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Tammam Azzam, arte digital para construir el abismo de la libertad en ruinas


El artista digital sirio Tammam Azzam sigue interesado en explorar las posibilidades visuales de combinar técnicas creativas, a través de los describir una realidad que se desborda y precipita y construir narrativa cuya identidad creativa se pueda identificar. 

Para Azzam, la ventaja de relacionarse con esta metodología de trabajo en la que la investiga y mezcla técnicas pertenecientes a diferentes ámbitos, es que facilita la creación de una obra de arte como una "forma híbrida". Que es capaz de pedir prestado y multiplicarlo a medida que evoluciona. 

Contemplando los mecanismos relacionados las técnicas que emplea como una experiencia que forma parte del ADN de la obra, así como de su significado y simbologia. Y con las que crea escenarios donde el dramatismo se camufla en una belleza mordaz a la vez posee una atmósfera en la que la poetica se manifiesta en la plasticidad de cada composición.


Pintura. aerógrafo, figuración, fotografía y arte digital... Son tecnicas con las que representa paisajes urbanos decadentes y que en ocasiones incorpora referentes que recuerdan a un entorno industrial aproximándose a una estética SteamPunk. Elementos de un estilo definido que se observa en sus collages en las que los restos de edificios derruido se muestran en escala de grises y vacíos no pudiéndose precisar la causa de su estado. 


En algunos casos se ha hecho hincapié en sus semblantes pintandos, el resultado es una apariencia transitoria, como si en la forma de un negativo fotográfico, una imagen que existe, aun no se ha revelado por completo.


Nacido en Damasco en 1980, Tammam Azzam es uno de los jóvenes talentos salidos de Siria. Ingreso en la Facultad de Bellas Artes donde se especializo en pintura al óleo, ha expuesto en algunos de los espacios de arte del país más importantes. Ha participado en muestras como Scope Art Fair, Basile 2009 y Art Miami 2010.



Jamie Baldridge, la mirada perdida del subconsciente


El fotógrafo Jamie Baldridge se inspira en la revolución industrial para crea una narrativa visual en la que los elementos surrealistas y oníricas, contribuyen a perfilar su identidad creativa como fotografo.

En la obra de Baldridge se observa aparte de sus habilidad y calidad fotopictórica, a través de la que ofrece fragmentos de relatos habitados por personajes intrigantes y de mujeres finamente vestidas. Que viven en sus atalayas como si fueran jaulas de cristal. 

Las escenas retratadas en las que a menudo recurre a modelos que representan a sujetos de porte distinguido y mirada distante, que aparecen de forma discreta en ambientes comunes. Ya sea en casa adoptando un rol doméstico o en un entorno urbano. 


Baldridge, profesor de fotografía en la Universidad de Louisiana en Lafayette, utiliza su experiencia en la fotografía y la escritura creativa. Para ilustrar una serie de momentos aislados reinterpretando cuentos clásicos de hadas, trasladandandolos a un contexto visual. 

Los elementos añadidos del surrealismo de forma sutil, dotan a las escenas más mundanas y cercanas a la realidad de cierta atmósfera lúdica y hedonista. Baldridge atribuye sus técnicas narrativas a sus creaciones fotográficas, y su experiencia literaria.



El trabajo de Baldridge se nutre de ambitos como la literatura, la filosófia e incluso la religion. Con los que crea obras cargadas de simbolismo y de referencias a la psicología y arquetipos jungianos, entre el cuento, el esotérismo y la fábula. A través de los que representa la fragilidad de las relaciones, y una diversidad de estados alterados de conciencia.


Su trabajo ha sido tildado de proyectar una interpretación de la realidad sugerente a la vez que nostálgica y decadente. Fotográfia refinada mezcla de la herencia y tradición sureña y el barroquismo francés. Cocktail de estilos con los que crea composiciones visuales que discurren entre una estetica Steampunk, y grandes dosis de humor negro.



Jesús Orellana - ROSA, el amor por la naturaleza contra el apocalípsis medio-ambiental

Lo primer o que te llama la atención cuando comienza el cortometraje titulado Rosa que podéis ver integramente AQUI, es en la ambientación entre Steampunk y post-apocaliptica.


Atmósfera que te remite de forma inmediata a films de la talla de Blade Runer o The Matrix. Comparaciones que en principio pueden ser prometedoras para su autor joven Jesús Orellana. 


Centrándonos en el argumento que nos propone Rosa. Una odisea romántica donde el amor imposible lo encarna un entorno medio-ambiental que irremediablemente se está degradando, habiendo cruzado un punto de no retorno.

En sus poco más de nueve minutos su autor le añade una mezcla de referencias a la cultura del manga y de época victoriana vampirica. Uno de los cortometrajes del año que se ha exhibido en festivales como Stiges, o en las secciones oficiales de Seattle, Los Ángeles o Toronto.


Y cuyos derechos se están negociando por parte de 20th Century Fox con su creador para realizar una versión extendida. La animación nos narra la misión de Rosa una ciborg del proyecto Kernel. 


Su director y guionista ha invertido cerca de un año en crear una historia que te engancha desde el primer instante, en una trama tan romántica como cautivadora y comprometida con el medio-ambiente.



De ojos verdes tan enigmáticos como estigmatizados y desolados. Se ha embarcado en una lucha por evitar que la dregadación medioambiental acabe por destruir el mundo que conoce y que nos alberga, convirtiéndolo en un apocalípsis inhabitable. En el que apenas sobreviven formas de vida,  extinguiendose la practica totalidad de ellas. 


Orellana creó la obra con CGI en su casa, sin ningún presupuesto, lo que no hace mas que añadir mas merito a su trabajo. La película realizada para captar la atención de los estudios, se puede convertir en el debut y la mejor plataforma para que en un futuro cercano se ponga al frente de una superproducción. 


Atlantis, una metáfora sobre la soledad protagonizada de un robot con estética Steam-Punk


Existe una posición que comparten cada vez más críticos así como seguidores y fans de la ciencia ficcion, que sostienen que los elementos narrativos propios del genero. Como son aquellos que tienen que ver con los escenarios de fantasia.

No solamente no tienen que ser ajenos a lo que sucede en el plano de la realidad. Sino para que el relato que se construye sea valorado aplicándole ciertos criterios de calidad literaria, tiene que albergar en su génesis y cooncepcion.

Alguna referencia o atisbo que obedezca o recuerde al lector de ciencia ficción algún hecho que le resulte familiar. En este sentido un tema candente y de plena actualidad como son los efectos del aislamiento social y la soledad y como afecta y transforma la personalidad del sujeto al que afecta, no podía escapar a las inquietudes de los autores de historias de fantasía o distopicas.


Como la producción titulada Atlantis An inconvenient truth, un corto de animación creado y producido por Simon Prager y que podéis ver en el siguiente enlace pulsando AQUI. Una breve pieza frágil y cargada de lirismo por cuya estética steam-punk had sido galardonado con el premio a la excelencia en el certamen de animación y producción digital Steampunk Challenge, organizado por CGSociety.

 Ambientada en una ciudad flotante, nos cuenta las penurias del encargado de su mantenimiento, un robot un tanto desastroso que además de supervisar que todo esta en perfectas condiciones, tiene que soportar el peso de la soledad circunstancia que provoca que cometa algún que otro error en el gobierno de la nave. 


El artista Victoriano Dan Hillier colabora en el ultimo video/clip de la banda Losers junto al realizador Tom Werber



Losers es una banda británica mas concretamente dos Dj's de electro Rock, entre sus conquistas se encuentra Placebo o Prodigy, con los que han colaborado, aparte de una larga lista de artistas con los que han participado en otros tantos proyectos.


En su ultimo single "Flush" por ejemplo ha participado Ritz MC and Envy, el vídeo de presentación de la cancion es todo un alarde de surrealismo, una animación dirigida por Tom Werber and Dan Hillier ambientada en los años victorianos de finales de XIX, donde la banda sonora la pone un single demoledor donde las secuencias se alternan con unas bases frenéticas.

Rodada en blanco y negro como si fuera un grabado se trata de un enfoque cuyo formato atenua su estética Steampunk, nos describe una historia cuya narrativa nos sumerge en las divagaciones de su protagonista y su estupor ante una realidad con la que apenas puede identificarse.

El video clip que podeis ver desde AQUI, transmite toda la intensidad que aplica la joven formación en su interpretacion, a la vez que cierto grado de luminosidad. Debido al tratamiento con las que ha tratado las imagenes Dan, las cuales fluyen logrando una combinando que encaja y funciona notablemente con una composicion de pulso y frecuencias graves lo que le da un tono muy barroco a la canción.


Dan tras vivir en una primera etapa en Stoke Newington, al este de Londres, se traslada al distrito Dutmoor en 2022. Lugar en el que se afinca definitivamente encontrando la inspiración para sus trabajos. 
El enfoque de Dan en sus grabados se caracterizan por ser profundamente reflexivos e intropectivos. Sus imágenes están firmemente arraigadas en la experiencia humana de ser parte del mundo natural. Realizando un retrato de su entorno atemporal del arquetipo del sueño y su mito.





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