Dando como resultado un modelo estándar que sea idóneo para proyectos modulares, así como la personalización de su diseño. Esta revolución de la tecnología actual puede asegurar un espacio de aprendizaje en el nexo entre el conocimiento y la interacción social en el sector del diseño arquitectonico.


En este contexto el diseño sostenible se extiende más allá de soluciones relacionados con el método propuesto entorno a la prefabricación, la selección de los materiales, la geometría simétrica, y elementos modulares que son versatiles y faciles de transportar. El sistema de fachada modular presenta un diseño geometríco.



Fabricados con materiales ligeros planteamiento que permite que el módulo se adapte a una diversidad de espacios, vinculandolos al paisaje sobre el interior que actuade uno o tres grandes para el aprendizaje. Una estructura prefabricada de alta tecnología a la que se incorpora un techo verde formado por una instalación solar y un sistema de captura de agua de lluvia. 


Classroom of the Future  es una idea integral que reduce significativamente la necesidad de material, las piezas que componen los módulos se trasladan de la fabrica y se montan in situ, invirtiendo el menor tiempo posible. 


Fundado por Chris Bosse, Tobias Wallisser y Alexander Rieck fundaron en 2007. Se estableció como una red con oficinas en Sídney, Stuttgart y Berlín. Desde sus inicios LAVA su practica fusiona la tecnología con patrones de organización que se encuentran en la naturaleza. Recurriendo a soluciones estructurales como copos de nieve, telas de araña y pompas de jabón, creando nuevas tipologías que generan tanto construcciones eficiencientes como bellas. 









Francesco Sambo - Carnaval evolutivo, fusionando epocas en clave animal


Quizas el tener el estudio en mitad de una laguna como es la que alberga Venecia, como la charca en la que se cree que se origino resto de vida, sea el nexo entre las criaturas híbridas y los ojos barrocos de unos niños cuya mirada serena.


Nos resulta inquietante a la vez que inocentes. Las numerosas series de fotografías del artista digital Francesco Sambo, nos traslada en el tiempo al renacimiento, a los bailes de mascaras. 

En este caso el camuflaje lo representa la morfología, la biología y su capacidad para adaptarse a un determinado entorno evolutivo, donde la tecnología es el accidente que marca los plazos y materializa las formas.


Francesco Sambo es un artista digital afincado en Mestre, Italia. Su trabajo se ha hecho conocido por su trabajo titulado Bestiario. El cual se caracteriza por sus representaciones de estilo Barroco.


En las que lo animal y lo humano se combinan creando criaturas hibridas que se inspiran en figuras mitológicas como Polifeno o Antifates.


Su obra es conocida por su estética surrealista y a menudo oscura, que mezcla fotografía, manipulación digital y videoinstalaciones. También compone música para complementar su arte visual, creando experiencias inmersivas. Presentanndo espeluznantes criaturas híbridas que fusionan formas humanas y animales. Su enfoque único del autorretrato y el arte digital le ha convertido en una figura destacada del surrealismo contemporáneo.

 


MMW architects - GAD Centro cultural modular

La actividad de los ciudadanos que pertenecen a una comunidad o a un país, por defecto se extrapola en su forma de concebir la realidad en la que se desarrollan y con la que se desarrollan. Los Noruegos tienen un estrecho vinculo con el mar que les rodea, esa circunstancia les convierte en un pueblo curtido y practico. Eso en términos de arquitectura  se traduce en un diseño minimalista donde la linea recta y la geometría se impone sobre la curva y la construcción orgánica, además debido a ese estrecha relación con su entorno natural, utilizan materiales de origen natural y los procedentes de deshecho.
El centro de exposiciones GAD, fue proyectado en 2.005 por el estudio MMW architects, como un espacio donde desarrollar actividades culturales, concebido para ser fácilmente desmontado y vuelto a montar en pocos días, el diseño utiliza la naturaleza pre-fab del material urbano para crear una instalación pública multi-nivel.
Situado en uno de los muelles del puerto de Oslo, el diseño de la galería se distribuye en tres alturas, el exterior de la galería se lee como una composición de apilado de contenedores para transporte con un voladizo. la planta principal de la galería baja se compone de cinco unidades donde se sitúa la recepción y la sala principal de exposiciones. En el segundo nivel se utiliza tres contenedores para describir una forma de u  que se envuelve alrededor del patio central. en el último nivel, un espacio de exposición elevada con acceso a la galería terraza de la azotea cierra una planta cuadrada.  

Utilizando la solidez estructural de los contenedores, gran parte de la superficie del techo expuesta de la galería sirve como espacio de exposición al aire libre. Una escalera industrial, desde el patio central da acceso a la segunda planta. Ventanas colocadas en los extremos de los contenedores así como lucernarios circulares permiten que el interior a estar bien iluminados con luz natural.

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