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Luzinterruptus realiza Literatura vs Tráfico, un río de libros y vida en Utrecht


Tras casi dos años desde que forma abrupta se cesó prácticamente toda la actividad, como consecuencia de la alerta sanitaria decretada debido a la aparición y posterior expansión del virus Sars-Cov2 Covid 19. Una mayoría de creativos independientemente de su ámbito de actividad seguían instalados en la incertidumbre.

Un panorama cuando menos desalentador para el que nadie parecía tener una solucion, por lo que cuando se comenzó a vislumbrar la luz al final del tunel. Algo que se empezó a percibir sobre todo en los magazines digitales se comenzaron a publicar, aunque de forma timida.

Algunos artículos cuyos contenidos aunque hacían referencia a proyectos muy prematuros y que transmitían la impresion, de que estábamos instalados en una primera fase de arranque. Momentos dubitativos y complejos que sin embargo estudios como el de nuestros admirados colectivo Luzinterruptus parecía que había solventado con  cierta elegancia.

Aunque no se trataba de las grandes intervenciones con las que nos maravillaban durante la etapa prepandemia, si era gratificante como esta firma veterana (y ampliamente cubierta en NQ). Había conseguido superar el corte impuesto por el periodo de pandemia. En cuyo transcurso (aunque todavía no se han publicado cifras oficiales), muchas propuestas se habían visto abocadas a abandonar definitivamente su carrera artistica.

Algo que afortunadamente no ha sucedido con estos pioneros del arte urbano y el Land Art lumínico (por llamarlo de esta manera un tanto suigeneris), con más de una década de intenso trabajo. Cuya propuesta singular ha supuesto sino una revolución en toda regla, si la introducción de un elemento como el de la iluminacion.

Que ha supuesto que a lo largo de este intervalo de tiempo y paralelamente, hayan han aparecido una batería de creadores y estudios de una diversidad de ámbitos artisticos. Que han adoptado su óptica y praxis por lo que sin ninguna duda si han supoesto una notable influencia.   
       
Una de las miles de personas que se acercaron a curiosear en los más 11000 libros recogidos

Entre los escasos encargos que todavía reciben hasta el momento, si cabe destacar uno de los últimos publicados. Una intervención realizada a gran escala (como antaño), y que tuvo como escenario una de las principales vías de la ciudad belga de Utrecht.

Titulada Literatura vs Tráfico. Se trataba de un río de vída y luz que si tu la contemplas desde lejos lo primero que se te venia a la cabeza es una larga lengua, que bien podría ser la que emana desde lo profundo de un volcan. Elaborada con algunos de los elementos ya característicos a lo largo de estos años en la carrera de Luzinterruptus.

En el caso de la alfombra que cubría una longitud de cientos de metros, los ingredientes principales era miles de libros, los cuales fueron recogidos por voluntarios a lo largo de los meses precedentes. A lo que se añadió cientos de diodos LED, un elemento que ya forma de su repertorio tradicional.

Aunque su presencia fue efimera durando tan sólo un día Literatura vs Tráfico, logró transformar de forma radical los usos y costumbre. De un espacio habitualmente dominado por el vehículo privado.

Pero que no por ser conocido no deja de ser efectista a pesar de que no deja de ser un recurso a través de Luzinterruptus, simboliza su compromiso con la comunicación y el diálogo en el espacio publico. Además de la cultura como vertebrador social. Realizada en el marcó del Festival Internacional de Literatura de Utecht. 


La última versión de su intervención Literatura vs Tráfico no presentaba ninguna modificación sustancial respecto a otras ocasiones, ni en lo estético, ni mucho menos en lo conceptual. Pues se sigue abordando el dilema y aspiración de desear que los libros sustituyan a los coches como dominador en el espacio publico.


De esta forma y aunque sólo sea por unas pocas jornadas un espacio urbano reservado convencionalmente a la presencia exclusiva del vehículo privado. Se transforma en un escenario radicalmente opuesto, pasando de la denominación del ruido y la contaminación al sosiego y la convivencia. 

Durante la jornada diurna los miles de volúmenes del caudal libros apenas tuvieron visitantes


Como en anteriores citas la iluminación en el interior de libros actúa como gancho, para que aquellos que se acerquen tras hojearlos puedan llevárselos a su domicilio. Lo que cumple con el siguiente objetivo de la actuación, que consiste en que se complete un viaje de ida y vuelta. 

Por lo que muchos volúmenes hasta ahora tirados y huérfanos sobre el asfalto tengan una segunda oportunidad, a la espera de que los vehículos acaben parásitando de nuevo el paisaje urbano. En total se emplearon diez días en alfombrar la totalidad de la calle.

Operaciones que se gestionaron desde un cuartel general priveligiado y sin duda coherente, como es la flamante nueva biblioteca de Bieb Neude inaugurada hace apenas 3 años, el 13 de marzo de 2020. Las instalaciones que ocupa la biblioteca fueron con anterioridad la principal oficina de correos de la ciudad.

Interior abovedado de la sala principal de la biblioteca de Utrecht llamada Bieb Neude por su pasada actividad como estafeta de correos

El proyecto de diseño de la renovación fue encargada al arquitecto Van Rijnboutt, salvo el interior de la biblioteca que fue diseñado por Zecc Architecten. La renovación de la biblioteca actuó en total sobre una superficie de 8000 metros cuadrados de superficie, lo que proporciona una ligera idea de su monumontalidad.

Como en otras ocasiones precedentes el objetivo de la intervención Literatura vs Tráfico, tenía por objetivo reformular la acrividad dentro del espacio publico, transformando su entorno estetico.

Grandiosidad que cobra todo su esplendor cuando accedes a su sala principal de lectura principal, llamada El Monumento Nacional. Se trata de una descomunal bóveda que alberga cientos de estanterias, donde hay colocados decenas de miles de libros.


La remodelación del edificio que contaba con una antigüedad de casi 100 años de antigüedad, ha supuesto recuperar no solamente un edificio como equipamiento cultural de uso público. Sino que se ha conseguido conectar diferentes areas de la ciudad y ampliar el entorno.    

Contenido gráfico: Montaña Pulido 


Mythological epic in the surreal world of artist Heidi Taillefer

 


There is something old-world in the work of Montreal artist Heidi Taillefer, an evocative and romantic air, her paintings featuring figures from ancient mythology, religion and history. They navigate between the classical and the figurative and her archetypal subjects. 


His preoccupation with technology and the way it is changing the perspective on human existence and the way we relate to each other. His subjects are chimerical manifestations that combine human and animal body parts.


To which she adds, light bulbs and antique objects, making them float with anticipatory tension in their environment. In the case of Heidi Taillefer, she fuses classical figurative painting with the most dreamlike surrealism, to which she adds elements of mythology and popular figurative traditions ranging from Victorian romanticism to science fiction. 


His work is in line with some of the surrealists of the twentieth century, such as Max Ernst and DeChirico. With this background he traces the profile of the human condition through different eras and cultures, building his own lens and language.


READ IT IN SPANISH: Épica mitológica en el mundo surrealista de la artista Heidi Taillefer 


This approach reflects the omnipresence of technological advances in the world and how their influence is increasingly present in more creative fields. Born in the Canadian city of Montreal, Heidi Taillefer began drawing at the age of three, raised in a wealthy family. 


She was fortunate to be brought up in a creative environment, where she was drawn to the strange and unusual. Fascinated by strange animal specimens. From the age of ten she took private art lessons, where she developed skills in watercolor painting. 


After earning a degree in humanistic studies from McGill University in the 1990s, Taillefer began making numerous trips to developing countries. Paying special attention to the most universal themes of the human condition, in the context of an increasingly volatile and globalized society.



Federico Gomez, tree and root as an expression of our origins


The organic sculptures of the artist Federico Gomez link the raw material used in their elaboration to the formation of an identity, whether it is forest residue or fallen trunks. He adopts them as his children and through the form of a tree he narrates in first person what he perceives.


Weaving an experience that he shares visually with other living beings, a gesture that seals his commitment to his natural environment. Dictated in an ecological key, the message travels through the transformation of the landscape where each piece is located. 


Inspired by nature and each and every one of the elements that inhabit it, giving it its logic, he perceives each sculpture he makes as a totem. Through which to contemplate the world with a certain calmness and taking the necessary distance.

A CONTEMPLATIVE JOURNEY FROM THE GENESIS OF NATURE.

Reminiscent, except for specific nuances, of cave art, at least in terms of rhythm and expression. That draws on ancestral ethnic art to connect us with our past and show us what our future may be like. 


The elaboration of each piece, therefore, involves applying high doses of temperance. Because it has a lot of craftsmanship technique involving a laborious process, where the characteristics of the environment are a major influence on the final result.


READ IT IN SPANISH: Federico Gomez, arbol y raíz como expresión de nuestros origenes


Born in Madrid, he lives in the town of Bustarviejo, where Federico has the appropriate environment surrounded by forests and in the middle of the mountains of Madrid where he works in the calm. Carving specimens of trees whose final result, whether individual works or sculptural ensembles describe a journey back and forth.


Where the roots and identity are a journey where the natural environment is always present. Manifesting itself in each hollow, in each and every one of the silhouettes and the fragility they represent before our eyes.

Science popularizer Carl Zimmer uses tattooed scientific elements to promote love of science



Perhaps the scientific formula formulated by Albert Einstein, his famous theory of relativity, which revolutionized physics in the first third of the twentieth century. It is the tattoo with which most people identify themselves. 


But apart in the selection of scientific tattoos made by Carl Zimmer who is a writer and divulgator scientist, who has been receiving in his blog The Loom and has collected in a volume entitled Science Ink.


The first edition was sold out in bookstores during the first week of sale to the public. You can find references to any scientific discipline, tattoos that sequence DNA strands, such as the one using the four nucleotides that constitute the amino acids that translate proteins. 


They reveal the initials of your partner becoming a gesture of love towards her. An act of love directed to your partner, as well as to the paractic and especially to the scientific divulgation. 

A facet that has been parallel to his career as a member of one of the most reputable institutions in scientific terms in his country. Work in which he has applied himself providing numerous satisfactions, and enough knowledge that in his spare time he has incorporated to his other great passion, the artistic tattoo.


But you can also delight yourself with tattoos that are inspired by astronomical terms or that describe chemical formulas, or that give a glimpse of the different organs that remain lodged at the subcutaneous level. 


READ IT IN SPANISH: El divulgador científico Carl Zimmer utiliza elementos cientificos tatuados para fomentar el amor por la ciencia 


Works that show us the evidence that dozens of intelligent and intellectually perceptive young people recognize that the equations, symbols and elements that make up the periodic table. They can be transformed into the motifs that build an aesthetic narrative that will always accompany you.


A visual and elegant language through which the universe reveals its deeply buried and marvelous secrets. Showing us along the way traits of our personality, experiences that can guide us towards that destiny we long for. 



EQUIP XCL/The Sphere, two spheres for a skyscraper

 


A structure housed inside a similar structure, like a set of Russian dolls, is more or less the concept used by architect Xavier Claramunt, founder of the Barcelona-based design and architecture studio EQUIP XCL. 


To design the plans for The Sphere, he chose to approach it from an inclusive perspective. In this way the two spheres nested one in the other would concentrate both residential uses, as well as those related to services and commercial.  


With a total surface area of 1,600,900 square meters, The Sphere skyscraper project. It is distinguished in several aspects, apart from the design, which is very attractive, such as in the planning of the different elements that contribute to its habitability.


These are designed to give its future residents and the professionals who install and exercise their activity in it, autonomy, comfort and dynamism. The inner sphere or core would be destined to the economic activity, locating the commercial and leisure area, in addition to community services and administration of the two spheres and cultural facilities. 


Glazed with bioclimatic glass, the panels would be distributed in such a way that they would coincide on its axis with the huge holes drilled on the outside, allowing the entry of natural light. With which to illuminate their facilities.


In the outer sphere or permeable membrane would concentrate the residential fabric, offering different types of housing, due to its unique location. They have views both to the exterior and to the interior facilities, giving them a high degree of interrelation with their immediate surroundings. 


READ IT IN SPANISH: EQUIP XCL/The Sphere, dos esferas para un rascacielos  


Apart from the large circular openings, The Sphere has pedestrian accesses and discretional services in its lower part. In the neutral or common area, a surface located between the two spheres, landscaping has been planned, with species that favor oxygenation and air circulation inside. 


The viewpoints oriented to the outside, become extensions of the public space, becoming improvised viewpoints where to interact contemplating the rest of the city.



Mike Giant pioneer of urban tattooing in New York City

 


Roughly speaking, the urban artist and tattoo artist Mike Giant, born in upstate New York at an undetermined date but living in San Francisco (USA), can be considered a creative entity that gathers all the characteristics of what is known as a genuine New Yorker.


In fact, although as I have already mentioned at the beginning of this post, he moved to the west coast of the United States. After a brief but intense experience, he decides to pack his meager belongings and return to the city of skyscrapers.


Where he observes and witnesses how the new forms of urban expression take over the public space. Bringing with him other aesthetic airs that revolutionize the narratives in an urban context unknown until then. 


Proposals that for him meant a change of artistic direction, becoming the prototype of the unconventional urban artist. A nuance that can be perceived as soon as you observe his works and pay attention to their details.


Although it should be noted that apart from his purely urban activity, his career covers all disciplines that one can imagine, graffiti, photography, skateboarding, biking, alternative clothing designer, illustration. But perhaps his best known facet and for which he has become a reference for a whole generation is for his work as a tattoo artist.


READ IT IN SPANISH: Mike Giant pionero del tatuaje urbano en New York


Mike Giant's life and artistic experience runs parallel to the cultural and social chronicle of the West in the last three decades, this transformation can be seen throughout his career. How all these influences have been shaping his particular universe. 


Contributing to the development of a personality represented by multiple nuances that are reflected in his work, regardless of the approach and the creative area where he works.


Now in his forties he has embarked on perhaps his most ambitious project, the launch of the clothing and accessories brand Rebel 8, which has meant for his career a territory in which to pour all his creativity and experience.


Haussman en París y como revolución el urbanismo contemporaneo

Hasta finales del siglo XlX todo aquel que se traslada a París con la intención de convertirse en residente permanente de la ciudad de la luz mostraba la misma tendencia. Que Consistía en construir su vivienda los más próxima a la isla fundacional que por aquel entonces se encontraba amurallada.


Lugar emblemático sino paradigmatico y que se considera el lugar que eligieron los primeros pobladores para emplazar el asentamiento que se convertiría en el gran París que conocemos cientos de años después. Tendencia la de acumular habitantes en las dos riberas que bordean esta franja de tierra de no más de dos kilómetros de largo por apenas unos cientos metros de ancho. 


Momentos en los que concentraba tantos habitantes en su interior amurallado como en los aledaños de su perimetro, una densidad de habitantes por kilómetro de tal embergadura. Cuyas cifras sólo serían comparables a ciudades contemporáneas como Hong Kong o algunas de las megaurbes indias como Bombay o New Delhi. Por citar sólo dos ejemplos a través de los que nos podamos hacer una idea aproximada de la cantidad de habitantes que se apilaban, ya que su censo obsoleto no nos ofrece unas cifras lo suficientemente rigurosas.


Más allá de que en el centro sus vecinos se habian multiplicado por diez, alcanzando unos números que en la actualidad en todo caso parecerían irrisorios, si los comparamos con un padrón que en la actualidad supera los 7.500.000 de habitantes. Pero que en aquella epoca, caracterizada por una situación socio-politica que destacaba por una notable conflictividad que empujaba a Francia a una revolución inexorable. Situaba a la Paris heredada de la epoca medieval, sin servicios y sin por supuesto ninguna de plan urbanístico alguno al borde de colapso. 


Y es que el problema no es que aquel cúmulo de edificios apiñados de forma caótica fueran en su conjunto algo horrible esteticamente. Sino que la precariedad de servicios y la inexistente red de desagüe había provocado que en un plazo de tiempo relativamente corto se multiplicarán todo tipo de infecciones y enfermedades. Convirtiendo su entramado de calles estrechas y pesimamente pavimentadas, en un lugar insalubre donde sólo apenas podían subsistir las manadas de ratas que proliferaban en sus acequias. 


En la parte superior plano antiguo de la isle de Palais. Abajo célebre plano de Haussmann a partir del que se reorganizo el espacio público en el París del siglo XIX 


Dibujando una estampa que describía a grandes rasgos un futuro poco esperanzador sino directamente desolador, que lo aproxima más a una hecatombe bíblica, que a un resurgir de su cenizas como ave fenix. Hasta que a comienzos del Siglo XIX pasó por allí ni más ni menos que Georges-Eugène Haussman, un incipiente renovador del urbanismo de la ilustración. Quien aprovechandose de las inquietudes del emperador Napoleón lll. 


El cual quedó fascinado por los estándares de urbanización que exhibía orgullosa la ciudad de Londres. Quiso trasladar ese mismo enfoque aplicándolo con un sentido más monumental si cabe a la denostada París de aquel entonces. Concibió en una primera fase una serie de tímidas actuaciones realizadas principalmente en el centro de París. Comprendiendo los distritos de los Campos Elíseos,  Arcis y Saint Avoye. 


De los que en pocos años habían salido en estampida la mayor parte de las clases pudientes, que se habían mudado al extraradio, acomodandose en las grandes villas que se habían construido en los bulevares de la periferia. Actuaciones que servirían para redifinir las vías principales ampliando el ancho de las calzadas y dotándolas de alcantarillado y aceras. Lo que facilitaría que casi un siglo despues se incorporará de forma masiva el vehículo privado. 



Una vez superado el desafío de construir el gran croisée de Paris, y a pesar de la suspicacias y oposición de una parte de la poblacion, Haussmann no cejo en su empeño de cumplir su sueño de articular una ciudad a partir de bulevares amplios que facilitarán la interacción social. 



A pesar de considerarse una persona flematica y sosegada que precisaba de su tiempo para acometer los numerosos proyectos que guardaba en su cabeza, y con los que sin duda se proponía acometer su plan más revolucionario en términos urbanísticos. Y cuya ejecución supondría convertir a París, la ciudad que a lo largo de ese siglo de continuas transiciones. Se convertiría en el espejo, en cuyo reflejo se querrían mirar el resto de las grandes capitales occidentales


Un plan de tal embergadura que tras su finalización, dinamizaria una anodina y apática ciudad y que gracias a la construcción del gran París, a través de la ampliación del denominado eje norte sur. Plan que integraría de forma coherente desde el Boulevard de Sebastopol al de Saint Michael, hasta confluir en una serie de grandes avenidas en la sublime plaza donde está situado el Arco del Triunfo.


Un paseo monumental que coloco a la capital parisina como ejemplo y primer referente a nivel urbanístico a nivel mundial. Aplicando ese mismo patrón consistente en un trazado radial diseño el area de la Place de l'Etoile, hoy Place de Charles de Gaulle, que rediseñó Haussmann, con anchas vías en disposición circular. 


Epacios que descongestionaban una ciudad viciada y muy aspera visualmente que carecía de equipamientos culturales y de ocio. Algo que comenzó a corregirse cuando se construyó el coliseum que alberga la Opera de París. Y las plazas aledañas de Madeleine  y Alma, las cuales se utilizan como reclamo para los muchos asistentes a sus terrazas y cafes. 


Otro de los aspectos donde se percibe la presencia Haussman fue en la de su afán por desarrollar una red de transporte público lo más eficiente y aglil posible. Anhelo que teniendo en cuenta las limitaciones tecnológicas de mediados de siglo suponía una empresa que se antojaba poco más que menos que desafíante, y cuyo resultado era difícil de predecir.

Las fachadas construidas en piedra caliza de tono vainilla, transmitía una imagen uniforme a la vez que refinada


Aún así. Haussman no se amilono y realizó sendos encargos para contemplar la construcción de dos terminales ferroviales que reuniera las características que les permitieran por capacidad absorver la totalidad de los trayectos por tren que conectaba a la metrópoli con su periferia. Algo que de materializarse supondría incrementar considerablemente las transacciones comerciales, algo que por lo tanto supondría entrar en una era de prosperidad, elevando las expectativas de sus elites económicas. 


Aunque el resultado final no obedecía enteramente a la visión sofisticada de su precursor. Las estaciones de Gare de Lyon de menor tamaño y finalizada, no sin complicaciones pues debido a la falta de experiencia se demoro su apertura hasta 1855, casi un lustro después de lo que en principio se planeo, rebasando sustancialmente el presupuesto asignado en principio. Y la gran estación de Gare Nord que data de 1865. 

El Arco del Triunfo fue el hito monumental más destacado del plan de urbanización de Haussman


Que no obstante contribuyeron a un aumento en la mejoría de la movilidad que vino acompañada de la implementación de un moderno de sistema de alumbrado compuesto por lámparas de gas. Cuya instalación se convirtió en el orgullo de  una burguesía en auge, que podía disfrutar de un estilo de vida más cómodo. Con la renovación, se crearon nuevos espacios en los que la burguesía hizo ostentación de su nueva riqueza, creando una economía floreciente de la que disfrutaban ostentosamente. 



Acabando de una vez por todas con la desorganizacion y con las evidentes señales de mala higiene que hasta ese momento habían prevalecido. Algo que por Increible que parezca no había podido abordarse hasta ese momento. Pues entre la planificación de tan basta superficie y su posterior urbanización hubo que demoler numerosos edificios, sobre todo aquellos que se situaban dentro del casco histórico, pinicipalmente en la Isla da Palais y Les Halles. 


Aunque habría que matizar que las carencias en la experiencia y en el desarrollo de las herramientas tecnologícas necesarias habían retrasado que los parisinos no hubieran podido modificar la arquitectura de esas zonas del centro, que durante todo el transcurso del tiempo, que transcurrió desde los tiempos medievales: dejando pasar el esplendor y belleza del renacimiento frances como del Palacio del Louvre. 


París una ciudad provinciana a finales del siglo XIX.  Experimento una metamorfosis radical en menos de dos décadas, pasando de ser una ciudad medieval a la más moderna y cosmopolita del mundo.



En términos sociológicos la modernizacion de la ciudad, beneficio fundamentalmente a la clase media y alta burguesia. Mientras tanto los miembros de las clases más humildes fueron paulatinamente expulsados de la zona centro, en lo que se puede considerar el primer episodio de gentrification de la historia. Reubicandose más allá de la muralla en lo que se conocen como banlieues en este caso más humildes. 


Los barrios al noreste de la ciudad fueron los peores ya que se construyeron encima de canteras abandonadas. Eventualmente, la economia de la ciudad crecio mas rapidamente que la poblacion, y los Parisianos pobres pudieron conquistar ciertas cotas de prosperidad. Despues de la guerra de Algeria en 1962, las colonias francesas ganaron su independencia, y la gente de esos paises se fueron a vivir a los banlieues de Paris. Actualmente asi esta la ciudad. Los inmigrantes viven en las afueras y los parisinos en el centro. 


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A pesar de las protestas y desalojos que ocasiono todo el proceso de reurbanizacion y modernizacion de París. Habiéndose tejido una narrativa con interpretación politica de que el plan de reurbanizacion de Haussman fue ideado de forma deliberada con el propósito de repeler futuros conatos revolucionarios. Lo que sí es incuestionable desde una perspectiva histórica es que durante el Segundo Imperio contribuyó a la rápida represión de la comuna de París en 1871.


El balance en todo caso es positivo y marcó un punto de inflexión, suponiendo un antecedente a partir del que las sucesivas empresas urbanísticas que se acometieron sobre todo ya iniciado el siglo XX. Destacando buena parte de ellas por su glamour y en ocasiones calificadas de megalomanas, con una cantidad de edificios monumentales y grandes avenidas y bulevares que es dificil de asimilar. Si la visitas con poco tiempo simplemente es magica, por algo es la ciudad de la luz.


Una postal en definitiva que se instala en la retina del que la visita, y cuyo mérito es producto de la cosmovisión del barón Haussman, el cual es el responsable del trazó de los grandes bulevares. Siendo el pionero que impuso la alineación de los inmuebles en la vía publica, consiguiendo reorganizar el espacio de una forma racional y funcional. 

Heather Jansch - Driftwood horses, the root of the wild horse


The horse is perhaps the animal that has most often served as a model for a multitude of artistic manifestations. Since its slender figure was reproduced in cave paintings, made by our prehistoric ancestors.


Using rudimentary dyes made with the essences extracted from roots and plants, they painted on the surfaces of the interior of the caves. Dozens of examples have been found so far where this noble animal is represented.   


Due to their great plasticity, these equines have become the inspiration for hundreds of artists. The landscape sculptor and Land Art artist Heather Jansch, picks up these same roots of our ancestors to use the form acquired in their maturation to weave sculptures of mainly adult horses.

WILD HORSES ON AN ARTISTIC JOURNEY FROM PREHISTORIC TIMES TO THE PRESENT DAY.


Heather uses roots from the woods around the Westcountry in the UK. A region where forests and steppes abound, meeting the ideal characteristics so that since the first equine populations arrived thousands of years ago, they have been used for a multitude of tasks.


In the case of the horses that serve as Heather's models, they are a selection from her own stable of horses. Horses that the artist has been passionate about since her childhood, when she also acquired a taste for art, thanks in large part to her other great passion.


READ IT IN SPANISH: Heather Jansch - Driftwood horses, la raíz del caballo salvaje



That is none other than Leonardo Da Vinci, not only one of the most important representatives of his time, the Renaissance. But in addition to his artistic facet, he was prolific in others such as alchemy, as well as contributing with his inventiveness thanks to which he patented numerous formulas and prototypes.

  

Whose sketches represented a great influence in his working method. Inspiration that, if you pay a little attention, among other things in the notion of movement and volume that Heather applies in each and every one of the projects she undertakes. 


Practically self-taught, Heather left the art academy on the advice of her tutor. Moving to a rural environment where she reconnected with herself through art, applying the little knowledge she had about art.


In the elaboration of the series Driftwood horses, of which you can find further documentation in her book titled Heather Jansch's Diary. Where, in addition to a large amount of graphic material, the author accompanies you with reviews and a portrait of each and every one of the sculptures collected in its more than one hundred pages.


Her equestrian figures, which have been the subject of numerous exhibitions, are predominantly exhibited in natural settings, and are highly sought after not only by collectors of equestrian art. But by a diversity of private and public collectors. 


J. Mayer H. Architects/Metropol Parasol, how to gain public space without altering the environment.

 

In this urban planning project, the maxim that the weight of history was imposed could be applied. Due to the archaeological remains found on the land destined to become a car depot, the square in the center of Seville (Spain). 


It has become a space where the visitor, apart from wondering at the relics found in the course of the excavations, can admire a unique architectural work in the world. And whose wooden structure, although at first it may seem to be out of tune with the environment, can be interpreted as a coherent element with the rest of the rich heritage found in the area.  


Located in the center of the city, the undulating megastructure that represents the cells of a poultry panel, is the largest surface built in height in the world. Seven years after the local authorities launched the competition, which was won by J. Mayer H. Architects. 


the huge Metrosol Parasol mushroom after its inauguration, joining the map of outstanding buildings in the city as an icon and a tourist landmark. It boosts economic development and stimulates social and cultural activity in the public space.


This huge honeycomb apart from fulfilling a bioclimatic function, has meant the redevelopment of an area with a high heritage value of special significance. So much for the resident citizens as for the hundreds of thousands of visitors that every season cross a network of streets.


Where the cultural links of a town as unique as the capital of the river Gualdaquivir, are present through the different architectural styles that can be seen in its ancient buildings. The majority of religious character being present in almost every corner of the historic center.


GAINING HEIGHT WITHOUT LOSING IDENTITY


In the outline of Metropol Parasol, where its large wooden structures stand out. It houses the archaeological museum, a market of organic products, an elevated square and multiple stores dedicated mainly to the hospitality industry. As well as a panoramic terrace on top of the parasols. 


Built with an innovative method, the porous cover is made of wood, with a layer of polyurethane treated to withstand adverse weather conditions. The parasols thus make the archaeological excavation a point of reference. 


The columns become important points of access to the museum giving continuity to its sinuous layout. As well as on the roof of the square and the panoramic terrace, defining a unique relationship between the historical and the contemporary. 


THE COLOSSAL MUSHROOM HAS DOUBLED THE PUBLIC SPACE IN THE AREA.


Conceived as a social structure, the canopy provides shade during the day, creating a comfortable microclimate and a place for relaxation. At night, the sunshade becomes an artificial sky that creates the ideal setting in which to program a variety of artistic, musical and recreational activities.


These two qualities allow for a range of urban activities, such as sports (beach volleyball, boxing, street basketball, etc.), cultural events (cinema, theater, concerts, etc.). As well as commercial uses (fashion shows, corporate events, presentations, etc.) that emphasize the cultural and economic role of the Plaza de la Encarnación. 


READ IT IN SPANISH: J. Mayer H. Arquitectos/Metropol Parasol, como ganar espacio público sin alterar el entorno  


As one of the city's main places for communication and interaction. The elevated plaza responds to the need for a large multifunctional urban meeting space in the old town of Seville. It is connected to the street level through large staircases that function as activators of everyday life. 


While large enough to mark the plaza as a public space, the stairs make it easy to reconfigure in the case of restricted access. While most of these activities take place in the afternoon or evening.


In the daytime, the plaza becomes an attractive destination for retreat from urban life and a place for play, conversation or contemplation. The architectural proposal doubles the original footprint and creates an additional 4,500 square meters of high quality programmable spaces.


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