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Universal Play Machines, es una instalación surrealista que utiliza mobiliario publicitario como medio de expresión natural


Anidadas en diferentes lugares del frondoso bosque que se encuentra en las afueras de la localidad de Strafford perteneciente al estado Americano de New Hampshire, los soportes publicitarios que de forma cotidiana actúan como reclamos al consumo desde las marquesinas que se pueden encontrar habitualmente en una parada del autobús o en los aeropuertos.

En este paisaje bucolico adoptan sin embarjo un rol totalmente diferente, convirtiéndose en una extensión del mismo paisaje proyectando una versión animada de cada emplazamiento, con la que el sorprendido visitante puede interactuar pudiendo observar su entorno circundantes desde diferentes ópticas y franjas horarias. 

 Creada por el estudio de arquitectura Mobile Studio con base en Londres, la instalación titulada Universal Play Machines. Tenia como objetivo principal provocar la curiosidad por el entorno del visitante, para conseguir este efecto MS utilizo una estrategia pro-activa que combinaba procesos creativos y lúdicos.

DESCUBRIENDO EL BOSQUE A TRAVÉS DEL MOBILIARIO DE LA CIUDAD

Siendo la mas idónea para los centenares de niños que acuden cada Verano a las actividades organizadas por Beam Camp, un espacio creado en un entorno natural que combina programas relacionadas con actividades al aire libre con las artes plásticas.

Además de ofrecer interesante programa de becas, exposiciones, o talleres y que tiene como marco principal sus instalaciones desarrollandose en un medio donde el contacto con la naturaleza es el principal aliciente.

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Cada cabina que forma la instalación Universal Play Machines reproduce una película en formato animado compuesta por 50 dibujos, donde se nos describe la historia natural del paisaje y de su valor medio ambiental.
Universal Play Machine for BEAM Camp - July 2016 from MobileStudioArchitects on Vimeo.


Robin Galante - Dream Drawings, dibuja sus sueños en formato viñeta


Realizando un ejercicio de psicoanálisis la artista Robin Galante, vuelca sobre el papel sus sueños ilustrando su subconsciente. Poblado por infinidad de recuerdos que son producto de combinar las experiencias cotidianas del día a día.


Con otras que subyacen anidadas en los glóbulos temporales de su cerebro y que afloran como pasajes desordenados durante la fase del sueño conocida como R.E.M. Y con los que Robin trenza una narración a veces desordenada otras onirica. 

Pasajes o si se quiere flash que al despertar en vez de transcribirlos sobre un folio en blanco como si fuera un diario. Ella como habilidosa dibujante recurre a un bloc de ilustracion para reflejar todas y cada una de las secuencias oniricas de las que ha sido testigo durante la noche.   


Donde con trazos infantiles trata de darle un sentido que convierte en verosímil los sueños que en el momento se suceden como imagenes inconexas en su mente. Producto de la inmediatez, cada pieza obedece a unos parámetros concretos donde la mezcla de acontecimientos. 

Tanto reales como los que se elaboran en clave de ficción. Se presentan como una madeja que hay que hilar. Algo que Robin realiza empleando lapices de colores con los que la artista redacta un diario único donde registra su universo onírico.

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Leídos como un comic cada tira presenta una estructura donde el comienzo, el desarrollo y desenlace se pueden interpretar de diferentes maneras. Y donde la faceta como músico de su autora marca la pulsion de cada viñeta.




Andrea Costantini - Retratos de ciudad


Los collages fotográficos realizados por el fotógrafo italiano Andrea Costantin, nos muestra sujetos retratados donde se fusiona lo urbano, su arquitectura y los rasgos de sus protagonistas en una nueva epifanía renancestista. 

Cada fotografía refleja un estado de animo diferente humanizando mediante reacciones emocionales de los lugares y sus características arquitectónicas, fotografías que realizan las veces de diagnostico causa y efecto del entorno sobre sus habitantes y de la forma que influye sobre su percepción del mismo.

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Utilizando recursos oníricos los elementos surrealistas definen una ciudad que brota del subconsciente  en un deseo por vivir en un lugar diferente, producto de su idealización



Jim Kazanjian - Sinister Architecture Constructed


Intrigado por como trataban en sus obras y relatos autores de la literatura científica las diferentes tipologías arquitectonicas con las que nos relacionamos habitualmente,  el fotógrafo con sede en la ciudad californiana de Portland.

Jim Kazanjian se embarco en investigación cuyo resultado fue un viaje en el que tras recorrer miles de kilómetros de los Estados Unidos en el que recopilo una documentación ingente, compuesta principalmente por fotografías de aquellos lugares relacionados con algunas de las mas importantes obras literarias del Siglo XX.

A partir de las que Jim ha creado todo un imaginario con el que tanto los aficionados al genero como aquellos que han conocido sus historias a través de las multiples adaptaciones, que se han rodado hasta el momento y que han contribuido a crear un genero que con el paso del tiempo ha pasado de ser considerado un genero secundario a convertirse en un autentico fenómeno de masas.

INSPIRADO POR LA ARQUITECTURA FANTÁSTICA Y SUS ADAPTACIONES CINEMATOGRÁFICAS

Realizados en blanco y negro cada obra combina paisajes surrealistas y atmósferas peturbadoras. Donde la forma fantasmal de la arquitectura nos traslada a paisajes descritos por autores de ciencia ficción como H.P. Lovecraft, del que Jim siempre se ha considerado un fiel y ferviente admirador.

 Realizadas partir de la documentación aportada por mas de 30.000 instantáneas, que su autor ha ido recopilando de fuentes tan variadas como bibliotecas, archivos municipales o bibliotecas. Jim utilizando aplicaciones de retoque fotográfico, actualiza el estándar fantástico ofreciéndonos su propia versión.

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Sinister Architecture Constructed, reinterpreta la arquitectura fantástica, en una serie de fotografías que destacan por su originalidad, imaginación y estética fantástica

Jorge Mayet - Naturalezas suspendidas en la memoria


Uno es de donde vive, pero la memoria que se almacena en forma de sedimento producto de tus experiencias, te hace retornar a las vivencias que más impacto  te han causado a lo largo de tu vida.

Vinculandote en muchas ocasiones a tu lugar de origen. Invitados a un viaje de ida y vuelta a aquellos lugares que han dejado de alguna manera una huella en lo mas profundo de su interior.

O lo que es lo mismo a ese almacén que denominamos memoria. Un sitio en el que aparcamos tanto aquellos instante que supusieron un episodio más o menos gratificante. 

Como aquellos eventos que se pueden catalogar como más traumaticos o desafortunados. Construyendo narrativas cuyas formas mas inusuales e inesperadas que uno se pueda imaginar, nos asaltan de forma inesperada.


En el caso del artista cubano Jorge Mayet residente en la isla mediterranea de Palma de Mallorca. Realiza una interpretación de la memoria a través de los que representa mediante esculturas orgánicas.

Las instalaciónes de Jorge Mayet miniturizan la realidad en réplicas imaginarias de paisajes que se transforman en objetos de la memoria natural comprimendo el espacio


Lo que de forma latente se podrían calificar como naturalezas suspendidas, que reproducen paisajes fragmentados e inconexos. Y que no dejan de ser retazos extraídos desde la raíz de nuestra psique o mente.

Cada instalación representa un ecosistema autónomo, que conserva su identidad representando un pasaje poético y sentimental que conecta a su autor con la esencia de la menoria que se almacena en las diferentes áreas de nuestro cerebro como el hipocampo o la amigdala. 

Representaciones de expresiones humanas cuyas metáforas se plasman a través de la imagen de un árbol suspendido en el vacio. Que se muestra desde la raíz hasta la copa levitando en el espacio siguiendo un patron estético próximo al lenguaje surrealista. 

Pete Hawkins presenta Behind Closed Doors, un viaje enigmático a través de humanizar puertas recicladas


Las puertas suelen ser el elemento del mobiliario con el que establecemos una relación mas estrecha, nos proporcionan intimidad, nos aislan del mundanal ruido, las abrimos a los amigos cuando nos visitan. E incluso nos pueden servir com una válvula de desahogo.

Dando un portazo a tiempo, señal de que estamos enfurecidos por alguna causa moral o doméstica. Pete Hawkins un artista nómada (como le gusta definirse) nacido en Panamá, y que desde su infancia ha tenido la oportunidad de viajar por la practica totalidad del mundo haciendo escala en los mas diferentes y exóticos destinos. 

Diversidad de contrastes que con la experiencia y el transcurrir del tiempo han conformado una identidad artística, donde la estética y la técnica empleada en la elaboración de cada una de sus obras reflejan su percepción de la realidad.



Obtenidas a partir de puertas recicladas obtenidas de donaciones de muchos de los lugares donde ha estado. La colección que compone  Behind Closed Doors, representa una etapa en este camino de evolución en la trayectoria de este artista autodidacta que tras completar su particular se acaba instalando definitivamente en la localidad inglesa de Suffolk, muy cerca del mar. 

Medio al que le une una relación mu especial y con el que establece una relación muy estrecha. Convirtiéndose en un elemento narrativo recurrente en su obra, tanto en sus intervenciones en el espacio publico, como sirviendo de paisaje para su representación en sus series de sellos ilustradas. 


A través de la relación y el conocimiento extraídas de todas y cada una de las experiencias vividas con las comunidades con las que ha tenido oportunidad de trabajar. En proyectos que son producto y reflejo en términos creativos del paisaje social cultural al que se ha aproximado previamente.


Siendo representado este contexto en escenas que reproducidas sobre las superficie de las puertas transmiten una sensación de nostalgia de su infancia y de los sueños que quedaron por el camino. Creando atmósferas surrealistas en las que sus personajes se muestran en  ocaciones contemplativos, y en otras anodinos a la vez que perplejos y distantes.


Christopher Labrooy - Flight Intestines, un Boeing 747 convertido en pasta de dientes con CGI


Derramado por el suelo un Boeing 747 se transforma en un serpenteante rió de color amarillo metalizado. Como si fuera un bote de dentífrico las pasta se solidifica al entrar en contacto con el ambiente exterior.

Creado por artista visual Christopher Labrooy. En la serie titulada Flight Intestines maneja elementos surrealistas, con los que ironiza sobre la realidad y en como los medios de comunicación nos la transmite.

La obra de Christopher estéticamente bebe de fuentes como la cultura Pop, lenguaje mediante el que se articula un discurso donde la tecnología se muestra de forma desmitificada. Que se caracteriza por el empleo de colores estridentes y formas dinamicas.   


Después de finalizar su formación como diseñador, Chris comenzó a usar el 3D como una herramienta estandar para visualizar ideas para muebles y productos. A medida que la tecnología 3D y el hardware evolucionaron, Chris vio la oportunidad de explorar el rendimiento de las herramientas CGI como un medio creativo en sí mismo con el que podía modificar y transformar objetos cotidianos y familiares en nuevas formas tipográficas y escultóricas. 


El que quizas sea uno de los aviones mas míticos y empleados en vuelos comerciales, el Boeing 747, se nos muestra como un elemento con cualidades creativas que reinterpretación estéticamente su significado.


Con sede en Escocia Chris está interesado en la intersección entre la tipografía, la arquitectura, el diseño de productos y el arte visual. Conceptos a partir de los que versiones que se inspiran en formas surrealistas con las que ha creado un universo propio con el que alimenta la imaginación de sus numerosos seguidores.




El artista Chris Spollen, reproduce en clave artística prototipos fallidos


Cuantas veces hemos imaginado que viajábamos en el tiempo, u orbitabamos alrededor de la luna. O buceábamos en las profundidades descubriendo los restos del Nautilus que aparecía en 20.000 leguas de viaje submarino.

El ilustrador y artista Chris Spollen, realiza un trabajo mas elaborado se cabe. Donde el fetichismo y la arquelogia constituyen su pasión por el diseño de todos aquellos prototipos, que a lo largo de la historia se han construido. Pero que por diferentes razones nunca han llegado a ser comercializados entre el gran publico, provocando en muchos casos un autentico descalabro entre sus inventores. 

Reproducidos mediante ilustración o a escala en maquetas. Cada trabajo viene precedida de un arduo trabajo de documentación, cuyos resultados Chris recrea de forma artística. Con lo que consigue piezas que combinan la estética surrealista que suscita la imaginación, y una labor didáctica de divulgación a través de lo que recupera proyectos en muchos casos olvidados.

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dRMM - Stair Endless


Su presencia y concepto ya desconcierta pero el ascender por cualquiera de sus accesos, sin saber muy bien cual es su función o destino. Que te vas a encontrar al final de la escalera? Hay un final?

Son preguntas que asaltaban a los visitantes que acudían, al reclamo de las actividades celebrada alrededor de la ultima edición London Design Festival organizada por la Tate Modern de Londres. Y donde se pueden ver algunos de los diseños mas sobresalientes de la temporada.

Diseñada por el estudio dRMM, la instalación de efecto masivo titulada Stair Endless (escalera sin fin). Su estructura se inspira en la obra de M.C. Escher y sus interminables laberintos arquitectónicos cuyo recorrido conducía a ninguna parte en concreto.

Concebida como un mirador las quince escaleras entrelazadas con las que esta realizada Stair Endless, facilitan diferentes posiciones desde las que el observador podía obtener diferentes vistas y contemplar la ciudad de Londres y el rió Tamesis a diferentes alturas. 

Construida en madera laminada, su recorrido que como principal propósito tiene el jugar con la percepción del observador, y de como dependiendo de la posición en la que se encuentra se modifica. Se monto a partir de estructuras moviles pudiendo modificar la disposición de sus piezas.

"Sculpture's gift to architecture is the staircase" - Alex de Rijke from Dezeen on Vimeo.

M & C Saatchi - OPERAZIONE #L1F3, un submarino aparece Milán como un accidente surrealista


Cuando al amanecer los ciudadanos de Milan, que recorrían una conocida zona comercial de la capital de la Lombardia. Descubrieron estupefactos como emergía un submarino desde las entrañas del subsuelo. 

No sabían muy bien a que o a quien obedecía. Muchos pensaron que la presencia casi surrealista de aquel batiscafo, que parecía una replica extraída del celebre relato de aventuras 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne. 

Formaba parte del decorado de una película de ciencia ficción, o de un anuncio de televisión. La escena que se desarrollo en tiempo real formaba parte de la campaña ideada por la agencia M & C Saatchi. 


Para una conocida compañía de seguros. Trataba de transmitir el mensaje teñido de confianza entre sus clientes. De la capacidad de respuesta de la que disponen, aun en las peores circunstancias. 


La campaña OPERAZIONE  #L1F3, cuyo anuncio podéis ver es AQUI, es el resultado de la utilización de las últimas técnicas render y de tratamiento digital CGI, suponiendo un antecedente de lo que ya se conoce como inteligencia artificial. 


Y de como si se actúa desde una óptica conjunta, y aplicando estrategias participativas en las que se aborden dinámicas colectivas. Se puede dar una respuesta satisfactoria a la peor de las situaciones que se pueda provocar e imaginar.


JUMP INTO THE FUTURE:

Although it may seem an incoherence in this year of 2023, this well-known advertising agency has opted for the digital "paper" as a means of disseminating ideas. Putting into circulation the first issue of MAKE CHANGES. Whose first number you can download from HERE In whose pages they want to reflect the changes that are taking place, as a result of the episodes that marked the inflexion point that supposed the Covid-19.

ALSO IN SPANISH:

Aunque parezca una incoherencia en este año de 2023 está conocida agencia de publicidad ha apostado por el "papel" digital como medio de difusión de ideas. Poniendo en circulación el primer número de MAKE CHANGES. Cuyo primer número podéis descargar desde AQUI En cuyas páginas quieren reflejar los cambios cambios que se están produciendo, a raíz de los episodios que marcaron el punto de inflexión que supuso el Covid-19.   




Tim Walker, glamour surrealista inspirada por la corte de Louis XIV


En las composiciones fotográficas de Tim Walker se percibe una narración literaria que sin duda Tim atribuye a sus comienzos como fotógrafo. Vocación que adquirió mientras lo combinaba con su labor como bibliotecario.

Ordenando y catalogando los miles de volúmenes de una de las librerías con más solera de la ciudad de Londres como es la Conde Nas´t. 

En cuyo periodo adquirió una experiencia narrativa visual inspirada por las miles de horas que, se pasaba entre los anaqueles de las estanterias. Colocando todas y cada una de las novedades que recibía casi a diario. 


Periodo en el que empezó aceptar encargos como fotógrafo freelance para diferentes publicaciónes, hasta convertirse en ayudante durante durante mucho tiempo de uno de los fotográficos mas maniáticos que existen. 

Y del se puede observar una influencia notable sobre su obra, este fotógrafo que responde al nombre de Richard Avedon, del que incorporo su sentido estético. A unos trabajos cuyo discurso visual cada vez eran más elaborados y ricos en detalles.



Caracterizado por una interpretación del glamour y el oropel que destaca por la grandilocuencia de sus dramatizaciones, además de cantidades ingentes de ironia. Además de una atmósfera por momentos mu cinematográfica y la incorporación de elementos surrealistas que combina con decorados vintages. 


Consiguiendo reproducir pasajes que evocan cuentos y fabulas donde se describen mundos mágicos. Pero cuyo hilo conductor nos devuelve a una realidad donde lo improbable siempre nos acecha estableciendo la esencia de un guión que siempre tendrá como detonante y principal aliciente la ficción.

Caras Lonut - Naturaleza surrealista inspirada por Poe


En muchos de los trabajos del fotógrafo digital Caras Lonut se observa dos constantes, por una parte vemos la naturaleza representada mediante diferentes especies, en ocasiones siguiendo patrón crudo y descarnado.

Animales salvajes que son tratados como mascotas acompañados casi siempre por niños, en un viaje donde las atmósferas oníricas nos describe un universo mágico. En el que la naturaleza esta siempre omnipresente.

La otra es su peculiar tratamiento del color, matiz que sin duda logra gracias a la aplicación de una variedad de filtros. Con los que trata cada imagen después del montaje que realiza con el photoshop (del que es un consumado experto). 


Con los que consigue que la composición final de cada pieza tenga ese efecto tan tenue que evoca a tardes otoñales que transmiten serenidad e invitan a la meditación. Y que pueden recordar a algunos de los pasajes de los relatos de Edgar Alan Poe.

Nacido en Rumania en Febrero de 1.970, Caras alterna su carrera profesional, en la que ha realizado encargos para numerosas publicaciones. Con su afición por la fotografía digital.

Su imaginación y su trabajo están cautivados por los sueños y por las estaciones de otoño e invierno, a través de las que analiza el lado más oscuro de los deseos de un sujeto y sus sueños.

Ambitos en el que ha utilizado un lenguaje donde el surrealismo comparte espacio y discurso con elementos extraídos del universo natural. Representando paisajes en los que la nostalgia por una infancia que ya no volverá, se difumina entre trazos inspirados por la memoria del sueño y sus huellas impresas en el subconsciente.


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