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Durbach Block Architects - The Brick Pit Ring, un anillo ciclista para contemplar el paisaje recuperado de una mina aba


Recuperar un terreno ya modificado por una determinada actividad es complicado, hay que tener acceso a documentación previa sobre el estado en que se encontraba el territorio antes de que la presión del hombre lo transformara. 


En el caso de una mina a cielo abierto, las posibilidades de recuperar los accidentes geograficos que conformaban el terreno original es altamente improbable por absurdo, por lo que se suele regenerar de forma organica. Adoptando otras características que poco tienen que ver con el original. 

El estudio Durbach Block Architects recibió el encargo de construir un anillo sobre lo que fue una mina de extracción de arcilla, situado en el limite municipal de la ciudad de Sydney en Australia, conecta visualmente con la villa olímpica. 


The Brick Pit Ring forma parte del Centro de Interpretación Ambiental, un ambicioso plan que se viene ejecutando desde 2.005 y con el que quiere dejar atrás su pasado minero. Una pasarela aérea ofrece una exposición al aire libre, de veinte metros por encima del cráter inundado de agua que refleja los sedimentos bermellones del mineral residual con el que se fabricaron buena parte, de los ladrillo con los que se construyeron Sydney.


La estructura circular que se sostiene sobre columnas en uve de acero tiene una circuferencia que traza la totalidad de la superficie, del antiguo pozo  sobre el que hunde sus pilotes. 


El paseo anillo supone un caminata de diez minutos, el vistitante mientras cubre su perímetro puede ver un el paisaje artificial formada por un área pantanosa y un lago de mediana profundidad, las secciones alternan zonas cubiertas con trechos orientados al sureste que permite ver una panorámica de la bahía de la ciudad. El borde exterior del anillo esta montado con pantallas de colores variados que desde lejos crea la sensacion visual de un carrusel.



Paco Pomet, psicoanaliza las costumbres a traves de un lenguaje mixto cargado de ironia


Los lienzos del artista Paco Pomet, nos habla de las identidades efimeras que puede adoptar el individuo, sus incongruencias y afinidades. Asi como su increíble capacidad para adaptarse a situaciones poco propicias.

Ademas de su volatilidad y sus deseos inconfesables y en ultima instancia de sus mezquindades. Y todo haciendo gala de un sutil sentido del humor, que se hace comprensible si el espectador repara en los detalles y elementos ajenos a la narración de una obra 

En la que el movimiento nos conduce al significado de lo explicito en cada trazo. Su lenguaje se nutre de las corrientes fotográficas de principios del siglo XX, ademas de iconos del cine mudo como Chaplin y Buster Keaton o de las tiras de comic clásicas. 



Todas estas influencias las combina con brochazos en las que predominan las selecciones monocromaticas, donde en algunos casos se añaden tenues pinceladas de color. Logrando que las sombras enfaticen la acción y la profundidad de la composición donde la iluminación fotográfica dramatiza la acción del cuadro.


Nacido en la ciudad andaluza de Granada en1970, donde estudió, vive y trabaja. Su formación superior comenzó en la Facultad de Bellas Artes de Granada, pero la continuó en Italia (Academia de España en Roma). Completandola  con diferentes becas y residencias a traves de las adquiere experiencias con las que enriquece su identidad creativa.


Conocido por fusionar en sus obras tecnnicas de la practica pictorica mas formal y fragmentos de fotografía. Sus creaciones se enfocan en lo cotidiano pero con una lectura ironica. Su obra está representada en España por la galería My Name’s Lolita Art de Madrid y en el resto de Europa también por la danesa Bendixen Contemporary. En Estados Unidos es representado por la Galería Richard Heller de Santa Mónica. 




Dan Lloyd - Music of the Hemispheres - La melodía de la mente nos dice como funciona


En el campo de la neurociencia aun esta la mayoría de cosas por descubrir, cada nueva teoría, hipótesis o planteamiento sobre como funciona el cerebro y de las funciones asignadas a las neuronas que lo componen, así como de su actividad eléctrica y química. 


Supone un desafió, el hecho de que un organo producto de la evolución biológica haya alcanzado tales niveles de complejidad, siendo un fenómeno que ha supuesto una inversión de tres mil millones de años. 


En el documental Music of the Hemispheres, que podeis ver por entregas desde AQUI se nos expone mediante diferentes ensayos y testimonios, los resultados de las investigaciones dirigidas por el filosofo Dan Lloyd, . La investigación de Lloyd toma patrones encontrados en la actividad cerebral y los convierte en partituras musicales. Estas partituras no son experimentos de biorretroalimentación o cognición musical, sino que extraen la "arquitectura de la conciencia", tal como se produce en el cerebro, y asignan tonos musicales a sus diversos componentes. 

Los resultados son partituras musicales destinadas a reflejar la actividad cerebral en sí. Siendo el resultado de los experimentos realizados con imagen por resonancia magnética funcional (IRMf),  un procedimiento clínico y de investigación que permite mostrar en imágenes las regiones cerebrales que ejecutan una tarea determinada. 


Que posteriormente fueron mapeados para poder traducidos a una partitura de solfeo por el compositor Aaron Einbond. Los sonidos que acompañan a la filmación es el equivalente a las traducción en signos musicales, de los estados emocionales y los procesos cognitivos que experimentaron los voluntarios en el experimento.


Este extracto forma parte del proyecto Music of the Hemispheres, dirigido por la directora de documentales Elisa Da Prato, el cual tiene como objetivo la producción de un documental, en el que están inmersos en estos momentos, y que mediante una serie de experimentos coordinados por un equipo multidisciplinar formado por miembros científicos y músicos,  donde se documenten los avances que surgen en la cognición musical y la teoría, ofreciendo un fresco visual de la armonía interior, y el coro colosal, que produce ese gran desconocido que es el cerebro.

Es la sinfonía de la conciencia, pero al mismo tiempo, es la sinfonía del cerebro. que se representa en millones de instrumentos a través de millones de canales." - Filósofo Dan Lloyd


Y como dependiendo de su estado emocional y cognitivo, su melodía puede ser mas armoniosa o por el contrario sonar como una partitura distorsionada que reverbere en la conducta del individuo y las relaciones que establece con su entorno. Pudiendo vincular ese desequilibrio con la composición de la obra. Convirtiéndose en un modelo por el que estudiar el comoportamiento humano y al partir del que se puedan desarrollar terapias que traten sus desequilibrios. "Dentro de cada uno de nosotros, en cada momento, se genera una sinfonía de notas musicales.






PleaseCycle, programa por puntos por desplazarse en bicicleta por Londres


Los beneficios de utilizar la bicicleta como medio para desplazarnos, son múltiples; no contamina, beneficia nuestra salud, contribuye a un trafico mas fluido y en términos económicos facilita el ahorro.

Siendo uno de los mejores instrumentos de ahorro individual y colectivo. En este sentido la iniciativa PleaseCycle, creada por el emprendedor Ry Morgan de tanto solo 23 años Anthony Ganjou.


Ha desarrollado un modelo por el que se inicitiva el uso de la bicicleta como medio de transporte en el espacio publico de los núcleos urbanos. La start-up especializada en el sector de las tecnologías sostenibles.


Ha seleccionado la ciudad de Londres, para implantar un sistema que denominan DikeMiles, se trata de un programa por puntos en el que el usuario, canjea los kilómetros realizados valiéndose de una interfaz tecnológica por premios, programas de salud, donaciones o descuentos en comercios. La plataforma digital en la que se introducen los puntos son la red social Twitter o app de móvil para cambiarlos por premios.


En su primera fase el programa piloto ha sido enfocado hacia el sector empresarial, puesto en marcha desde el mes de octubre de 2.011, ya cuentan con mas de 10.000 empleados, que a cambio de desplazarse a su puesto de trabajo reciben diferentes incentivos.


Aunque el objetivo es ampliarlo al resto de la población. El sistema proporciona a los clientes y empleados un compromiso y un beneficio mutuo, lo que les permite motivar al personal y mejorar su productividad y sus habitos.

El artista Giuseppe Penone la materia organica como materia vital


En la instalaccion titulada The Hidden Life Within (En la vida escondida dentro), el artista italiano Giuseppe Penone injerta el tronco tronco de un árbol joven, para rellenar con su materia el de un árbol que por su antigüedad tras debilitarse y caer al suelo.

Fue despojado de toda la madera que albergó a  lo largo de su vida. Como producto de esta generosa transfusión de meteria, el viejo arbol tiene la oportunidad de revelar su pasado. A través de las ramas del árbol de menos edad

Operación a través de la que se nos muestra como la identidad se transforma y se desarrolla en su interior. De modo que en el presente y de alguna forma el árbol decrépito tiene la oportunidad, de en un sentido poético tener la facultad de vivir de nuevo.  


Inspirado por la lentitud del crecimiento en el mundo natural, el artista nos invita a parar un momento para detenerse y pensar sobre el concepto del tiempo. Asi cómo de la forma en que hay una fuerza vital que a traves de la que todos los seres vivos están conectados.


Giuseppe Penone nació en 1947 en Garessio en Italia. Completo sus estudios coincidiendo con el nacimiento del movimiento Arte Povera Italia, corriente de la activista paralelo a la de década de los años 60's del siglo pasado. 

Al igual que muchos otros miembros pertenecientes al grupo, Penone utiliza materiales simples de origen natural. Con los que crea una narrativa a través de las que explora las fronteras entre arte y naturaleza. 

A finales de los sesenta Penone creó el primero de sus Trees (Árboles): árboles en crecimiento que son alojados en arboles cuyos anillos superan los suficientes años para convertirse en el anfitrió de un retoño y compartir su memoria. Esta primera serie ha adoptado una diversidad de enfoques, a medida que Penone refinaba sus técnicas y experimentos con diferentes tamaños e instalaciones. 


Los trabajos de Giuseppe Penone transmiten a la vez una mezcla de asombro y admiración. Piezas más o menos formales con las que muestra su compromiso con su entorno natural. 


Realizadas con materiales solidos como la piedra o el hierro, que tras ser tallada y tratado repectivamente. Establecen un diálogo con otros más accesibles como la resina, el cuero y sobre todo la madera. 

En esta instalación en concreto, Penone ha labrado la madera para revelar su pasado, que muestra el árbol que crecía en el interior para que pueda renacer en el presente. En lugar de imponer una forma, el artista en contraste con otras expresiones creativas el espacio actúa de forma secundaria, otorgándole una lectura y un rol diferente.

Hannah Whiteley - Essence, la campeona de Freestyle Kitesurf nos deslumbra en Sudafrica


Las tres veces campeóna del circuito británico Freestyle Kitesurf y ganadora del año pasado de Gran PKRA World Tour,  Hannah Whiteley, ya esta preparándose para la próxima temporada.


 y para ello ha elegido las playas de localidad costera de Camp Town en Sudafrica, donde durante los agotadores entrenamientos ha grabado este vídeo que podeis ver AQUI donde nos muestra sus habilidades encima de una tabla de surf, teniendo como un paisaje paradisiaco.




Pixelpancho - Cyborg Pinocho, el mito de madera se reinventa en el ambito publico


En la cita con la que nos da la bienvenida a su sitio web y por lo tanto a su partícular universo "we are all inmigrantes", el artista italiano PixelPancho, nacido en Turín en 1984. Ya supone toda una declaración de intenciones y principios.


Que aplica tanto en el ambito creativo como conceptual y que se puede observar de formas mas enfatica en sus actuaciones en el ambito publico. Mas concretamente en su serie dedicada al famoso personaje de la literatura juvenil Pinocho, cuento inmortal escrito por Carlo Collodi, y que nos relata la odisea de un padre por resucitar a su hijo.


Cyborg urbanos que son una combinación de Pinocho y los robots destartalados que aparecían en la película Inteligencia Artificial. No poseen grandes habilidades ni son funcionales, pero irradian humanidad, en ninguna circunstancia los programárias para realizar una de las muchas tareas de las que se supone, que son capaces de realizar, pero si mantendrías largas y sesudas conversaciones. 


Introducido en la practica artistica por su abuelo, que pintaba ocasionalmente. Con el tiempo, su pasión por el arte y el diseño le llevó a la Academia Albertina de Bellas Artes, seguida por la Academia de Bellas Artes de Valencia, España, donde obtuvo su título. Durante ese tiempo, se familiarizó con las escenas de graffiti y arte callejero. Influenciado por este mundo, comenzó a usar latas de aerosol y marcadores y a trabajar en superficies exteriores.

  

Aquí hemos seleccionado su trabajo realizado en el espacio publico, pero en su porfolio personal puedes descubrir su faceta como escultor y su amplia muestra de pintura, que son una continuación de lo que realiza en el espacio publico, pero mas elaborado.


El trabajo de Pixelpancho presenta una amplia gama de influencias. Entre las que se podrían citar a figurativos como  Joaquín Sorolla, o edl surrealista Salvador Dalí. Tambien se ha declarado seguidor de el grupo de pintores políticos afincadas en la ciudad española de "El Equipo Crónica" o los más como son Ron Inglés, y Takashi Murakami. La narrativa de la obra de Pixelpancho está impulsada por un mundo olvidado que se descubre bajo una manta de polvo. En él podemos encontrar robots rotos y abollados que se descomponen en el suelo, sus cuerpos de hierro y cobre oxidado instalados en el olvido nos habla de la memoria y de la resistencia ha desaparecer.




Filipe Magalhaes and Ana Luisa Soares - Polikatoikea, casa nomada en el interior de la estructura


Aparentemente es una estructura en bruto que carece de lo mas elemental en la contrucción de una vivienda, los tabiques que la protegen, de las inclemencias del exterior.

Por lo que es cualquier comprador potencial no mostraría el mas mínimo interior. Pero sin embargo ese es el argumento que han valorado el jurado del Concurso de Arquitectura Origami, celebrado a finales del año pasado, en la localidad de Oporto en Portugal.

Para que se le haya concedido el primer premio a las unidades residenciales de Polikatoikea. Las cuales se componen de un modulo inspirado en el mobiliario de la firma sueca Ikea, que permite su movilidad y ubicación en diferentes lugar, pudiendo añadir mas módulos en función del espacio disponible.


Y una planta en bruto donde el residente puede organizar el espacio por ejemplo con panel moviles o cerrando parcialmente al exterior utilizando aluminio, pudiendo diseñar y configurar el espacio que habita. Diseñado por los arquitectos Filipe Magalhaes y  Ana Luisa Soares, en el interior del modulo se encuentran los servicios básicos, una cocina equipada, un baño y una habitación. 


Su diseño compacto le permite la movilidad, estando destinados a un consumidor joven, en el plano conceptual el proyecto trata de proporcionar una idea que combate la desertificación de una conjetura económica inestable, donde bajo costo se presenta como una solución asequible. 


El patio trasero se ve como el elemento básico de la propuesta como abstraído y se repite en cada planta desarrolla una serie de nuevas plataformas públicas. terrazas se proponen nuevos encima de los tejados anteriores usando simples soluciones estructurales, que ofrece más metros cuadrados a la ciudad sin salir del sitio. estos lugares se crean mediante la colocación de cápsulas individuales, las burbujas de espacio privado, que se convierte en la casa llenando todas las necesidades básicas de vida contemporáneo.



Los retratos terapéuticos de Aunia Kahn y su interpretación astrologica


El trabajo de Aunia Kahn es el resultado de combinar y su conocida afición al tarot la creación, siendo por crear incluso su propia baraja que bajo el nombre de Tarot de la Era de Plata y publicada por Editorial Schiffer en abril de 2010.


Aparte de convertirse en un autentico fetiche entre sus muchos acólitos y un objeto codiciado y cotizado en el mundo del coleccionismo exoterico. Nos pone en contexto acerca de la posicion militante de esta artista de formación autodidacta, que aunque paso la mayor parte de su vida en la ciudad americana de Detroit.

Se acaba trasladando a la localidad de Boise en el estado de Idaho, en cuyo estudio empieza a dejar aflorar sus virtudes creativas, brindándonos una selección de retratos a traves de los nos revela sus inquietudes femeninas. A traves de los que según su propia autora exuda algunos de sus episodios mas traumáticos vividos durante su infancia.



En cada obra perteneciente al ambito figurativo, ya sea recurriendo al acrilico o al mas amable oleo hace uso de su imagen para realizarla enfatizando su personalidad. A menudo polémica, desafía al espectador  y sus ideas preconcebidas, sin embargo, se conecta a través de las emociones. 


El trabajo de Aunia ha evolucionado, si sus primeros trabajos se observa una cierta timidez y cautela a la hora de revelar facciones de su personalidad, mientras que sus creaciones más recientes profundizan en los conflictos emocionales del sujeto y sus muchas contradicciónes. 


En 2003 se encontró inmersa en una serie muy íntima para ayudar a avanzar a través de retratarse como una "deidad" inspirada tanto por la mitología griega y romana. Proceso creativo a traves que ella percibe y aplica de forma terapéutica. Aunque en un primer momento no se planteo compartir su trabajo públicamente, hasta que en diciembre de 2005 su carrera experimenta un punto de inflexión con su primera exposición que atrajo el interés inmediato del publico en general.

Influenciada por el movimiento Prerrafaelita compuesto por una comunidad heterogénea de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. Que por principio rechazaban el arte "excesivamente" que dominaba la epoca. Aunque duró como grupo constituido apenas un lustro, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo xx. 



La ultima obra de Brian Tolle titulada The Tempest causa una gran controversia siendo vandalizada

Tempest es una instalacción del artista de Brian Tolle que se puede visitar en el Collins Park, encargado por la Ciudad de Miami Beach. La obra forma parte del Art in Public Places. 


Serie que tiene como objetivo mejorar la calidad de los espacios públicos a través de instalaciones de arte específicas. Una especie de laberinto, hecho de aluminio con recubrimiento de polvo de fibra de vidrio cuenta con iluminación LED. 


La escultura aparece como una isla de olas tumultuosas e invita al espectador a participar en el movimiento al caminar por el laberinto. Por la noche, la escultura se ilumina desde el interior de lo que aparece como un río mágico de luz y servir como un faro y punto de referencia en Collins Park


Brian Tolle nació en 1964 en Queens, Nueva York, donde reside en la actualidad. Las esculturas de Tolle hacen hincapié en un diálogo formal e iconográfico alrededor de la historia y el contexto del lugar en el que actua y su entorno. 

Usando una variedad de medios de comunicación, su trabajo se basa en la escala y la experiencia de los lugares que  le inspiran a la hora de abordar sus proyectos. Provocando una re-lectura de la realidad cruzada con la ficción, desdibujando la frontera entre lo contemporáneo y lo histórico.


Lo contornos de The Tempest imitan el paisaje circundante, mezclándose intencionadamente con el entorno. La escultura adopta la forma de un laberinto celeste arremolinado que invita a la contemplación y al asombro.

Paradojicamente, esta obra de arte se ha enfrentado a su propia tempestad. Al poco de ser instalada fue retirada debido a que fue objeto de  un acto de vandalismo. El artista, Brian Tolle, expresó su frustración por la falta de mantenimiento de la obra, que había sido pintarrajeada e incluso utilizada como retrete. Tolle no autorizó su retirada, y el paradero actual de la escultura sigue siendo incierto.




The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore, una animación sobre el amor a los libros


Inspirado por acontecimientos como por ejemplo el episodio del huracán Katrina, el personaje central de la historia representada en el corto de animación titulada The Fantastic Flying Book of Mr. Morris Lessmore.

Se creo en homenaje al actor de cine mudo Buster Keaton, presentando narrativa mente y visualmente una atmósfera similar a la de Up el filme de Pixar. El protagonista en esta ocasión en vez de ascender al cielo entre globos.

Es un empedernido lector que llevado por su imaginación vuela entre las lineas de los muchos libros que ha leído. Tomos que conserva como si fueran incunables en su libreria.

 
Se trata de una historia de personas que dedican su vida a los libros por los muestran una auténtica devoción. Morris Lessmore es una alegoría conmovedora y algo ironica sobre los poderes curativos de las buenas historias que te puedes encontrar entre las páginas de un libro. 

Usando una variedad de técnicas (miniaturas, animación por ordenador y animación en 3D), el galardonado ilustrador y creativo William Joyce y el co-director Brandon Oldenburg contando con la producción de Moonbot.

Una experiencia audiovisual que se remonta a las películas mudas o musicales clasicos de MGM. Morris Lessmore ha sido  nominada para la próxima gala de los Oscar en el apartado de mejor corto de animación y cuya historia podéis ver AQUI.


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